Crítica Cinéfila: Smile 2

La estrella del pop mundial Skye Riley está a punto de embarcarse en una nueva gira mundial cuando empieza a experimentar una serie de sucesos cada vez más aterradores e inexplicables. Angustiada por la espiral de horrores y la abrumadora presión de la fama, Skye tendrá que enfrentarse a su oscuro pasado para recuperar el control de su vida antes de que sea demasiado tarde. Secuela de 'Smile' (2022).

El debut cinematográfico de Parker Finn en 2022, Smile , se inspiró de manera transparente en películas de terror de posesión en cadena como The Ring y It Follows, en las que una maldición de muerte se transmite de una víctima a la siguiente mientras el agonizante protagonista intenta zafarse de ella. A pesar de su familiaridad, la película funcionó, en parte porque el guionista y director aportó mucho estilo y ansiedad sostenida a la premisa, pero también porque el medio de transferencia era tan inquietantemente ordinario: una gran sonrisa con dientes grandes. La película costó unos modestos 17 millones de dólares y recaudó más de 200 millones de dólares en todo el mundo, lo que hizo inevitable una secuela.

"Smile 2" cambia a la psiquiatra clínica de Sosie Bacon por Skye Riley (Naomi Scott) , una superestrella del pop mundial plagada de traumas para que la entidad siniestra se alimente de ella. Eso significa un cambio a un personaje principal cuya formación profesional y problemática historia personal resultan ser el desastre perfecto. Lo que también significa que la película bien actuada es divertida, golpeándote con un aluvión de sobresaltos efectivos y visiones empapadas de sangre. Pero, la moderación se descarta a favor de un exceso más grande y audaz. Cualquier película con un crédito especial por "efectos monstruosos" no busca la sutileza.

Finn retoma la acción apenas seis días después de los acontecimientos de la primera película, con el simpático policía Joel (Kyle Gallner) sentado en su coche aparcado temblando de miedo, tras haber pagado el precio de ayudar a su desconcertada exnovia. Decidido a acabar con la maldición de forma responsable, se pone un pasamontañas y entra en la casa de dos hermanos traficantes de drogas asesinos, con la intención de matar a uno mientras el otro mira, y así sellar el destino del sobreviviente. Pero el plan no sale como él lo tenía en mente, lo que es una mala noticia para Lewis (Lukas Gage), el traficante de poca monta que se adentra en el caos. El macabro sentido del humor que predomina a lo largo de la película es evidente en los restos de una víctima, cuya sangre y tripas están esparcidas por la carretera en la forma de una sonrisa.

Mientras tanto, Skye se prepara para volver a estar frente a los focos de atención tras un accidente de coche fatal en el que murió su novio actor Paul Hudson (Ray Nicholson). Las fotos de ella drogada con alcohol y cocaína han aparecido en todos los tabloides, pero ahora está limpia y lista para iniciar una gran gira, que comienza en la ciudad de Nueva York. 

Impulsada por su madre, Elizabeth (Rosemarie DeWitt), y mimada por su adorado asistente Joshua (Miles Gutierrez-Riley), Skye se lanza de lleno a los ensayos. Cuando la vigorosa coreografía agrava su lesión de espalda por el accidente, se lo guarda para sí misma, pero se pone en contacto con su antiguo camello para conseguir algo de Vicodin. Por supuesto, se trata de Lewis, un viejo conocido de la escuela secundaria, que está drogado hasta las cejas y sumido en delirios paranoides cuando llega Skye. Lo que presencia es realmente perturbador, ya que no le dan analgésicos, pero sí mucho dolor.

La técnica cinematográfica ha mejorado considerablemente en comparación con Smile, ya que el director de fotografía Charlie Sarroff hace un uso inteligente de ángulos desorientadores y tomas en espejo, y vuelve a dar la vuelta al encuadre cuando Skye comienza a desmoronarse. Hay un indicio de De Palma en la iluminación tenue y los zooms acelerados y espeluznantes cuando comienza a ver visiones amenazantes de extraños y personas que conoce, con sus rostros transformados por la sonrisa.

El denso diseño de sonido de Dan Kenyon es otro componente altamente efectivo, que a menudo difumina las líneas entre el ruido ambiental y la escalofriante banda sonora del compositor Cristóbal Tapia de Veer, que incorpora sonidos industriales vibrantes, quejidos y sacudidas y se inclina fuertemente hacia la distorsión.

Scott muestra de manera excelente cómo el terror de Skye influye en su sentimiento de culpa por las personas a las que lastimó cuando sus problemas de abuso de sustancias estaban fuera de control. Ese conflicto también la hace querer seguir cumpliendo con sus obligaciones profesionales: sesiones de fotos, pruebas de sonido, pruebas de vestuario y más ensayos.

A pesar de la serie de crisis de su hija, Elizabeth presiona a Skye para que cumpla con el programa, recordándole que la compañía discográfica, encabezada por Darius (Raúl Castillo), ha invertido millones en la gira. "Tienes que mantenerte hidratada", le sigue diciendo su madre, lo que da lugar a una divertida broma de publicidad mientras Skye bebe interminables botellas de agua Voss.

Una de las primeras escenas que destaca es la de un encuentro con los fans, en la que Joshua se las arregla para que una larga fila de admiradores entusiastas se acerque a ella uno a uno para que les den un autógrafo y se tomen una foto. Skye es cálida y paciente con ellos al principio, hasta que un obsesivo desquiciado la asusta. Apenas ha recuperado la compostura cuando una niña preadolescente con coletas se pone al frente de la fila, mostrando sus aparatos dentales con esa inconfundible sonrisa maníaca que acecha los sueños de Skye y sus horas de vigilia.

El equilibrio incierto entre lo que es real y lo que es una alucinación muy visceral termina convirtiéndose en una confusión hasta para la misma audiencia, a medida que avanza la historia, incluso si algunas de las últimas secuencias son piezas virtuosas. Una de ellas es una escena espectacular, en la que Skye ve a los bailarines de su espectáculo reunidos en la puerta de su apartamento con sonrisas lascivas. Cada vez que aparta la mirada para asegurarse de que es solo su imaginación, se acercan, se suben a los muebles y trepan por las paredes como los demoníacos niños del coro de Fosse. A medida que se acercan a ella, sus movimientos se convierten en ecos violentos de la coreografía que se ve en el ensayo.

Otra secuencia clave es una recaudación de fondos para jóvenes desfavorecidos, bajo el lema “La música inspira esperanza”, en la que Darius ha convencido a Skye para que sea presentadora. Skye, que acaba de quedar traumatizada pero no puede echarse atrás, inquieta a la multitud de la gala improvisando cuando el teleprompter falla; su discurso sobre el lado desgarrador de la industria musical resulta todo menos esperanzador. La aparición inoportuna de su novio muerto, sonriendo como un loco, ayuda aún menos.

Skye obtiene un consuelo temporal cuando repara el vínculo roto con su fiel mejor amiga Gemma (Dylan Gelula), cuyas divertidas reacciones a las horribles revelaciones hacen que deseemos verla más. Luego están los mensajes de texto anónimos de alguien que parece saber exactamente por lo que está pasando Skye. Finalmente se revela que es Morris (Peter Jacobson), que tiene un conocimiento íntimo del espíritu parásito y una teoría sobre cómo neutralizarlo. 

Mientras Skye se resiste y luego accede desesperada a probar el peligroso método de eliminación de Morris, la narrativa obliga a que uno se deje llevar por las alucinaciones. La película entra y sale de la realidad de maneras que claramente pretenden reflejar lo que está experimentando Skye. Y a medida que los cambios se vuelven más frecuentes, puntuados por interludios de violencia cada vez más sangrienta, es también inevitable sentirse perdido.

"Smile 2" confirma que Finn es un talentoso estilista visual que sabe manejar a sus actores con soltura. Tal vez solo necesite alejarse un poco de la idea errónea de que más es más y centrarse más en sus habilidades narrativas. Aun así, hay mucho que decir sobre un director que no se deja llevar por la timidez, y la secuela dejará a muchos fanáticos del terror sonriendo de oreja a oreja.

Crítica Cinéfila: Charlie's Angels

Los Ángeles de Charlie siempre han proporcionado servicios de seguridad e investigación a clientes privados, y ahora la Agencia Townsend se ha expandido internacionalmente con las mujeres más inteligentes, valientes y mejor entrenadas a lo largo y ancho del planeta – varios equipos de Ángeles guiados por otros tantos Bosleys llevando a cabo los trabajos más duros por todo el mundo. Cuando un joven ingeniero de sistemas llama la atención sobre una peligrosa tecnología, los Ángeles son llamados a la acción, arriesgando sus vidas por protegernos a todos.

Siéndoles honesta: tenía altas expectativas para esta película. Siéndoles más honesta: después de que se acabó, hasta me dolió que hubiese gastado uno de mis tickets de A-List en esta película.

El público ha estado observando al trío de mujeres espías conocidas como los Ángeles de Charlie pateando traseros y cerrando conspiraciones criminales por más de 40 años. Todo comenzó como un programa de televisión de ABC en 1976. Más de 20 años después, hubo reinicios de películas en 2000 y 2003 protagonizados por Drew Barrymore, Cameron Diaz y Lucy Liu, ambos del director McG. Luego, en 2011, apareció un reinicio de televisión en ABC, pero no logró igualar el éxito del original, lo que resultó en  críticas mordaces  y una eventual cancelación.

Ahora, a medida que avanza la última ola de fiebre de reinicio de Hollywood, la historia se ha reinventado como otra, esta vez escrita y dirigida por Elizabeth Banks, Kristen Stewart, Naomi Scott y Ella Balinska protagonizan los papeles principales.

Las versiones anteriores de Los ángeles de Charlie casi no se parecen a su última versión. Si bien la premisa básica sigue siendo la misma: tres espías trabajan para un jefe millonario desconocido llamado Charlie a través de su proxy (ahora son en realidad representantes, todos todavía llamados Bosley).

La historia se centra en la ingeniera de sistemas Elena (Scott), que ha programado un dispositivo llamado Calisto, una forma de energía verde sostenible que reemplaza la necesidad de la red eléctrica tradicional. Pero en las manos equivocadas, Calisto también puede ser armado como un instrumento de asesinato en masa, y Sabina (Stewart) y Jane (Balinska) de los Ángeles, junto con Banks como Bosley, desentierran dicho complot clandestino con el villano menos esperado de todos.

Bosley se ha convertido en los Bosley, un grupo de hombres (como el majestuoso Patrick Stewart) y mujeres tenientes que informan a Charlie y ayudan a la fuerza global de espías Angel mientras llevan a cabo sus misiones. Si bien Stewart, Scott y Balinska tienen su propia habilidad en la pantalla, ya no se trata solo de ellas; en cambio, Banks representa una red mundial de espionaje compuesta por mujeres altamente capacitadas y colaboradoras.

Los Ángeles de Charlie originales fue inventado por los hombres como puro escapismo. El programa de televisión tenía el sexismo integrado en su concepto. El resultado es un intento de remodelación que pretende honrar a sus precursores mientras no le llega ni a sus talones. Banks lleva los ángeles de Charlie a la era moderna, todo para levantar sin disculpa una bandera feminista, defiende las amistades femeninas y hace un comentario sutil sobre la urgencia de la crisis climática en curso. Sin embargo, lo hace a un costo irreparable: un guión lleno de clichés y estereotipos más el adherido de una cantidad de chistes y momentos cómicos complatemente innecesarios.

Si bien hay escenas que logran salvarse son aquellas de completa acción, donde lo más importante es la coreografía de las patadas y balas, pero por momentos casi se ve arruinada, por diálogos mal ubicados y coqueteos a querer demostrar que las mujeres pueden pelear hasta con estilo. Al final, las escenas de acción están cortadas en una marea vertiginosa, imposible de seguir.

Lo bueno es que estas mujeres no están liderando con escote ni se están ahogando para apuntalar el ego de sus novios despistados como los Ángeles del pasado. Más bien, expresan su feminidad y sexualidad de manera que le dan a sus personajes profundidad y agencia en lugar de reducirlos a objetos. La película también quiere que interpretemos la personalidad de cada uno de sus personajes y que tratemos de empatizar con cada uno a pesar de sus prejuicios.

Este es el segundo esfuerzo de ayuda de Banks, quien dirigió Pitch Perfect 2, que tenía un presupuesto estimado de $30 millones y recaudó $287 millones en todo el mundo. Quizás la mayor revelación de su inventiva aquí es que logra posicionar a los Ángeles de Charlie como una franquicia internacional que ahora permite fácilmente múltiples secuelas y tal vez incluso un par de precuelas con la Sabina de Stewart o el Charlie que Banks ingeniosamente desenmascara como el primero en la fila.

La película no es tímida sobre su punto principal: los hombres no son intrínsecamente más valiosos que las mujeres, o, como lo dice Sabina en su línea de apertura, "las mujeres pueden hacer cualquier cosa". Ese tipo de diálogo directo indudablemente puede irritar a algunos espectadores. Del mismo modo, a pesar de todo su trabajo pesado #MeToo, la película todavía no funciona, principalmente por las mismas razones que antes: construidos como símbolos (no seres humanos), estos personajes tienen demasiadas cosas de espía que hacer y, sin embargo, no del todo suficiente. Naturalmente, tenemos otros dos ángeles, solo para mantener contentos a los abogados de propiedad intelectual, ni Naomi Scott ni Ella Balinska causan una gran impresión, y el trío persigue a un MacGuffin de energía limpia mientras lucha con una procesión de cerdos sexistas.

Crítica Cinéfila: Aladdin

Aladdin es un adorable pero desafortunado ladronzuelo enamorado de la hija del Sultán, la princesa Jasmine. Para intentar conquistarla, acepta el desafío de Jafar, que consiste en entrar a una cueva en mitad del desierto para dar con una lámpara mágica que le concederá todos sus deseos. Allí es donde Aladdín conocerá al Genio, dando inicio a una aventura como nunca antes había imaginado.

Hace 27 años se estrenaba la película Aladdín, otra gran producción de Disney, que cuenta la historia de un huérfano que se la pasa robándole a la gente para poder sobrevivir en las calles de Agrabah; sin embargo, aunque la historia era sobre personajes del medio Oriente, quienes le dieron vida a las voces fueron estadounidenses blancos que quizás desconocen en su totalidad esa zona del mundo. Esto no le quita mérito al valor actoral de cada uno de ellos, sobretodo de Robin Williams quien le da vida al Genio, pero en esta época de remakes y diversificación de contenido, Disney ha decidido enfocar la historia con actores y etnias que se acerquen más a la realidad de esta película.

La trama inicia con un navegante contándole a sus hijos la historia de Aladdin (Mena Massoud), a quien se le ve en las calles de Agrabah robando prendas y diamantes de los compradores. Después de su gran escape de que los guardias del palacio lo agarrasen, se encuentra con una joven quien le da un pedazo de pan a dos pobes niños sin pagar por la harina. Aladdin llega a su rescate y la salva, creyendo que es una simple sirvienta del palacio por sus joyas y su vestimenta, cuando en realidad es la princesa Jasmine (Naomi Scott). 

Aladdin queda hipnotizado con la joven y decide ir al Palacio para regresarle el brazalete que ella perdió en la ciudad, solo para ser atradado por Jafar (Marwan Kenzari) quien desde hace un tiempo se ha dedicado a utilizar los mismos prisioneros del Palacio como cebo para llevarlos a una cueva, de donde deben de traerle un tesoro que le ayudará a dejar a un lado su oficio como asesor de confianza del sultán y finalmente tomar el control del reino. El enlista a la fuerza a Aladdin para que entre en la cueva mágica y obtenga una lámpara que contenga un Genio con el poder de conceder tres deseos. En el curso de la misión, Aladdin queda atrapado dentro de la cueva, donde frota la lámpara y libera al Genio (Will Smith, en forma de CGI azul brillante), quien cumple el deseo de Aladdin de convertirse en un príncipe para que pueda ser digno de casarse con Jasmine y, bueno, ya saben el resto.

A pesar de haber dirigido algunos entretenimientos relativamente familiares como las películas Sherlock Holmes y King Arthur, Ritchie no parece una opción obvia para este material. De hecho, el director responsable de películas como Snatch and Lock, Stock and Two Smoking Barrels ofrece un trasfondo de maldad aquí que se siente fuera de lugar. Se puede decir que su corazón está más en las elaboradas secuencias de persecución y pirotecnia que en los números musicales, que, como suele ocurrir en la actualidad, están tan frenéticamente reunidos que parecen haber sido editados en un Cuisinart.

No obstante, John August, quien sirve de guionista en este nuevo remake, toma la estructura original de Aladdin y le da un nuevo enfoque. Este escritor, quien ya se había involucrado en proyectos como Charlie's Angels, la reciente Charlie and the Chocolate Factory y la primera película de Iron Man, es el tipo de guionista a quien se le podría confiar una historia como esta, proveniente de una película original, libro o revista comic. Y así como lo ha hecho en otras ocasiones, involucró aún más algunos personajes. Mientras que en la original, la película gira en torno a Aladdin y Jafar, en esta ocasión la historia le da mayor voz a Jasmine y el genio. Ambos personajes tienen una línea narrativa más completa, con debilidades, metas a alcanzar e incluso conflictos internos que definen cuál será  su resolución en la película. Aquí la princesa Jasmine anhela convertirse en Sultán en vez de casarse con uno de los tantos príncipes que vienen a pedir su mano, mientras que el Genio anhela ser libre y vivir su vida como un simple mortal.

Sin embargo, el hecho de que estos personajes obtengan mayor protagonismo, le quita importancia a otros dos de la historia: Jafar, quien en esta película no es tan temible y serio como en la versión original (incluso me atrevo a decir que es uno de los antagonistas más flojos que he visto este año); y Aladdin. Siendoles honesta, si él no hubiese estado en la película, esta seguiría fluyendo exitosamente. Abu hubiese sido un mejor protagonista.

El caso de Aladdin es muy particular, debido a que el personaje inicia siguiendo la estructura narrativa del "Viaje del Héroe", donde sigue instrucciones porque lo obligan y está renuente a ellas, pero después se motiva porque esto le ayudará a conseguir algo; pero su personaje pierde valor e interés cuando las líneas narrativas de Jasmine y el genio adquieren mayor importancia.

Pero, obviando esto, Masud, que posee la exigente flexibilidad física y una sonrisa dentuda, y Scott, que canta maravillosamente, muestran una química y un encanto que hacen que la historia central de amor sea totalmente atractiva. Smith, enfrentado a la tarea imposible de estar a la altura de la interpretación de voz icónica de Robin Williams, hace que el papel sea suyo, y su personalidad contagiosa brilla por todas partes, e incluso logra infundir en su conmovedor genio martini momentos emocionales conmovedores. Sin embargo, a diferencia de la versión animada en la película original, el personaje renderizado por CGI aquí es tan distraídamente musculoso y aficionado que te preguntas cómo fue capaz de ir al gimnasio tan a menudo mientras estaba atrapado en una lámpara.

Las canciones clásicas ("Un mundo completamente nuevo", "Amigo como yo", etc.) están todas aquí, aunque en forma ligeramente alterada. Algunas letras se han cambiado y los arreglos se modernizan con la influencia ocasional del hip-hop. También hay un número completamente nuevo, "Speechless", con música de Alan Menken y letras de Benj Pasek y Justin Paul, que se siente demasiado calculado pero probablemente necesario como un himno feminista para un personaje al que en algún momento se le dice: "Es mejor que te vean y no se te escuche". El showstopping "Prince Ali" recibe el tratamiento más elaborado, con un número de producción lujoso que derrama en el espectáculo pero que nunca se quema realmente. Irónicamente, solo en la repetición musical durante los créditos finales se transmite en la pantalla un verdadero sentido de alegría, complementado por una escenografía que hace honor a los colores exhorbitantes que la versión original siempre se enfocó en plasmar.

Ritchie mantiene la película en movimiento a un ritmo adecuadamente rápido, pero todo se siente obvio y telegrafiado, incluyendo las reacciones de Abu que se ven obligatorias y diseñadas para las risas baratas. Una secuencia en la que el Genio salva a Aladdin de ahogarse se presenta de manera tan realista que puede resultar molesto para los miembros de la audiencia más joven y parece un poco fuera de lugar en medio de la alfombra mágica y otros interludios fantásticos. El enfrentamiento climático entre los héroes y los villanos también se siente exagerado, más apropiado para una película de Marvel que un entretenimiento de Disney alegre. Por supuesto, ninguno de estos factores evitará que la película gane mucho dinero, pues al final del día es lo suficientemente entretenida.