Crítica Cinéfila: The Banshees of Inisherin

Ambientada en una isla remota frente a la costa oeste de Irlanda, cuenta la historia de dos amigos de toda la vida, Pádraic y Colm, quienes se encuentran en un callejón sin salida cuando Colm pone fin a su amistad de un modo abrupto. 

El oeste rural de Irlanda fue el escenario de un grupo de obras de teatro surgidas de un período temprano notablemente prolífico a mediados de los años 90 que colocó a Martin McDonagh en el mapa. Pero The Banshees of Inisherin permaneció durante décadas en estado cautivo, sin producir ni publicar. El dramaturgo la consideró una obra inmadura, flotando la posibilidad de volver a ella más adelante en la vida. Conservando el título pero hilándola en algo completamente nuevo para desarrollar su sugerencia de balada popular, el cuarto largometraje del escritor y director, magníficamente interpretado, y también uno de los mejores.

Una comedia negra que evoluciona de manera constante hacia un relato inesperadamente conmovedor de una amistad cortada con fuerza violenta cuando la distancia no tiene el efecto deseado, aunque nunca borrada, la película podría leerse como un análisis a la herencia cultural de la ascendencia irlandesa de su autor. Sin embargo, se debe igualmente visualizar como la composición de un dúo melancólico, una separación que resuena entre la pequeña población de una isla ficticia, revelándola como un lugar embrujado de silencio, soledad y locura, pero también de bondad y resiliencia humana.

La película vuelve a reunir a Colin Farrell y Brendan Gleeson, cuya diferencia de edad, físico y tipo de personaje crea una pareja muy particular que saca lo mejor de ambos actores, como lo hizo en el primer largometraje de McDonagh en 2008, "In Bruges". Dirigen una pieza de conjunto reflexivo que equilibra de manera experta lo tragicómico con lo macabro, habitando un territorio adyacente al trabajo escénico de McDonagh pero también radicalmente cinematográfico. Este último factor le debe mucho a la conmovedora cinematografía de Ben Davis que aporta una cualidad mítica a los paisajes, y a la partitura de Carter Burwell que cambia el estado de ánimo con el que uno debe seguir esta trama.

El don de McDonagh para los diálogos picantes y el carácter se muestra en la rápida puesta en escena, cuando Pádraic (Farrell) aparece en la solitaria cabaña de pescadores de su amigo de toda la vida, Colm (Gleeson) para su cita habitual en el pub a las 2pm y está perplejo por su fría recepción. El anciano está adentro fumando en un silencio melancólico, claramente visible a través de la ventana pero sin ofrecer ninguna explicación por su negativa a reconocer la presencia de Pádraic.

El desconcertante rechazo pesa mucho sobre Pádraic en el bar, donde las preguntas sobre la ausencia de su amigo del tabernero, Jonjo (Pat Shortt), echan sal en la herida. "¿Por qué no me abrió la puerta?" Pádraic le pregunta a su hermana Siobhán (Kerry Condon) en la casa que comparten con su amada burra, Jenny.

De regreso en el pub, Colm le dice a Pádraic que se siente en otro lugar, pero confirma que el joven no ha dicho ni hecho nada que lo moleste: "Simplemente ya no me caes bien". El semblante pesado de Gleeson transmite el precio para Colm incluso de justificar mínimamente sus acciones, pero después de mucha insistencia de Pádraic en los días siguientes, admite que lo encuentra aburrido. “Pero siempre has sido aburrido”, protesta Siobhán.

A medida que la confusión herida de Pádraic crece junto con la brusca intransigencia de Colm, surge que el anciano puede sentir que su vida se le escapa y solo desea un poco de paz en su corazón. Quiere pasar los días que le quedan pensando y componiendo música con su violín. Este último interés lo lleva a entablar nuevas amistades con estudiantes de música locales, lo que agrava el abrupto aislamiento de Pádraic.

Si bien el escenario es 1923 y este conflicto íntimo se desarrolla con el telón de fondo de los cañones y los disparos que se escuchan desde la Guerra Civil que azota el continente, McDonagh saca a relucir el humor en el cisma de los antiguos amigos. Este es especialmente el caso en la interpretación desgarradoramente divertida y melancólica de Farrell, ya que este hombre de carácter dulce e intelectualmente indiferente se ve obligado, por lo que parece ser la primera vez, a pensar en sus limitaciones, diciéndose a sí mismo que es "agradable, no aburrido". Pádraic se convence de que Colm está deprimido y necesita su ayuda. Sus torpes intervenciones hacen que Colm recurra a medidas drásticas de automutilación para persuadir a Pádraic de que habla en serio.

La noción de un granjero irlandés de la década de 1920 discutiendo la depresión parece tan improbable. Pero McDonagh imbuye la historia con una dimensión atemporal en consonancia con las caras rocosas de los acantilados, el mar helado y los cielos nublados de su entorno atmosférico, incluyendo otros temas como la soltería en las mujeres, los deficits de atención y las posibilidad de migración para un mejor futuro laboral. 

Si bien las criaturas folclóricas fantasmales no están representadas literalmente, la macabra bruja vestida de negro, la Sra. McCormick (Sheila Flitton), parece prosperar en la fatalidad. “Vendrá una muerte, tal vez incluso dos muertes”, entona con lo que suena como un placer malicioso para ella.

Siobhán, una lectora voraz y el único personaje con la idea de alejarse de Inisherin, llama a la gente de allí "amargada" y "loca", describiendo el lugar como "nada más que desolación y el lento paso del tiempo". Ama a su hermano e incluso le tiene cariño a Colm. Pero en la actuación aguda e inteligente de Condon, su paciencia se ha desgastado hasta los huesos. “Un hombre silencioso más en Inisherin”, llama a Colm. "Todos ustedes son jodidamente aburridos con sus insignificantes quejas".

El efecto dominó de la pelea de Pádraic y Colm toca a todos de diferentes maneras: la comerciante chismosa (Bríd Ní Neachtain) que exige noticias como si fuera la única moneda que acepta; el sacerdote (David Pearse) que viene a la isla cada semana para decir misa, confesar y golpear cuando se le desafía; el policía mezquino (Gary Lydon) que regularmente ahoga sus frustraciones en alcohol y descarga su ira contra su hijo Dominic (Barry Keoghan) con abusos de varios tipos. Incluso el lugar de reunión pacífica del pub es violado por la tensión.

Si bien no es la chispa más brillante y tiene un despreocupado desprecio por los filtros sociales estandarizados, Dominic es más perceptivo de lo que nadie cree. Tiene una franqueza conmovedora a su alrededor, particularmente cuando hace propuestas nerviosas y modestas de cortejo hacia Siobhán, una de las pocas veces que ella abandona su frágil indiferencia. Keoghan toma este pequeño papel e invierte cada línea con tanto patetismo delicado como excentricidad humorística. Es una actuación maravillosamente extraña, no menos esencial para las capas emocionales de la película que las de Farrell y Gleeson. Son especialmente tiernas las escenas periódicas en las que Pádraic utiliza a Dominic como caja de resonancia de su dolor. Farrell logra un delicado equilibrio entre la exasperación con el hijo del policía y la dolorosa necesidad de llenar el vacío de amistad creado por la retirada de Colm de su vida.

En general, los actores no podrían ser mejores. Varios de ellos son veteranos de las obras de McDonagh, incluidos Condon, Shortt, Lydon, Flitton y Aaron Monaghan, quien fue un protagonista devastador en The Cripple of Inishmaan y aquí tiene una escena hilarante como el amigo músico de Colm, quitado del camino con crueles despachos por Pádraic cuando se vuelve inusualmente despiadado. La comprensión del elenco de los ritmos peculiares y la musicalidad innata del lenguaje de McDonagh se suma a la teatralidad, pero el material nunca es estático o escénico.

El sentido del lugar envuelve al espectador en cada cuadro. Davis capta las escenas exteriores (rodadas en Inishmore, en las Islas Aran) con una luz natural sombría, con velas y lámparas de gas para los interiores, como corresponde a una zona donde la electricidad no habría llegado hasta los años setenta. Y el diseño de producción de Mark Tildesley es rico en detalles, desde la casa de campo rústica de la familia de Pádraic y Siobhán hasta el pub desgastado por el tiempo y la casa de campo de Colm, cuyas paredes y techo están cubiertos con instrumentos musicales, máscaras, títeres y otros hallazgos artísticos que hablan de sus intereses culturales que trascienden este lugar remoto.

A lo largo de la película, McDonagh coquetea a sabiendas con lo absurdo y lo grotesco, puntuando la historia con sus habituales sacudidas de violencia creativa y suspenso sigiloso. Pero a pesar de todo su ingenio, su conversación animada y su ligereza engañosa, podría decirse que este es el trabajo más conmovedor del escritor y director. Los arcos devastadores de las actuaciones de Farrell y Gleeson (dos hombres que una vez se unieron en una compañía fácil, ambos finalmente se ensimismaron con ceñuda implacabilidad) siembran una desesperación que, al final, les brinda un tipo perverso de consuelo mutuo.

La aceptación de la tristeza como parte de la vida parece algo que viene solo con la edad, lo que sugiere que McDonagh tenía razón al sentarse en este título todos esos años, hasta que pudo sacar a la luz unos personajes y una historia para hacerle justicia.

Crítica Cinéfila: The Batman

En el segundo año de su lucha contra el crimen, Batman investiga la corrupción que recorre Gotham City y cómo conduce hasta su propia familia, mientras se enfrenta a un asesino conocido como Enigma.

¿Qué tan sombría puede llegar a ser una película de Batman? En la década de 1960, las aventuras del hombre murciélago eran muy caricaturescas sobre todo por los calzoncillos sobre las mallas. Pero luego Tim Burton demostró que podían ser góticos y malhumorados; Christopher Nolan demostró que podían ser políticos y contemporáneos; y Zack Snyder hizo todo lo posible para lograr una versión apocalíptica. 

The Batman, dirigida y coescrita por Matt Reeves, es la más sombría de todas. Después de todo, tiene el "el" adicional en el título y, como te dirán los creadores de The Wolverine y Joker, si quieres demostrar que tu película de superhéroes es seria, agregar o restar un "el" es el camino idóneo. Esta es una película en la que el humor está estrictamente prohibido. Hay tan poco color que bien podría ser en blanco y negro. Y en lugar del jingle "Batman" de Neal Hefti, la música consiste en Something in The Way de Nirvana, Ave Maria de Schubert y un riff fúnebre de cuatro notas, del compositor Michael Giacchino, que recuerda tanto a Tiburón como a Darth Vader. Definitivamente pudo haber sido la mejor y más atmosférica interpretación cinematográfica de Gotham City hasta el momento, pero no lo fue y por tanto, no es la más original.

No esperes ninguna ligereza de Batman tampoco. Haciendo otra de sus elecciones de actuación admirablemente audaces, Robert Pattinson parece estar aún más incómodo, exhausto y con náuseas que en Crepúsculo, con los ojos medio cerrados y la voz como un murmullo, como si se estuviera recuperando lentamente de un fin de semana de intoxicación. Cuando Batman está husmeando en los bajos fondos de Gotham con el teniente Jim Gordon (Jeffrey Wright), parece que preferiría estar en casa. Y cuando está en casa como Bruce Wayne, es un recluso hosco y pálido que ni siquiera tiene una palabra amable para Alfred (Andy Serkis), su mayordomo cojo y lleno de cicatrices. En su voz en off de apertura, Wayne dice que "el miedo es una herramienta", pero no hay nada más aterrador en un luchador contra el crimen que siempre parece preferir estar debajo del edredón con una taza de chocolate.

Aún así, tal vez eso es lo que le hace la vida en Gotham City a cualquier persona que habite allí. Aparte de algunos distritos dudosos aquí y allá, Gotham era una metrópolis próspera en las películas de Batman de Nolan, pero aquí es una jungla urbana sucia y desesperada, plagada de vicio y corrupción desde sus sórdidos funcionarios hasta sus matones callejeros. Siempre llueve, el cielo siempre está gris e incluso en el interior las lámparas son demasiado débiles para disipar las sombras. 

Insisto... pudo haber sido la mejor ciudad de Gotham antes vista; ciertamente puedes ver por qué el lugar necesita los servicios de Batman, pero no es recordable. La inspiración obvia es Se7en de David Fincher, otra película ambientada en una realidad alternativa donde no hay bombillas de 100 watts. La voz en off de Batman parece estar inspirada en el diario de Rorschach de los cómics de Watchmen, y hay similitudes inevitables con las películas anteriores, pero The Batman toma tanto prestado de Se7en que apenas califica como una película de superhéroes. Es más un misterio de asesino en serie sombrío y discreto en el que uno de los detectives está disfrazado sin ninguna razón en particular porque tampoco actúa como superhéroe lo suficiente para justificarse.

El Acertijo (Paul Dano) no es un tonto extravagante con un bombín y un leotardo verde brillante, es un sádico con gafas y traje impermeable sacado aparentemente de la franquicia Saw. El Pingüino (Colin Farrell, irreconocible bajo su maquillaje protésico) aún tiene que adoptar su característico monóculo, sombrero de copa y paraguas, por lo que es más un aspirante a Al Capone que un supervillano cacareante como alguna vez lo logró el clásico Danny DeVito. Y Catwoman (Zoë Kravitz), una camarera ruda y astuta con una actividad adicional en robos, no se parece en nada a las seductoras teatrales ronroneantes interpretadas por Michelle Pfeiffer, Anne Hathaway o Halle Berry. En cuanto a la trama, no estoy segura de haberla seguido en su totalidad, pero tiene algo que ver con la vendetta de Riddler contra los grandes y "buenos" de Gotham, y algo que ver con una picadura de drogas que sucedió años antes e involucró a un jefe de la mafia llamado Carmine Falcone (John Turturro). Esta es en gran medida una historia de Batman de bajo riesgo, sin un peligro significativo para Gotham City, y mucho menos para el resto del mundo. La única amenaza fue una posible inundación que aparentemente ocurrió.

La mayor parte de la acción es lenta, los giros no son exactamente impactantes, y Riddler no es tan aterrador o tan ingenioso como lo fue el Joker de Heath Ledger. Pero, a su manera, The Batman sigue siendo impresionante. Por sombrías que fueran las películas de Burton, Nolan y Snyder, Reeves y su equipo han creado su propia variedad distintiva y elegante de severidad, y se comprometen a hacerlo durante tres horas enteras, a pesar de que una hora está de más y no hay suficiente sangre para justificar la oscuridad y tono de la historia. 

Además, el enfoque decididamente severo de Reeves es extrañamente relajante. En un momento en que el éxito de taquilla estándar de superhéroes presenta alienígenas omnipotentes que amenazan la Tierra, el Universo e incluso el multiverso con la destrucción, es un alivio sumergirse en una fantasía noirish que es más cercana en escala y tono a un episodio de un policía de televisión prestigioso. Esta es en gran medida una historia de Batman de bajo riesgo, sin un peligro significativo para Gotham City, y mucho menos para el resto del mundo. Todo lo que nuestro héroe tiene que hacer es resolver algunos acertijos simples y golpear a algunos asaltantes de clubes nocturnos, y así, a pesar de la atmósfera siniestra, nunca tendrás que preocuparte de que pueda fallar. Puedes simplemente relajarte y dejar que siga adelante. Pero es muy difícil hacerlo sin quejarse en el camino. La química entre Zoë y Robert en escena es extremadamente incómoda, hay escenas innecesarias y la exposición no permite a la audiencia predecir nada en el supuesto misterio.

La película tiene algunos destellos de diversión en la oscuridad. La puntiaguda Gatúbela de Kravitz y el bullicioso Pingüino de Farrell son lo suficientemente caricaturizados como para contrarrestar la melancolía de Batman; es una pena que no tengan más que hacer. Hay algunos guiños inteligentes a la historia del personaje, y el diálogo tiene algunas líneas concisas sobre el privilegio de clase y las diferencias entre un justiciero y un héroe. La historia también termina con una nota conmovedoramente optimista, lo cual es inusual para una película de Batman. Quién sabe, tal vez el próximo no sea tan sombrío. Pattinson podría incluso esbozar una sonrisa. Pero yo no apostaría por ello ni por una secuela.

Crítica Cinéfila: The Gentlemen

Un capo de la droga con un marcado estilo británico intenta vender su imperio a una dinastía de multimillonarios procedentes de Oklahoma. 

Se abren las puertas de una cantina en alguna ciudad británica, y entra Matthew McConaughey tan guapo como siempre. Pide una bebida y unos huevos ingleses, enciende su cigarro y hace una llamada. Alguien se queja en el teléfono, y a la vez, alguien se para detrás de él sosteniendo un arma... a partir de ahí lo que sigue es uno de las historias de acción-comedia más entretenidas que he visto en mucho tiempo. Guy Ritchie revisita sus raíces de comedia de gángsters con Hugh Grant, Matthew McConaughey, Charlie Hunnam y Colin Farrell entre los atrapados en la complicada venta de un imperio de drogas. 

La nueva película del director y escritor lo devuelve al estilizado entorno de gángsters de Londres, donde se hizo famoso hace dos décadas con Lock, Stock y Two Smoking Barrels, solo que esta vez trae la elegancia y la arrogancia que acumuló durante su exitosa carrera en Hollywood, incluyendo el éxito de mil millones de dólares de este año, Aladdin. Con un elenco estelar encabezado por Matthew McConaughey, Hugh Grant, Charlie Hunnam, Michelle Dockery y Colin Farrell, el regreso a casa de Ritchie es un asunto bastante familiar, pero también refrescantemente divertido y hábilmente tramado, con líneas más ingeniosas y un machismo menos grosero que sus primeros trabajos. La violencia todavía juega un papel clave, pero ocurre principalmente fuera de pantalla, y el recuento de cuerpos es sorprendentemente bajo... bueno, si lo comparas con sus películas anteriores, por supuesto.

Concebido por primera vez hace una década,  The Gentlemen le permite a Ritchie volver a visitar esa espeluznante versión de fantasía de Gran Bretaña que ha sido durante mucho tiempo su zona de confort, donde las clases altas inglesas intercambian vicios y villanías con delincuentes de baja vida. Si bien los espectadores pueden tener dificultades para discernir mucha profundidad dramática o madurez emocional en esta caricatura de Looney Tunes de acción en vivo, sin duda es un placer culpable para la temporada festiva, a pesar de la torcedura ocasional y la broma fuera de color. 

El corazón cómico y palpitante de The Gentlemen es Grant, quien encarna a Fletcher, un investigador privado de mala calidad que se gana la vida desenterrando a los ricos y desvergonzados por sus corruptas historias. Ser parte del elenco es un chiste particularmente agudo, ya que Grant ha pasado gran parte de la última década como un activista de alto perfil en contra de la persecución de chismes y la piratería de teléfonos en el Reino Unido. Sopesa cada línea irónica con gusto, y Ritchie hace fuerte uso de sus talentos cómicos inexpresivos.

Ritchie enmarca la trama de la película que salta el tiempo y se pavimenta locamente dentro de un extenso duólogo entre Fletcher y Raymond (Hunnam), el asistente de Mickey Pearson (McConaughey), un expatriado estadounidense suavemente despiadado que descubrió su verdadera vocación como traficante de drogas mientras estudiaba en Oxford. Durante los siguientes 20 años, Pearson construyó un imperio de marihuana en todo el país al cerrar lucrativos acuerdos privados con aristócratas británicos empobrecidos, reponiendo sus fortunas familiares a cambio de esconder sus vastas plantaciones de cannabis en sus fincas.

Ahora, un hombre de negocios adinerado, de mediana edad y bien conectado, casado con la reina de la remodelación de vehículos, Rosalind (Dockery), Pearson anhela una vida tranquila y planea vender su vasto imperio de drogas por una considerable tarifa de jubilación. Pero el acuerdo está amenazado por el juego de poder cambiante entre el posible comprador Berger (Jeremy Strong) y su brutalmente ambicioso rival chino Dry Eye (Henry Golding), sin mencionar un colorido grupo de boxeadores/raperos/bailarines con una pasión extraña por el rock adicto y los asesinatos oligarcas. Con amigos y enemigos en lugares altos, Pearson también es un objetivo jugoso para el vengativo editor de tabloides Big Dave (Eddie Marsan). 

Al principio de su carrera, Ritchie fue comparado a un británico Tarantino de un nivel más bajo. Los paralelos eran discutibles entonces, pero tienen mucho más sentido aquí. En común con la mayoría de las películas de Tarantino, The Gentlemen está sonorizada por una mezcla de clásicos del pop antiguos y nuevos, mientras que el guión está repleto de un diálogo detallado, discursivo y muy educado. Una secuencia con un mafioso encerrado en el baúl de un automóvil se siente como un homenaje directo a Tarantino. El guión también está cargado de chistes de películas autorreferenciales, incluidas alusiones a The Conversation de Francis Ford Coppola y al clásico de gangster londinense de John Mackenzie en 1980, The Long Good Friday.

Una comedia de personajes confiables y alegres cada vez que Grant está en pantalla, The Gentlemen se queda un poco efervescente en su última mitad cargada de  acción. El papel de apoyo de Farrell como un entrenador de boxeo de buen corazón y dos puños se adentra demasiado en los dibujos animados, al igual que Henry Golding en un personaje completamente distinto al que habíamos visto anteriormente en él. Sin embargo, los sobresalientes son Hunnam y McConaughey, quienes se pavonean como dos reyes del gallinero, demostrando por qué siempre están por encima de los planes de los demás. Y no se puede dejar de mencionar a Dockery, que toma control de cada escena en la que ella está, incluyendo en aquellas donde el machismo trataba de elevarse.

The Gentlemen es demasiado alegremente superficial como para merecer una crítica muy seria. En general, cumple su función principal como una travesura entretenida sin esfuerzo, con Ritchie y Grant haciendo su trabajo más divertido en años, pero con una historia muy bien construida en cuanto a sus niveles de tensión, misterio y comedia.

Crítica Cinéfila: Dumbo

Holt Farrier (Colin Farrel) cuenta con la ayuda de sus hijos Milly (Nico Parker) y Joe (Finley Hobbins) para cuidar a un elefante recién nacido cuyas orejas gigantes le hacer ser el hazmerreír en un Circo que no pasa por su mejor momento. Max Medici (Danny DeVito) dueño del circo, se decepciona al saber sobre las enormes orejas del pequeño paquidermo hasta que descubre que es capaz de volar, llevando al circo de regreso a la prosperidad. 

La imagen clave de " Dumbo " de Walt Disney en 1941 es algo que se asemeja a un sueño de cuento de hadas: Dumbo, el bebé elefante con ojos saltones de largas pestañas, una sonrisa cariñosa y orejas tan largas y flojas como alas, batiendo esas orejas para volar alrededor de una gran parte superior del circo, volando sobre la multitud con una libertad tan conmovedora como inexplicable. . Es una de las imágenes más puras de las películas. "Dumbo" fue la cuarta película animada de Disney (después de "Blancanieves y los siete enanitos", "Pinocho" y "Fantasía"). 

Una de los aspectos más notables es que Dumbo, después de haber sido separado cruelmente de su madre (un giro primordial que anticipa a "Bambi"), no descubre su capacidad de volar hasta los últimos seis minutos de la película. Cuando lo hace se convierte en una criatura tan encantada en su anhelo y se escapa. En "Dumbo", la magia de la capacidad de Dumbo para volar llega a la audiencia como una ocurrencia celestial, una que nos lanza a lo sublime y nos deja allí.

Las secuencias de vuelo en "Dumbo" de Tim Burton, una nueva versión del clásico de Disney, tienen un toque de la misma calidad de maravilla. Dumbo, ahora creado con efectos animatrónicos y digitales, sigue siendo una criatura linda y solitaria con orejas de disquete increíblemente grandes que nos habla con sus suplicantes ojos para pararse en lo alto de una imponente plataforma circense; su miedo y humillación son palpables. Luego, después de ingerir una pluma en su trompa (el ritual supersticioso que le da la fe para volar), se lanza hacia abajo y toma alas, y por unos momentos siente que su corazón se eleva junto con el suyo.

Pero en el nuevo "Dumbo", los divertidos y felices vuelos de nuestro héroe no son la culminación emocional de la película; empiezan temprano y ocurren periódicamente, con un efecto gradualmente menor. Dumbo, cuyo nombre real es Baby Jumbo, nace en un circo Barnstorming administrado por Max Medici, un ladrón cariñoso que fue comprado por Vandevere. El año es 1919, y su "circo" es realmente el primer parque temático del mundo, un lugar llamado Dreamland que está tan lleno de atracciones, exhibiciones y chicanery como una pequeña ciudad. Él no es un showman; es un explotador que mira a Dumbo y ve una mina de oro, y no entrega el regalo del elefante en toda su gloria agrietada, sino que exprime la maravilla a través de su empaque.

Y eso es lo que este remake demasiado ansioso y cómico pero en última instancia bastante triste, le hace a "Dumbo". Transforma una historia suave y milagrosa en una historia de rutina, pesándola con un montón de tuercas y tornillos que no necesita. El personaje de Dumbo sigue tocando, pero el relato de atrapamiento y rescate que lo rodea no lo es. Es arduo y olvidable, y aparte de ese elefante FX, la película no tiene un solo personaje que nos enganche emocionalmente.

"Dumbo" tiene el aspecto y la atmósfera de un éxito de taquilla "sincero" que se está esforzando demasiado. Lo que está tratando de hacer, por supuesto, es justificar su existencia como otra versión en vivo de una legendaria historieta de Disney. ¿Hay alguna razón para hacer un Dumbo de acción en vivo? Como narración, no, pero la razón detrás de todas estas películas se reduce a una novedad adictiva: ¿Cómo se verá un "Dumbo" de acción en vivo? Hay una gran curiosidad en esa pregunta, y también un factor de nostalgia, combinado con el hecho de que incluso las personas que nunca han visto la película original (en este caso, puede ser un segmento considerable de la audiencia) pueden sentir que conocen al personaje. En sus huesos, porque es parte de nuestra imaginación pop colectiva. Así que una película como "Dumbo" tiene esa receta antigua, pero modificada, de cantidad conocida, pero nueva, en la que gran parte de la economía de Hollywood se basa ahora.

Cuando observas lo que separa una buena película de Tim Burton de una que se suma en su portafolio más de lo que lo hace en la pantalla, hay un criterio elemental: una película de Burton que se gelifica casi siempre en torno a una personalidad lo suficientemente salvaje y lanuda como para ser irresistible. Es por eso que "Ed Wood" fue una obra maestra agrietada, por qué "Beetlejuice" y "Edward Scissorhands" siguen siendo delicias oscuras, por qué "Batman", impulsado por la bravura de palmas de Jack Nicholson, te dejó sorprendido mientras "Batman Returns", con su galería conceptual de pícaros, no, y por qué "Charlie y la fábrica de chocolate" era un remake delirante y "El planeta de los simios" era un fracaso.

 

En "Dumbo", Burton parece estar atrapado entre el entusiasmo de Colin Farrell como Holt Farrier, un jinete de caballos que regresa al Circo Medici Bros. de la Primera Guerra Mundial sin su brazo izquierdo y con un par de niños para cuidar después que su esposa murió de influenza durante la guerra, y la amplitud apenas simpática de Danny DeVito como Medici, un showman desaliñado que oscila entre dos modos: a todo volumen.

El desempeño de Keaton como el malvado Vandevere es decepcionantemente delgado: es un tipo malo sin capas. Y Eva Green como Colette, su amante del artista trapecio parisino, tiene toques de dinamismo y un aura simpática, pero eso es todo. Sorprendentemente, los artistas del circo de los Medici casi no tienen personalidad, simplemente los comparan con los de "The Greatest Showman", un concurso de tres anillos de una película que desborda el sentimiento de inadaptación de los heridos. Se podría decir que el problema reside en el guión de Ehren Kruger, pero el problema mayor es que Tim Burton está usando estos personajes para completar su historia. No hay sensación de obsesión en "Dumbo". Burton debería haberse sumergido mucho más profundamente en el masoquismo expresionista del mundo del circo que estaba allí en el Dumbo original. Pero eso fue en Disney cuando la compañía estaba abriendo caminos en el arte popular. Ahora está ardiendo las sinergias corporativas.

Burton usa la canción de cuna melancólica "Baby Mine" de la película original, y rinde homenaje a la secuencia más descolgada de "Dumbo": el "Pink Elephants On Parade", número musical surrealista, una especie de viaje de película en miniatura que puede verse reflejado en todo. Burton lo menciona realizando una fanfarria con gigantescas burbujas de jabón que se convierten en elefantes, un efecto agradable, pero la secuencia no se desarrolla ni lleva a ninguna parte. Es sólo un relleno de ojos dulces. Y mientras Dumbo sigue siendo un personaje conmovedor, quería que la reunión en la que está trabajando la película sea desgarradora. "Dumbo" no es una locura; no te deja sentir engañado, pero tampoco es emocionante. Ocupa un terreno intermedio cuidadosamente adaptado y poco imaginado donde incluso un elefante que vuela puede parecer, para el final, una figura de extravagante precaución.

Widows

Cuatro mujeres con nada en común excepto una deuda heredada por las actividades criminales de sus difuntos maridos, deciden tomar las riendas de su destino y conspiran para forjarse un futuro con sus propias reglas. 

Steve McQueen regresa con una historia que él comenta hacía mucho tiempo tenía en planes de producción y finalmente lo ve realizado, con un elenco que llama la atención de cualquier buen seguidor del cine, sea o no amante de los thrillers.

En Widows, seguimos a tres mujeres que acaban de perder a sus esposos mientras ellos eran parte de robos planificados. Al poco tiempo, una de ellas recibe el memorandum de que tiene que devolver 3 millones de dólares a los últimos que resultaron afectados por el robo. Después de enterarse de más datos de la vida de su fallecido esposo, decide reclutar a las demás viudas y agregar una mujer que igual necesita el trabajo y dinero, para robar 10 millones de dólares de la casa del actual Concejal de la ciudad. Mientras tanto, dos candidatos compiten para ser concejales del distrito, enseñando el contraste entre el poder y la verdadera cercanía con el pueblo.

La genialidad de esta película es el contraste de los personajes, los cuales tienen las mismas necesidades, pero desde situaciones distintas y con personalidades completamente diferentes. Este es el aspecto fundamental que hace que su plan en conjunto funcione, porque cada una se complementa de una manera increíble. El hecho de tener estas cuatro mujeres encarnadas por Viola Davis, Michelle Rodríguez, Elizabeth Debicki y Cynthia Erivo es un punto a favor de la historia, pues son cuatro mujeres que se han destacado bastante desde los inicios de su carrera. 

Viola Davis siempre ha sido increíble con papeles igual de "fuertes"; mientras tanto Michelle Rodríguez hace un cambio drástico de su tipo de personaje y se convierte en una ama de casa que no sabe mucho de peleas (ay, si Letty la viera); Elizabeth Debicki encarna el personaje con el arco más reconocible, representando ese tipo de mujer que debe seguir sobreviviendo sin importar el tipo de trabajo que eso requiera; por otro lado, Cynthia Erivo suma un crédito más a su lista de películas, una actriz que se ha destacado más por sus presentaciones en musicales y obras de teatro.

Del mismo modo, los actores masculinos, liderados por Colin Farrell, André Holland, Daniel Kaluuya, Brian Tyree Henry y Liam Neeson, representan el lado antagonista de esta película y la subtrama sobre los conflictos políticos. Al igual, son la representación de los twists de la historia, desde personalidades que no habíamos visto antes hasta las revelaciones más inesperadas de que ciertas personas no están muertas. 

El buen trabajo de personajes se debe a un guion que sabe utilizar todos sus elementos en conjunto y crear una excelente obra para la audiencia. Se debe reconocer que ambos guionistas se preocuparon por darle a la audiencia suficiente información como para entender por qué sucede lo que sucede en esta historia.

Por otro lado, la ambientación de la trama es lo que mantiene el tono de la película de manera general. El uso de cada uno de los escenarios, complementados con una cinematografía muy parecida a clásicos del thriller, le recuerdan a la audiencia cómo deben sentirse mientras sigan esta historia. No sólo se trata de apoyar a las protagonistas, sino también de simpatizar con sus situaciones y decisiones, y esto está muy bien establecido con el uso de pequeños detalles dentro de la trama. Todo el diseño de producción y la fotografía es bien apoyado por una musicalización que igual hace honor al thriller.

Widows es el equivalente ideal de poder femenino, donde la diferencia de género no es un impedimento y muy por el contrario saben utilizarlo en contra de los hombres estereotipados. Es una historia sobre abuso de poder y pobreza vs. riqueza, y termina siendo una buena moraleja de que, para resolver un problema sobre hombres no tienes que ser uno.

El Sacrificio de un Ciervo Sagrado (The Killing of a Sacred Deer)

Steven es un eminente cirujano casado con Anna, una respetada oftalmóloga. Viven felices junto a sus dos hijos, Kim y Bob. Cuando Steven entabla amistad con Martin, un chico de dieciséis años huérfano de padre, a quien decide proteger, los acontecimientos dan un giro siniestro. Steven tendrá que escoger entre cometer un impactante sacrificio o arriesgarse a perderlo todo. (FILMAFFINITY)

El ser humano ha sido estudiado y expuesto en miles de formas desde los inicios del cine. Ha sido el principal causante de tantas historias que provocan múltiples sentimientos y reacciones en los espectadores. Pero también es un personaje inspirado de otras artes previas a la cinematografía. Esto podría ser parte de lo que motivó al director Yorgos Lanthimos (Attenberg, Alps, The Lobster) a escribir y dirigir la película The Killing of a Sacred Deer.

Steven ama a su esposa Anna, a pesar de la extraña intimidad que mantiene con ella. El ama a sus hijos, a pesar de que prefiere a uno sobre otro de manera obvia. El trabaja arduamente como cirujano, a pesar de que su escasa demostración de emociones garantizarían lo contrario. Es una persona que ha vivido una vida con idelogías muy particulares, pero a la vez dispuesto a tomar las decisiones más apropiadas por el bienestar de los suyos.

A pesar de lucir como una persona profesionalmente antisocial, mantiene una estrecha amistad con Martin, el hijo de un paciente que falleció mientras era atendido por Steven. Al principio, la amistad parecerá auténtica, parecida a la relación de padre e hijo, pero esta irá pasando a obsesión y se irá desatando la macabra venganza que Martin ha planeado contra Steven, que lo obligará a tener que decidir a quién debe matar de su familia para salvar al resto. 

La visión de Lanthimos ha sido bien específica desde sus primeras producciones, demostrando que su estilo va más allá del simple hecho de narrar una historia, sino de crear un análisis metafórico sobre el pensamiento humano y cómo reacciona cuando se sale de su zona de comfort. En esta película, las decisiones de los personajes van de mano con la profecía del antagonista, en donde la mayor cuestión es tratar de entender cómo funciona su amenaza y cómo es posible de que vaya ocurriendo tal cual cómo lo anunció. No obstante, al final de la película, la audiencia debe entender que esto no es más que un simple reflejo de las morbocidades del comportamiento humano de una manera metafórica y brutal.

La principal debilidad del guión es la velocidad con la que se narran los sucesos, que aunque el elenco lo supo mantener y manejar de una manera impecable, no deja de ser excesivamente lenta y larga para la trama que representa. No obstante, siempre mantuvo el tono y el sadismo de sus personajes. Lo único verdaderamente sutil es la misteriosa relación entre Kim y Martin, y el amor exhorbitante de Steven y Anna.

Por otro lado, la fotografía y la musicalización es una eterna obra de arte que refleja de manera muy auténtica las distintas intenciones y los sentimientos de cada una de las acciones de los protagonistas, con largos planos secuenciales y movimientos de cámara suaves. Los planos generales son un retrato perfecto de la crudeza de la historia y la indiferencia de los personajes.

Advertencia para el público: Esta película no es para todo el mundo. La deben ver con mente abierta y dejarse sumergir en su analogía.

Roman J. Israel, Esq.

Roman Israel (Denzel Washington) es un idealista abogado defensor que, debido a una serie de acontecimientos, se encuentra en una crisis que le conduce a una decisión extrema. (FILMAFFINITY)

Denzel Washington vuelve a recordarnos por qué es considerado uno de los mejores actores de su generación y actualmente, con un personaje que no solo es interesante, sino que crea los sentimientos de fiabilidad y empatía.

Roman J. Israel es un abogado que siempre ha trabajado tras el escritorio con los casos de una pequeña firma de abogados, mientras sus colegas se llevan todo el mérito de su trabajo. Renunció a todo: tener una familia, avanzar más como abogado, lograr una mejor estabilidad económica; todo esto, solo para salvar los casos de personas inocentes, débiles y discriminadas. Pero cuando su jefe sufre de un ataque cardíaco, la firma toma la decisión de dividirse y Roman queda sin trabajo. Después de semanas en busca de un trabajo, un socio de la firma de su ex-jefe decide otorgarle una posición en su poderosa empresa. 

No obstante, y después de un intento fallido de salvar a una persona inocente de ser sentenciada por un crímen que no cometió, Roman decide revelar de manera anónima quién es el verdadero culpable y recibir una poderosa recompensa con la cual podrá otorgarse la vida que nunca había podido tener, solo para que la culpabilidad lo atacara constantemente después de que resulte ser el abogado de a quién delató.

Denzel Washington encarna a este personaje y permite retratar los grandes esfuerzos, complejos, debilidades y necesidades que enfrenta constantemente frente a una sociedad que no entiende ni respeta su manera de ver la vida. Su actuación resulta ser cautivadora frente a las situaciones que debe enfrentar Roman para seguir adelante y las decisiones que toma frente a lo que ocurre a su alrededor.

Lo que resulta decepcionante es la historia que narran frente a Roman, que resulta estar muy por debajo de lo que este logra causar. El personaje resulta ser mucho más interesante que la trama. Le faltó velocidad, mantener un tono, causar la suficiente tensión y generar fascinación por lo que sucedía a lo largo de la historia. Lo que podría considerarse mejor trabajado frente a la trama a nivel general es el twist final otorgado, que permite demostrar que se logró cada objetivo que Roman se propuso a lo largo de la película.

Por otro lado, la película retrata distintos escenarios de Los Angeles, enfocando su fotografía y musicalización en encontrar un lado divertido y a la vez lleno de tensiones y acomplejidades de parte de las realidades que enfrenta el protagonista.

Roman J. Israel Esq. es mucho personaje para la precaria historia que cuenta y merece una mucho mejor que demuestre todo lo que tuvo que pasar para lograr la poca felicidad de su vida, tratando temas sobre la injusticia judicial, el poder que tienen los más ricos frente a los más intelectuales, el peligro que corren los abogados frente a los demás criminales y la constante tensión de que cualquer cosa podría ocurrirle, incluyendo la muerte.

The Beguiled

Año 1864. Durante la guerra civil norteamericana, la tranquilidad de una escuela femenina de Virginia donde sólo viven mujeres se ve alterada con la llegada de un apuesto soldado confederado herido... Remake de "El seductor", dirigida por Don Siegel y protagonizada por Clint Eastwood. (FILMAFFINITY)

Sofia Coppola regresa al puesto de directora con este remake de The Beguiled (1971) y unos cambios bastante notorios en el argumento de la historia.

Cerca de un internado para niñas en el Sur de Virginia, una estudiante encuentra al cabo yankee ,John McBurney (interpretado por Colin Farrell) malherido y decide llevarlo a la escuela para que se recupere allí. Al principio, ninguna de sus demás compañeras o sus maestras desean tenerlo dentro de la casa, pues representa un peligro para ellas. Pero su superior, la señorita Martha Farnsworth (interpretada por Nicole Kidman), decide curarle la herida y dejarlo preso dentro del salón de música, con la precaución de que este no vaya a hacerle algún daño.

Los momentos de tensión se fueron apaciguando entre cada uno de sus personajes y, por otro lado, crecía una tensión sentimental entre las estudiantes y el cabo, dejando al aire la gran interrogante de qué pretendía él con todas ellas, con quién se quedaría al final y cómo ellas tomarían su decisión. Los errores se pagaron con sangre y tomando la vida de uno de sus personajes, para poder darle paz al resto del grupo.

Coppola (Lost in translation, Marie Antoinette, The Bling Ring) se enfoca principalmente en los personajes de esta historia y logra que cada uno pueda ser distinguido de acuerdo a la personalidad que encarnan y los sentimientos que provocan. No hay manera de identificar cuál es más importante que el otro, pues todos son importantes para que la trama fluya y llegue a su final de manera ágil. 

A pesar de que no cuenta exactamente el punto fuerte de la película del 1971, esta versión se enfoca más en las debilidades y el pasado doloroso que cada uno de sus mujeres cuentan, y cómo la presencia de este hombre les afecta y provoca deseos que van en contra de lo que la sociedad (incluso la de estos tiempos) establece como lo adecuado para una "dama". Pero aquí no sabemos quién es el más débil en realidad: si este hombre en manos de todas las mujeres, o ellas que, a consecuencia de las tentaciones que el mundo les prohíbe, terminan desquitandose con él.

La fotografía de los filmes de Coppola son distintivos por su detallismo en los aspectos que complementan a los personajes; no obstante, aquí se basa más en mostrarnos este escenario de mediados de 1800, alejado pero a la vez bien cerca de la guerra, y cómo sus protagonistas tienen que tratar de ignorar este factor para seguir adelante con sus vidas.

La directora nos otorga una puesta en escena con sutileza, elegancia y belleza lírica, complementados por un elenco bien acertado y una fuerza visual que llama al espectador a dejarse llevar por la historia y a admitir que los tiempos no han cambiado: las mujeres seguimos siendo reprimidas del mundo en distintas circunstancias, cuando en realidad somos capaces de tomar al enemigo por donde más le duele y acabar con él, aunque esto nos afecte emocional o físicamente.