Crítica Cinéfila: Bring Her Back

Tras el fallecimiento de su padre, dos hermanos son adoptados por una mujer que vive en el bosque y cuyas actitudes les generan sospechas.

El dolor consume la nueva película de los directores Danny y Michael Philippou, "Bring Her Back". Lo alimenta todo. El tipo de agonía primaria y absorbente que funciona como un agujero negro, atrayendo todo lo cercano hacia su gravedad y extinguiendo la luz. El estilo de terror y dolor de los Philippou es tan visceral y brutal como cabría esperar de su ópera prima, "Talk to Me", pero sin nada de la vitalidad ni la esperanza. En cambio, "Bring Her Back" opera con una sensación inquebrantable y palpable de miedo y angustia de principio a fin.

El único momento verdaderamente despreocupado en el sombrío segundo trabajo de los Philippous llega con la escena inicial que presenta al protector hermano mayor Andy (Billy Barratt) mientras recoge a su hermana Piper (Sora Wong), quien tiene discapacidad visual, de la parada del autobús, apenas momentos después de que ella intenta sin éxito hacer nuevos amigos. El tierno momento entre hermanos tan unidos se detiene bruscamente cuando llegan a casa y encuentran a su padre muerto en la ducha, un momento traumático que apenas tienen tiempo de registrar antes de que los servicios sociales comiencen a ubicarlos en nuevos hogares.

Los acoge Laura (Sally Hawkins), una mujer excéntrica que ya tiene a su cargo un niño bastante peculiar: el mudo Oliver (Jonah Wren Phillips). Resulta que Laura también está muy familiarizada con las pérdidas profundas y tiene planes para sus nuevos pupilos.

A pesar de algunas cintas ocultistas bastante espeluznantes que indican lo que Laura pretende lograr y una actuación escalofriante de Jonah Wren Phillips como el misterioso niño poseído a su disposición, el guion de Danny Philippou y Bill Hinzman mantiene el horror mayormente relegado a un segundo plano. Eso no quiere decir que sea deficiente o moderado (Oliver es un desagradable pero excelente ejemplo de horror corporal), sino que la mayor parte de la tensión deriva de las malvadas maquinaciones de Laura en su determinación de lograr su objetivo. Eso implica mucho gaslighting y abuso, abriendo una brecha intencional entre Andy y Piper, lo que se vuelve aún más desgarrador y cruel considerando que todo se inflige a menores. 

Como tal, la película le pertenece a Sally Hawkins; la astucia calculada de Laura es tan exasperante como cautivadora e impredecible. Laura es de las que saben cómo engañar y usar su encanto, y cómo destruir por completo a un alma joven que aún se recupera de la pérdida de casi todo su mundo. El hecho de que Hawkins también logre generar compasión por el propio dolor de Laura o casi caer en sus muestras de bondad habla de ella como intérprete; el guion oculta demasiado de la humanidad de Laura hasta el final. Para entonces, es demasiado poco y demasiado tarde.

Parte de esto se debe a la increíblemente desgarradora interpretación de Barratt como un adolescente que intenta mantener la compostura durante el peor momento de su vida, pero fracasa sin culpa propia. Sin embargo, la mayor parte se debe a la meticulosa concentración de los Philippous en situar a su público con un miedo opresivo a costa de la historia y el susto. Cuando Andy se sincera con Laura, por ejemplo, se introduce una subtrama manejada con torpeza, hasta llegar a un punto manipulador. 

El verdadero horror aquí es de tipo humano, con elementos ocultos superficiales y fugaces, en apoyo de una mujer tan consumida por el dolor que se ha convertido en una vil bestia. Bring Her Back la presenta como tal y lucha por exponer su humanidad, lo que la convierte en una obra con un tono más soso que el debut de Philippous. Es una película que te atrapa con su angustia, acumulando el trauma a un ritmo constante hasta llegar a un final desolador que rechaza incluso una apariencia de catarsis por la miseria sufrida.

Es diferente y devastadora, ya que muestra que las causas del dolor pueden ser externas, pero su manifestación es totalmente interna: solitaria, sin forma, fea e insondable. "Bring Her Back" es una obra más refinada de Philippous, pero también más restrictiva y simple. Es impresionantemente audaz e impactante en la forma en que los directores siguen desafiando los límites del terror y rompiendo tabúes, especialmente cuando se trata del público infantil, lo que garantiza una experiencia trepidante y agotadora que te dejará con la boca abierta. Pero es tan desgarradora en su oscuridad inquebrantable que es difícil imaginar algo que se acerque a ella como la película de terror más impactante del año.

Crítica Cinéfila: Wednesday, 2da temporada (1ra parte)

La segunda temporada de "Wednesday" seguirá a Wednesday Addams mientras regresa a la Academia Nevermore para un nuevo año, enfrentándose a nuevos misterios y desafíos que amenazan tanto a ella como a la escuela. 

Llena de chispa y profundidad, la temporada sigue siendo tan emocionante como la primera. Después de pasar sus vacaciones de verano perfeccionando sus visiones proféticas y participando en un juego de gallina con un asesino en serie, "Wednesday" regresa a Nevermore Academy para el trimestre de otoño. Sin embargo, las cosas no son como antes. Un misterio impactante comienza rápidamente a ocupar el tiempo de Wednesday (Jenna Ortega), lo que la lleva a descubrir algunos secretos inquietantes sobre Jerico y su historia con los marginados. Además, se revela mucho más sobre la tradición de la familia Addams, incluida la raíz de la tensa relación de Wednesday y Morticia (Catherine Zeta-Jones). 

Tras pasar el verano rebuscando en el Libro de las Sombras de Goody, Wednesday está satisfecha de haber dominado sus habilidades psíquicas. Aun así, el torrente de lágrimas negras que le resbala por la cara cuando tiene una visión le preocupa un poco, al menos lo suficiente como para hacerle jurar a Cosa (Victor Dorobantu) que guardará el secreto y se lo ocultará a su madre, cada vez más entrometida. Aunque la emoción no es algo natural en ella, Wednesday sabe que volver a Nevermore le dará al menos la oportunidad de seguir escribiendo y perfeccionar su arte sin Morticia rondando por encima de su hombro. Sin embargo, este año, la escuela, centrada en los marginados, ya no es el refugio que solía ser.

Para empezar, el hermano menor de Wednesday, Pugsley (Isaac Ordonez), quien apenas empieza a dominar su habilidad para generar electricidad estática, ya está matriculado. Por desgracia, no es el tío Fester (Fred Armisen), y Wednesday no se molesta en cuidar sus desventuras. Además, tras salvar la escuela de Tyler (Hunter Doohan), quien era un Hyde secreto controlado por la diabólica Marilyn Thornhill (Christina Ricci), Wednesday se ha convertido en una especie de celebridad en el campus. Lamentablemente, su recién descubierta fama, su acosadora empedernido y una visión escalofriante sobre su mejor amiga y compañera de piso, Enid (Emma Myers), no auguran nada bueno para su misantropía. Además, cuando el recién nombrado director de Nevermore, Barry Dort (Steve Buscemi), recluta a Morticia para ayudarlo a recaudar fondos para la próxima gala, Wednesday se da cuenta rápidamente de que Nevermore no es la institución que era bajo el liderazgo de la difunta directora Weems (Gwendoline Christie). 

Al igual que su primera temporada, la primera parte de la segunda temporada de "Wednesday" es espeluznante, alocada y misteriosa. Mientras Wednesday lucha contrarreloj para desentrañar su sorprendente visión de Enid y evitar que se haga realidad, comprende que hay ciertos aspectos más oscuros de sus premoniciones que aún no ha comprendido. Esta visión en particular causa fricción entre Wednesday y Enid, quien está confundida por la distancia que su ya distante mejor amiga está poniendo entre ellas. Además, tropezar con un secreto de la familia Addams, oculto durante mucho tiempo, en medio de su investigación y la llegada de su abuela Frump (Joanna Lumley), exacerba aún más la ya tensa relación que tiene con su madre. 

"Wednesday" ha sido criticada por ser una versión muy al estilo Netflix del clásico de Charles Addams, con Nevermore como una institución tipo Hogwarts. Y si bien eso puede ser cierto, no disminuye los exquisitos detalles incrustados en la serie, su misteriosa oscuridad ni el control imponente de Ortega sobre su personaje. Si las películas de "Harry Potter" se toman como ejemplo, y con estos cuatro episodios en la primera mitad de la temporada 2, la serie solo se volverá cada vez más siniestra y con más textura. Los temas presentados aquí pueden estar "centrados en adolescentes", pero eso no detiene la universalidad de los mensajes de la serie. Las relaciones madre/hija pueden ser difíciles de manejar durante la adolescencia; sentirse marginado es algo que muchos espectadores a nivel mundial sin duda han experimentado y los altibajos de las amistades, de hecho, continúan a lo largo de nuestras vidas. 

Una crítica importante a esta temporada es que no hubo necesidad de dividir los episodios. Aunque el final de la primera parte, "Si estos problemas pudieran hablar", revela mucho, el público podría haber disfrutado fácilmente de cuatro horas más junto a la adolescente impasible en lugar de esperar un mes a que Netflix presentara el final de la segunda temporada. 

En general, la primera parte de la segunda temporada de "Wednesday" ofrece las mismas delicias visuales que han hecho tan fascinantes los mundos de Burton. Con la familia Addams aumentando su presencia en pantalla, varios enigmas complejos y Ortega a la cabeza, la serie sigue siendo tan retorcida, cautivadora y cautivadora como cuando se estrenó hace tres años.

Crítica Cinéfila: Smile 2

La estrella del pop mundial Skye Riley está a punto de embarcarse en una nueva gira mundial cuando empieza a experimentar una serie de sucesos cada vez más aterradores e inexplicables. Angustiada por la espiral de horrores y la abrumadora presión de la fama, Skye tendrá que enfrentarse a su oscuro pasado para recuperar el control de su vida antes de que sea demasiado tarde. Secuela de 'Smile' (2022).

El debut cinematográfico de Parker Finn en 2022, Smile , se inspiró de manera transparente en películas de terror de posesión en cadena como The Ring y It Follows, en las que una maldición de muerte se transmite de una víctima a la siguiente mientras el agonizante protagonista intenta zafarse de ella. A pesar de su familiaridad, la película funcionó, en parte porque el guionista y director aportó mucho estilo y ansiedad sostenida a la premisa, pero también porque el medio de transferencia era tan inquietantemente ordinario: una gran sonrisa con dientes grandes. La película costó unos modestos 17 millones de dólares y recaudó más de 200 millones de dólares en todo el mundo, lo que hizo inevitable una secuela.

"Smile 2" cambia a la psiquiatra clínica de Sosie Bacon por Skye Riley (Naomi Scott) , una superestrella del pop mundial plagada de traumas para que la entidad siniestra se alimente de ella. Eso significa un cambio a un personaje principal cuya formación profesional y problemática historia personal resultan ser el desastre perfecto. Lo que también significa que la película bien actuada es divertida, golpeándote con un aluvión de sobresaltos efectivos y visiones empapadas de sangre. Pero, la moderación se descarta a favor de un exceso más grande y audaz. Cualquier película con un crédito especial por "efectos monstruosos" no busca la sutileza.

Finn retoma la acción apenas seis días después de los acontecimientos de la primera película, con el simpático policía Joel (Kyle Gallner) sentado en su coche aparcado temblando de miedo, tras haber pagado el precio de ayudar a su desconcertada exnovia. Decidido a acabar con la maldición de forma responsable, se pone un pasamontañas y entra en la casa de dos hermanos traficantes de drogas asesinos, con la intención de matar a uno mientras el otro mira, y así sellar el destino del sobreviviente. Pero el plan no sale como él lo tenía en mente, lo que es una mala noticia para Lewis (Lukas Gage), el traficante de poca monta que se adentra en el caos. El macabro sentido del humor que predomina a lo largo de la película es evidente en los restos de una víctima, cuya sangre y tripas están esparcidas por la carretera en la forma de una sonrisa.

Mientras tanto, Skye se prepara para volver a estar frente a los focos de atención tras un accidente de coche fatal en el que murió su novio actor Paul Hudson (Ray Nicholson). Las fotos de ella drogada con alcohol y cocaína han aparecido en todos los tabloides, pero ahora está limpia y lista para iniciar una gran gira, que comienza en la ciudad de Nueva York. 

Impulsada por su madre, Elizabeth (Rosemarie DeWitt), y mimada por su adorado asistente Joshua (Miles Gutierrez-Riley), Skye se lanza de lleno a los ensayos. Cuando la vigorosa coreografía agrava su lesión de espalda por el accidente, se lo guarda para sí misma, pero se pone en contacto con su antiguo camello para conseguir algo de Vicodin. Por supuesto, se trata de Lewis, un viejo conocido de la escuela secundaria, que está drogado hasta las cejas y sumido en delirios paranoides cuando llega Skye. Lo que presencia es realmente perturbador, ya que no le dan analgésicos, pero sí mucho dolor.

La técnica cinematográfica ha mejorado considerablemente en comparación con Smile, ya que el director de fotografía Charlie Sarroff hace un uso inteligente de ángulos desorientadores y tomas en espejo, y vuelve a dar la vuelta al encuadre cuando Skye comienza a desmoronarse. Hay un indicio de De Palma en la iluminación tenue y los zooms acelerados y espeluznantes cuando comienza a ver visiones amenazantes de extraños y personas que conoce, con sus rostros transformados por la sonrisa.

El denso diseño de sonido de Dan Kenyon es otro componente altamente efectivo, que a menudo difumina las líneas entre el ruido ambiental y la escalofriante banda sonora del compositor Cristóbal Tapia de Veer, que incorpora sonidos industriales vibrantes, quejidos y sacudidas y se inclina fuertemente hacia la distorsión.

Scott muestra de manera excelente cómo el terror de Skye influye en su sentimiento de culpa por las personas a las que lastimó cuando sus problemas de abuso de sustancias estaban fuera de control. Ese conflicto también la hace querer seguir cumpliendo con sus obligaciones profesionales: sesiones de fotos, pruebas de sonido, pruebas de vestuario y más ensayos.

A pesar de la serie de crisis de su hija, Elizabeth presiona a Skye para que cumpla con el programa, recordándole que la compañía discográfica, encabezada por Darius (Raúl Castillo), ha invertido millones en la gira. "Tienes que mantenerte hidratada", le sigue diciendo su madre, lo que da lugar a una divertida broma de publicidad mientras Skye bebe interminables botellas de agua Voss.

Una de las primeras escenas que destaca es la de un encuentro con los fans, en la que Joshua se las arregla para que una larga fila de admiradores entusiastas se acerque a ella uno a uno para que les den un autógrafo y se tomen una foto. Skye es cálida y paciente con ellos al principio, hasta que un obsesivo desquiciado la asusta. Apenas ha recuperado la compostura cuando una niña preadolescente con coletas se pone al frente de la fila, mostrando sus aparatos dentales con esa inconfundible sonrisa maníaca que acecha los sueños de Skye y sus horas de vigilia.

El equilibrio incierto entre lo que es real y lo que es una alucinación muy visceral termina convirtiéndose en una confusión hasta para la misma audiencia, a medida que avanza la historia, incluso si algunas de las últimas secuencias son piezas virtuosas. Una de ellas es una escena espectacular, en la que Skye ve a los bailarines de su espectáculo reunidos en la puerta de su apartamento con sonrisas lascivas. Cada vez que aparta la mirada para asegurarse de que es solo su imaginación, se acercan, se suben a los muebles y trepan por las paredes como los demoníacos niños del coro de Fosse. A medida que se acercan a ella, sus movimientos se convierten en ecos violentos de la coreografía que se ve en el ensayo.

Otra secuencia clave es una recaudación de fondos para jóvenes desfavorecidos, bajo el lema “La música inspira esperanza”, en la que Darius ha convencido a Skye para que sea presentadora. Skye, que acaba de quedar traumatizada pero no puede echarse atrás, inquieta a la multitud de la gala improvisando cuando el teleprompter falla; su discurso sobre el lado desgarrador de la industria musical resulta todo menos esperanzador. La aparición inoportuna de su novio muerto, sonriendo como un loco, ayuda aún menos.

Skye obtiene un consuelo temporal cuando repara el vínculo roto con su fiel mejor amiga Gemma (Dylan Gelula), cuyas divertidas reacciones a las horribles revelaciones hacen que deseemos verla más. Luego están los mensajes de texto anónimos de alguien que parece saber exactamente por lo que está pasando Skye. Finalmente se revela que es Morris (Peter Jacobson), que tiene un conocimiento íntimo del espíritu parásito y una teoría sobre cómo neutralizarlo. 

Mientras Skye se resiste y luego accede desesperada a probar el peligroso método de eliminación de Morris, la narrativa obliga a que uno se deje llevar por las alucinaciones. La película entra y sale de la realidad de maneras que claramente pretenden reflejar lo que está experimentando Skye. Y a medida que los cambios se vuelven más frecuentes, puntuados por interludios de violencia cada vez más sangrienta, es también inevitable sentirse perdido.

"Smile 2" confirma que Finn es un talentoso estilista visual que sabe manejar a sus actores con soltura. Tal vez solo necesite alejarse un poco de la idea errónea de que más es más y centrarse más en sus habilidades narrativas. Aun así, hay mucho que decir sobre un director que no se deja llevar por la timidez, y la secuela dejará a muchos fanáticos del terror sonriendo de oreja a oreja.

Crítica Cinéfila: Smile

Después de presenciar un incidente extraño y traumático que involucra a un paciente, la Dra. Rose Cotter (Sosie Bacon) comienza a experimentar sucesos aterradores que no puede explicar. A medida que un terror abrumador comienza a apoderarse de su vida, Rose debe enfrentar su inquietante pasado para poder sobrevivir y escapar de su nueva y horrible realidad. 

La realidad comienza a desdibujarse y se deshace rápidamente para los desafortunados en "Smile". Una sonrisa espantosa seguida de un evento traumático hace que quienes lo presencian sucumban lentamente a su trauma/influencia. "Smile" lleva el concepto del objeto maldito a un nuevo nivel con una amenaza centrada en la salud mental que espera su momento, atormentando a sus víctimas a través del aislamiento y los traumas del pasado. Si bien muestra sus influencias con orgullo y sigue un camino familiar, Smile  ofrece pistas atractivas y afables, y algunos trucos aterradores bajo la manga para apaciguar al público general.

Rose Cotter (Sosie Bacon) trabaja 80 horas a la semana en la sala de emergencias de salud mental de su hospital. Es una adicta al trabajo que lo usa como un medio para evitar, o incluso reprimir, recuerdos dolorosos de la infancia. Eso cambia cuando intenta hablar con un nuevo paciente que habla de una entidad implacable que la persigue, sonriendo mientras la confronta con horribles visiones. Entonces ese paciente sorprendentemente se suicida frente a Rose. Poco después, Rose comienza a sufrir visiones horribles por lo que vio, y se intensifica lentamente. Cuanto más se da cuenta de que el tiempo se está acabando porque algo se está acercando a ella, más se convencen los demás de que no se encuentra bien.

El escritor/director Parker Finn continúa donde lo dejó con su cortometraje "Laura Hasn't Slept" para su debut cinematográfico. La continuación pasa la batuta del horror relacionado con la salud mental de la epónima Laura (Caitlin Stasey) a Rose, quien tiene su propia historia con la salud mental para discutir. Enmarcar a "Smile" más como una secuela que como una adaptación más larga es una elección inteligente para construir sobre las ideas presentadas mientras se centra la historia en un lado diferente de la salud mental.

Bacon lo convierte en una lideresa capaz. Su Rose es una profesional convincente y organizada que se deshace de las maneras más empáticas. A pesar de los escalofríos sobrenaturales, es un mérito de Bacon que nos haga cuestionar la cordura de Rose casi tanto como lo hace Rose. Kyle Gallner también inculca un interés arraigado en una capacidad más pequeña como Joel, un detective que está involucrado en el caso de Rose por múltiples razones, algunas personales. Su química contribuye mucho a impulsar la narrativa.

Finn se toma su tiempo para repartir los sustos, manteniendo el enfoque en el lento desmoronamiento de Rose. Eso no quiere decir que no haya ninguno; espere bastantes momentos escalofriantes que inducirán los jumpscares. Pero hay una cuidadosa moderación en la elaboración del miedo. Finn quiere que te involucres en la difícil situación de Rose, ante todo, mientras sus seres queridos le dan la espalda lentamente.

Pero  "Smile"  podría ser un poco demasiado exacto en el departamento de miedo. Es probable que los fanáticos del terror inteligentes también reconozcan algunas de las tácticas e influencias de miedo (como Oculus, It Follows y The Ring, lo que podría amortiguar parte del impacto. Hace que sea más fácil adivinar hacia dónde podría dirigirse la historia de Rose. El tercer acto acelera el ritmo, es hasta inesperado y contiene algunas imágenes de terror potentes, lo que lo convierte en un gran final que dejará a cualquiera con ganas de más.

En general, Parker Finn presenta algunas ideas interesantes sobre el trauma y su naturaleza insidiosa y parasitaria en nuestra psique, usando el horror de manera efectiva para transmitirlo. Bacon hábilmente mantiene la atención incluso en las pausas entre momentos de miedo inquietantes. Hay una familiaridad con la naturaleza y la fórmula de la maldición, lo que genera comparaciones fáciles con varias películas de terror amadas. Aún así, está bien elaborado e introduce una nueva mitología de sentimientos, con algunos sustos genuinos en el camino. Smile es un placer para la multitud lo suficientemente sólido como para dirigirse a la temporada de Halloween.

Crítica Cinéfila: Antlers

En Antlers, una pequeña ciudad de Oregón, una profesora (Keri Russel) y su hermano (Jesse Plemons), el sheriff de la localidad, se empiezan a interesar por un estudiante misterioso y distante. A medida que se van conociendo, descubren que el joven esconde un peligroso secreto que podría tener consecuencias fatales.

El nombre de Antlers encaja y tiene sentido una vez que te das cuenta de que esta película de monstruos ambientada en Oregón y de combustión lenta se centra en el "wendigo" nativo americano, una leyenda por la cual un espíritu maligno posee a las personas y las transforma en criaturas mortales con cuernos de alce con un apetito por la carne humana.

Cooper ha incursionado en muchos géneros a lo largo de su carrera como director de cinco películas, aunque ha habido una oscuridad constante en todo eso que pone el horror de lleno en su timonera. Ejecutado con estilo y quizás con demasiada importancia, su trabajo se ha centrado tradicionalmente en las líneas de falla de la condición estadounidense, ya sea la violencia ("Black Mass"), el racismo ("Hostiles") o la adicción ("Crazy Heart"), y todos esos temas se juntan aquí con un efecto escalofriante.

Lo que hace que "Antlers" sea tan inquietante no es la mecánica de crear tensión y temor de la película, sino la forma en que el cineasta se mete en las mentes de sus dos personajes principales: la sobreviviente de abuso convertida en maestra de escuela primaria Julia Meadows (Keri Russell) y su alumno Lucas (Jeremy T. Thomas), en quien es capaz de reconocer señales de alerta que le recuerdan el trauma que experimentó cuando era niña. Algo increíblemente mal está sucediendo en casa de Lucas, y Julia está bien preparada para identificar el problema e intervenir en su nombre, o eso es lo que sostiene "Antlers", aunque la filosofía de "se necesita uno para conocerla" puede parecer un poco simplista a veces.

Desarrollada y apadrinada por el productor Guillermo del Toro, la película se basa en el cuento corto de Nick Antosca "The Quiet Boy", que el autor adaptó con el coguionista Henry C. Chaisson. En manos de Cooper, conserva el elemento central de una maestra que muestra preocupación por un niño cargado con mucha más responsabilidad de la que debería tener que enfrentar alguien tan joven. Las películas de terror más efectivas no solo tratan de asustar a la audiencia, aunque esta tiene algunos sustos genuinamente extraños, sino de explorar los problemas sociales más profundos que nos ponen nerviosos. En este caso, nos enfrentamos a una pequeña ciudad estadounidense en declive, donde las oportunidades de empleo son escasas, los opioides abundan y las relaciones con los nativos americanos locales están atrasados ​​por un ajuste de cuentas.

Tras una escena de apertura siniestra en la que el padre de Lucas, Frank (Scott Haze) y su hermano menor, Aiden (Sawyer Jones), son atacados por una criatura gigante en una mina abandonada, Julia nota cierta oscuridad en su alumno. Cuando se le pide que comparta una historia en clase, Lucas cuenta una demasiado sombría para alguien de su edad. Tras una mayor investigación, encuentra una pila de dibujos escondidos en su escritorio que parecen haber sido hechos por un asesino en serie, todos dientes afilados y animales ensangrentados. Su alarma puede parecer obvia, pero tenga en cuenta que nadie en la ciudad sabe lo que sucedió en esa mina, ni saben cómo pasa Lucas su tiempo después de la escuela: atrapar animales salvajes, cortarlos y dárselos de comer a Frank y Aiden que se mantienen gruñendo y gimiendo detrás de una puerta fuertemente cerrada.

Las películas de terror que presentan transformaciones aterradoras suelen estar motivadas para dejar salir a los monstruos, donde pueden acumular a las víctimas en beneficio de un público sediento de sangre. En este caso, cualquier estrago que el wendigo pueda causar en la ciudad no es nada comparado con lo que le está haciendo al pobre Lucas en casa. Allí, con su padre incapacitado, se ve obligado a jugar al cazador, padre y tomador de decisiones, y el peso de esa responsabilidad claramente lo está comiendo vivo, por no hablar de los moretones y desnutrición en su frágil cuerpo.

Hay múltiples metáforas en funcionamiento aquí, la más obvia es el arquetipo de un espíritu nativo enojado que busca venganza por lo que el hombre blanco ha hecho para explotar tierras que no eran suyas para empezar. Mucho más inquietante es el enfoque de la película en cómo un niño se las arregla para ser forzado a asumir el papel de adulto cuando sus padres son incapaces de otra manera. Cuando el hermano del oficial de policía de Julia, Paul (Jesse Plemons), explica que Frank es un adicto, entendemos que Lucas probablemente tuvo que dar un paso al frente en el pasado, cuidando a su hermano cuando su papá estaba ausente o drogado.

Los flashbacks de la complicada infancia de Julia, junto con tomas no demasiado sutiles en las que lucha por resistirse a comprar licor en el mercado local, refuerzan la conexión que siente con Lucas y por qué es tan importante para ella protegerlo, sin importar cuán terrible su situación doméstica podría ser. No tiene idea de lo que le espera, por supuesto, pero enfrentarlo sirve como penitencia por la huida de Julia todos esos años antes y haber dejado a Paul a cargo de su padre abusivo.

En cierto punto, el wendigo se suelta, lo que resulta en la carnicería que el público probablemente esperaba desde el principio. En cualquier caso, eso no es tan aterrador como lo que Lucas está enfrentando, especialmente cuando llega el momento de que acepte que Frank y Aiden no pueden salvarse y, en cambio, deben ser destruidos. 

Se ha convertido en una necesidad de género que películas como esta nunca puedan matar por completo al monstruo, pero sería un error interpretar mal el final como una burda configuración de secuela. Solo mire lo que Julia obliga a hacer a Lucas y ahora considere lo que le pide.

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Crítica Cinéfila: Midnight Mass

Una comunidad al borde de la extinción y ávida de fe recibe la llegada de un carismático sacerdote, que trae consigo milagros, misterios y un renovado fervor religioso. 

Midnight Mass, de Mike Flanagan, ve al talentoso escritor/director pasar de adaptar Stephen King a crear un proyecto que se siente tan claramente como una de las obras del maestro del terror que incluso los fanáticos se preguntarán cómo se perdieron el lanzamiento del libro. Con elementos de The Stand, The Shining y Salem's Lot, el estudio de Flanagan sobre la religión y la inmortalidad a veces reaviva recuerdos de misas de medianoche reales. Si bien hay algunas actuaciones excelentes y temas atractivos, también resulta que Flanagan, cuando se libera de la trama del material original como The Haunting o Doctor Sleep, ya tiene un estilo muy bien marcado.

Como muchos de los sermones de mi juventud, Midnight Mass abunda en temas relacionados y simbolismo en manifiesto. Flanagan está jugando con el lado más oscuro de las escrituras religiosas, conectando cosas como la resurrección y beber sangre con un tipo diferente de mitología. Después de todo, el horror y la religión tienen mucho en común, a menudo presentan temas similares de moralidad y derrota del mal, solo que con un paño diferente. Algunos de los elementos más ambiciosos de Flanagan aquí juegan con la idea de que La Biblia es realmente una historia de terror, mientras que también entrelaza temas muy parecidos a los de un Rey en la tela, principalmente el conflicto entre la responsabilidad humana y el pensamiento de que la fe puede lavar todo pecado.

La gran mayoría de "Midnight Mass" tiene lugar en una comunidad de pescadores insular llamada Crockett Island. En realidad, la mayor parte tiene lugar en la decrépita iglesia de Saint Patrick, que recientemente está dirigida por un joven encantador llamado Padre Paul (un Hamish Linklater verdaderamente fantástico, cuyo trabajo aquí casi justifica una mirada por sí solo), un líder carismático que ha sido enviado para reemplazar al Monseñor Pruitt. Coincidiendo con la llegada del padre Paul está el regreso del hijo pródigo de la isla, Riley ( Zach Gilford), quien ha estado en prisión durante cuatro años luego de un accidente por conducir ebrio en donde resultó la muerte de una mujer. De una manera muy "The Haunting of Hill House", Riley incluso es perseguido directamente por su víctima, lo que amplifica su necesidad de algún tipo de redención. El pecador y el salvador que llegan a Crockett Island al mismo tiempo se sienten como elementos del destino.

Si bien Riley y Paul son el centro de "Midnight Mass", Flanagan llena la comunidad con personajes memorables, la mayoría de los cuales han sufrido el tipo de pérdida que los lleva a una iglesia en busca de orientación, incluido el dolor que los empuja a buscar un propósito más elevado. en el mundo. Los padres de Riley, Annie (Kristin Lehman) y Ed (Henry Thomas), son los habituales de Saint Patrick, pero su vieja amiga Erin (Kate Siegel) tiene algunas preguntas más sobre el propósito de la fé dado su oscuro pasado. La estridente Bev Keane (Samantha Sloyan) es el tipo de alma comprometida que seguirá a las figuras religiosas por cualquier camino oscuro en el nombre de Dios, mientras que un pequeño grupo de no creyentes que miran con escepticismo lo que está pasando debajo de la cruz en medio de la noche, incluido la doctora (Annabeth Gish) con una madre enferma (Alex Essoe), el nuevo sheriff (Rahul Kohli) en la ciudad y un borracho local (Robert Longstreet) con un pasado oscuro.

Si te estás preguntando cómo Essoe, de 29 años, interpreta a la madre de Annabeth Gish, debes ser advertido sobre un maquillaje de anciana verdaderamente arriesgado pero increíblemente bien trabajado. Sin estropear nada, estará claro muy pronto por qué los artistas más jóvenes como Thomas y Essoe están interpretando papeles más allá de sus años, pero nunca es menos que una distracción. Y eso que los efectos de "Midnight Mass" son generalmente inferiores a los dos proyectos de "Haunting". 

También, lo crea o no, es más hablador que los dos proyectos de “Haunting”. Riley puede ser relativamente estoico, hasta que conecta con el padre Paul y Erin, con quienes recibe largos discursos sobre religión, Dios, alcoholismo, adicción, la vida después de la muerte y mucho más. Este es un espectáculo lleno de monólogos, que podría hacer que las personas que buscan escalofríos se asusten. Ese no es el juego de Flanagan aquí; está más interesado en la filosofía y la fe que antes, y hace preguntas directamente sobre la moralidad y el pecado. La mayoría de las largas conversaciones están bien escritas, lo suficientemente interesantes en su diálogo, especialmente después de una gran revelación a mitad de temporada que luego conduce a un par de episodios de intensa discusión cuando los espectadores están buscando los momentos sangrientas.

¿Qué es lo opuesto a un milagro? ¿Por qué algunos fieles reciben bendiciones en su vida mientras que otros solo enfrentan tormento? Estos son temas profundos y complejos para una serie original de Netflix, y es un crédito para su trato con Flanagan que exista algo tan complejo. Es un artesano tan entretenido que los fanáticos pueden perdonar fácilmente su tendencia a la abundancia y la sobrecocción. 

Crítica Cinéfila: Trilogía de Fear Street

En 1994, un grupo de adolescentes descubre que los sucesos que aterrorizan su ciudad desde hace generaciones podrían estar conectados. Además, puede que ahora les toque a ellos protagonizar la pesadilla. Primera parte de la trilogía basada en las famosas novelas de miedo de R. L. Stine.

Aunque es raro describir una serie de slasher como ambiciosa, el proyecto “ Fear Street ” lo es: una trilogía de películas estrenadas en semanas consecutivas que se juntan y forman una historia completa. No es raro que las películas de terror reciban el tratamiento de secuela, pero es raro que se planifique una franquicia completa con anticipación, especialmente porque cada entrega de esta adaptación en tres partes de las novelas de R.L. Stine se remonta más atrás en el tiempo. "Parte 2: 1978", el segundo capítulo de la serie, tiene menos logros que "Parte 1: 1994", pero prepara el escenario de manera convincente para la "Parte 3: 1666".

“Fear Street Part 1: 1994” toma una página de “Stranger Things” mientras el director Leigh Janiak apela a la nostalgia del pasado cercano del público, evocando una época en la que los teléfonos fijos y el estilo de vida en los centros comerciales todavía existían. La estrategia proporciona una apariencia retro intrigante a un enfrentamiento genérico entre varios adolescentes inadaptados y sus pesadillas. Ambientada dos años antes de que “Scream” de Wes Craven pusiera a los fanáticos del terror en los clichés más perdurables del género, “Part 1” juega fielmente con ciertos códigos mientras dobla otros.

Un montaje denso de créditos iniciales muestra recortes de periódicos de décadas anteriores, en los que surge un patrón de posesión espiritual y asesinato: parece que Shadyside es la ciudad hermana plagada de crímenes para el exclusivo Sunnyvale, una de las más seguras y ricas comunidades en el país.

Esta primera película canaliza películas clásicas de slasher al tiempo que presenta un conjunto más contemporáneo de adolescentes queer y no blancos, precisamente el tipo de personajes que normalmente son desaparecidos, ahorcados o asesinados ​​al principio de una película de terror.

Los elementos sobrenaturales de la película operan con una lógica incompleta, en parte porque Janiak y el coguionista Phil Graziadei divergen de la mitología familiar de las películas de espíritus descontentos. Pero puede ser frustrante ver a los personajes principales, consistentes en su forma de sobreactuar, dar vueltas a las teorías sobre cómo apaciguar a la bruja, solo para ver que sus planes se desvían una y otra vez.

Retomando inmediatamente donde lo dejó su predecesor, la entrada central de 1978 profundiza el mito de Shadyside / Sunnyvale antes de retroceder en el tiempo y contar su parte de la historia. El resto de la película tiene lugar en Camp Nightwing, donde los jóvenes del próspero Sunnyvale y de Shadyside supuestamente malditos fuman marihuana, tienen relaciones sexuales prematrimoniales y son poseídos por la bruja del siglo XVII responsable de siglos de derramamiento de sangre en la zona: tú ya sabes, cosas normales de los campamentos de verano.

La "Parte 2" hace una serie de referencias explícitas a Stephen King y, a veces, adquiere una cualidad parecida a "It", como si el concepto mismo de maldad permaneciera no del todo dormido en una tumba cubierta de musgo y periódicamente provocara violencia y desgracia sobre los que se encuentran en las proximidades. Aunque nunca llegó al nivel de sus influencias más evidentes, la película adquiere cierta seriedad por la sensación de que todo esto ha sucedido antes y, sin duda, volverá a suceder.

En última instancia, existe una especie de distancia entre el espectador y el personaje que no estaba presente en la primera película, probablemente porque la "Parte 1" reveló varios de sus destinos antes de que "1978" presente a sus seres más jóvenes. Sabemos que una de las hermanas Berman vivirá, sabemos que la sed de sangre de la bruja no se saciará esa noche, y sabemos que el consejero del campamento que hace el bien se convertirá en alguacil. 

“Fear Street Part 3: 1666” no es solo lo mejor de la trilogía de terror de Netflix; también reformula las dos entradas anteriores, “1994” y “1978”, en una luz más favorable al profundizar la mitología y subrayando cuán crucial es ver los tres capítulos consecutivamente. Tomadas por sí solas, cualquiera de estas películas basadas libremente en las novelas de RL Stine sería un retroceso de género por encima de la media. Juntos, constituyen una de las series de terror más envolventes de los últimos tiempos.

A pesar de sus subtítulos, las tres películas de "Fear Street" no están realmente separadas por décadas y siglos: sus líneas de tiempo literalmente se mezclan entre sí. Eso es especialmente cierto en la trilogía final “1666”, que tiene lugar parcialmente en el año de su título y, de acuerdo con el misticismo brujo de la serie, presenta exclusivamente a actores de las dos primeras entregas que interpretan a sus contrapartes del siglo XVII. Estos jóvenes (incluidos Kiana Madeira de “1994” y Sadie Sink de “1978”, entre muchos otros) sienten que ambos son y no son su yo futuro mientras representan los trágicos eventos que pusieron todo en movimiento.

Para una conclusión tan fuerte como esta, el hecho de que se vincule con “1994” mucho más que con “1978” se acerca peligrosamente a hacer que esa entrada intermedia se sienta superflua. "1666" es tanto una secuela de "1994" como una precuela, con "1978" una especie de hijo del medio olvidado que casi podría haber sido relegado a una secuencia de flashback extendida. Aun así, parte de la diversión es que cada entrega se basa en la anterior y la trilogía interconectada es más que la suma de sus partes.

Si "1994" evoca "Scream" y "1978" recuerda a "Friday the 13th", "1666" se siente familiar con "The Witch". Para crédito de Janiak, estas influencias son, en última instancia, poco más que señales temáticas, que se excedió en la violencia gráfica por el bien de la violencia gráfica, "1666" es también el más perturbador del grupo. Una escena fundamental ambientada en una iglesia se encuentra entre las más sombrías de la saga, tanto que algunos espectadores querrán proteger sus ojos... literalmente.

Las tres películas de "Fear Street" fueron coescritas y dirigidas por Leigh Janiak, quien tiene la difícil tarea de equilibrar la sensibilidad adolescente del material original con los adornos de calificación R de "Friday the 13th", "Sleepaway Camp" y otros slashers. Sus personajes son adolescentes precoces y conocedores del género cuya inteligencia también los ha cansado del mundo. En ese sentido, "Fear Street" es pariente de la adaptación de MTV de "Scream", dos episodios de los cuales también fueron dirigidos por Janiak, y ambas series sugieren que no hay razón para que los slashers no puedan adaptarse a la mentalidad de un siglo XXI, incluso si, en última instancia, ambos están más interesados ​​en aludir al pasado que en influir en el futuro.

Crónica Cinéfila: 10 Series de Netflix que he estado viendo durante la cuarentena

El Coronavirus ha sido un buen mal para la industria de streaming. Todas las semanas, las plataformas digitales actualizan su contenido para mantener lo suficientemente entretenida a su fiel audiencia, incluyéndome. Ya se encuentra de todo, desde películas de época hasta películas "hervidas" (así le llamo a las películas que parecen que las hicieron en menos de un mes -ustedes saben a lo que me refiero-). Pero la que le lleva millas de ventajas es Netflix.

Justo ayer leía cómo las acciones de Netflix han sobrepasado a Disney, y lo que le aventaja es que, sin importar dónde esté, y a diferencia de otras favoritas como Disney + y Hulu, Netflix es accesible desde cualquier parte del mundo. 

Y ahí surge la gran interrogante de parte de ustedes: ¿qué podríamos ver en Netflix hoy en día? Siéndoles bien sincera, Netflix tiene un contenido muy variado, para todo tipo de audiencia. Pero cómo ya me han insistido mucho que les recomiende, les voy a dar una lista aún más de preferencia: lo que yo estoy viendo actualmente.

Advertencia: si usted no ve ninguna de estas series, algunas tienen más de una temporada, así que prepárese a verla desde el principio para poder entenderla. 

La Casa de Papel: ¿Y se creen que no la incluiría? La Casa de Papel se ha convertido en una de mis series favoritas desde hace mucho tiempo, tanto así que he visto las primeras temporadas algunas dos veces ya. Justo a tiempo llega su cuarta temporada para darnos un poquito de acción necesaria bajo cuatro paredes.

Sinopsis: Las vidas están en juego ya que el plan del profesor comienza a desmoronarse y la tripulación debe defenderse de los enemigos tanto dentro como fuera del Banco de España.

Ozark: Comencé a ver Ozark justo cuando comenzó el Coronavirus y en menos de 1 semana ya había llegado al final de la segunda temporada. A diferencia de La Casa de Papel, Ozark es como sentir la cortada de un cuchillo lentamente, con detalles escondidos y análisis metódicos que solo se le ocurrirían a una mente tan inteligente como la de Marty Byrde. Pero la tercera temporada le saca un rostro que no habíamos visto nunca (el que sabe, sabe).

Sinopsis: Son seis meses después, el casino está en funcionamiento, pero Marty y Wendy están luchando por el control del destino de la familia. Marty predica manteniendo el status quo. Ayudada por una alianza con Helen y el líder del cartel de drogas Omar Navarro, Wendy planea su expansión. Pero cuando el hermano de Wendy, Ben, llega a la ciudad, la vida de todos cae en el caos.

Kingdom: Desde que me dijeron, "hay zombies", me tiré de cabeza a ver esta serie. Todavía no he terminado la segunda temporada, pero solo les diré un detalle: nunca había visto tanta belleza cinematográfica con una trama que incluyese muertos vivientes. Eso y el detalle importante de que toma lugar a principios del siglo XVII, poco después de las invasiones japonesas de Corea. Si no la quieren ver desde el punto de vista sangriento (como yo), por lo menos haganlo con una apreciación cultural.

Sinopsis: El rey fallecido se levanta y una misteriosa plaga comienza a extenderse; el príncipe debe enfrentar una nueva generación de enemigos para desvelar el malvado plan y salvar a su pueblo.

Unorthodox: Cambiando un poquito el tono, aterricé en esta historia después de haber leído muchos comentarios mixtos sobre el mensaje a nivel general. Desde mi punto de vista, es una buena manera de explorar la cultura ortodoxa y las limitaciones que sus jóvenes sufren para seguir la tradición familiar. El personaje de Esty será tu típica "pez fuera del mar", pero sus intenciones son muy personales e inspiran lo suficiente para decirle que siga corriendo mientras pueda.

Sinopsis: Una joven judía ortodoxa abandona el matrimonio que su familia le ha arreglado para seguir la tradición familiar y pone rumbo a Berlín, donde vive su madre. 

Too Hot to Handle: Esta seguro le encantaría a los puritanos que insisten que todas las series ahora se enfocan en el sexo. Imagina estar atrapado en una isla con toda una variedad de exquisiteses humanas y la gran regla es que nadie puede tener sexo. Este reality explora la aventura de 14 concursantes y su persecusión por el gran premio de $100,000 dólares, pero a la vez redescubriendo los sentimientos originales de una relación amorosa.

Sinopsis: Quince concursantes calientes deben abstenerse de todo contacto físico y sexual entre ellos para mantener intacto su fondo de premios en efectivo de $ 100,000. Cada violación de las reglas agota aún más la olla comunitaria (un beso cuesta $ 3,000, el sexo cuesta $ 10,000), lo que obliga a los invitados a trabajar juntos para apoyarse mutuamente en su celibato colectivo.

#BlackAF: Es BlackIsh pero con el estilo de entrevista de Modern Family; una historia más parecida a una parodia de cómo una familia negra rica vive en Los Angeles. Personalmente, y a pesar de las críticas que ha recibido la serie, me la he disfrutado de principio a fin, sobretodo porque aunque se insista que las cosas han cambiado, las personas de color pasan por mucho y gracias a Dios que ya no tienen vergüenza para defenderse.

Sinopsis: Kenya Barris y su familia lidian con las relaciones y las cuestiones de raza y culturales mientras se van haciendo a su nueva y acomodada vida.

Tiger King: Con tanto "apaviento" que la gente estaba haciendo sobre esta serie, decidí darle un chance. Lo que menos esperaba es que, en medio de ver gente criando tigres en medio de Oklahoma, también habrían misterios de asesinatos y el lado más peligroso de las mismas personas que poseen estos animales. 

Sinopsis: Una rivalidad entre los excéntricos de los grandes felinos da un giro oscuro cuando Joe Exotic, un controvertido jefe de un parque de animales, es atrapado en un complot de asesinato a sueldo.

Toy Boy: En mi búsqueda por series españolas, me topé con esta... y vaya que no me arrepiento. Además del banquete visible que la audiencia se dará, es toda la tensión y el misterio que gira en torno a una comunidad poco visitada por el miedo al que dirán. Fue entretenida en cada uno de sus puntos.

Sinopsis: Un stripper se dispone a demostrar su inocencia por un crimen que no cometió y fue encarcelado injustamente durante siete años antes.

Supernatural: Esta serie la vengo siguiendo desde hace muchos años, desde mucho antes de la creación de Netflix, por lo que tenerlo en la plataforma ha sido toda una bendición para revisitar viejos capítulos. La verdad es que los hermanos Winchester siempre han sido principales impulsores por mis gustos de cazar historias sobrenaturales, pero esta última temporada es la más humana que había visto. Que pena que hay que esperar después del apocalipsis para saber como terminará.

Sinopsis: Dos hermanos siguen los pasos de su padre como cazadores, luchando contra seres malvados sobrenaturales de muchos tipos, incluidos monstruos, demonios y dioses que deambulan por la tierra.

Big Mouth: Mi última serie tiene una anécdota interesante. Muchos también me habían insistido que viera esta serie por el morbo (que siempre me llama la atención). Finalmente Andi me convenció, y les juro que la terminé en una semana. Ahora, lo gracioso de la serie no es el morbo ni las ridiculeces que la trama lleva a los personajes, sino toda la realidad que se esconde tras las animaciones. Desde los cambios hormonales intensos hasta esa gran curiosidad sobre el resto de tu cuerpo, es un gran experimento para darle sentido al caos de la adolescencia. Es una serie que le pondría a mis hijos a ver (si los tuviese).

Sinopsis: Amigos adolescentes encuentran sus vidas volcadas por las maravillas y los horrores de la pubertad.

¿Y tú: qué estás viendo durante el Apocalipsis Covid?

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Crítica Cinéfila: Pet Sematary

Cerca de su nueva casa, los Creed descubren un misterioso cementerio dedicado a difuntas mascotas, escondido en lo profundo del bosque. Cuando la tragedia les golpea, Louis recurre a su vecino Jud Crandall, que parece conocer los secretos que esconde ese bosque. Será entonces cuando se desate un mal insondable con horribles consecuencias.

Si eres fanático del terror, has leído o visto adaptaciones de historias creadas por Stephen King. El escritor es un genio cuando se trata de crear pesadillas físicas y psicológicas, y gracias a esto ha logrado convertirse en una de las principales opciones para los cineastas, al punto en que algunos de sus libros ya han sido adaptados en más de una ocasión. Carrie fue llevada al cine tres veces, It tuvo una película para TV y hace dos años volvió a ser adaptada. Pet Sematary había sido adaptada en 1989 por la directora Mary Lambert y la película recibió críticas mezcladas; ahora los directores Kevin Kolsch y Dennis Widmyer readaptan el famoso libro, y al parecer la historia se les repite.

Esta historia se centra en la familia Creed, quienes se mudan desde Boston a un pequeño pueblo de Maine, no solo por la nueva oportunidad de trabajo que ha recibido Louis en un hospital universitario, sino también para poder tener una vida en familia más normal. Mientras Rachel (la esposa) siente que la casa solo le trae malos recuerdos de su hermana, quien murió en su casa por una ennfermedad espinal, Ellie entabla una amistad con su vecino Jud, viudo vecino de la familia que comienza a acercárseles, advirtiéndoles que detrás de su casa hay un cementerio de animales, donde los habitantes del pueblo van a despedir sus mascotas.

Cuando Church, la mascota de los Creeds, es encontrado muerto, Jud le aconseja a Louis que, si quiere hacer feliz a su hija y ahorrarle la tristeza de la muerte de su mascota, mejor lo entierre en la parte más profunda del cementerio, protegido por un muro de ramas, con el simple objetivo de evitar que la gente cruce hasta allá. Pero esto no detiene a Louis, quien entre sueños y hasta por señales ha sido indicado que esto es una mala idea, y cuando la tragedia es aún peor, los consejos de nadie no bastarán para que cometa el error una y otra vez, halándolo a terribles consecuencias.

Para los que han leído el libro, esta nueva película se sentirá tan incompleta como la primera adaptación: no solo aquí cambiaron una de las muertes más significativas de la historia -en el libro muere Gage, el bebé; pero aquí muere Ellie-, eliminaron personajes relevantes, cambiaron las relaciones entre los personajes, y dejaron muchas escenas tan limitadas en términos de contenido al punto que la lógica de la historia está ausente. Es una decepción que Louis y Jud no entablen una amistad como la lograron en el libro, pero aún peor es que Jud lleve a Louis al lado oscuro del cementerio, y después admita que no debió haberlo hecho porque sabe el mal que desatan cada vez que alguien o algo resucita de allí. 

También persiste la poca explicación de por qué Victor Pascow, el estudiante que fallece en el hospital, acosa a Louis y su familia después de su muerte, cuando todavía no se ha tenido un acercamiento sobrenatural del cementerio, lo cual hace que este elemento del fantasma de Victor sea una subtrama y no lo que realmente pretende, que es servir de advertencia hacia Louis sobre los problemas que puede causar el cementerio. Al mismo tiempo, la historia se separa del libro original en la mayoría de sus aspectos más importantes; uno de ellos es el final de la historia, el cual está conectado con la primera escena de la película, y que deja a la audiencia con la gran curiosidad de saber qué pasa después. 

Las precariedades del guión se logran maquillar por el trabajo actoral de los cuatro actores principales, quienes con su química en escena, entre ellos mismos, y de manera individual, logran darle vida a la esencia que Stephen King creó en sus libros, desde el primer momento en que la audiencia los conoce hasta el terrible final que desencadena la historia. Jeté Laurence, quien interpreta a Ellie, tiene una de las mejores actuaciones de la película, conectando con el resto del elenco pero a la vezlogrando lo que la película del 89 obtuvo como mérito, el cual fue la excelente interptetación de un nuevo talento en lo que resulta uno de los principales antagonistas de la historia.

Al igual que su primera adaptación, Pet Sematary es una película que decae en términos narrativos, abandonando elementos importantes de la historia original. Sin embargo, sigue manteniendo ese tono y ambiente tan terrorífico que Stephen King había creado en su novela, la cual él mismo clasifica como la más terrorífica de su colección. Pero no se confundan, la película no da tanto miedo.

El Sacrificio de un Ciervo Sagrado (The Killing of a Sacred Deer)

Steven es un eminente cirujano casado con Anna, una respetada oftalmóloga. Viven felices junto a sus dos hijos, Kim y Bob. Cuando Steven entabla amistad con Martin, un chico de dieciséis años huérfano de padre, a quien decide proteger, los acontecimientos dan un giro siniestro. Steven tendrá que escoger entre cometer un impactante sacrificio o arriesgarse a perderlo todo. (FILMAFFINITY)

El ser humano ha sido estudiado y expuesto en miles de formas desde los inicios del cine. Ha sido el principal causante de tantas historias que provocan múltiples sentimientos y reacciones en los espectadores. Pero también es un personaje inspirado de otras artes previas a la cinematografía. Esto podría ser parte de lo que motivó al director Yorgos Lanthimos (Attenberg, Alps, The Lobster) a escribir y dirigir la película The Killing of a Sacred Deer.

Steven ama a su esposa Anna, a pesar de la extraña intimidad que mantiene con ella. El ama a sus hijos, a pesar de que prefiere a uno sobre otro de manera obvia. El trabaja arduamente como cirujano, a pesar de que su escasa demostración de emociones garantizarían lo contrario. Es una persona que ha vivido una vida con idelogías muy particulares, pero a la vez dispuesto a tomar las decisiones más apropiadas por el bienestar de los suyos.

A pesar de lucir como una persona profesionalmente antisocial, mantiene una estrecha amistad con Martin, el hijo de un paciente que falleció mientras era atendido por Steven. Al principio, la amistad parecerá auténtica, parecida a la relación de padre e hijo, pero esta irá pasando a obsesión y se irá desatando la macabra venganza que Martin ha planeado contra Steven, que lo obligará a tener que decidir a quién debe matar de su familia para salvar al resto. 

La visión de Lanthimos ha sido bien específica desde sus primeras producciones, demostrando que su estilo va más allá del simple hecho de narrar una historia, sino de crear un análisis metafórico sobre el pensamiento humano y cómo reacciona cuando se sale de su zona de comfort. En esta película, las decisiones de los personajes van de mano con la profecía del antagonista, en donde la mayor cuestión es tratar de entender cómo funciona su amenaza y cómo es posible de que vaya ocurriendo tal cual cómo lo anunció. No obstante, al final de la película, la audiencia debe entender que esto no es más que un simple reflejo de las morbocidades del comportamiento humano de una manera metafórica y brutal.

La principal debilidad del guión es la velocidad con la que se narran los sucesos, que aunque el elenco lo supo mantener y manejar de una manera impecable, no deja de ser excesivamente lenta y larga para la trama que representa. No obstante, siempre mantuvo el tono y el sadismo de sus personajes. Lo único verdaderamente sutil es la misteriosa relación entre Kim y Martin, y el amor exhorbitante de Steven y Anna.

Por otro lado, la fotografía y la musicalización es una eterna obra de arte que refleja de manera muy auténtica las distintas intenciones y los sentimientos de cada una de las acciones de los protagonistas, con largos planos secuenciales y movimientos de cámara suaves. Los planos generales son un retrato perfecto de la crudeza de la historia y la indiferencia de los personajes.

Advertencia para el público: Esta película no es para todo el mundo. La deben ver con mente abierta y dejarse sumergir en su analogía.

Stranger Things: Segunda Temporada

1984: los ciudadanos de Hawkins (Indiana) están todavía recuperándose tras los horrores del Demogorgon y los secretos del Hawkins Lab. Ya rescataron a Will Byers del Upside Down, pero una entidad más grande y más siniestra amenaza a aquellos que sobrevivieron.

"Esperar un año para ver la segunda temporada de Stranger Things en menos de 48 horas": esa soy yo en estos momentos, y es que Netflix es una plataforma que te permite disfrutar a tiempo real, sin anuncios y un episodio tras otro hasta que los ojos no puedan más, pero después te deja con ese sabor de "¿y ahora qué?". Sin embargo, no me refiero a que esta nueva temporada no llenó mis expectativas; muy por el contrario, me da más de una razón para esperar la tercera parte.

La serie regresa exactamente un año después de que Will fue rescatado del mundo "al revés/upside down". Al parecer las cosas no han vuelto a la normalidad, pues Will está teniendo episodios que algunos ilustran como sueños despiertos y otros como efectos post-trauma. Pero mientras pasan los días, sus pesadillas se va convirtiendo en vida real, de las cuales nunca sabe como escapar. Cuando su familia y sus amigos se percatan de lo que le está pasando y tratan de ayudarlo, ya es muy tarde para volver a rescatarlo.

Mientras tanto, Eleven vive con Hopper (si no han visto los trailers: sí, ella está vivita y coleando) y lleva una vida de incógnito pues los "malos" siguen buscándola. No obstante, comienza a aburrirse de estar en cautiverio y decide escapar de casa para encontrar a su madre y su "hermana" (quienes también tienen poderes, pero diferentes a El), pero luego decide regresar a Hawkins porque reconoce que su verdadero hogar es junto a Hop, Mike, Dustin, Lucas, Will y Joyce. A parte de que se da cuenta que ellos están en peligro por el Shadow Monster y los demodogs.

Lo mejor de esta serie es que sus historias son desarrolladas en base a sus personajes, que es lo mejor trabajado y diseñado de todo la trama, pues te dejan con esa sensación de que los conoces muy bien y sabes cómo reaccionarán a cada situación que estén viviendo. En esta temporada, Dustin se roba el papel protagónico en más de un episodio, sobretodo después de que encuentra al bebé demogorgon; esta fue una de las mejores decisiones que pudieron tomar los guionistas, pues en la temporada anterior no llenaba las expectativas como sus demás compañeros de reparto, pero en esta ocasión se empodera y guía la historia hacia donde quiere llevarla.

Mike está en un rol más secundario y esto probablemente se debe a que está deprimido por Eleven y porque en la primera temporada su objetivo principal era encontrar a Will (lo cual ya logró), pero cuando finalmente se reencuentre con El y Will vuelva a estar en grave peligro, es cuando vuelve a tomar fuerza y decisiones por el grupo. En el caso de Lucas, su objetivo en esta temporada no va tan cercano al de sus compañeros, sino más inclinado hacia ser aceptado por una chica de su edad, esto siempre relacionado con el tema de su color de piel y el hecho de ser el único niño morenito de su grupo.

A Will no lo termino de conocer bien, principalmente por el hecho de que se pasa la mayor parte de la temporada de un trance a otro, lo cual es genial porque crea mucha tensión, suspenso y jumpscares interesantes, pero no permiten que uno entienda a este personaje que estuvo ausente durante toda la primera temporada.  Mientras que a Joyce le siguen dando sufrimiento, no solo por lo que está pasando su hijo, sino también porque le quitan al nuevo amor de su vida, lo cual siempre me va a doler, hasta que Joyce y Hopper por fin estén juntos (que eso eventualmente sucederá).

Hopper y Eleven son mis personajes favoritos desde el primer episodio de esta serie, y el hecho de haberlos unido, ver cómo se relacionan y cómo crean una familia es muy interesante, pues ambos han pasado por mucho y necesitaban a alguien que les hiciera compañía y que los entendiera y respetara tal como son. 

Me gusta que los demás personajes, como Jonathan, Nancy, Steve, la niña nueva (Max), el antagonista nuevo (Billy) y el novio de Joyce (Bob) tienen sus momentos en la serie, que también les permite desarrollarse y que uno le coja más cariño, sobretodo los primeros tres.

La historia de esta temporada logró responder algunas incógnitas que dejó la primera parte, pero aún sigue dejando otras preguntas: si Barbara no está muerta, ¿dónde está? ¿qué pasará con la madre de Eleven? ¿volveremos a ver a Kali, la hermana de Eleven? ¿el shadow monster abrirá una nueva puerta en el Upside Down? y la pregunta más importante: ¿qué pasará con Nancy, Jonathan y Steve; a quién ella va a escoger?

Lo mejor de la serie sigue siendo la ambientación de este mundo, que nos teletransportan al 1984 en su música, su vestimenta, sus escenarios y su fotografía, y que siempre lo tienen en cada detalle, por más minúsculo e indefenso que sea. Si no se dieron cuenta, esta temporada fue promovida con posters que hicieron homenaje a clásicos de los 80, y esto es nuevamente utilizado en la serie, durante algunas escenas o incluso durante un episodio completo, pero esto es cuestión de observación y estar pendiente a los detalles.

¿Para cuándo la tercera temporada? Es una excelente pregunta, pero mientras tanto no se preocupen por eso. Les recomiendo a que disfruten estos episodios, que están cargados de entretenimiento, tensión, romance, inocencia y humor.

La historia no decepciona.
Los personajes no decepcionan.
La temporada no decepciona.
100% recomendada.