Temporada de premios 2026: Ganadores a la 98va entrega de los Premios de la Academia

"One Battle After Another" fue nombrada mejor película en la 98ª edición de los Premios Óscar, que se entregaron el domingo.

La dramedia de PTA se llevó seis premios Óscar en total. Paul Thomas Anderson también ganó el premio a mejor director y mejor guion adaptado, siendo estas sus primeras victorias en la Academia. Sean Penn, quien no estuvo presente en la ceremonia, ganó el premio a mejor actor de reparto, estableciendo un récord con su victoria en la historia de los Óscar. 

Este año, los Óscar añadieron una nueva categoría, la primera desde que se introdujo el premio a la mejor película de animación en 2002,  que reconoce el mejor reparto. Cassandra Kulukundis ganó el Óscar por "One Battle After Another".

Por otra parte, Sinners se llevó cuatro estatuillas. Michael B. Jordan fue nombrado mejor actor , mientras que Ryan Coogler ganó el premio al mejor guion original por su película, que también se alzó con el premio a la mejor banda sonora original para Ludwig Goransson y a la mejor fotografía para Autumn Durald Arkapaw, quien se convirtió en la primera mujer en ganar este galardón.

Las películas One Battle y Sinners impulsaron a Warner Bros. a una noche de éxito récord.

Jessie Buckley fue nombrada mejor actriz por "Hamnet". Amy Madigan ganó el premio a mejor actriz de reparto por su papel en Weapons .

La película KPop Demon Hunters ganó el Oscar a la mejor película de animación , mientras que la canción "Golden" de la película se convirtió en la primera canción de K-pop en ganar un Oscar, en la categoría de mejor canción original.

Frankenstein se alzó con tres premios: a mejor diseño de vestuario, mejor maquillaje y peluquería, y mejor diseño de producción.

Este año, la Academia también ha decidido incluir solo dos interpretaciones en vivo de dos canciones nominadas:  «Golden» de  KPop Demon Hunters  y «I Lied to You» de  Sinners , con el fin de agilizar la ceremonia y que termine a tiempo. El programa también incluyó homenajes a varias estrellas que fallecieron durante el último año, entre ellas Rob Reiner, Robert Redford, Diane Keaton y Catherine O'Hara .

La 98.ª edición de los premios,  presentada por Conan O'Brien por segundo año consecutivo, se transmitió en vivo por ABC y Hulu desde el Dolby Theatre en Los Ángeles. 

A continuación, la lista completa de ganadores:

Best Picture: One Battle After Another (Warner Bros.); Adam Somner, Sara Murphy and Paul Thomas Anderson, Producers

Bugonia (Focus Features); Ed Guiney & Andrew Lowe, Yorgos Lanthimos, Emma Stone and Lars Knudsen, Producers

F1 (Apple); Chad Oman, Brad Pitt, Dede Gardner, Jeremy Kleiner, Joseph Kosinski and Jerry Bruckheimer, Producers

Frankenstein (Netflix); Guillermo del Toro, J. Miles Dale and Scott Stuber, Producers

Hamnet (Focus Features); Liza Marshall, Pippa Harris, Nicolas Gonda, Steven Spielberg and Sam Mendes, Producers

Marty Supreme (A24); Eli Bush, Ronald Bronstein, Josh Safdie, Anthony Katagas and Timothée Chalamet, Producers

The Secret Agent (Neon); Emilie Lesclaux, Producer

Sentimental Value (Neon); Maria Ekerhovd and Andrea Berentsen Ottmar, Producers

Sinners (Warner Bros.); Zinzi Coogler, Sev Ohanian and Ryan Coogler, Producers

Train Dreams (Netflix); Marissa McMahon, Teddy Schwarzman, Will Janowitz, Ashley Schlaifer and Michael Heimler, Producers

Best Director: One Battle After Another (Warner Bros.), Paul Thomas Anderson 

Hamnet (Focus Features), Chloé Zhao

Marty Supreme (A24), Josh Safdie

Sentimental Value (Neon), Joachim Trier

Sinners (Warner Bros.), Ryan Coogler

Best Actress: Jessie Buckley in Hamnet (Focus Features) 

Rose Byrne in If I Had Legs I’d Kick You (A24)

Kate Hudson in Song Sung Blue (Focus Features)

Renate Reinsve in Sentimental Value (Neon)

Emma Stone in Bugonia (Focus Features)

Best Actor: Michael B. Jordan in Sinners (Warner Bros.)

Timothée Chalamet in Marty Supreme (A24)

Leonardo DiCaprio in One Battle After Another (Warner Bros.)

Ethan Hawke in Blue Moon (Sony Pictures Classics)

Wagner Moura in The Secret Agent (Neon)

Best Supporting Actress: Amy Madigan in Weapons (Warner Bros.)

Elle Fanning in Sentimental Value (Neon)

Inga Ibsdotter Lilleaas in Sentimental Value (Neon)

Wunmi Mosaku in Sinners (Warner Bros.)

Teyana Taylor in One Battle After Another (Warner Bros.)

Best Supporting Actor: Sean Penn in One Battle After Another (Warner Bros.)

Benicio Del Toro in One Battle After Another (Warner Bros.)

Jacob Elordi in Frankenstein (Netflix)

Delroy Lindo in Sinners (Warner Bros.)

Stellan Skarsgard in Sentimental Value (Neon)

Best Original Screenplay: Sinners (Warner Bros.); Written by Ryan Coogler (WINNER)

Blue Moon (Sony Pictures Classics); Written by Robert Kaplow

It Was Just an Accident (Neon); Written by Jafar Panahi; Script collaborators Nader Saïvar, Shadmehr Rastin, Mehdi Mahmoudian

Marty Supreme (A24); Written by Ronald Bronstein & Josh Safdie

Sentimental Value (Neon); Written by Eskil Vogt, Joachim Trier

Best Adapted Screenplay: One Battle After Another (Warner Bros.); Written by Paul Thomas Anderson

Bugonia (Focus Features); Screenplay by Will Tracy

Frankenstein (Netflix); Written for the Screen by Guillermo del Toro

Hamnet (Focus Features); Screenplay by Chloé Zhao & Maggie O’Farrell

Train Dreams (Netflix); Screenplay by Clint Bentley & Greg Kwedar

Best Animated Feature: KPop Demon Hunters (Netflix); Maggie Kang, Chris Appelhans and Michelle L.M. Wong

Arco (Neon); Ugo Bienvenu, Félix de Givry, Sophie Mas and Natalie Portman

Elio (Walt Disney); Madeline Sharafian, Domee Shi, Adrian Molina and Mary Alice Drumm

Little Amélie or the Character of Rain (GKIDS); Maïlys Vallade, Liane-Cho Han, Nidia Santiago and Henri Magalon

Zootopia 2 (Walt Disney); Jared Bush, Byron Howard and Yvett Merino

Best International Feature: Norway, Sentimental Value

Brazil, The Secret Agent

France, It Was Just an Accident

Spain, Sirat

Tunisia, The Voice of Hind Rajab

Best Documentary Feature: Mr. Nobody Against Putin (PINK); David Borenstein, Pavel Talankin, Helle Faber and Alžběta Karásková

The Alabama Solution (HBO Documentary Films); Andrew Jarecki and Charlotte Kaufman

Come See Me in the Good Light (Apple); Ryan White, Jessica Hargrave, Tig Notaro and Stef Willen

Cutting Through Rocks; Sara Khaki and Mohammadreza Eyni

The Perfect Neighbor (Netflix); Geeta Gandbhir, Alisa Payne, Nikon Kwantu and Sam Bisbee

Best Casting: One Battle After Another (Warner Bros.); Cassandra Kulukundis 

Hamnet (Focus Features); Nina Gold

Marty Supreme (A24); Jennifer Venditti

The Secret Agent (Neon); Gabriel Domingues

Sinners (Warner Bros.); Francine Maisler

Best Cinematography: Sinners (Warner Bros.), Autumn Durald Arkapaw

Frankenstein (Netflix), Dan Laustsen

Marty Supreme (A24), Darius Khondji

One Battle After Another (Warner Bros.), Michael Bauman

Train Dreams (Netflix), Adolpho Veloso

Best Costume Design: Frankenstein (Netflix); Kate Hawley

Avatar: Fire and Ash (Walt Disney); Deborah L. Scott

Hamnet (Focus Features); Malgosia Turzanska

Marty Supreme (A24); Miyako Bellizzi

Sinners (Warner Bros.); Ruth E. Carter

Best Makeup and Hairstyling: Frankenstein (Netflix); Mike Hill, Jordan Samuel and Cliona Furey

Kokuho (GKIDS); Kyoko Toyokawa, Naomi Hibino and Tadashi Nishimatsu

Sinners (Warner Bros.); Ken Diaz, Mike Fontaine and Shunika Terry

The Smashing Machine (A24); Kazu Hiro, Glen Griffin and Bjoern Rehbein

The Ugly Stepsister (Independent Film Company/Shudder); Thomas Foldberg and Anne Cathrine Sauerberg

Best Production Design: Frankenstein (Netflix); Production Design: Tamara Deverell; Set Decoration: Shane Vieau

Hamnet (Focus Features); Production Design: Fiona Crombie; Set Decoration: Alice Felton

Marty Supreme (A24); Production Design: Jack Fisk; Set Decoration: Adam Willis

One Battle After Another (Warner Bros.); Production Design: Florencia Martin; Set Decoration: Anthony Carlino

Sinners (Warner Bros.); Production Design: Hannah Beachler; Set Decoration: Monique Champagne

Best Film Editing: One Battle After Another (Warner Bros.); Andy Jurgensen

F1 (Apple); Stephen Mirrione

Marty Supreme (A24); Ronald Bronstein and Josh Safdie

Sentimental Value (Neon); Olivier Bugge Coutté

Sinners (Warner Bros.); Michael P. Shawver

Best Visual Effects: Avatar: Fire and Ash (Walt Disney); Joe Letteri, Richard Baneham, Eric Saindon and Daniel Barrett

F1 (Apple); Ryan Tudhope, Nicolas Chevallier, Robert Harrington and Keith Dawson

Jurassic World Rebirth (Universal); David Vickery, Stephen Aplin, Charmaine Chan and Neil Corbould

The Lost Bus (Apple); Charlie Noble, David Zaretti, Russell Bowen and Brandon K. McLaughlin

Sinners (Warner Bros.) Michael Ralla, Espen Nordahl, Guido Wolter and Donnie Dean

Best Sound: F1 (Apple) Gareth John, Al Nelson, Gwendolyn Yates Whittle, Gary A. Rizzo and Juan Peralta

Frankenstein (Netflix) Greg Chapman, Nathan Robitaille, Nelson Ferreira, Christian Cooke and Brad Zoern

One Battle After Another (Warner Bros.); José Antonio García, Christopher Scarabosio and Tony Villaflor

Sinners (Warner Bros.); Chris Welcker, Benjamin A. Burtt, Felipe Pacheco, Brandon Proctor and Steve Boeddeker

Sirat (Neon); Amanda Vil

Best Original Song: “Golden” from KPop Demon Hunters (Netflix); Music and Lyric by EJAE, Mark Sonnenblick, Joong Gyu Kwak, Yu Han Lee, Hee Dong Nam, Jeong Hoon Seon and Teddy Park

“Dear Me” from Diane Warren: Relentless (MasterClass/Greenwich Entertainment); Music and Lyric by Diane Warren

“I Lied to You” from Sinners (Warner Bros.); Music and Lyric by Raphael Saadiq and Ludwig Göransson

“Sweet Dreams of Joy” from Viva Verdi! (Viva Verdi!); Music and Lyric by Nicholas Pike

“Train Dreams” from Train Dreams (Netflix); Music by Nick Cave and Bryce Dessner, Lyric by Nick Cave

Best Original Score: Sinners (Warner Bros.); Ludwig Goransson

Bugonia (Focus Features); Jerskin Fendrix

Frankenstein (Netflix); Alexandre Desplat

Hamnet (Focus Features); Max Richter

One Battle After Another (Warner Bros.); Jonny Greenwood

Best Live-Action Short:

The Singers (Netflix); Sam A. Davis and Jack Piatt (EMPATE)

Two People Exchanging Saliva (Canal+/The New Yorker); Alexandre Singh and Natalie Musteata (EMPATE)

Butcher’s Stain (Tel Aviv University Steve Tisch School of Film and Television); Meyer Levinson-Blount and Oron Caspi

A Friend of Dorothy; Lee Knight and James Dean

Jane Austen’s Period Drama; Julia Aks and Steve Pinder

Best Animated Short: The Girl Who Cried Pearls (National Film Board of Canada); Chris Lavis and Maciek Szczerbowski

Butterfly (Sacrebleu Productions); Florence Miailhe and Ron Dyens

Forevergreen; Nathan Engelhardt and Jeremy Spears

Retirement Plan; John Kelly and Andrew Freedman

The Three Sisters (Polydont Films/Rymanco Ventures); Konstantin Bronzit

Best Documentary Short: All the Empty Rooms (Netflix); Joshua Seftel and Conall Jones

Armed Only With a Camera: The Life and Death of Brent Renaud (HBO); Craig Renaud and Juan Arredondo

Children No More: “Were and Are Gone” (Sky); Hilla Medalia and Sheila Nevins

The Devil Is Busy (HBO); Christalyn Hampton and Geeta Gandbhir

Perfectly a Strangeness (Second Sight Pictures); Alison McAlpine

Crítica Cinéfila: Sinners

Tratando de dejar atrás sus problemáticas vidas, dos hermanos gemelos regresan a su pueblo natal para empezar de nuevo, solo para descubrir que un mal aún mayor les espera para darles la bienvenida.

Ryan Coogler causó sensación en 2013 con su debut "Fruitvale Station", un relato desgarrador de un tiroteo fatal que presagió el auge del movimiento Black Lives Matter. Luego, revitalizó con éxito la franquicia de Rocky con "Creed" y dirigió lo que podría decirse que es la mejor película del canon del MCU, "Black Panther", además de una secuela emocionalmente satisfactoria que rindió un conmovedor homenaje a Chadwick Boseman. "Sinners" es el primer largometraje completamente original del talentoso guionista y director, no basado en hechos reales ni en propiedad intelectual existente, y lo llena de suficientes capas temáticas y fluidez de género como para inspirar al menos un par de spinoffs.

Aquí hay de todo: un retrato evocador de la vida en el Sur de Jim Crow; una explosión de terror vampírico; una reflexión dinámica sobre el poder espiritual y sobrenatural del blues; una alegoría de la lucha por la libertad, tanto terrenal como sobrenatural. Es un cine de autor extremadamente sangriento y funcional, gracias a la enérgica dirección de Coogler, un elenco magnífico, visuales envolventes de IMAX, un sonido estremecedor y una música que conmueve el alma y acelera el pulso.

A Coogler se le une su actor principal habitual, Michael B. Jordan, ofreciendo una doble dosis de carisma sereno pero firme como los gemelos emprendedores conocidos como Smoke y Stack. Tras sobrevivir a las trincheras de la Primera Guerra Mundial y al mundo de gangsters de Chicago, los hermanos regresan después de siete años a su ciudad natal en el Delta del Mississippi, Clarksdale, en 1932, con dinero en efectivo, un camión lleno de licor y con la intención de abrir un bar de mala muerte. Elegantemente vestidos con trajes de ciudad que resaltan a kilómetros de distancia en la pobre y segregada ciudad de la plantación, Smoke and Stack compran un molino en desuso, su equipo y el terreno donde se alza al sudoroso Hogwood (David Maldonado), advirtiéndole a él y a sus compinches del Ku Klux Klan que se mantengan alejados de su propiedad a menos que quieran que les disparen. "El Ku Klux Klan ya no existe", sonríe Hogwood con sorna. Sí, claro.

Pero antes de llegar a ese fragmento, Coogler comienza la historia con el traumatizado aparcero Sammie (el debutante Miles Caton), manchado de sangre y con marcas recientes de garras en un lado de su cara, tambaleándose en medio del servicio hacia la iglesia donde predica su padre, aferrado a lo que queda de su guitarra. Esto es precedido por una voz en off que relata leyendas de una música tan verdadera que puede evocar espíritus del pasado y del futuro, desgarrando el velo entre la vida y la muerte, sanando comunidades, pero también atrayendo el mal. Los ejemplos de esta fuerza mística se remontan al África Occidental ancestral, la Irlanda precolonial y las tradiciones tribales choktaw, lo que presagia la presencia de las tres culturas en la historia. Es también un presagio que la guitarra de Sammie y su voz conmovedora ejercen ese poder trascendental, algo que el pastor parece intuir cuando advierte a su hijo: "Si sigues bailando con el diablo, un día te seguirá a casa". Mientras que los destellos de rostros demoníacos de ojos rojos atormentan la mente del joven sugieren el infierno del que escapó por poco, Coogler no tiene prisa por aumentar el horror una vez que la acción retrocede al día anterior.

Mientras Smoke, con espíritu de negocios, se dirige al pueblo para conseguir la ayuda del tendero chino-estadounidense Bo Chow (Yao) y su esposa Grace (Li Jun Li), el despreocupado Stack se reencuentra con su primo Sammie, cuyo talento musical les ayudará a inaugurar el bar esa noche. También convence al legendario músico local de armónica y piano blues Delta Slim (Delroy Lindo) para que se una a ellos, ofreciéndole cerveza irlandesa ilimitada como incentivo; y contrata al corpulento aparcero Cornbread (Omar Miller), que vive lejos del campo de algodón, para que sirva de portero.

Con una economía dinámica, Coogler presenta intereses amorosos para los tres personajes masculinos principales. Sammie queda cautivado al instante en la estación de tren por Pearline (Jayme Lawson), una joven atrapada en un matrimonio sin amor y con ganas de cantar blues. Stack tiene un encuentro incómodo con Mary (Hailee Steinfeld), una mujer casada, blanca y adinerada, que está en la ciudad para el funeral de su madre. Su historia romántica con Stack, quien desapareció de su vida, la ha dejado con una rabia persistente, aunque no ha apagado su deseo. La más cautivadora de las tres historias de amor es el reencuentro de Smoke con Annie (Wunmi Mosaku), una hechicera hoodoo y sanadora espiritual orisha que tiene una pequeña tienda en una plantación, donde su hijo pequeño está enterrado bajo un roble. Aunque ha llevado la bolsa talismánica Mojo que ella le regaló colgada del cuello durante toda su ausencia, Smoke afirma no creer en fantasmas ni demonios, solo en el poder y el dinero que lo compra. Pero sus diferencias se disipan cuando Annie lo llama por su nombre, Elijah, y sus cuerpos se funden.

Para ser una película que se convertirá en un baño de sangre violento, Sinners es descaradamente sensual. Rebosa sensualidad, lo cual parece apropiado para un título que uno esperaría ver en una novela de Jackie Collins. Ese aspecto se extiende a las suntuosas texturas y colores saturados de la magnífica cinematografía de gran formato de Autumn Durald Arkapaw; y más aún, a la sabrosa música de Ludwig Göransson, con la banda sonora y las interpretaciones de blues fusionándose para lograr un efecto embriagador. 

La escena que define la película gira en torno a Sammie, que electrifica al público del estreno con la canción "I Lied to You" (una composición original de Göransson y Raphael Saadiq). A medida que la música se eleva, ese velo de vida y muerte se rasga, traspasando fronteras metafísicas y temporales. A la multitud, apiñada en el viejo molino, se unen bailarines ceremoniales y percusionistas de África Occidental, figuras del hip-hop pop-rock del futuro, un DJ tocando platos y un guitarrista al estilo de Rick James, adornado con lentejuelas. En una sola secuencia conmovedora, casi inabarcable, Coogler traza una línea desde el blues de los años 30 hasta sus orígenes y sus influencias en el funk y más allá. La música de Sammie incluso evoca a bailarines tradicionales chinos, despertando la herencia cultural americanizada de Bo y Grace. Esa extática experiencia comunitaria es un glorioso momento de libertad para los oprimidos, la mayoría de los cuales viven al día en un entorno de odio y explotación. Pero la canción de Sammie también atrae, sin quererlo, a siniestros intrusos que vienen desde Carolina del Norte, empeñados en hacer que esa libertad sea efímera.

Coogler no tiene el menor tacto para transmitir su mensaje sobre la violación de una comunidad por fuerzas sobrenaturales, con ecos en la historia real del Sur Profundo. Pero la irrupción de los vampiros en el antro aumenta el suspenso y se vuelve realmente aterradora, al principio con el inquietante encanto de su antiguo líder, Remmick (Jack O'Connell), y finalmente con la brutal carnicería de su asedio. Todo ese sangriento caos se anticipa con maestría en una escena anterior, en la que Remmick, expuesto a la luz del día, ensangrentado y sudando humo, llama a la puerta de una granja, pidiendo refugio a la pareja que vive allí, Bert (Peter Dreimanis) y Joan (Lola Kirke). Una cuadrilla choktaw aparece persiguiendo al fugitivo y su portavoz (Nathaniel Arcand) advierte a Joan: «No es lo que parece». Pero la advertencia llega demasiado tarde.

En sus momentos más salvajes, la película de Coogler parece una fusión entre "Lovecraft Country" y "True Blood". Pero independientemente de la referencia que se le quiera encontrar, "Sinners" no hace guiños al público tras una violencia grotesca y tropos irónicos de película de serie B. Coogler tiene cosas más serias en mente, que dan lugar a imágenes e ideas realmente perturbadoras. Resulta inquietante ver a una multitud de juerguistas recién convertidos en no muertos —los primeros en huir del antro cuando la sangre empieza a correr— dando saltos en círculo alrededor de Remmick mientras canta "Wild Mountain Thyme" y baila un poco de jig irlandés. Tan solo ver a la gente negra hipnotizada bailando al ritmo de una de las músicas más blancas jamás creadas te pone los pelos de punta. Pero lo que es aún más escalofriante es la invitación de Remmick a los recalcitrantes a unirse a ellos, prometiéndoles escapar de la crueldad deshumanizante hacia una comunidad que ofrece una vida eterna de libertad e iluminación.

Jordan se entrega a sus dos papeles con autoridad, humor astuto y una masculinidad natural, matizada por la amenaza que se espera de hermanos que se rumorea que trabajaron para Al Capone. Ruth E. Carter, cuyo vestuario de época, minuciosamente detallado, es magnífico, dota a los gemelos de un estilo inconfundible. Smoke luce un elegante traje gris de tres piezas y una boina, mientras que Stack, con sus fundas dentales doradas brillando en la boca, luce más ostentoso con su fedora burdeos, corbata y pañuelo de bolsillo a juego. Pero Jordan también les otorga una energía y una actitud contrastantes, diferenciándolos incluso antes de que choquen, y estableciendo sutiles pilares para indicar cuál se transformará maniáticamente y cuál se mantendrá firme el tiempo suficiente para cobrar venganza. 

Steinfeld convierte a Mary en una zorra escurridiza, claramente irritada por las limitaciones de un matrimonio insensible y presa fácil de un destino que se revela de forma desmesurada en el tráiler de la película. Del pequeño grupo atrapado dentro del juke, Lindo está en forma ganadora como un veterano borracho que anteriormente conoció al diablo; Caton (un ex corista de HER) es un descubrimiento legítimo, vulnerable pero también motivado por su deseo de dejar atrás la etiqueta de "Predicador" y forjarse una vida como músico; Lawson tiene el personaje menos satisfactoriamente desarrollado, pero lo compensa cuando Pearline canta, haciendo movimientos sensuales y elevando la temperatura a un punto en que todo el lugar parece apestar a sexo; y Li tiene momentos fuertes como Grace, sus instintos de supervivencia no están del todo en línea con los demás.

Sin embargo, la que realmente destaca es la actriz nigeriana británica Mosaku, tan memorable en otra película de terror poco convencional, "His House". Annie es suave y dulce con Smoke, la evidencia de un amor que se remonta mucho tiempo atrás escrita en sus ojos. Pero también es dura y no es ninguna novata en el trato con "fantasmas". Es la primera de ellos en reconocer que los intrusos no son fantasmas comunes sino vampiros y es lo suficientemente rápida para frenar a uno de ellos arrojándole un frasco de ajo encurtido en la cara.

Es difícil decir si los amantes del terror incondicional estarán bien esperando la paciente puesta en escena de Coogler, su detallada atención a los personajes y el entorno, hasta que comience el derramamiento de sangre, incluso si luego se asienta en un terror escalofriante con mucho resultado espantoso. La película es un terror inteligente, incluso poético, con mucho que decir sobre la raza y la libertad espiritual. No está al nivel de Jordan Peele en cuanto a fusionar crítica social con miedo escalofriante. Pero "Sinners" es una experiencia única, diferente a todo lo que el director o Jordan han hecho antes. Además, es una película con una elaboración meticulosa que exige ser vista en la pantalla más grande posible, con el sistema de sonido más potente. Y no se vayan inmediatamente cuando los créditos aparezcan, para una o dos sorpresas más.

Crítica Cinéfila: Creed III

Cuando Damian (Jonathan Majors), un amigo de la infancia y antiguo prodigio del boxeo, reaparece después de cumplir una larga condena en prisión, Adonis Creed quiere demostrar que merece una oportunidad en el ring. Pero el enfrentamiento entre estos antiguos amigos es algo más que una simple pelea. 

Con Creed de 2015, el director Ryan Coogler nos dio la mejor "legacyquel" del genero deportivo, construyendo una nueva adición estable y satisfactoria en la base de la franquicia Rocky de Sylvester Stallone. Pero, al igual que con las películas de Rocky, la siguiente película fue confusa y olvidable, luchando por lograr el equilibrio entre el drama familiar sincero y el concepto del ring de la película deportiva hiperbólica que se encuentra en las entregas más exitosas de la saga. La serie Rocky luchó con esta fórmula durante décadas, lo que a menudo resultó en correcciones exageradas como el montaje de entrenamiento de 2 horas de Rocky IV o el triste y deprimente Rocky V.

Ahora, no muy diferente a cómo Stallone reinventó su saga de boxeo, la estrella y ahora director Michael B. Jordan ha infundido el drama de Creed III con la intensidad de 11 de los dibujos animados de su propia juventud. Buenas noticias: los dibujos animados han mejorado mucho desde 1982 y, en consecuencia, Creed III es mucho más interesante, manejando con confianza la intensidad y la alegría de sus predecesores más memorables.

Años después de defender su título de campeón en Creed II, Adonis "Donnie" Creed (Jordan) se ha colgado los guantes y se ha dedicado a entrenar y promover a los luchadores más jóvenes, así como a su vida familiar con la productora pop Bianca (Tessa Thompson) y su joven hija Amara (Mila Davis-Kent). Donnie ha superado la sombra de su difunto padre Apolo y su mentor, Rocky Balboa, hasta el punto de que la ausencia de este último en esta entrega se siente perfectamente natural. Esta película trata sobre el propio pasado de Donnie, personificado por Damian Anderson (Jonathan Majors), su amigo más cercano de la infancia que ha pasado los últimos 18 años tras las rejas. Un prometedor boxeador aficionado antes de su arresto, Damian es en quien Donnie podría haberse convertido si no hubiera sido sacado de la pobreza por viuda de su padre (Phylicia Rashad). Tras la liberación de Damian, el ex campeón lleno de culpa se ofrece a ayudarlo a volver a ponerse de pie, pero Damian tiene mayores ambiciones y no se detendrá en nada para recuperar la vida que siente que Donnie le ha robado.

Damian se convierte en el Iago del Otelo de Creed, consterminando un golpe de estado por la corona más alta del boxeo y arrojando a nuestro héroe a la confusión emocional. Es un marcador que solo se puede resolver en el ring, lo que lleva a un choque que parece haber salido de una de las grandes batallas de Dragon Ball Z. Este conflicto no solo es convincente, sino refrescantemente autónomo, lo que lo convierte en la rara secuela moderna que se beneficia de la complicada historia de su franquicia, pero también se siente como si fuera a jugar igual de bien para alguien sin experiencia previa o interés en ella.

Aunque no es tan inmersivo como los magistrales combates de toma de Coogler del primer Creed, la representación del boxeo de Jordan hace un mejor trabajo al resaltar la estrategia y el desafío intelectual del deporte, utilizando cámara lenta y primeros planos extremos no solo para enfatizar el poder de los ganchos y los golpes, sino también su precisión, tiempo y estrategia. Las peleas de Creed III se juegan como partidos de ajedrez, y el nuevo enemigo de Creed es, apropiadamente, tanto una amenaza cerebral como un bocadillo. Nota aparte... Quiero elogiar a Creed III por el tiempo que tardamos antes de que veamos a Jonathan Majors sin camisa. No te das cuenta de lo grande que es este tipo hasta que es demasiado tarde. Damian es, con mucho, el antagonista más complicado que nos ha dado esta franquicia, y Majors pone tanto dolor, rabia y tristeza detrás de sus ojos que es difícil no conectarse con Damian, incluso en los momentos en que quiere ser visto como un villano arrogante y con bigotes, algo que parece ser más una debilidad del actor que del personaje en sí. Uno puede imaginar fácilmente una versión de Creed III que es un drama directo sin ninguna de las intrigas deportivas, y eso habría funcionado también, pero Jordan y Majors también se ganan absolutamente la intensidad añadida de su enemistad. Cuando su intensa pelea final da un giro para lo expresionista, es ciertamente exagerada, pero no inapropiado, especialmente cuando está a solo diez minutos separado de los montajes obligatorios de entrenamiento de duelos que se encuentran en todas las películas de Rocky & Creed.

Los elementos más amplios de la película se equilibran con la dinámica familiar más íntima entre los Creed. En ausencia de Rocky Balboa, las otras relaciones de Donnie tienen mucho más espacio para crecer, en particular su matrimonio con Bianca de Tessa Thompson, una productora musical con pérdida auditiva degenerativa. Creed III continúa explorando a Donnie como el anti-Rocky, una cabeza caliente que tiene dificultades para ser vulnerable con su pareja. Tanto como padre como gerente, ahora se ve obligado a ser el adulto en la habitación, un papel que es difícil de desempeñar cuando todavía tiene miedo de sus propios sentimientos. Jordan no está tan marcado aquí como en la primera película (posiblemente una consecuencia de dirigirse a sí mismo), pero Thompson y Majors se apoderan de su holgura.

La historia traza hábilmente un paralelismo entre la condición de Bianca y el encarcelamiento de Damian, ya que ambos representan el tiempo perdido con la nave que atesoran. La sordera en sí misma, afortunadamente, no está estigmatizada (la vibrante hija, Amara, nació sorda y tiene sus propias aspiraciones de boxeo), pero la película también se detiene en condenar rotundamente el sistema de justicia que encerró a un adolescente pobre y huérfano en una celda durante la mayor parte de dos décadas. La atención se mantiene en el conflicto específico de los personajes, y el guion (de Keenan Coogler y Zach Baylan) tiene cuidado de aclarar que Donnie no necesita sentirse culpable por su enorme mansión de alta tecnología o su chef personal. Aún así, en el espíritu del Rocky original, Creed III implica firmemente que muchos de los "perdedores" de la vida podrían ser campeones si solo se les diera una oportunidad. Lo mejor de todo es que la historia obliga a Adonis a examinar el privilegio que pasó la primera película tratando y fallando de descartar. Con este tercer capítulo, la serie Creed sigue siendo un examen más interesante de la clase, la casta y la meritocracia estadounidense de lo que alguna vez fueron las películas de Rocky, todo dentro de los límites del cine comercial y con más de Michael B. Jordan sin camiseta.

Crítica Cinéfila: Without Remorse

Un comando SEAL de élite descubre una conspiración internacional mientras busca hacer justicia por el asesinato de su mujer en Sin remordimientos, de Tom Clancy. 

No puedes matar a un hombre de Tom Clancy. El famoso imperio de espionaje del difunto autor ha mantenido a estrellas desde Harrison Ford hasta John Krasinki empleadas durante décadas en las diversas propiedades de cine y televisión de su propiedad.

Varios talentos, incluidos Willem Dafoe y Liev Schreiber, ya ha representado al personaje de John T. Clark en la pantalla, aunque Michael B. Jordan se convierte en el primer actor de color en interpretarlo en Without Remorse dirigido por Stefano Sollima. Lamentablemente, y por más que siga a este reconocido actor, la película total decepciona. Pero lo que hace que sea mucho más decepcionante que la trama, y sea tan contundente y ridícula como lo logra ser es la letanía sangrienta y demasiado familiar de intrigas de la Guerra Fría y cliché occidental.

El guion está coescrito por el guionista nominado al Oscar Taylor Sheridan (Sicario, Hell or High Water ) con Will Staples, mejor conocido por su trabajo en el videojuego Call of Duty: Modern Warfare 3, pero es el videojuego en primera persona de este último.modo de tirador que domina; para cuando aparecen los créditos iniciales, el recuento de cadáveres ya ha pasado de 10. Aunque para ser justos, es una redada: Clark de Jordan, un SEAL de la Marina, que lidera a su equipo para rescatar a un secuestrado de la CIA en Siria de los insurgentes rusos bajo la dirección de un imperioso oficial de la agencia llamado Robert Ritter (Jamie Bell).

Tres meses después, esos mismos miembros del equipo comienzan a aparecer muertos en suelo estadounidense, y cuando la joven familia de John se convierte en el objetivo, nace una historia de venganza. A partir de allí, John se balancea entre una serie de escenarios internacionales que funcionan mejor cuando pasan del zumbido de las balas a algo más análogo de mano a mano (una escena de hombre contra SWAT absurda pero entretenida en una celda de prisión, zambullida de agua en algún lugar sobre el mar de Bering).

El director Stefano Sollima tiene como objetivo convertir a John en un héroe de primer orden: mata porque le importa. Jordan, una presencia naturalmente magnética, hace todo lo posible para invertir eso con algún (o cualquier) tipo de significado, pero es un largo camino para poder creerlo. Mientras tanto, Guy Pearce aparece para representar al Gran Gobierno y pone en marcha varias misiones de "esto es altamente clasificado"; la actriz de Queen & Slim, Jodie Turner-Smith, como una compañera de Seal, lucha para entregar líneas de madera sobre la precaución y la lealtad; y el talentoso Bell, encargado de interpretar al antagonista de John, está mayormente cargado de travesuras de nivel Bravo y exposición de historias, un personaje naturalmente odiado.

A medida que se desarrolla una vasta conspiración al estilo Clancy que logra ser a la vez vaga y casi cómicamente explícita, las cosas se disparan con una regularidad paralizante y varios combatientes sin rostro mueren; los planes mejor trazados salen mal. La venganza se realiza sin remordimiento y con menos sentido aún. Lo único seguro, a juzgar por la promesa de una escena posterior a los créditos, es una secuela sin ser solicitada por la audiencia.

Crítica Cinéfila: Just Mercy

Después de licenciarse en Harvard, Bryan decide defender a personas que han sido condenadas erróneamente o que carecían de recursos para tener una representación legal adecuada. Uno de sus primeros y más turbulentos casos es el de Walter McMillian (Foxx), que en 1987 fue sentenciado a la pena muerte por el asesinato de una chica de 18 años, a pesar de que las pruebas demostraban ostensiblemente su inocencia.

Walter McMillian era un talador de madera cuando fue injustamente incriminado por el asesinato de una joven de 18 años. Muchas circunstancias actuaban en su contra, pero la principal era el hecho de ser un hombre negro pobre en el estado de Alabama. Recibió su sentencia antes de verdaderamente ser condenado. Los abogados ya se habían dado por vencido, mientras que otros tomaban el dinero de la familia y se retiraban del caso. Johnny D ya contaba los meses para recibir la fecha de la pena de muerte. 

Al mismo tiempo, Bryan Stevenson, un abogado recién graduado de Harvard, es trasladado a un centro de derechos civiles en Alabama, para tratar casos de pena de muerte a condenados que no han recibido la suficiente atención de sus abogados anteriores. El destino los unió, aunque muchos, incluyendo el mismo Johnny D, ya se habían dado por vencido.

Pero Stevenson tiene otros casos en su plato también, como el de Richardson (Rob Morgan), un veterano tartamudo y melancólico que fue condenado por armar una bomba en el porche de una mujer, causando su muerte. 

El director Destin Daniel Cretton (Short Term 12) trae a la pantalla este drama legal retratando las injusticias de las instituciones federales al condenar personas que no tienen la capacidad financiera para lograr una defensa que les salve la vida. Ese sistema, con el corredor de la muerte como una extensión mórbida de la esclavitud, es de lo que se trata Just Mercy. La película es un drama de derechos civiles, enfocado en Bryan Stevenson, al intentar salvar la vida de los hombres que solo él ve opciones de ayudar, y para llevar la justicia a un lugar donde el estado de derecho es tratado como un azar para la violencia. Bryan, de Delaware, ha venido al sur profundo para continuar la lucha en el vientre de la bestia. En un drama clásico de injusticia racial, que Just Mercy es y no es (el aspecto más poderoso es la forma en que no lo es), la película consistiría en un impulso constante hacia la verdad, con una muesca serie de sorpresas de suspenso.

Sin embargo, Cretton encuentra una nueva forma flexible de dar un golpe de gracia liberal de Hollywood. Expone los hechos del caso de Johnny desde el principio, mostrándonos la evidencia de su inocencia: las mentiras obscenas (y absurdas) contadas por el testigo en su contra; el hecho de que Johnny, el día del asesinato, estuvo todo el día en un almuerzo familiar, en la que 20 testigos podrían haberlo corroborado.  Otros fragmentos de información se filtran, como, por ejemplo, el hecho de que la policía no eligió a Johnny al azar; tenían un motivo clásico (racista) para atacarlo.

Con la evidencia más o menos abierta, Just Mercy puede establecerse como el drama más sutil que Cretton quería hacer: no solo un retrato de injusticia, sino una película que toma la temperatura del paisaje, esbozando cómo el racismo funciona, tratando los encuentros más pequeños como expresiones de una forma de vida y retratando a las víctimas como personas complicadas cuyas personalidades espinosas y alegres son un testimonio de lo que se ha perdido en su encarcelamiento.

Como Johnny, Foxx nos recuerda por qué es un gran actor. Él interpreta a este hombre con una música sureña en su voz, y con una inteligencia cínica sobre cómo está estructurada la sociedad: cómo existe un muro frente a cualquier persona negra, especialmente si es pobre. Pero incluso si no lo son. Al principio, Johnny le dice a Stevenson que ya ha pasado por esto con otros abogados, entonces, ¿por qué molestarse de nuevo? El veneno que están luchando está demasiado arraigado.

El rendimiento de Jordan es silenciosamente sorprendente. Su Bryan no se enoja, al menos no en la superficie. Si lo observaras desde la distancia, dirías que es estrictamente de negocios, vigilando el premio. Pero, de hecho, la actuación de Jordan hierve a fuego lento con la fuerza de alguien que ha absorbido miles de desprecios, insultos, rabia y revertirá ese karma al mantener la calma. Jordan ofrece sus líneas con una calma acelerada, actuando con la mente de un abogado, pero sus ojos cuentan una historia diferente. Emiten destellos de furia y lágrimas.

Hay otra excelente actuación en Just Mercy, y ayudan a darle a la película un ambiente sureño de pueblo pequeño que nunca es menos que auténtico. Brie Larson, quien saltó a la fama en Short Term 12 y también protagonizó la segunda película de Cretton, The Glass Castle, interpreta a Eva Ansley, un local que se convierte en el gerente de la Iniciativa de Justicia de Stevenson, y su inquietante actitud defensiva para fumar cigarrillos invoca una autoridad que nunca antes había tenido en pantalla, sin embargo, en comparación a otros talentos, como Anthony Ray Hinton y Karen Kendrick, su papel se sintió innecesariamente redundante. Tim Blake Nelson, como el falso testigo que se perjuró para condenar a Johnny, ofrece una gran actuación, con el lado de su boca colgando en una mirada gomosa; el personaje está lo suficientemente parpadeado como para parecer un tonto, y lo suficientemente inteligente como para hacerte preguntarte qué está cubriendo su tontería.

A las 2 horas y 16 minutos, "Just Mercy" es larga para una película de este tipo, y hay momentos en los que desearía que fuera más corta. Sin embargo, si el ciclo de las batallas judiciales al final gira en torno a hechos que ya conocemos, lo impredecible es el factor humano. La película se construye con una resolución conmovedora, basada en la certeza de que el odio, en todo su terrible poder, nunca será tan poderoso como la justicia.

Creed II

Adonis Creed se debate entre las obligaciones personales y el entrenamiento para su próxima gran pelea, con el desafío de su vida por delante. Enfrentarse a un oponente que tiene vínculos con el pasado de su familia solo intensifica su inminente batalla en el ring. Afortunadamente Rocky Balboa está a su lado a lo largo de todo el camino, y juntos se cuestionarán por lo que vale la pena luchar y descubrirán que nada es más importante que la familia.

"No quiero que cometas los mismos errores que yo", dice Rocky Balboa a mitad de camino de "Creed II". Pero en ese momento de esta película predeciblemente conmovedora y emocionalmente generosa, su advertencia, pronunciada por Sylvester Stallone llega bastante tarde. Adonis Creed, interpretado una vez más por un sensacional Michael B. Jordan, ya ha cometido algunos de esos mismos errores, el peor de los cuales le ha costado caro en el ring frente a un oponente más grande, más rápido y más duro.

Sin esos errores, por supuesto, no habría película. Y si la historia cinematográfica está condenada a repetirse, es reconfortante recordar que la igualdad es una de las razones por las que vamos a una imagen de boxeo en primer lugar, donde incluso los clichés más bellos de este estilo de películas se parecen mucho a un swing bien practicado o un puñetazo que todavía puede aterrizar con fuerza y sentimientos devastadores. En "Creed" (2015) y "Creed II", la lógica narrativa se ve subrayada aún más por un parentesco profundo y permanente con "Rocky" y sus cinco secuelas que se pueden observar de manera variable, un legado desigual que los cineastas de aquí tratan como algo que es querida, saludada, explotada y, a veces, corregida.

Dirigido por Steven Caple Jr., con un guión escrito por Stallone y Juel Taylor, "Creed II" allanó los libros de jugadas estándar con una mezcla astuta de seriedad y autoconciencia. La trama fusiona efectivamente el arco de caída y subida de "Rocky III" con la villanía de la Guerra Fría de "Rocky IV". El oponente de Adonis esta vez es el intimidadamente abultado Viktor Drago (boxeador rumano Florian Munteanu), hijo de Ivan Drago (Dolph Lundgren), el ex-boxeador soviético que derribó a Apollo Creed con un fatal golpe de gracia décadas antes.

El espectro del padre de Adonis, por lo tanto, se pone pesadamente sobre los procedimientos, lo que plantea la sombría posibilidad de que no sea solo Rocky cuyos errores Adonis pueda estar repitiendo. A su vez,seguimos a los antagonistas Viktor e Ivan y su relación de padre e hijo, cuyas vidas nunca han sido las mismas desde la derrota de Ivan a manos de Rocky. Los Drago han luchado desde entonces para reclamar su lugar entre la elite cultural y atlética de Rusia, que es lo que impulsa a Viktor a desafiar a Adonis a una pelea, no mucho después de que en Filadelfia, Adonis fuese coronado campeón mundial de peso pesado.

La madre de Adonis, Mary Anne (Phylicia Rashad), que ya no se interpone en el camino de sus sueños de boxeo, pero expresa su desaprobación tan comprensible de su último enfrentamiento, y la prometida de Adonis, Bianca, una cantante emergente que no quiere quedar igual de sola con un bebé recién nacido, pero es la que siempre está en primera fila para dar apoyo moral, están allí para recordarle que no debe repetir la misma historia que su padre, mientras Rocky, después de haberlo entrenado para la victoria en la película anterior, comparte las reservas de Mary Anne y se aleja del rincón de Adonis, literal y figurativamente, un golpe mental y emocional que parece afectar a Adonis incluso más que sus obvias desventajas físicas frente a Viktor. 

Nuestro héroe recurre a la experiencia de entrenamiento y administración de Little Duke (Wood Harris), quien se levanta temporalmente pero solo puede empujarlo hasta ahora. Pero el mayor apoyo de Adonis sigue siendo su novia amorosa, Bianca (Tessa Thompson), quien, como lo hizo en la primera película, de manera casual, si no, subvierte por completo el papel del interés amoroso de apoyo. Parte de esto es a través de una gran fuerza de personalidad - Thompson y Jordan comparten una química sin esfuerzo, persuasivamente espinosa - y parte de ello es el interés al menos pasajero de la película en la propia carrera de Bianca como músico, incluso si lo que vemos de ella la capacidad de interpretación se limita principalmente a una elaborada introducción de combate de boxeo que presenta para su compañero.

Adonis, por supuesto, sigue siendo en gran medida la estrella del espectáculo, ya que las convenciones de la fórmula y la propia demanda inagotable de estrellas de Jordan. Esta es la segunda actuación cinematográfica más importante del año para el actor, después de su giro villano como Erik Killmonger en “Black Panther”, dirigida por Coogler, y aunque los dos papeles apenas podrían parecer más diferentes en la superficie, también representan dos lados fascinantes de la misma premisa: un joven huérfano que dedica su vida a realizar una nueva visión singular del sueño de su difunto padre.

Pero además de toda la tensión para desarrollar la pelea y el conflicto interno/externo de Creed por lograr su cometido, también se presenta la temática de la relación padre-hijo, no solo desde el punto de vista de Creed y su difunto padre, sino también entre él mismo y su bebé recién nacida que podría nacer sorda como herencia de su madre, la precaria relación entre Rocky y su hijo Robert, y la presión mental que Ivan ha metido en Viktor, convirtiéndolo no solo en una máquina de pelea, sino también en unn ser que solo busca aprobación de su propia familia que nunca le ha dado un honesto amor.

Creed vs. Drago, Ronda 2: es, como varios expertos de los deportes en pantalla nos recuerdan sin aliento: el enfrentamiento que el mundo ha estado esperando ver. Pero "Creed II" parece muy consciente de que, a pesar del resurgimiento de las hostilidades rusas en los últimos titulares, el entusiasmo mundial puede no ser compartido por la audiencia de cine en general. De manera crucial, nos preocupamos por Adonis no por la amplitud de su base de admiradores o la grandeza de su mitología, sino porque él y los otros personajes en su órbita han sido dibujados con tanto encanto y especificidad. Mientras que Viktor es un antagonista que muy pocas veces sabe dirigir palabras a los demás personajes, y todo se debe a la manera en que ha sido criado.

Dejando a un lado la historia, la musicalización y el montaje de esta película fue lo que de verdad la llevó a ese nivel de drama deportivo, modernizando cada puñetazo, entrenamiento y movimiento coreografiado. Parecía un video musical para amantes del boxeo y la lucha libre, con escenas especiales de los pensamientos más profundos de los protagonistas, pero logrando su cometido con enseñar ese cambio que da un atleta cuando está entrenando para la siguiente batalla. No solo resulta ser los momentos más entretenidos sino también los mejores elaborados de toda la película, con una dedicación y puntualidad increíble.

Esas cualidades se pueden remontar a las bases emocionales establecidas por Ryan Coogler, quien dirigió el primer "Creed" y escribió su guión con Aaron Covington. Coogler está acreditado como productor ejecutivo en "Creed II", y si carece del sentido emocional del descubrimiento emocional de su predecesor, aún así comprende y recrea de manera impresionante la fuente principal del deleite de esa película: un grupo de personajes que, a pesar de todo, el estrés y las luchas fueron un placer cálido y tranquilo para pasar el tiempo.

La manera en que Adonis Creed cumple esa misión, una que lo lleva de Filadelfia a Los Ángeles, al desierto del sudoeste a Moscú, no puede ser realmente estropeada. Sin embargo, hay algunos desarrollos melodramáticos satisfactorios, un nuevo conjunto de desafíos inesperados, un rostro brevemente conocido pero sorprendentemente familiar en el reparto, que merecen ser descubiertos por sí mismos. Al igual que "Creed II", la rara secuela que no termina sintiéndose como el mismo viejo error. Es más, parece la venganza de Rocky IV.

Black Panther

“Black Panther" cuenta la historia de T'Challa quien, después de los acontecimientos de "Capitán América: Civil War", vuelve a casa, a la nación de Wakanda, aislada y muy avanzada tecnológicamente, para ser proclamado Rey. Pero la reaparición de un viejo enemigo pone a prueba el temple de T'Challa como Rey y Black Panther ya que se ve arrastrado a un conflicto que pone en peligro todo el destino de Wakanda y del mundo. (FILMAFFINITY)

En el Universo de Marvel, todas sus historias se caracterizan por un detalle que continua atrayendo a la masa de fanáticos de los comics hacia las salas de cine: sus personajes. Y el hecho de que cada año logran combinar más de sus superheroes en un solo universo continua siendo atractivo e interesante; pero, ¿qué sucede cuando, en vez de contarnos universos que ya se han explorado en muchas historias, desarrollan uno totalmente nuevo pero a la vez más aterrizado a la realidad de la audiencia? En pocas palabras, lo hacen dentro del Planeta Tierra, y dentro de una sociedad que se considera "tercer mundo". Este es uno de los aspectos que hacen de Black Panther una película especial.

T'Challa regresa a su nación después de su acercamiento a los Avengers, pero su regreso no se relaciona a la batalla en la que se involucró, sino al fallecimiento de su padre y lo que ahora le corresponde a hacer como heredero del trono; pero como un guerrero que ya ha peleado batallas, quiere seguir resolviendo problemas que se relacionan a Wakanda, y esto significa su retorno al "mundo ordinario" a atacar villanos que han robado un objeto valioso con presencia de Vibranium dentro de él. 

No obstante, y a pesar de que el villano parece ser un simple ladrón, en realidad se trata del primo de T'Challa, quien no se sabía de su existencia hasta que se revela que (spoiler alert) el padre del nuevo rey asesinó a su hermano y ocultó esta verdad de su reino, donde esto no solo se considera un crimen, pero también una aberración que va en contra total de la moral que ha establecido esta comunidad, donde lo más importante es la familia y la unidad. 

Con el compromiso de restaurar la paz y confianza entre todos los ciudadanos de Wakanda y derrotar los planes criminales y bélicos que tiene Erik, el nuevo heredero del trono, T'Challa deberá renacer como la Pantera que se ha prometido que sería, evitando que esto termine en más sensaciones de venganza.

Chadwick Boseman tiene la tarea de vestirse de pantera y convencer a su audiencia de lo increíble que resulta como superhéroe y lo distintivo que es frente a los demás personajes de acción dentro de este universo; es lo mismo que se propone esta historia, que a pesar de generar las clásicas expectativas de sus fanáticos, es una película diferente en términos de tono y desarrollo de trama, en comparación a sus antecesoras.

A pesar de las grandes diferencias y especificidades de cada personaje, es importante reconocer que sus extremos se conectan entre ellos mismos: mientras que T'Challa (Chadwick Boseman) está interesado en mantener los secretos de Wakanda solo para su comunidad, Erik (Michael B. Jordan) quiere utilizar el vibranium de Wakanda para las batallas que ocurren en el mundo; T'Challa es una persona que todavía no supera la muerte de su padre, mientras que Erik considera que la muerte es algo normal de la vida y no tiene que llorar a nadie. Estos extremos sirven para establecer las conexiones de los personajes y resolver el conflicto, cambiando sutilmente de pensamiento y logrando el arco de cada protagonista.

Así mismo, se encuentra está conexión entre otros personajes de la película: Nakia (Lupita Nyong'o) está a favor de Wakanda, dependiendo de quién se siente en el trono, mientras que la Generala Wokoye (Danai Gurira) está siempre del lado de Wakanda sin importar quien se siente en el trono; mientras que W'Kabi (Daniel Kaluuya) considera que hay que involucrarse en las batallas aunque no sean de Wakanda, M'Baku (Winston Duke) prefiere aislarse de todo tipo de batallas, incluyendo las de Wakanda. Es interesante como los guionistas Ryan Coogler y Joe Robert Cole utilizan la filosofía de estos personajes para más tarde lograr un desenlace a favor de ellos mismos.

Un aspecto a destacar de esta película es la construcción del mundo imaginario de Wakanda, donde se nota un trabajo de producción en la cultura creada, las costumbres, el lenguaje, el vestuario, peinado y maquillaje, la banda sonora y la selección de escenarios, que muestran una ideología africana, con aspectos modernizados y que buscan cambiar la perspectiva de que los países de este continente son todos tercer mundo, cuando podrían ser completamente superiores en pensamiento, sin que el resto del mundo supiese. El desarrollo de este mundo podría incluso dejar la cuestionante de si este es un país verdadero o inspirado en los países de este continente, pues la manera en cómo establecen la cultura y el lenguaje es creíble y acertada. Lo más interesante es que la película se mantiene en este espacio casi en su totalidad, permitiendo a la audiencia dejarse llevar por cada detalle de Wakanda y enamorándose de su idiosincrasia.

Así mismo, la selección y el trabajo de reparto se adapta a lo que plantea el mundo imaginario de Wakanda, tanto en su forma de hablar, como en su comportamiento y en su estilo. El hecho de que todos los actores son de color, y que solo un personaje en Wakanda es americano, permite concentrar la atención de la audiencia en esa segregación, además que se mantiene en la ideología que plantea la población de ese continente.

Black Panther no es solo una película de acción, es una trama que abre diversos temas, como el entendimiento de culturas distintas a las clásicas que se establecen en el cine, la aceptación de un reparto de color con la capacidad de transmitir poderosos mensajes, el empoderamiento femenino en cada una de las acciones dentro de la trama y la igualdad en todos sus ámbitos, que se ven plasmados principalmente en las escenas de batalla. La película deja algunas cuestionantes sobre detalles de la tama, pero no deja de ser entretenida y a la vez filosófica, muy distinta en términos de estructura a las películas de Marvel, pero con una fotografía impresionante -clásico de las películas de acción- y aspectos que no dejarán de asombrar a su audiencia.