Crítica Cinéfila: King Richard

Biopic sobre Richard Williams, un padre inasequible al desaliento que ayudó a criar a dos de las deportistas más extraordinarias de todos los tiempos, dos atletas que acabarían cambiando para siempre el deporte del tenis. 

Will Smith es una de las estrellas de cine más importantes de los últimos 30 años, lo cual es una de las razones por las que nunca ha sido particularmente bueno interpretando a personas que entran dentro de la categoría de "lo normal". Como agente secreto del gobierno que salvaba al mundo de una cucaracha alienígena gigante era increíblemente creíble. Como Muhammad Ali, hizo que encarnar al más grande del boxeo pareciera un movimiento lateral. Como vendedor de dispositivos médicos sin hogar en 1981 en San Francisco o científico sobreviviente armado de "I am Leyend", sentía que Smith no podía evitar desviarse hacia una especie de tristeza civil en personaje, como si la única alternativa que podía imaginar para estar en la cima del mundo era estar en el fondo, y esto le funcionaba de manera actoral.

La última categoría es donde cabe que Smith interprete a Richard Williams, padre franco de Venus y Serena, en una película biográfica de estudio sobre sus esfuerzos obsesivos por criar a las mejores tenistas de todos los tiempos. Inicialmente, ver a Smith pasar de cero a una caricatura en toda regla en las primeras escenas de “King Richard” con un acento exagerado de Louisiana y una postura encorvada tan pronunciada que prácticamente se puede ver el peso de las inseguridades de Williams aplastando su columna vertebral, respalda una y otra vez en el transcurso de su rápido tiempo de ejecución de 138 minutos que Richard Williams no es un hombre normal.

Lo primero que aprendemos sobre el padre de Venus y Serena en la carta de amor completamente autorizada y brillante que produjeron sus hijas es que Williams escribió un plan de 78 páginas que describe todas sus carreras antes de que nacieran. Escuchó a una jugadora de tenis en la televisión decir que ganó $47,000 en un torneo y decidió que tener un par de ellos en la casa no sería tan mala idea, incluso si esa casa está en Compton, una palabra que la mayoría de los entrenadores y comentaristas deportivos ni siquiera pueden decir sin una cantidad detectable de efecto denigrante.

Williams sabe lo que piensa la gente, es difícil pasar por alto la inferencia cuando alguien le pregunta si alguna vez ha considerado el baloncesto, pero nadie estuvo tan comprometidos con un plan como lo está Richard. Y las (cinco) hijas de Williams no tienen más remedio que aceptarlas, incluso cuando sospechan que el ajetreo de su padre puede estar menos motivado por su futuro potencial como mujeres negras en la América moderna que por su pasado formativo como hombre negro en el sur de la era de Jim Crow. Más tarde, en la manifestación más polémica de esta alegre película, la madre de Venus y Serena (una indomable Aunjanue Ellis) ofrece una perspectiva claramente diferente sobre las prioridades de su marido.

"King Richard" está feliz de desarrollarse como un tributo durante la mayor parte de la película, e incluso las escenas en las que la excentricidad de Williams roza la perversión se ven atenuadas por nuestro conocimiento de que Venus y Serena resultaron ser bastante impresionantes, y pasaron de tenistas destacadas a magnates brillantes y excelentes embajadoras de las chicas negras en todo el mundo. Ahora... la película biográfica de Green está bien ligera, tanto que Smith puede pasar la mayor parte en un registro cómico; sus concursos con los entrenadores de alto perfil de las chicas (Tony Goldwyn y un hilarante Jon Bernthal) están llenos de risas bien irónicas, al igual que la escena en la que termina una reunión de patrocinio literalmente tirándose por la borda en un trato de seis cifras.

La cinematografía cálida y acogedora de Robert Elswit parece inspirarse en estos momentos, siempre enfatizando el potencial sobre la presión, la esperanza y la desesperación. Esas son unas de las muchas razones por las que "King Richard" es una película tan fácil de ver: la película encarna el espíritu repetido a menudo, aunque cada vez más sospechoso, de asegurarse de que la diversión sea lo primero, tal y como Richard siempre exigía para sus hijas.

Para crédito de Smith, el propio Richard ofrece algunos matices muy necesarios a una película que se complace en valorizarlo como un visionario mientras elude algunos de los aspectos menos inspiradores de su vida (un hijo repudiado se menciona por ahí). Si el guión tarda en reconocer que Williams podría amar sinceramente a sus hijas y estar patológicamente absorto en sí mismo, la actuación de Smith no permite tal exclusividad mutua. Desde su contoneo hasta su obstinación y sus arrebatos de ira, Smith presenta a Williams como una figura más grande que la vida encerrada en un desempate sin fin con su propio sentido de valerse. Es un hombre terco, controlador e insondablemente tenaz cuyo éxito dejó atrás la fricción suficiente para justificar ser el tema de su propia película biográfica.

Crítica Cinéfila: Bad Boys for Life

En esta tercera entrega de la franquicia, los polícía Mike Lowrey (Will Smith) y Marcus Burnett (Martin Lawrence) vuelven a patrullar juntos en un último viaje.

Bad Boys, bad boys, ¿qué vamos a hacer con ustedes? Si ya se cansan con 15 segundos corriendo y duele la cadera. 

Veinticinco años después de que Will Smith y Martin Lawrence pusieran por primera vez su rutina de compañero-policía en pantalla, una tercera entrega regresa para encontrarlos frente a la mediana edad, con diversos grados de gracia. Marcus no puede esperar para retirarse y ver telenovelas en su bata de baño todo el día, mientras que Mike no es tan inmune como antes lo era, a pesar de seguir siendo un playboy perpetuo. Pero, como tienden a funcionar las franquicias con casi 500 millones de dólares en el banco, los mejores de Miami han regresado, esta vez dirigidos por Adil El Arbi y Bilall Fallah.

Afortunadamente para ellos, una buena parte de la trama implica volar cosas: edificios, helicópteros, humanos. Aunque la película siempre está en su mejor momento cuando deja respirar la química entre sus dos costas; cuando no lo hace, es mayormente intercambiable con cualquier otro thriller rápido y furioso que pase por el cine.

A medida que la historia comienza, Marcus quiere salir, listo para vivir una vida de ocio y nietos, y Mike no quiere dejarlo ir; ninguno de los dos elige su destino cuando la líder de un cártel mexicano (Kate del Castillo) hace se escapa de la carcel, y recluta a su hijo (Jacob Scipio) para eliminar a las personas que la llevaron allí. Atraparlos a ambos significa aceptar la ayuda de la ex novia de Mike (Paola Nuñez) y un equipo SWAT de milenarios que incluye a Vanessa Hudgens, la estrella de Riverdale Charles Melton y Alexander Ludwig de Vikings.

Todo es algo imposible de creer, de la misma manera que Michael Bay, y en algunos momentos es demasiado emocionante para lo que ya se había visto anterioremente en la saga. También es alegre y graciosa, casi caricaturescamente violenta: acumula cuerpos tan casualmente como Call of Duty y deja que la cámara permanezca mientras sangran.

Lo cual es todo lo esperado: las bromas y las balas es el elemento requerido de las películas de acción, y el dúo en el centro apenas parece tener que estirarse para difundir su encanto de disputa en el espeso, particularmente en una gran escena absurdamente cómica en un avión. Sin embargo, debido al clímax de asombro, cuando todo menos la perilla se incendia, otras cosas se han debilitado. Es la misma fórmula, pero hay algo que hace esta película más natural y quizás sea que ya las bromas asientan mejor para este dúo.

En un momento, un Marcus temeroso de Dios incluso trata de llevar a su compañero de sangre caliente a pastos más verdes: "Hemos sido chicos malos", suplica. "Tal vez es hora de ser buenos hombres". "¿Quién quiere cantar esa canción?" Mike responde. Y así, en cambio, muchos lo hacen.

Pero definitivamente, ambos ya están de retirada. Con este final, nos recuerdan que siempre habrán aquellos del lado bueno que quieren hacer las cosas a su manera, aunque sean catalogados "chicos malos".

Crítica Cinéfila: Gemini Man

Un asesino a sueldo, demasiado mayor, decide retirarse. Pero esto no le va a resultar tan fácil, pues tendrá que enfrentarse a un clon suyo, mucho más joven.

No es sorpresa ver a Will Smith en la pantalla grande con un personaje "de un pasado oscuro". Entre algunas de sus mejores interpretaciones es necesario destacar a Robert Neville (en I am Legend), la cual hasta le otorgó un par de galardones. Antes, durante y después de este gran título, muchos otros han pasado, quizás no con la misma suerte, pero que han demostrado el interés del actor por personajes como este. Ahora no sorprende verlo en un personaje donde se deba enfrentar a su clon más joven; lo que sí sorprende es cómo ni él pudo haber salvado algunos errores bien obvios.

Smith interpreta a Henry Brogan un ex tirador de operaciones especiales y asesino del gobierno, el mejor de Bourne que haya existido, con talentos casi inhumanos, que quiere retirarse después de 72 exitosos asesinatos. Sin embargo, un viaje al yate de su amigo revela que sus jefes lo han engañado y que su último objetivo realmente no merecía morir. Esto se debe a que en realidad esta persona iba a filtrar informaciones delicadas sobre el gobierno de Estados Unidos y casos de clonación de un programa genético dirigido por Clay Verris, quien ha dedicado su vida profesional a replicar los talentos de Smith en un clon sin ninguna de las emociones humanas asociadas. Ahora Henry, en compañía de una ex-agente de la DIA deberán correr por sus vidas de Junior o contarle la verdad antes de que este acabe con sus vidas.

La acción espectacular de Ang Lee en Gemini Man demostró ser un reloj compulsivo: no por los ingredientes habituales del cine de Hollywood que no puede dejar de mirar, como la actuación (Will Smith tiene un doble papel) o la trama, los cuales cayeron de manera bien precaria y parecían casi deliberadamente genéricos. Sin embargo, como experiencia visual, esta imagen se presenta como un prototipo de futuras películas de acción, lleno de magia cinematográfica. Pero nada mágico: Gemini Man podría ser un evento revolucionario para la industria, aunque es poco probable que cause una impresión por temas de contexto y narrativa.

Ang Lee, que ha estado jugando con velocidades de proyección y 3D desde hace algún tiempo, abre la pantalla hacia un lado y hacia atrás con asombrosa profundidad de campo desorientadora. Enfrenta a Will Smith, de 51 años, con su yo totalmente digitalizado de 23 años, sin problemas. Este logro hiperrealista, diseñado por Weta Studios, es, como todas las proyecciones de cuadros altos, duro para la vista, hasta que la acción comienza y luego no puedes mirar hacia otro lado.

Los buscadores de emociones después de un golpe increíblemente realista harían mejor en ver esta película locamente ambiciosa, que fue filmada en tres continentes, en la pantalla grande como se esperaba. Es probable que la visualización regular en el hogar con pantalla plana sea aún más decepcionante que el argumento plano en el que se cuelga esta película. Y a propósito de eso: que gran decepción. No es que mis expectativas estaban en los cielos, pero dado el argumento de la historia, no esperaba que mataran la emoción con la cantidad de exposición en diálogos, personajes sin sentido, establecimientos forzosos y decisiones esperadas. Los personajes están cortados a una precisión que ven la vida en blanco o negro. Si debes ser malo, botas maldad hasta por los poros, pero si eres bueno, eres el ser más bondadoso de la Tierra. Ni en un mundo más realista se lo creo.

Pero volviendo a los efectos visuales, este nivel de delicadeza técnica pone a todos los departamentos bajo un inmenso estrés. Con un escrutinio pixelado tan intenso, los actores luchan por transmitir el naturalismo en una película que quiere enfatizar el realismo. Si bien el logro cinematográfico de Dion Beebe nunca es menos que impresionante, también está allí para ser admirado en sí mismo, en lugar de servir principalmente a la historia. Los colores, en particular los verdes naturales, son demasiado duros para la vista. Y el diseño de producción es extremadamente desafiante para llevar a cabo el trabajo de estudio con cualquier grado de credibilidad. Algunas secuencias terminadas imitan la experiencia de estar de pie en un escenario sonoro. La continuidad está expuesta, especialmente con los actores: líneas de cabello, color de cabello, 'lesiones'.

Lo que obtienes a cambio es una sensación del futuro: trabajar con espejos, secuencias de persecución y acción subacuática que sin duda elevan el listón para la industria en su conjunto. Si bien la trama de Gemini Man es poco más que una variación de la de Misión Imposible o Bourne, la película en sí misma significa que este subgénero no se puede hacer como se ha hecho antes. La cámara de mano en medio de secuencias de persecución con un nivel de realismo que no se había logrado previamente, no hay desenfoque facial, arroja dudas sobre el futuro de CGI tal como lo conocemos. El trasfondo y el primer plano de personajes y extras es fascinante de una manera que se siente extraña y a menudo fea, pero también es técnicamente realista. Sin embargo, todo teóricamente es mucho más interesante que el drama en pantalla, por lo que Gemini Man es esencialmente un prototipo, como uno de sus antagonistas.

A pesar de que Ang Lee está intentando técnicamente cosas enormes, esta película en sí misma no tiene el carácter suficiente para llevarlas. A veces, se eleva a niveles sin precedentes, cuando las versiones más jóvenes y antiguas de Smith bailan a través de escenas de lucha o, en un caso, sobre los tejados. El hecho de que Will Smith pueda recrearse por completo de manera tan exitosa obviamente es un cambio de juego para el Screen Actor's Guild: la destreza de Lee hace los primeros intentos en esto, cuando Oliver Reed murió durante la fabricación de Gladiator, incluso las reencarnaciones de Carrie Fisher y Peter Cushing en Star Wars, parece viejo y desvanecido.

Pero Gemini Man también es una prueba de que, aunque algunas cosas cambian, otras permanecen obstinadamente igual. El Screen Writer's Guild puede retirarse: todavía no hay forma de diseñar un atajo en torno a un buen guión.

Crítica Cinéfila: Aladdin

Aladdin es un adorable pero desafortunado ladronzuelo enamorado de la hija del Sultán, la princesa Jasmine. Para intentar conquistarla, acepta el desafío de Jafar, que consiste en entrar a una cueva en mitad del desierto para dar con una lámpara mágica que le concederá todos sus deseos. Allí es donde Aladdín conocerá al Genio, dando inicio a una aventura como nunca antes había imaginado.

Hace 27 años se estrenaba la película Aladdín, otra gran producción de Disney, que cuenta la historia de un huérfano que se la pasa robándole a la gente para poder sobrevivir en las calles de Agrabah; sin embargo, aunque la historia era sobre personajes del medio Oriente, quienes le dieron vida a las voces fueron estadounidenses blancos que quizás desconocen en su totalidad esa zona del mundo. Esto no le quita mérito al valor actoral de cada uno de ellos, sobretodo de Robin Williams quien le da vida al Genio, pero en esta época de remakes y diversificación de contenido, Disney ha decidido enfocar la historia con actores y etnias que se acerquen más a la realidad de esta película.

La trama inicia con un navegante contándole a sus hijos la historia de Aladdin (Mena Massoud), a quien se le ve en las calles de Agrabah robando prendas y diamantes de los compradores. Después de su gran escape de que los guardias del palacio lo agarrasen, se encuentra con una joven quien le da un pedazo de pan a dos pobes niños sin pagar por la harina. Aladdin llega a su rescate y la salva, creyendo que es una simple sirvienta del palacio por sus joyas y su vestimenta, cuando en realidad es la princesa Jasmine (Naomi Scott). 

Aladdin queda hipnotizado con la joven y decide ir al Palacio para regresarle el brazalete que ella perdió en la ciudad, solo para ser atradado por Jafar (Marwan Kenzari) quien desde hace un tiempo se ha dedicado a utilizar los mismos prisioneros del Palacio como cebo para llevarlos a una cueva, de donde deben de traerle un tesoro que le ayudará a dejar a un lado su oficio como asesor de confianza del sultán y finalmente tomar el control del reino. El enlista a la fuerza a Aladdin para que entre en la cueva mágica y obtenga una lámpara que contenga un Genio con el poder de conceder tres deseos. En el curso de la misión, Aladdin queda atrapado dentro de la cueva, donde frota la lámpara y libera al Genio (Will Smith, en forma de CGI azul brillante), quien cumple el deseo de Aladdin de convertirse en un príncipe para que pueda ser digno de casarse con Jasmine y, bueno, ya saben el resto.

A pesar de haber dirigido algunos entretenimientos relativamente familiares como las películas Sherlock Holmes y King Arthur, Ritchie no parece una opción obvia para este material. De hecho, el director responsable de películas como Snatch and Lock, Stock and Two Smoking Barrels ofrece un trasfondo de maldad aquí que se siente fuera de lugar. Se puede decir que su corazón está más en las elaboradas secuencias de persecución y pirotecnia que en los números musicales, que, como suele ocurrir en la actualidad, están tan frenéticamente reunidos que parecen haber sido editados en un Cuisinart.

No obstante, John August, quien sirve de guionista en este nuevo remake, toma la estructura original de Aladdin y le da un nuevo enfoque. Este escritor, quien ya se había involucrado en proyectos como Charlie's Angels, la reciente Charlie and the Chocolate Factory y la primera película de Iron Man, es el tipo de guionista a quien se le podría confiar una historia como esta, proveniente de una película original, libro o revista comic. Y así como lo ha hecho en otras ocasiones, involucró aún más algunos personajes. Mientras que en la original, la película gira en torno a Aladdin y Jafar, en esta ocasión la historia le da mayor voz a Jasmine y el genio. Ambos personajes tienen una línea narrativa más completa, con debilidades, metas a alcanzar e incluso conflictos internos que definen cuál será  su resolución en la película. Aquí la princesa Jasmine anhela convertirse en Sultán en vez de casarse con uno de los tantos príncipes que vienen a pedir su mano, mientras que el Genio anhela ser libre y vivir su vida como un simple mortal.

Sin embargo, el hecho de que estos personajes obtengan mayor protagonismo, le quita importancia a otros dos de la historia: Jafar, quien en esta película no es tan temible y serio como en la versión original (incluso me atrevo a decir que es uno de los antagonistas más flojos que he visto este año); y Aladdin. Siendoles honesta, si él no hubiese estado en la película, esta seguiría fluyendo exitosamente. Abu hubiese sido un mejor protagonista.

El caso de Aladdin es muy particular, debido a que el personaje inicia siguiendo la estructura narrativa del "Viaje del Héroe", donde sigue instrucciones porque lo obligan y está renuente a ellas, pero después se motiva porque esto le ayudará a conseguir algo; pero su personaje pierde valor e interés cuando las líneas narrativas de Jasmine y el genio adquieren mayor importancia.

Pero, obviando esto, Masud, que posee la exigente flexibilidad física y una sonrisa dentuda, y Scott, que canta maravillosamente, muestran una química y un encanto que hacen que la historia central de amor sea totalmente atractiva. Smith, enfrentado a la tarea imposible de estar a la altura de la interpretación de voz icónica de Robin Williams, hace que el papel sea suyo, y su personalidad contagiosa brilla por todas partes, e incluso logra infundir en su conmovedor genio martini momentos emocionales conmovedores. Sin embargo, a diferencia de la versión animada en la película original, el personaje renderizado por CGI aquí es tan distraídamente musculoso y aficionado que te preguntas cómo fue capaz de ir al gimnasio tan a menudo mientras estaba atrapado en una lámpara.

Las canciones clásicas ("Un mundo completamente nuevo", "Amigo como yo", etc.) están todas aquí, aunque en forma ligeramente alterada. Algunas letras se han cambiado y los arreglos se modernizan con la influencia ocasional del hip-hop. También hay un número completamente nuevo, "Speechless", con música de Alan Menken y letras de Benj Pasek y Justin Paul, que se siente demasiado calculado pero probablemente necesario como un himno feminista para un personaje al que en algún momento se le dice: "Es mejor que te vean y no se te escuche". El showstopping "Prince Ali" recibe el tratamiento más elaborado, con un número de producción lujoso que derrama en el espectáculo pero que nunca se quema realmente. Irónicamente, solo en la repetición musical durante los créditos finales se transmite en la pantalla un verdadero sentido de alegría, complementado por una escenografía que hace honor a los colores exhorbitantes que la versión original siempre se enfocó en plasmar.

Ritchie mantiene la película en movimiento a un ritmo adecuadamente rápido, pero todo se siente obvio y telegrafiado, incluyendo las reacciones de Abu que se ven obligatorias y diseñadas para las risas baratas. Una secuencia en la que el Genio salva a Aladdin de ahogarse se presenta de manera tan realista que puede resultar molesto para los miembros de la audiencia más joven y parece un poco fuera de lugar en medio de la alfombra mágica y otros interludios fantásticos. El enfrentamiento climático entre los héroes y los villanos también se siente exagerado, más apropiado para una película de Marvel que un entretenimiento de Disney alegre. Por supuesto, ninguno de estos factores evitará que la película gane mucho dinero, pues al final del día es lo suficientemente entretenida.

Belleza Inesperada (Collateral Beauty)

Las mejores películas de Will Smith son dramas.

Howard Inlet (Will Smith) es un exitoso ejecutivo de publicidad de Nueva York. Su situación cambia drásticamente cuando una tragedia personal le golpea con fuerza, lo que le lleva a caer en una profunda espiral de depresión. Sus colegas más cercanos intentarán animarle y sacarle de su letargo. Para ello pondrán en marcha un plan poco convencional, para obligarle a afrontar su sufrimiento de una manera sorprendente y profundamente humana. Pero este plan traerá consigo resultados imprevistos. (FILMAFFINITY)

Muchas personas criticaron de manera dura esta película, incluso calificándola como "un melodrama inane y ridículo". Las críticas son subjetivas: por eso es que a veces es mejor dejarse llevar por la intuición y no de los comentarios. 

Collateral Beauty no es una película para todo el público. No es que tenga un mensaje subliminal, machista o sexista. No tiene explosiones, ni carros rugiendo, ni tiene villanos que quieren destruir la vida de algún personaje. Es simplemente la historia de una realidad común; por eso me compra el corazón.

Pero, ¿cuál en realidad es el objetivo de esta trama? No se queda encerrada únicamente en mostrar el sufrimiento de un padre por el fallecimiento de su hija, sino que trata de reencontrar a este personaje con tres aspectos de la vida que "lo han traicionado" y a los que les ha escrito cartas de reproche: el amor, el tiempo y la muerte. Tres realidades que unen a los demás personajes de manera secundaria y por múltiples razones.

Con un reparto envidiable, y una musicalización y fotografía totalmente entonada con los sentimientos que quieren resaltar, Collateral Beauty cumple con todas las expectativas que tuve cuando vi el trailer, haciendo que cada twist y cada gancho de la historia valgan la pena y dejando a elección del espectador creer si los personajes del amor, el tiempo y la muerte fueron reales o parte de la imaginación de nuestros protagonistas.

Quizás entendí un poco tarde lo que significa una "belleza inesperada"; quizás me dejé llevar por los sentimientos del momento. El punto es que esta historia sí funciona para mi.

Sin importar las críticas o los duros comentarios sobre esta película, nadie podrá resistirse al mensaje tan real y profundo de la historia: el amor está en todo, el tiempo es una ilusión y la muerte nunca pasa en verdad.