Crítica Cinéfila: Freakier Friday

La historia se desarrolla años después de que Tess (Curtis) y Anna (Lohan) sufrieran una crisis de identidad. Anna tiene ahora una hija propia y una futura hijastra. Mientras se enfrentan a los innumerables desafíos que surgen cuando dos familias se fusionan, Tess y Anna descubren que la venganza puede ser dulce.

Una comedia de intercambio de cuerpos ya se ha convertido en un recurso inagotable. Un actor, generalmente un adulto, fingiendo estar habitado por alguien totalmente diferente a él (generalmente un niño), también. La comedia que surge está impregnada de psicología humorística: sientes que estás viendo a un actor, pero apenas puedes ver a la persona que se esconde en su interior. En "Big", Tom Hanks no solo imitó los gestos y la mirada abierta de un entusiasta adolescente de 13 años; parecía penetrar en el alma del niño. Jennifer Garner hizo algo muy parecido en “13 Going on 30” (una de las comedias más inspiradas de los años 2000), y lo mismo, de forma menos elevada, hizo Jamie Lee Curtis en la nueva versión de 2003 de “Freaky Friday”, al igual que Lindsay Lohan, que con su ingenioso estilo interpretó a alguien que canalizaba a un personaje mayor (su madre) con una especie de perfecto aplomo pesado.

“Freakier Friday” duplica los intercambios de cuerpos y, en teoría, las complicaciones cómicas. Anna, interpretada por Lohan, es ahora madre soltera con una hija adolescente, Harper (Julia Butters, la joven revelación de “Once Upon a Time in Hollywood”). En la preparatoria de Harper, Anna conoce a Eric (Manny Jacinto), un atractivo viudo de Londres con una hija: Lily (Sophia Hammons), una chica ruda y amante de la moda. Harper y Lily no son precisamente amigas íntimas. Pero cuando Anna y Eric se comprometen, de repente se enfrentan a la posibilidad de convertirse en hermanastras.

Esto parece que podría convertirse en una familia infernal. Por eso, lo único que puede salvarla es un intercambio de cuerpos de dos niveles, que la directora de la película, Nisha Ganatra ("Late Night"), diseña sin muchas pretensiones de explicación fantástica (todo gira en torno a una psíquica chiflada, interpretada por Vanessa Bayer, escondida tras una máquina de refrescos). En cuanto ocurre la magia, Anna y Harper intercambian sus papeles: un intercambio madre-hija que evoca directamente al de la primera película. Pero para subir la apuesta, hay un segundo intercambio: Lily aterriza en el cuerpo de Tess (Jamie Lee Curtis), que es la abuela de Harper (pero prácticamente su segunda madre), mientras que Tess es tomada por la abrasiva y esnob británica Lily.

El escenario está preparado para una comedia aún más salvaje. Sin embargo, por alguna razón, no sucede exactamente así. Lo que anhelamos es ver esa magia performativa de adentro hacia afuera, la comedia primigenia e irreprimible de un actor que interpreta a un personaje que literalmente canaliza a otra persona. Queremos sentir esa tensión del intercambio de cuerpos. Pero esto se desarrolla de una manera extrañamente limitada, y por una confluencia de razones. 

No es un insulto para Lindsay Lohan decir que ha conservado un aura de niña; eso forma parte de su atractivo millennial. Mientras que Julia Butters, quien interpreta a su hija, actúa con la sabiduría indescriptible de una joven que lo tiene todo resuelto (al menos en su cabeza). El resultado es que estas dos, como personalidades, no son tan distintas. Así que, cuando se transforman, en realidad hay muy poca emoción cómica.

Un problema diferente aqueja el segundo intercambio. Lily tiene una personalidad distintiva, irritable y deprimente, propia de una princesa británica; en parte se debe a su acento, en parte a su actitud arrogante. Pero eso es lo que queremos ver trasladado a Jamie Lee Curtis. Y viceversa: Tess, con su aire de abuela áspera pero tierna, sería el contraste interior perfecto para la altivez exterior de Lily. Esto es lo que ocurre en cambio: Lily, incluso después del intercambio de cuerpos, sigue hablando con su acento británico (no sabía que la película establece que los acentos son parte de la constitución física de una persona); parece la misma persona que era antes. Si Curtis hubiera podido usar ese acento en su actuación, habría sido mucho más gracioso, pero en cambio se queda con Lily como una fuente de actitud inmadurez, que se fusiona con la propia inmadurez de Tess. En resumen, ninguno de estos personajes, después del intercambio, parece lo suficientemente diferente de sí mismo como para que la comedia detone.

Dicho esto, el doble intercambio le da a "Freakier Friday" un aire de malabarismo que desprende un agradable zumbido. Es divertido sortear las complicaciones de la película; sigue su propia lógica lo suficiente como para crear un paisaje Disney agradable. Y hay algunos momentos aislados donde la risa estalla: Lohan, como Harper, intentando coquetear con el hombre que cree que es el novio secreto de su madre, o saludando a los asistentes de Anna con un alegre "¡Hola, gente que veo a menudo!", o Lily (Curtis) comprando productos para la tercera edad en una farmacia.

La película termina siendo bastante conmovedora. Trata sobre cómo Harper y Lily, al intentar romper el compromiso de sus padres, descubren que realmente quieren ser hermanas, y sobre cómo Harper se entera de que su madre la ha estado cuidando de maneras que desconocía. "Freakier Friday" se perfila como un cuento de hadas familiar de Disney sesgado, aunque nunca llegue al nivel de su antecesora.    

Crítica Cinéfila: Furiosa - A Mad Max Saga

Al caer el mundo, la joven Furiosa es arrebatada del 'Lugar Verde de Muchas Madres' y cae en manos de una horda de motoristas liderada por el Señor de la Guerra, Dementus. Arrasando el Páramo, se topan con la Ciudadela, presidida por Inmortal Joe. Mientras los dos tiranos luchan por el dominio, Furiosa debe sobrevivir a muchas pruebas mientras reúne los medios para encontrar el camino de vuelta a casa. 

No se puede deshacer el mundo. La Imperator Furiosa de Charlize Theron aprendió esa lección de la manera más difícil cuando se llevó a las preciosas novias de guerra de Immortan Joe y atravesó a toda velocidad el desierto hacia el Edén matriarcal del que fue robada cuando era niña. Ella y su variopinto grupo de aliados reacios condujeron hasta donde les permitían las carreteras del Valhalla, sólo para descubrir que el Lugar Verde de Muchas Madres no estaba más allá del pantano inhabitable por el que habían pasado para llegar allí; era el pantano inhabitable por el que habían pasado. Cualquier esperanza vaga pero eterna que Furiosa todavía mantuviera para el futuro tendría que ser sembrada en el mismo Yermo estéril que había absorbido toda su vida; al negarle dos veces la utopía que le habían prometido, Furiosa tendría que regresar a la Ciudadela de la que acababa de escapar y reclamarla para sí misma. No hay vuelta atrás, pero a veces sólo se puede encontrar el camino hacia delante mirando por el retrovisor.

Y por eso es lógico que el loco empedernido George Miller haya seguido la película de acción más espectacular del siglo XXI no con una secuela que continúe donde lo dejó “Mad Max: Fury Road” (aunque espera hacer una de esas algún día), sino más bien con una precuela que allana el camino hasta donde empezó. Del mismo modo, también es lógico que Miller no haya intentado superar el caos orgiástico que llevó su franquicia Ozploitation al siglo XXI, brillante y cromada: el tipo puede estar loco, pero no está loco. Tampoco está dispuesto a conformarse con rendimientos decrecientes. En lugar de alcanzar (y no lograr superar) el listón increíblemente alto que se había fijado, Miller ha decidido hacer algo aún más loco y gratificante: ha creado una saga de venganza sinfónica, de cinco partes y que abarca décadas, tan inmensa y autosuficiente, negándose a que sea vista como la mera extensión de otra película, aunque logra profundizar el impacto de “Fury Road” en cada paso.

Por el contrario, " Furiosa: A Mad Max Saga " no parece una obertura para la carnicería vehicular de "Fury Road", sino que retroactivamente hace que "Fury Road" parezca una coda de la historia épica que Miller cuenta aquí. Si esa obra maestra magníficamente inteligente siempre ha parecido la obra de un artista visionario que se estaba purgando de cada idea frustrada que nunca le habían permitido filmar, este éxito de taquilla de verano igualmente extático desentierra las raíces de la catarsis de Miller con la misma precisión y mucho vigor creativo. ¿Proporciona “Furiosa” el tipo de shock sistémico que hizo que su predecesora pareciera una reprimenda tan violenta al Hollywood de la era de los superhéroes? No lo creo, aunque sus dos escenarios auténticos eclipsan los momentos más eléctricos de “Fury Road”, al mismo tiempo que los repiten de maneras nuevas y fantásticas. Pero la decisión de Miller de cambiar de marcha finalmente demuestra ser la mayor fortaleza de su precuela. 

Evitando las mismas trampas que han hecho que muchas franquicias recientes parezcan menos de lo mismo (en parte porque fue escrita en su totalidad antes de que se filmara “Fury Road”), “Furiosa” no intenta revertir la situación. Diseña una de las experiencias cinematográficas más propulsoras jamás concebidas mientras recorre Wasteland en busca de la emoción que se necesitará para alimentarla. Mientras que “Fury Road” fue impulsada por la búsqueda de esperanza, “Furiosa” es una película gloriosa sobre por qué la necesitas en primer lugar. Miller no es sutil al respecto. No necesita serlo; una fábula post-apocalíptica cuyos nombres de personajes son más expresivos que los guiones completos de algunas películas (los nuevos favoritos como “Piss Boy” y “The Octoboss” se unen a clásicos que regresan como “Rictus Erectus” y “The People Eater”), “Furiosa” es menos interesado en la ambigüedad de sus matices que en lo épico de sus detalles, y la atención que le presta a este último es tan palpablemente amoroso que no puedes evitar sentir que este mundo en ruinas todavía tiene historias que vale la pena contar. 

Comienza con una pregunta sencilla: “Mientras el mundo se derrumba a nuestro alrededor, ¿cómo debemos afrontar sus crueldades?” Antes de que “Furiosa” termine con el primero de sus cinco capítulos distintos, comenzará a ofrecer dos respuestas competitivas a esa pregunta. Uno está enterrado dentro de la joven Furiosa (Alyla Browne, su actuación tan feroz e hipercapaz que podrías olvidar que su papel se reestructurará una hora más tarde). Secuestrada de su idílico hogar como un mapa humano que sus captores pretenden vender al señor de la guerra más cercano (siempre que puedan superar a la madre de la niña, que carga rifles, a través del desierto en una silenciosa persecución de día y noche que sería la secuencia más genial en casi cualquier otra película), Furiosa recibe instrucciones de nunca revelar la ubicación del Lugar Verde de donde vino. En cambio, le dan su propia semilla para plantar en otro lugar, aunque no entenderá todas las implicaciones de ese gesto hasta la mitad de la siguiente película, cuando se da cuenta de la diferencia entre un hogar y un recuerdo. 

El señor de la guerra que deja huérfana a Furiosa y la adopta como navegante de su horda ambulante de motocicletas (un “congreso de destrucción”) es una figura trágica que ha perdido la capacidad de apreciar esa distinción. Su nombre es Dementus (interpretado por Chris Hemsworth en una actuación vertiginosa y espectacular que sugiere cómo sería si Shakespeare escribiera una comedia ambientada en un mitin de Monster Truck). Despiadado pero teatral, Dementus solo da miedo porque sabes que tomará cualquier cosa y todo lo que pueda para evitar pensar en lo que ha perdido. Habría sido fácil para Miller y su coguionista Nico Lathouris imaginar al principal antagonista de esta precuela como un simple subjefe del malo de “Fury Road”, Immortan Joe, pero “Furiosa” va en la dirección opuesta al convertir a Dementus en el personaje principal más locuaz en la historia de esta franquicia; al enfatizar su humanidad descarriada en un páramo de traficantes de poder endogámicos. Menos motivado para gobernar que para construir, Dementus comparte el impulso de Furiosa por la creación, con la única diferencia de su tonta creencia de que algo útil podría surgir de un mundo sembrado de odio. 

Pero las ambiciones de Dementus, por oportunistas que sean, invariablemente conducirán a su amada horda a la inexpugnable Ciudadela donde Immortan Joe (Lachy Hulme, reemplazando sin problemas al difunto Hugh Keays-Byrne), sus hijos adultos y sus War Boys, aturdidos por el nitruro, reinan de forma suprema. Así que Dementus tendrá que conformarse con el control de Gas Town, un trato que consigue ofreciendo a Furiosa como la próxima de las muchas esposas de Immortan Joe. Furiosa tiene otras ideas. Se disfraza como un War Boy mudo en la primera oportunidad que tiene, y luego espera el momento oportuno durante la mayor parte de una década hasta que se transforma en Anya Taylor-Joy y se aprovecha la oportunidad para esconderse en un War Rig que podría llevarla lejos de la Ciudadela. El conductor de esa enorme bestia de metal es un guerrero de la carretera llamado Praetorian Jack (Tom Burke, la fuga de “The Souvenir”), y Furiosa siente que él es capaz de ser lo suficientemente amable como para ayudarla a guiarla en la dirección correcta. 

O tal vez sea suficiente para ella saber que él es capaz de ejercer suficiente violencia para ayudarla a sobrevivir a los Mortificadores voladores que patrullan Fury Road en busca de puntos vulnerables en la cadena de suministro de Immortan Joe, y luego se lanzan en paracaídas sobre ellos desde arriba en motocicletas aéreas que le permiten a Miller eleva la acción incluso más alto de lo que los War Boys de salto con pértiga pudieron llevarla en la película anterior. En cualquier caso, una amistad concisa se forja en una erupción operística de acero oxidado, y el vínculo silencioso que se forma entre Furiosa y Praetorian Jack jugará un papel crucial en la guerra que está a punto de estallar entre Dementus e Immortan Joe.

Esta configuración ofrece muchas oportunidades para los fanáticos de buscarle lógica y justificación narrativa a las precuelas y secuelas, pero Miller no analiza el lindo encuentro entre Furiosa y su "boom stick" de doble acción, e incluso la inevitable revelación de cómo pierde su brazo izquierdo se maneja con refrescante naturalidad. Llamar la atención indebida sobre tales detalles en medio de una carrera de vida o muerte a través de las dunas de arena alteraría el ritmo de una película que se desarrolla con la precisión de una sinfonía (a menudo me recordaba a Park Chan-wook en ese sentido), especialmente cuando “Furiosa” se convierte en una saga de venganza maximalista; su violencia es tan inexplicable que incluso sus momentos de descanso tienden a vibrar en la pantalla con el estremecimiento de 1,000 motores acelerados a la vez.

Cada faceta de “Furiosa” –no sólo el inmaculado diseño de sonido de Rob Mackenzie y la estruendosa partitura de Tom Holkenberg, sino también el diálogo mínimo que se intercala entre ellos– está orientada al propósito compartido de crear una armonía con la fuerza del diesel entre las personas y la maquinaria del Wasteland, de modo que el enorme rugido del carro de Dementus o el ronroneo gutural de “Valiant” de Praetorian Jack se vuelven más expresivos que cualquier cosa que estos personajes pudieran decir. Ninguna película tan cacofónica ha sonado más. 

El virtuosismo del enfoque de Miller es tan sorprendente que es posible que ni siquiera notes lo poco que Furiosa habla; como Charlize Theron, Taylor-Joy transmite tanta fuerza y ​​desesperación solo a través del blanco de sus ojos que las palabras solo le arrebatarían la pureza incomparable de su propósito. Esa intensidad naciente coincide tan perfectamente con el modelo establecido para el personaje que el parecido creíble de Taylor-Joy con Theron es solo la guinda del pastel, y la ex actriz merece sus propios elogios por la intencionalidad con la que enciende la llama que enciende la actuación Taylor-Joy. En sus manos, Furiosa renace como el raro personaje cinematográfico que se ha vuelto icónico dos veces en dos formas distintas (pero inseparables), y las generaciones futuras quedarán asombradas por el hecho de que “Fury Road” fue lo primero. 

Si no fuera por sus velocidades y períodos de tiempo completamente diferentes, "Furiosa" y su secuela podrían parecer una sola película cortada en dos. Pero permite a Miller trabajar un poco más en el evidente CGI aquí que en el pasado. Tal como están las cosas, su relación se parece más a la que existe entre “Before Sunrise” y “Before Sunset”, una promesa ingenua y serpenteante para el futuro que da paso a una carrera tremendamente urgente para recuperar el presente. 

En ciertas coyunturas, la amplitud de “Furiosa” puede parecer perjudicial, ya que Miller ocasionalmente acelera los desarrollos masivos de la trama como si fueran errores menores; la mentoría y cambio de vida que Praetorian Jack ofrece a Furiosa se resuelve en el lapso de un solo desvanecimiento, mientras que el tan esperado enfrentamiento entre Dementus e Immortan Joe es avanzado con la ayuda de una narración rápida. Lo más atroz de todo es cómo las brechas de tiempo dificultan el seguimiento de las respectivas relaciones de Dementus e Immortan Joe con Furiosa, tal como son.

Sin embargo, en su mayor parte, el hecho de que tales omisiones puedan malinterpretarse como descuidos es un testimonio de la riqueza de la historia de esta franquicia, del mismo modo que la negativa de Miller a distraerse del enfoque decidido de su heroína beneficia en última instancia a una película que ve el caos como la mayor oportunidad de Furiosa de buscar un hogar, y no (como Dementus podría concebirlo) como un hogar en sí mismo. No es de extrañar que el maníaco señor de la guerra ni siquiera pueda comprender lo que Furiosa está tratando de encontrar. “¿Adónde vas tan llena de esperanza?” él la llama, sonriendo con una amargura que él confunde con sabiduría. El chico apenas puede contenerse después de que Furiosa pierde el mismo brazo en el que se había tatuado un mapa estelar del Lugar Verde de Muchas Madres. Lo que Dementus no sabe, y tal vez tenga que aprender de la manera más difícil, es que su cinismo maníaco efectivamente guiará a Furiosa hacia el único hogar que podrá encontrar. 

Su búsqueda para vengar la muerte de su madre es lo que impulsa esta historia, pero no es eso lo que hace que valga la pena contarla. "Furiosa" obtiene su inestimable potencia de cómo obliga a su heroína a observar a la horda de motocicletas de Dementus dar vueltas en círculos durante 15 años, matándose a sí mismos y a muchos otros en un intento inútil de controlar una parte de un páramo irradiado que ya sabemos que no lo harán o podrían mantener. Cada nueva indignidad la acerca a aceptar que no ir a ninguna parte con esperanza es mejor que ir a ninguna parte sin ella.

¿Cómo enfrentamos las crueldades del mundo? Negándonos a convertirnos en crueldades nosotros mismos. Una precuela tan ardiente internamente puede parecer una introducción extraña a una película que escupe fuego en todas direcciones, pero no te preocupes: George Miller todavía tiene lo necesario para hacerla épica. 

Crítica Cinéfila: Damsel

Una obediente damisela acepta casarse con un apuesto príncipe. Pronto descubre que lo que en realidad quiere de ella la familia del novio es sacrificarla y, de este modo, saldar una antigua deuda. 

Cuando las jóvenes se miran a los ojos, florece una tranquila intimidad. Elodie ( Millie Bobby Brown ) no conoce a la chica anónima que se encuentra con su mirada desde un balcón a cierta distancia, pero se siente conectada con ella. Sus sonrisas despiertan destellos de mutuo reconocimiento. Pero esta extraña es más que el espejo de Elodie; ella es un inquietante presagio del destino de la joven princesa.  

En "Damsel", Elodie intenta escapar de las convenciones de su propia historia. Atrapada en un mundo de modales y expectativas, la princesa busca aventuras y anhela demostrar su independencia. La presunción es familiar: un puñado de películas (y series de televisión) recientes han presentado al público mujeres de la realeza que subvierten con entusiasmo los arquetipos de los romances medievales. "Brave" de Disney presentó a Mérida, una rebelde arquera que aportó un feminismo contemporáneo más abierto a la marca del conglomerado de entretenimiento. "The Princess" protagonizó a Joey King como la realeza titular que se abre paso a patadas para salir de un desafortunado compromiso. Y en "Cenicienta" de Kay Cannon  la protagonista con exceso de trabajo (Camilla Cabello) se preocupa más por abrir una tienda de ropa que por encontrar un príncipe. Estas historias presentan heroínas activas que entienden que deben liberarse de la angustia más allá que encontrar a un príncipe que las salve.

Al igual que sus predecesores, "Damsel" se organiza sin rodeos en torno a esta poderosa noción. La película, dirigida por Juan Carlos Fresnadillo y escrita por Dan Mazeau, trata sobre una joven mujer fuerte de un reino vagamente esbozado cuyo compromiso (con un príncipe más rico) toma un giro inesperado y casi fatal. La película de Fresnadillo da menos aires de disrupción que otras versiones de esta historia, por lo que la narrativa parece menos satisfecha de sí misma. Y le cuesta mantener un tenor inspirador.

La película comienza con una declaración de intenciones. “Hay muchas historias de caballería, donde el heroico caballero salva a la damisela en apuros”, dice Elodie, a través de voz en off. "Esta no es una de esas". Conocemos el rostro detrás de la voz y a su hermana menor Floria (Brooke Carter) mientras cortan leña y discuten formas de ayudar a su empobrecido reino. Un invierno particularmente duro ha dejado a la gente del pueblo con frío y hambre. Elodie, con un gran sentido de responsabilidad, sugiere a la familia que done sus pertenencias. Floria, menos proclive al sacrificio, no está de acuerdo. Debe haber otra manera. 

En esos tiempos, el matrimonio se convierte en la única otra opción. Cuando Elodie y Floria regresan al castillo, su reservado padre (Ray Winstone) y su esforzada madrastra (Angela Bassett) anuncian que la hija mayor se casará con el príncipe Harry de Aurea (Nick Robinson), sin importar que Elodie nunca haya oído hablar de este reino ni de su realeza. La familia prepara un barco y navega hacia el castillo más próspero. Aquí y en otros lugares, el guión de Mazeau adolece de una falta de detalles que reforzarían la historia. Es posible que "Damsel" haya comenzado con una proclamación confiada, pero falla tan pronto como comienza la acción. 

Cuando Elodie y su familia llegan a Aurea, la diferencia entre esta tierra y la de ellos es evidente. El director de fotografía Larry Fong utiliza tomas aéreas para observar el paisaje, un terreno verde decorado con una flora sorprendente y texturizada por sus montañas escarpadas. Nos adentramos en el castillo, donde la familia real vive una vida de lujoso encanto. El diseño de vestuario de Amanda Monk diferencia hábilmente el estatus de las dos familias. La reina Isabelle (Robin Wright, apropiadamente furtiva en una inteligente elección de reparto) corteja a Elodie y a su padre, Lord Bayford, con halagos y sonrisas fáciles, pero la malevolencia acecha en las sombras. La política de esta tierra ficticia se reduce a una vieja historia y una antigua maldición. Hace siglos, una violenta transgresión obligó al entonces rey de Aurea a hacer un pacto con un dragón. La expiación requeriría el sacrificio de tres hijas al mítico reptil por la eternidad. 

Así que la unión entre Elodie y el príncipe Harry es una trampa, un siniestro complot para sacrificar a la princesa al dragón. Un destino similar corrió la joven mujer anónima que Elodie vio desde su ventana el día de su llegada. Su interacción plantea algunas preguntas, y uno se pregunta si Elodie, a pesar de toda su inteligencia sugerida, alguna vez preguntó sobre la existencia de otra princesa en el castillo.

"Damsel" se encuentra en un terreno más sólido cuando puede abandonar la lógica de la narrativa por el músculo de la acción. La familia real deposita a Elodie, cada vez más escéptica, en una cueva, dejándola enfrentar una muerte feroz. Pero la joven rechaza este destino y se esfuerza por encontrar una vía de escape. El diseño de vestuario de Monk impresiona, ya que Elodie debe usar partes de su vestuario de boda para salir de los terribles encuentros con el dragón (con la voz de Shohreh Aghdashloo) y el laberinto de su guarida subterránea. 

Mientras intenta salir, Elodie se encuentra con los espíritus de otras damiselas sacrificadas. Brown aporta aquí la misma energía que en su papel en la saga "Enola Holmes". Elodie, como la detective de la época victoriana, aborda los acertijos con determinación. Apoyarla no es complicado. Como siempre, la fuerza de la actriz de Stranger Things como intérprete radica en su expresividad: los ojos muy abiertos por el miedo y las muecas de dolor. Su interpretación, que tiene matices de Daenerys Targaryen de Emilia Clarke, sostiene una película que se habría beneficiado de una mayor profundidad, especialmente porque su penúltima batalla ofrece un momento de inteligencia. En esa escena, Elodie reúne fuerzas para enfrentar al monstruo que la persigue. Su encuentro, un encuentro en el umbral de la vida y la muerte, es tenso, pero en su contacto visual hay algo familiar: un escalofriante destello de reconocimiento mutuo. 

Con esto no promuevo descartar esta película en su totalidad; tiene sus momentos de satisfacción y otros de conexión, pero es el tipo de historia que solo motivaría para un sábado por la tarde con entretenimiento superficial, y sin búsqueda de historias profundas que cuestionen las decisiones y traiciones que una joven damisela puede enfrentar en pocas horas después de casarse.

Crítica Cinéfila: Cocaine Bear

Un grupo formado por policías, delincuentes, turistas y adolescentes converge en un bosque de Georgia donde un oso negro de 500 libras se vuelve loco después de ingerir cocaína, que cayó del avión de un narcotraficante.

En septiembre de 1985, las autoridades de Tennessee descubrieron el cuerpo de Andrew Carter Thornton II, un ex oficial de narcóticos convertido en contrabandista de drogas que había muerto al caer de un avión. Las bolsas llenas de cocaína que transportaba al país tardaron más en recuperarse. Cuando se encontró la carga ilícita en el Bosque Nacional Chattahoochee-Oconee de Georgia, gran parte ya había sido ingerida por un desafortunado oso negro de 175 libras, que se encontró muerto cerca de una sobredosis masiva. De esta historia real de avaricia, estupidez y el irreflexivo abuso de la naturaleza por parte de la humanidad, surge una pregunta natural: ¿Qué pasaría si el oso, en lugar de morirse, se hubiera convertido en un asesino drogadicto impulsado por un hambre no solo de carne humana fibrosa (aunque hay mucho de eso), sino también de ese polvo blanco abusivo?

Desagradable, brutal y llena de momentos "cómo fue...", "Cocaine Bear" proporciona una respuesta extremadamente sangrienta y divertidamente especulativa. Habiendo acaparado los titulares con su tráiler viral, título alegremente autoexplicativo y astuta redefinición de "concepto elevado", la película ya ha invitado a obvias comparaciones previas al lanzamiento con "Snakes on a Plane", el thriller de 2006 que se disparó durante meses como una sensación de Internet antes de estrellarse en la tierra de la taquilla. Ya sea que el público forme líneas o no para "Cocaine Bear", es difícil descartar por completo una comedia de terror convencional que ofrece una buena cantidad de momentos agudos y espeluznantes, al menos hasta que toma un giro decepcionante para concluir con una acción suave y tierna. Pero seguro que han visto peores películas nuevas este año.

Lo que probablemente no hayas visto es un oso de 500 libras (porque todo es más grande en Hollywood) abriéndose camino a través de un tramo de bosque protegido por el gobierno federal que alguna vez fue idílico. En consonancia con la mayoría de los entretenimientos actuales de depredadores ápices y enloquecidos, incluida la sólidamente entretenida “Beast” del año pasado, esta versión ficticia de “Pablo Escobear” (un apodo acuñado localmente) es completa y convincentemente generada por computadora, desde sus garras letales hasta el final de su hocico cada vez más manchado de sangre y espolvoreado con cocaina.

Después de provocarnos con un primer vistazo de la acción del oso que ataca a los turistas y le amputa las piernas de un mordisco, el guión de Jimmy Warden presenta una ajetreada variedad de subtramas humanas. Keri Russell interpreta a una amorosa madre soltera; Brooklynn Prince ("The Florida Project") es su hija adolescente, que elige el peor día posible para adentrarse en el bosque con su mejor amigo (Christian Convery). O'Shea Jackson Jr., Alden Ehrenreich y Aaron Holliday están muy bien agrupados como tres ladrones torpes en una misión para recuperar la cocaína perdida. También en la mezcla están la indispensable Margo Martindale como una guardabosques malhumorada, Jesse Tyler Ferguson como un desafortunado activista por los derechos de los animales, Kristofer Hivju ("Game of Thrones") como un excursionista traumatizado e Isiah Whitlock Jr. como un detective de la policía obsesionado con el caso del descubrimiento de las bolsas de cocaina que cayeron del cielo.

No todos son afortunados de sobrevivir en esta película, y "Cocaine Bear", como la mayoría de las aventuras canívales que convierten el gore en entretenimiento, hace un trabajo razonablemente bueno tanto para revolver como para satisfacer sus expectativas. La directora Elizabeth Banks, realizando su tercer largometraje (después de “Pitch Perfect 2” y el reciente remake “Charlie's Angels”), tiene una manera limpia para manipular la acción desordenada, como vemos en la mejor escena de la película: un punto culminante de acción delirante con música de Depeche Mode que involucra una camilla, una ambulancia a toda velocidad y algunas heridas protésicas verdaderamente asombrosas que rompen las muñecas de cualquiera con el asiento del cine. No todas las víctimas del oso solicitan su desprecio, que es otra forma de decir que no es fácil predecir quién vive y quién muere, aunque puede apostar que este último incluirá al idiota que retrocede hacia una ventanilla convenientemente ubicada en el mismo centro de una puerta de la oficina de guardabosques.

El suspenso se deriva en parte del esfuerzo trepidante de la partitura de Mark Mothersbaugh, y también de la suposición de los personajes de que los osos negros son menos peligrosos que los osos pardos y siempre sobrios. Pero también surge de cierta cirugía cinemática aficionada por parte de Banks y Warden, quienes presentan algunas ideas graciosas y fantasiosas sobre cómo el oso podría responder a amenazas y otros estímulos. ¿Se abalanzaría sobre todas las personas que se crucen en su camino, o solo sobre las que huelen a coca? ¿Su último subidón le dará hambre o sueño? ¿Sobrevivirán los niños a su ola de asesinatos? 

Que el oso resulte ser una mamá ella misma, completa con su propia manada de osos, podría ayudar a responder algunas de estas preguntas. Es aquí donde la película, después de aproximadamente una hora de caos cada vez mayor, se vuelve ingratamente suave. La acción comienza a alargarse, los giros se vuelven más elaborados y lo que al principio parecía un ejercicio de película de explotación alegre y sin disculpas amenaza con convertirse en una obra de moralidad de última hora. Eso es dulce y defendible en teoría pero también sugiere una falta de valor en una película lo suficientemente atrevida como para mostrar a dos niños probando cocaína por primera vez, desafiando alegremente los comerciales antidrogas que se apoderaron de las ondas en los años 80 y 90.

Banks nos muestra algunos de esos comerciales desde el principio, aunque no llega a satirizar la campaña "Abrazos, no drogas" que era un elemento fijo de tantas escuelas primarias, con nada menos que Hugs the Bear como su peluda y amigable mascota. En otra parte, rinde un homenaje agradable y poco sutil al momento específico de esta historia, abarrotando la banda sonora con éxitos de los 80 y con Matthew Rhys, el coprotagonista de "The Americans" de Russell, interpretando al destinado Thornton en un rápido prólogo. También el reparto de guiños tiene a un difunto Ray Liotta, quien inhaló cantidades masivas de coca en "Goodfellas" y aquí interpreta a un despiadado narcotraficante en su último papel en la pantalla. ¿Tiene su personaje una salida digna de él?

Cocaine Bear ofrece una buena cantidad de risas y emociones. Tiene momentos realmente divertidos: la entrega de Ehrenreich de "¡UN OSO tomó COCAÍNA!" es inmaculado, y sus mejores muertes te dejarán gritando de emoción/terror. Pero a pesar de lo divertido y estúpido que es la trama, no se puede evitar pensar mientras se observa que podría haber sido aún más divertido y aún más estúpido. En cambio, la película entra en control de crucero entre piezas centradas en osos, casi como si hubiera llegado demasiado alto en su propia premisa para impulsarse a alturas verdaderamente exhorbitantes. La propia historia del Cocaine Bear original es una leyenda instantánea; ojalá pudiera decir lo mismo de su película homónima.

Crítica Cinéfila: Without Remorse

Un comando SEAL de élite descubre una conspiración internacional mientras busca hacer justicia por el asesinato de su mujer en Sin remordimientos, de Tom Clancy. 

No puedes matar a un hombre de Tom Clancy. El famoso imperio de espionaje del difunto autor ha mantenido a estrellas desde Harrison Ford hasta John Krasinki empleadas durante décadas en las diversas propiedades de cine y televisión de su propiedad.

Varios talentos, incluidos Willem Dafoe y Liev Schreiber, ya ha representado al personaje de John T. Clark en la pantalla, aunque Michael B. Jordan se convierte en el primer actor de color en interpretarlo en Without Remorse dirigido por Stefano Sollima. Lamentablemente, y por más que siga a este reconocido actor, la película total decepciona. Pero lo que hace que sea mucho más decepcionante que la trama, y sea tan contundente y ridícula como lo logra ser es la letanía sangrienta y demasiado familiar de intrigas de la Guerra Fría y cliché occidental.

El guion está coescrito por el guionista nominado al Oscar Taylor Sheridan (Sicario, Hell or High Water ) con Will Staples, mejor conocido por su trabajo en el videojuego Call of Duty: Modern Warfare 3, pero es el videojuego en primera persona de este último.modo de tirador que domina; para cuando aparecen los créditos iniciales, el recuento de cadáveres ya ha pasado de 10. Aunque para ser justos, es una redada: Clark de Jordan, un SEAL de la Marina, que lidera a su equipo para rescatar a un secuestrado de la CIA en Siria de los insurgentes rusos bajo la dirección de un imperioso oficial de la agencia llamado Robert Ritter (Jamie Bell).

Tres meses después, esos mismos miembros del equipo comienzan a aparecer muertos en suelo estadounidense, y cuando la joven familia de John se convierte en el objetivo, nace una historia de venganza. A partir de allí, John se balancea entre una serie de escenarios internacionales que funcionan mejor cuando pasan del zumbido de las balas a algo más análogo de mano a mano (una escena de hombre contra SWAT absurda pero entretenida en una celda de prisión, zambullida de agua en algún lugar sobre el mar de Bering).

El director Stefano Sollima tiene como objetivo convertir a John en un héroe de primer orden: mata porque le importa. Jordan, una presencia naturalmente magnética, hace todo lo posible para invertir eso con algún (o cualquier) tipo de significado, pero es un largo camino para poder creerlo. Mientras tanto, Guy Pearce aparece para representar al Gran Gobierno y pone en marcha varias misiones de "esto es altamente clasificado"; la actriz de Queen & Slim, Jodie Turner-Smith, como una compañera de Seal, lucha para entregar líneas de madera sobre la precaución y la lealtad; y el talentoso Bell, encargado de interpretar al antagonista de John, está mayormente cargado de travesuras de nivel Bravo y exposición de historias, un personaje naturalmente odiado.

A medida que se desarrolla una vasta conspiración al estilo Clancy que logra ser a la vez vaga y casi cómicamente explícita, las cosas se disparan con una regularidad paralizante y varios combatientes sin rostro mueren; los planes mejor trazados salen mal. La venganza se realiza sin remordimiento y con menos sentido aún. Lo único seguro, a juzgar por la promesa de una escena posterior a los créditos, es una secuela sin ser solicitada por la audiencia.

Crítica Cinéfila: Penguin Bloom

Sam Bloom es una madre que vive feliz con su marido y sus tres hijos. Un día un accidente la deja paralítica. Mientras ella y su familia luchan por adaptarse a su nueva situación, un aliado improbable se presenta en sus vidas en forma de un pájaro herido al que llaman Penguin por el color de su plumaje. La llegada de este animal es una bienvenida distracción para la familia Bloom, que finalmente marca una gran diferencia en Sam, enseñándola a vivir de nuevo.

En 2011, el ex editor de Movieline sugirió que el perro que interpretó a Uggie en el aspirante al Oscar "The Artist" fuera considerado para su propio Premio de la Academia. No fue una pregunta sin precedentes (Rin Tin Tin estaba en la carrera por el primer premio al Mejor Actor), pero sin duda fue la campaña de premios más pública para un actor no humano.

Casi una década después, es hora de otra campaña: se les debe dar un Oscar a la o las aves que protagonizan la dramática historia de la vida real de Glendyn Ivin, "Penguin Bloom". Eso no quiere disminuir el trabajo de los actores humanos, incluida una conmovedora Naomi Watts y una actuación destacada del joven actor Griffin Murray-Johnston, pero hay una razón por la que este gentil drama australiano lleva el nombre de su único personaje con alas. Basado en el libro del mismo nombre de Cameron Bloom y Bradley Trevor Greive, esta película rastrea una historia bastante familiar sobre lesiones, dolor y resistencia, aunque maravillosamente esponjada por la improbable heroína en su corazón.

Narrada por el sensible adolescente Noah (Murray-Johnston), "Penguin Bloom" sigue la historia de la familia Bloom, una tribu australiana feliz y extremadamente atlética, aparentemente unida por su única mujer, la amada madre Sam (Watts). Después de un extraño accidente en unas vacaciones en Tailandia, Sam se queda en una silla de ruedas, quedándose entre la ira e impotencia. 

Glendyn Ivin logra un equilibrio temprano entre las perspectivas, con Noah interviniendo a través de la voz en off y usar un enfoque más objetivo para contar el resto de la historia. Si bien Noah sigue un arco que se siente tradicional al género, la opinión de Sam es un poco más libre. Ivin no ignora por completo otros tropos de tragedias: una hermosa pared llena de fotografías de la vida de la familia antes del accidente, amigos de la familia bien intencionados que se acercan a visitarlos, pero la actuación finamente ajustada de Watts, nunca exigente y a menudo mordaz, ayuda a guiar los caminos más predecibles de la película.

Y luego está Penguin. Es Noah quien encuentra a la urraca bebé abandonada, gorjeando en una playa local, totalmente solo y presumiblemente bastante asustado por todo el asunto (Penguin es interpretado supuestamente por ocho urracas diferentes). Sam, asustada de todo y ya no segura de sí misma, se resiste; ella le llama "pájaro" cuando todos los demás comienzan a llamarla "Penguim".

"Peng" necesita una madre y Sam necesita poder cuidar de otra persona. El camino está despejado, pero "Penguin Bloom" a menudo encuentra diversiones hermosas y honestas que mantienen esta historia algo extravagante en el buen camino. Tanto la película como Sam se ven reforzados por la llegada de Penguin, una pequeña criatura que inevitablemente requiere la atención y el cuidado de Sam. Siempre graznando, y sobre todo sonando como si el aire saliera de un globo, Penguin se abre camino a través de la casa y, sí, directamente en el corazón de Sam. Ella hará lo mismo con la audiencia de la película, sin duda.

La metáfora que se arraiga es contundente: Sam dice que Penguin puede permanecer "solo hasta que se vuelva lo suficientemente fuerte" para tomar vuelo, un reflejo obvio de sus propios problemas físicos, pero eso no lo hace menos conmovedor. En su mayoría dentro de la casa de playa donde vivían los Blooms, Sam comienza a hacer movimientos tentativos de regreso al mundo real a medida que Penguin comienza a florecer. Una noche discordante con su madre habladora (Jacki Weaver) y su hermana (Leeanna Walsman) se sienten pintadas por números para este tipo de película, pero la eventual amistad de Sam con un instructor de kayak enérgico (Rachel House) es una sorpresa agradable.

Si bien la llegada de un pajarito débil que necesita el tipo de amor que solo una madre enferma puede brindar parece no muy aleatoria en el mundo del cine, Ivin busca de lo inesperado. Cuando Sam comienza a extender sus propias alas, la película también se abre, saliendo de la acogedora casa y entrando en un mundo brillante y hermoso que a menudo da bastante miedo, tanto para Sam como para Penguin. Los dramas se acumulan, algunos obvios, otros no, y “Penguin Bloom” serpentea un poco antes de llegar a tierra. El camino puede ser predecible, pero todavía hay algo hermoso cuando realmente toma vuelo.

Crítica Cinéfila: Sonic the Hedgehog

Sonic, el descarado erizo azul basado en la famosa serie de videojuegos de Sega, vivirá aventuras y desventuras cuando conoce a su amigo humano y policía, Tom Wachowski (James Marsden). Sonic y Tom unirán sus fuerzas para tratar de detener los planes del malvado Dr. Robotnik (Jim Carrey), que intenta atrapar a Sonic con el fin de emplear sus inmensos poderes para dominar el mundo.

A pesar de todo el alboroto que estalló en la primavera de 2019 sobre el diseño visual de Sonic the Hedgehog, al parecer los efectos visuales que querían trabajar solo se lograron única y exclusivamente en el muñeco y no en el resto de la película.

Sonic, quien fue atacado por claramente ser una criatura salida de otro universo, ahora está más cerca del estafador de ojos grandes y rojos con una sonrisa estilizada lanzada por Sega en 1991 y terminó convirtiéndose en una especie de Mario o Pac-Man para los millennials. En la película, ahora se aproxima al aspecto tierno de Astro Boy de Sonic de la franquicia del juego. Pero habla como el último bocado inteligente de dibujos animados excesivamente familiar: un poco sarcástico, un poco nerd, con un leve quejido de actitud, aunque esencialmente es expresivo para sonar como tu amigo, como si la película hubiera inventado algún tipo de batido vocal de Garfield y Fritz the Cat y Owen Wilson y Patton Oswalt.

Dado el nivel de obsesión con el que los fanáticos de Sonic lo consideran, los creadores de "Sonic the Hedgehog" habrían hecho bien en convertir la película en un parque temático de trucos de videojuegos, como el implacablemente imaginativo "Ralph Breaks the Internet". ¡Pero no! Su verdadera mala decisión épica, mucho peor que el diseño humanoide quisquilloso original de Sonic, fue convertir la película "Sonic" en una de esas comedias de aventura de acción en vivo torpe con una pelea genérica animada digitalmente en el medio.

El problema con esta forma es que el escenario de acción en vivo inevitablemente resulta en un tono empalagoso y alegre, y en este caso la historia de cómo Sonic compite con Tom Wachowski (James Marsden), un sheriff en la pequeña ciudad de Green Hills, Montana. Los dos finalmente aterrizan en San Francisco, para que la película pueda tener un clímax de acción sobre una de las plataformas de la Pirámide Transamerica. Sin embargo, estén donde estén, son una extraña pareja lo suficientemente sarcástica como para hacer que cualquiera se sienta incómodo.

¿Qué tan rápido es Sonic? Es tan rápido que trota a 297 millas por hora, juega un juego de béisbol consigo mismo y puede detener el tiempo efectivamente en cualquier situación, gateando dentro de él para hacer los ajustes necesarios (esta habilidad es útil y entretenida cuando está atrapado en una barra de redneck). Al principio, se lanza al ritmo de "Don't Stop Me Now" de Queen. Pero también, Sonic tiene sus anillos dorados de videojuegos que le permiten teletransportarse, y su mente también se mueve rápidamente, lo que significa que agrega un giro de fuego rápido a líneas como "La cara con la que nací, la confianza que recogí en el camino".

"Sonic the Hedgehog" se anima, más o menos, cuando Jim Carrey aparece en pantalla como el malvado Dr. Robotnik, cuya historia de origen es básicamente esta. Después de que la luz eléctrica de uno de los locos rayos de Sonic corta todo el Noroeste del Pacífico, el ejército de los EE. UU. está convencido de que debe haber algún tipo de invasión alienígena en marcha. Entonces envían a Robotnik, un mago de máquina independiente, para investigar. Carrey, con un gran bigote encerado de un viejo western, un largo abrigo negro con un forro rojo satánico y un corte de pelo que solo puede describirse como un desvanecimiento de Hitler, hace un giro vintage, es decir, podría haberse dado exactamente el mismo rendimiento en 1998, y tal vez lo hicieron, pero hay una vertiginosa nostalgia por verlo ejecutar estas rutinas con un abandono intemporal de demonios que solo nos recuerdan a The Grinch.

Robotnik es un genio tirano agrietado que controla un ejército de drones sensores, y su fuerza impulsora en la vida parece demostrar, en cada oportunidad , su superioridad innata. Todos sabemos que la comedia promedio de Hollywood tiende a incluir un poco de improvisación en el set, ¡pero en este caso el contraste entre la pseudo-descarado del resto de la película y el diálogo de Carrey es tan marcado que casi se siente como si hubiera inventado todo su personaje en el acto.

Una revisión como esta probablemente debería venir con un descargo de responsabilidad: a pesar de todo el tedio límite que sentí en "Sonic the Hedgehog", me doy cuenta de que esta es una imagen hecha para niños de 8 años. Y probablemente les gustará muy bien. Sin embargo, también llamaría un error el tono excesivamente infantil de la película. Los manifestantes que se unieron por los cambios en el diseño de Sonic tratándolo como un problema de línea en la arena, no eran niños de 8 años. Como héroe de la película, Sonic podría (y debería) haber sido más moderno y agudo, menos megaplex. Incluso mientras arreglaban su rostro, los cineastas se esforzaron tanto por hacerlo "agradable" que nunca descubrieron una manera de hacerlo genial.

Crítica Cinéfila: Charlie's Angels

Los Ángeles de Charlie siempre han proporcionado servicios de seguridad e investigación a clientes privados, y ahora la Agencia Townsend se ha expandido internacionalmente con las mujeres más inteligentes, valientes y mejor entrenadas a lo largo y ancho del planeta – varios equipos de Ángeles guiados por otros tantos Bosleys llevando a cabo los trabajos más duros por todo el mundo. Cuando un joven ingeniero de sistemas llama la atención sobre una peligrosa tecnología, los Ángeles son llamados a la acción, arriesgando sus vidas por protegernos a todos.

Siéndoles honesta: tenía altas expectativas para esta película. Siéndoles más honesta: después de que se acabó, hasta me dolió que hubiese gastado uno de mis tickets de A-List en esta película.

El público ha estado observando al trío de mujeres espías conocidas como los Ángeles de Charlie pateando traseros y cerrando conspiraciones criminales por más de 40 años. Todo comenzó como un programa de televisión de ABC en 1976. Más de 20 años después, hubo reinicios de películas en 2000 y 2003 protagonizados por Drew Barrymore, Cameron Diaz y Lucy Liu, ambos del director McG. Luego, en 2011, apareció un reinicio de televisión en ABC, pero no logró igualar el éxito del original, lo que resultó en  críticas mordaces  y una eventual cancelación.

Ahora, a medida que avanza la última ola de fiebre de reinicio de Hollywood, la historia se ha reinventado como otra, esta vez escrita y dirigida por Elizabeth Banks, Kristen Stewart, Naomi Scott y Ella Balinska protagonizan los papeles principales.

Las versiones anteriores de Los ángeles de Charlie casi no se parecen a su última versión. Si bien la premisa básica sigue siendo la misma: tres espías trabajan para un jefe millonario desconocido llamado Charlie a través de su proxy (ahora son en realidad representantes, todos todavía llamados Bosley).

La historia se centra en la ingeniera de sistemas Elena (Scott), que ha programado un dispositivo llamado Calisto, una forma de energía verde sostenible que reemplaza la necesidad de la red eléctrica tradicional. Pero en las manos equivocadas, Calisto también puede ser armado como un instrumento de asesinato en masa, y Sabina (Stewart) y Jane (Balinska) de los Ángeles, junto con Banks como Bosley, desentierran dicho complot clandestino con el villano menos esperado de todos.

Bosley se ha convertido en los Bosley, un grupo de hombres (como el majestuoso Patrick Stewart) y mujeres tenientes que informan a Charlie y ayudan a la fuerza global de espías Angel mientras llevan a cabo sus misiones. Si bien Stewart, Scott y Balinska tienen su propia habilidad en la pantalla, ya no se trata solo de ellas; en cambio, Banks representa una red mundial de espionaje compuesta por mujeres altamente capacitadas y colaboradoras.

Los Ángeles de Charlie originales fue inventado por los hombres como puro escapismo. El programa de televisión tenía el sexismo integrado en su concepto. El resultado es un intento de remodelación que pretende honrar a sus precursores mientras no le llega ni a sus talones. Banks lleva los ángeles de Charlie a la era moderna, todo para levantar sin disculpa una bandera feminista, defiende las amistades femeninas y hace un comentario sutil sobre la urgencia de la crisis climática en curso. Sin embargo, lo hace a un costo irreparable: un guión lleno de clichés y estereotipos más el adherido de una cantidad de chistes y momentos cómicos complatemente innecesarios.

Si bien hay escenas que logran salvarse son aquellas de completa acción, donde lo más importante es la coreografía de las patadas y balas, pero por momentos casi se ve arruinada, por diálogos mal ubicados y coqueteos a querer demostrar que las mujeres pueden pelear hasta con estilo. Al final, las escenas de acción están cortadas en una marea vertiginosa, imposible de seguir.

Lo bueno es que estas mujeres no están liderando con escote ni se están ahogando para apuntalar el ego de sus novios despistados como los Ángeles del pasado. Más bien, expresan su feminidad y sexualidad de manera que le dan a sus personajes profundidad y agencia en lugar de reducirlos a objetos. La película también quiere que interpretemos la personalidad de cada uno de sus personajes y que tratemos de empatizar con cada uno a pesar de sus prejuicios.

Este es el segundo esfuerzo de ayuda de Banks, quien dirigió Pitch Perfect 2, que tenía un presupuesto estimado de $30 millones y recaudó $287 millones en todo el mundo. Quizás la mayor revelación de su inventiva aquí es que logra posicionar a los Ángeles de Charlie como una franquicia internacional que ahora permite fácilmente múltiples secuelas y tal vez incluso un par de precuelas con la Sabina de Stewart o el Charlie que Banks ingeniosamente desenmascara como el primero en la fila.

La película no es tímida sobre su punto principal: los hombres no son intrínsecamente más valiosos que las mujeres, o, como lo dice Sabina en su línea de apertura, "las mujeres pueden hacer cualquier cosa". Ese tipo de diálogo directo indudablemente puede irritar a algunos espectadores. Del mismo modo, a pesar de todo su trabajo pesado #MeToo, la película todavía no funciona, principalmente por las mismas razones que antes: construidos como símbolos (no seres humanos), estos personajes tienen demasiadas cosas de espía que hacer y, sin embargo, no del todo suficiente. Naturalmente, tenemos otros dos ángeles, solo para mantener contentos a los abogados de propiedad intelectual, ni Naomi Scott ni Ella Balinska causan una gran impresión, y el trío persigue a un MacGuffin de energía limpia mientras lucha con una procesión de cerdos sexistas.

Crítica Cinéfila: Spiderman Far From Home

Peter Parker decide irse junto a MJ, Ned y el resto de sus amigos a pasar unas vacaciones a Europa. Sin embargo, el plan de Parker por dejar de lado sus superpoderes durante unas semanas se ven truncados cuando Nick Fury contacta con él para solicitarle ayuda para frenar el ataque de unas criaturas elementales que están causando el caos en el continente. En ese momento, Parker vuelve a ponerse el traje de Spider-Man para cumplir con su labor.

Todo el que se quedó con ganas de más después de Avengers Endgame, viene a Spiderman: Far From Home con expectativas bien altas. Y para mayores sorpresas, incluyendo las mías que no soy tan fanática de ninguna de estas películas, es una trama interesantemente bien construída, haciendo tres tipos de continuidades: la continuidad después del chasquido de Thanos y cómo estos jóvenes vuelven a seguir sus vidas; la continuidad interna para Spiderman, después de la muerte de Iron Man y cómo esto le ha afectado por la presión que muchos están poniendo en sus hombros; y la continuidad después de Homecoming, para algunos personajes que no veíamos desde aquel entonces.  Aquí se centra aún más en el protagonista Peter Parker.

Sin depender de sus películas anteriores, esta es un triunfo particular, una explosión de adrenalina y emociones que les hace honor y envía la historia de MCU de maneras memorables e incluso conmovedoras.

Far From Home retoma la historia donde Endgame la dejó, tanto abordando algunas de sus preocupaciones de la historia como procesando algunas de sus grandes emociones. La muerte de Tony Stark se está sintiendo en todo el mundo, ya que los recuerdos espontáneos surgen en forma de todo, desde murales estilizados y santuarios urbanos hasta videos cursis de YouTube. Peter Parker (Tom Holland) ha sido particularmente golpeado por la muerte de su mentor y por el sentimiento de que espera no solo continuar sin él, sino también estar a la altura de su legado e incluso reemplazarlo de alguna manera en los Avengers, claramente procesando un poco de trauma por lo que pasó. Pero él está listo para tomarse un descanso de la vida de superhéroes y volver a ser un adolescente por un tiempo.

Endgame restauró a la gente que Thanos chasqueó, pero el mundo tuvo que adaptarse a su abrupta reaparición después de cinco años. Far From Home aborda las ramificaciones solo de la manera más breve y cómica, pero es claramente un telón de fondo para el mundo que Peter vuelve a entrar, donde algunas de las personas en su escuela secundaria han envejecido cinco años, mientras que otras son exactamente como eran antes del "Blip", como se le hace llamar ahora a la brecha. Afortunadamente para Peter, al parecer, todos sus seres más cercanos y queridos, incluida su tía May (Marisa Tomei), su mejor amigo Ned (Jacob Batalon) y su crush MJ (Zendaya), fueron destruidos y permanecen intactos desde su regreso a casa. Tiene la oportunidad de continuar donde lo dejó, especialmente cuando su clase de ciencias se dirige a un viaje de estudios europeo donde espera poder pasar tiempo con MJ.

Desafortunadamente para sus planes, hay un nuevo héroe en el mundo: Quentin Beck (Jake Gyllenhaal), un viajero interdimensional cuya Tierra alternativa fue destruida por misteriosos elementos furiosos. Esas criaturas ahora están apareciendo en la Tierra de Peter, y Nick Fury (Samuel L. Jackson) quiere que él ayude a Quentin (inmediatamente apodado Mysterio por los compañeros de clase de Peter) a luchar contra ellos antes de que destruyan todo. Al igual que en Homecoming, donde Peter estaba dividido entre una aproximación de una vida normal y sus grandes responsabilidades percibidas como héroe, quiere que Quentin se encargue del problema para poder tener un poco de tiempo con MJ. Pero eso resulta poco práctico por varias razones, incluido el hecho de que los elementales y su viaje de clase siguen chocando por razones cada vez más divertidas.

Cualquiera que esté familiarizado con los personajes de Spiderman tendrá alguna idea de a dónde va todo esto, pero les será más difícil anticipar el puro entusiasmo en que se desarrolla. Los escritores Chris McKenna y Erik Sommers (Spiderman: Homecoming, Ant-Man and the Wasp y The Lego Batman Movie) se inspiran directamente en algunas ideas que presentaron en Homecoming, particularmente que Tony Stark, mientras que era un héroe para el mundo, sigue siendo un villano de los ojos de otras personas. Se basan en las primeras películas de MCU para desarrollar su historia de fondo de manera que los fanáticos de MCU se emocionen con cada segundo de la trama.

La historia parecerá lígera de digerir, pero las motivaciones de sus personajes son internas y constantes. Se mueve entre las bromas de cómics y los grandes escenarios de acción. Pero aquí, el momento cómico parece particularmente agudo, con la frustración abierta de Peter, la desdicha ocasional y la ingenuidad encantadora. Gyllenhaal, de manera similar, ofrece un rendimiento agudo y conocedor, la mitad de la modestia del alma, la mitad de algo completamente distinto. Parece que otro actor con gran talento lo considera como un héroe genérico, hasta que la película le pide más, momento en el que su versatilidad entra repentinamente en juego.

Pero los ritmos de acción de Far From Home también son impresionantes, aunque las habilidades de Spiderman para balancearse desde telarañas y su superfuerza no son muy útiles contra monstruos hechos de agua o fuego. Tiene que ser creativo para luchar contra ellos, y la creatividad de las peleas se convierte en uno de los activos más entretenidos de la película. En particular, el conjunto de poder específico de Mysterio permite algunas secuencias que realmente logran rivalizar con Spider-Verse para obtener un efecto vertiginoso y creatividad visual. Las películas de MCU generalmente se mueven rápido y desafían a los espectadores a mantenerse al día, pero el director Jon Watts (Homecoming) confía en la audiencia para procesar un mundo en constante cambio que pasa a la velocidad del rayo y capta lo que es importante en un paisaje en constante cambio. Los mismos elementos de la trama que le permitieron jugar con el espacio y el ritmo también le permitieron dibujar la historia de Spiderman en estas películas, convirtiendo la película en un sistema de recompensas para los fanáticos de ojos entusiastas que recogen referencias como si fuesen huevos de Pascua.

Pero incluso para las audiencias que no vienen de ese tipo de perspectiva de MCU nivel experto, Far From Home es una película sorprendentemente efectiva y emocional. El anhelo de Peter por MJ, por una vida normal y por una oportunidad de pasar unas vacaciones tranquilas a lo largo de la película permite muchas bromas y mucha presión emocional. Pero su dolor por perder su figura paterna y su temor de que no esté a la altura del desafío de llenar las botas robóticas de Tony Stark, le da a la película su verdadera espina emocional. Es como una sesión de terapia grupal gigantesca para los fanáticos de MCU, pidiéndoles que procesen la pérdida de su superhéroe favorito después de una década de verlo alegremente abrirse camino a través de una serie de películas ganadoras. La pérdida de Peter es más personal y más profunda, pero sigue siendo los ojos de la audiencia, y el momento inevitable en el que se presenta es como una promesa solemne de que MCU no depende de un único talento.

Hay un gran momento en Far From Home donde el asistente de Tony, Happy Hogan (Jon Favreau) mira en silencio mientras Peter se acerca a uno de los antiguos fabricantes de Tony y comienza a marcar a través de los elementos holográficos del traje, luciendo un nuevo atuendo. Happy no dice nada al respecto, solo sonríe con una sonrisa pequeña y melancólica, reconociendo claramente el comportamiento y recordando al último hombre que vio hacer lo mismo. 

En pocas palabras, esta película es un reconocimiento de las pequeñas emociones en medio de grandes momentos, un recordatorio de la continuidad cada vez mayor que ha hecho que estas historias sean tan memorables y tan satisfactorias para los fanáticos, y un momento para la pena entre los ritmos de acción. Es una pequeña pausa hermosa en una película bellamente grande. Es una película sin aliento y admirablemente bien ensamblada que prueba que la fórmula de Marvel todavía no está cansada, pero también es un nuevo inicio para más de una década de crear sentimientos poderosos en torno a héroes poderosos.

Crítica Cinéfila: Aladdin

Aladdin es un adorable pero desafortunado ladronzuelo enamorado de la hija del Sultán, la princesa Jasmine. Para intentar conquistarla, acepta el desafío de Jafar, que consiste en entrar a una cueva en mitad del desierto para dar con una lámpara mágica que le concederá todos sus deseos. Allí es donde Aladdín conocerá al Genio, dando inicio a una aventura como nunca antes había imaginado.

Hace 27 años se estrenaba la película Aladdín, otra gran producción de Disney, que cuenta la historia de un huérfano que se la pasa robándole a la gente para poder sobrevivir en las calles de Agrabah; sin embargo, aunque la historia era sobre personajes del medio Oriente, quienes le dieron vida a las voces fueron estadounidenses blancos que quizás desconocen en su totalidad esa zona del mundo. Esto no le quita mérito al valor actoral de cada uno de ellos, sobretodo de Robin Williams quien le da vida al Genio, pero en esta época de remakes y diversificación de contenido, Disney ha decidido enfocar la historia con actores y etnias que se acerquen más a la realidad de esta película.

La trama inicia con un navegante contándole a sus hijos la historia de Aladdin (Mena Massoud), a quien se le ve en las calles de Agrabah robando prendas y diamantes de los compradores. Después de su gran escape de que los guardias del palacio lo agarrasen, se encuentra con una joven quien le da un pedazo de pan a dos pobes niños sin pagar por la harina. Aladdin llega a su rescate y la salva, creyendo que es una simple sirvienta del palacio por sus joyas y su vestimenta, cuando en realidad es la princesa Jasmine (Naomi Scott). 

Aladdin queda hipnotizado con la joven y decide ir al Palacio para regresarle el brazalete que ella perdió en la ciudad, solo para ser atradado por Jafar (Marwan Kenzari) quien desde hace un tiempo se ha dedicado a utilizar los mismos prisioneros del Palacio como cebo para llevarlos a una cueva, de donde deben de traerle un tesoro que le ayudará a dejar a un lado su oficio como asesor de confianza del sultán y finalmente tomar el control del reino. El enlista a la fuerza a Aladdin para que entre en la cueva mágica y obtenga una lámpara que contenga un Genio con el poder de conceder tres deseos. En el curso de la misión, Aladdin queda atrapado dentro de la cueva, donde frota la lámpara y libera al Genio (Will Smith, en forma de CGI azul brillante), quien cumple el deseo de Aladdin de convertirse en un príncipe para que pueda ser digno de casarse con Jasmine y, bueno, ya saben el resto.

A pesar de haber dirigido algunos entretenimientos relativamente familiares como las películas Sherlock Holmes y King Arthur, Ritchie no parece una opción obvia para este material. De hecho, el director responsable de películas como Snatch and Lock, Stock and Two Smoking Barrels ofrece un trasfondo de maldad aquí que se siente fuera de lugar. Se puede decir que su corazón está más en las elaboradas secuencias de persecución y pirotecnia que en los números musicales, que, como suele ocurrir en la actualidad, están tan frenéticamente reunidos que parecen haber sido editados en un Cuisinart.

No obstante, John August, quien sirve de guionista en este nuevo remake, toma la estructura original de Aladdin y le da un nuevo enfoque. Este escritor, quien ya se había involucrado en proyectos como Charlie's Angels, la reciente Charlie and the Chocolate Factory y la primera película de Iron Man, es el tipo de guionista a quien se le podría confiar una historia como esta, proveniente de una película original, libro o revista comic. Y así como lo ha hecho en otras ocasiones, involucró aún más algunos personajes. Mientras que en la original, la película gira en torno a Aladdin y Jafar, en esta ocasión la historia le da mayor voz a Jasmine y el genio. Ambos personajes tienen una línea narrativa más completa, con debilidades, metas a alcanzar e incluso conflictos internos que definen cuál será  su resolución en la película. Aquí la princesa Jasmine anhela convertirse en Sultán en vez de casarse con uno de los tantos príncipes que vienen a pedir su mano, mientras que el Genio anhela ser libre y vivir su vida como un simple mortal.

Sin embargo, el hecho de que estos personajes obtengan mayor protagonismo, le quita importancia a otros dos de la historia: Jafar, quien en esta película no es tan temible y serio como en la versión original (incluso me atrevo a decir que es uno de los antagonistas más flojos que he visto este año); y Aladdin. Siendoles honesta, si él no hubiese estado en la película, esta seguiría fluyendo exitosamente. Abu hubiese sido un mejor protagonista.

El caso de Aladdin es muy particular, debido a que el personaje inicia siguiendo la estructura narrativa del "Viaje del Héroe", donde sigue instrucciones porque lo obligan y está renuente a ellas, pero después se motiva porque esto le ayudará a conseguir algo; pero su personaje pierde valor e interés cuando las líneas narrativas de Jasmine y el genio adquieren mayor importancia.

Pero, obviando esto, Masud, que posee la exigente flexibilidad física y una sonrisa dentuda, y Scott, que canta maravillosamente, muestran una química y un encanto que hacen que la historia central de amor sea totalmente atractiva. Smith, enfrentado a la tarea imposible de estar a la altura de la interpretación de voz icónica de Robin Williams, hace que el papel sea suyo, y su personalidad contagiosa brilla por todas partes, e incluso logra infundir en su conmovedor genio martini momentos emocionales conmovedores. Sin embargo, a diferencia de la versión animada en la película original, el personaje renderizado por CGI aquí es tan distraídamente musculoso y aficionado que te preguntas cómo fue capaz de ir al gimnasio tan a menudo mientras estaba atrapado en una lámpara.

Las canciones clásicas ("Un mundo completamente nuevo", "Amigo como yo", etc.) están todas aquí, aunque en forma ligeramente alterada. Algunas letras se han cambiado y los arreglos se modernizan con la influencia ocasional del hip-hop. También hay un número completamente nuevo, "Speechless", con música de Alan Menken y letras de Benj Pasek y Justin Paul, que se siente demasiado calculado pero probablemente necesario como un himno feminista para un personaje al que en algún momento se le dice: "Es mejor que te vean y no se te escuche". El showstopping "Prince Ali" recibe el tratamiento más elaborado, con un número de producción lujoso que derrama en el espectáculo pero que nunca se quema realmente. Irónicamente, solo en la repetición musical durante los créditos finales se transmite en la pantalla un verdadero sentido de alegría, complementado por una escenografía que hace honor a los colores exhorbitantes que la versión original siempre se enfocó en plasmar.

Ritchie mantiene la película en movimiento a un ritmo adecuadamente rápido, pero todo se siente obvio y telegrafiado, incluyendo las reacciones de Abu que se ven obligatorias y diseñadas para las risas baratas. Una secuencia en la que el Genio salva a Aladdin de ahogarse se presenta de manera tan realista que puede resultar molesto para los miembros de la audiencia más joven y parece un poco fuera de lugar en medio de la alfombra mágica y otros interludios fantásticos. El enfrentamiento climático entre los héroes y los villanos también se siente exagerado, más apropiado para una película de Marvel que un entretenimiento de Disney alegre. Por supuesto, ninguno de estos factores evitará que la película gane mucho dinero, pues al final del día es lo suficientemente entretenida.