Crítica Cinéfila: Dumbo

Holt Farrier (Colin Farrel) cuenta con la ayuda de sus hijos Milly (Nico Parker) y Joe (Finley Hobbins) para cuidar a un elefante recién nacido cuyas orejas gigantes le hacer ser el hazmerreír en un Circo que no pasa por su mejor momento. Max Medici (Danny DeVito) dueño del circo, se decepciona al saber sobre las enormes orejas del pequeño paquidermo hasta que descubre que es capaz de volar, llevando al circo de regreso a la prosperidad. 

La imagen clave de " Dumbo " de Walt Disney en 1941 es algo que se asemeja a un sueño de cuento de hadas: Dumbo, el bebé elefante con ojos saltones de largas pestañas, una sonrisa cariñosa y orejas tan largas y flojas como alas, batiendo esas orejas para volar alrededor de una gran parte superior del circo, volando sobre la multitud con una libertad tan conmovedora como inexplicable. . Es una de las imágenes más puras de las películas. "Dumbo" fue la cuarta película animada de Disney (después de "Blancanieves y los siete enanitos", "Pinocho" y "Fantasía"). 

Una de los aspectos más notables es que Dumbo, después de haber sido separado cruelmente de su madre (un giro primordial que anticipa a "Bambi"), no descubre su capacidad de volar hasta los últimos seis minutos de la película. Cuando lo hace se convierte en una criatura tan encantada en su anhelo y se escapa. En "Dumbo", la magia de la capacidad de Dumbo para volar llega a la audiencia como una ocurrencia celestial, una que nos lanza a lo sublime y nos deja allí.

Las secuencias de vuelo en "Dumbo" de Tim Burton, una nueva versión del clásico de Disney, tienen un toque de la misma calidad de maravilla. Dumbo, ahora creado con efectos animatrónicos y digitales, sigue siendo una criatura linda y solitaria con orejas de disquete increíblemente grandes que nos habla con sus suplicantes ojos para pararse en lo alto de una imponente plataforma circense; su miedo y humillación son palpables. Luego, después de ingerir una pluma en su trompa (el ritual supersticioso que le da la fe para volar), se lanza hacia abajo y toma alas, y por unos momentos siente que su corazón se eleva junto con el suyo.

Pero en el nuevo "Dumbo", los divertidos y felices vuelos de nuestro héroe no son la culminación emocional de la película; empiezan temprano y ocurren periódicamente, con un efecto gradualmente menor. Dumbo, cuyo nombre real es Baby Jumbo, nace en un circo Barnstorming administrado por Max Medici, un ladrón cariñoso que fue comprado por Vandevere. El año es 1919, y su "circo" es realmente el primer parque temático del mundo, un lugar llamado Dreamland que está tan lleno de atracciones, exhibiciones y chicanery como una pequeña ciudad. Él no es un showman; es un explotador que mira a Dumbo y ve una mina de oro, y no entrega el regalo del elefante en toda su gloria agrietada, sino que exprime la maravilla a través de su empaque.

Y eso es lo que este remake demasiado ansioso y cómico pero en última instancia bastante triste, le hace a "Dumbo". Transforma una historia suave y milagrosa en una historia de rutina, pesándola con un montón de tuercas y tornillos que no necesita. El personaje de Dumbo sigue tocando, pero el relato de atrapamiento y rescate que lo rodea no lo es. Es arduo y olvidable, y aparte de ese elefante FX, la película no tiene un solo personaje que nos enganche emocionalmente.

"Dumbo" tiene el aspecto y la atmósfera de un éxito de taquilla "sincero" que se está esforzando demasiado. Lo que está tratando de hacer, por supuesto, es justificar su existencia como otra versión en vivo de una legendaria historieta de Disney. ¿Hay alguna razón para hacer un Dumbo de acción en vivo? Como narración, no, pero la razón detrás de todas estas películas se reduce a una novedad adictiva: ¿Cómo se verá un "Dumbo" de acción en vivo? Hay una gran curiosidad en esa pregunta, y también un factor de nostalgia, combinado con el hecho de que incluso las personas que nunca han visto la película original (en este caso, puede ser un segmento considerable de la audiencia) pueden sentir que conocen al personaje. En sus huesos, porque es parte de nuestra imaginación pop colectiva. Así que una película como "Dumbo" tiene esa receta antigua, pero modificada, de cantidad conocida, pero nueva, en la que gran parte de la economía de Hollywood se basa ahora.

Cuando observas lo que separa una buena película de Tim Burton de una que se suma en su portafolio más de lo que lo hace en la pantalla, hay un criterio elemental: una película de Burton que se gelifica casi siempre en torno a una personalidad lo suficientemente salvaje y lanuda como para ser irresistible. Es por eso que "Ed Wood" fue una obra maestra agrietada, por qué "Beetlejuice" y "Edward Scissorhands" siguen siendo delicias oscuras, por qué "Batman", impulsado por la bravura de palmas de Jack Nicholson, te dejó sorprendido mientras "Batman Returns", con su galería conceptual de pícaros, no, y por qué "Charlie y la fábrica de chocolate" era un remake delirante y "El planeta de los simios" era un fracaso.

 

En "Dumbo", Burton parece estar atrapado entre el entusiasmo de Colin Farrell como Holt Farrier, un jinete de caballos que regresa al Circo Medici Bros. de la Primera Guerra Mundial sin su brazo izquierdo y con un par de niños para cuidar después que su esposa murió de influenza durante la guerra, y la amplitud apenas simpática de Danny DeVito como Medici, un showman desaliñado que oscila entre dos modos: a todo volumen.

El desempeño de Keaton como el malvado Vandevere es decepcionantemente delgado: es un tipo malo sin capas. Y Eva Green como Colette, su amante del artista trapecio parisino, tiene toques de dinamismo y un aura simpática, pero eso es todo. Sorprendentemente, los artistas del circo de los Medici casi no tienen personalidad, simplemente los comparan con los de "The Greatest Showman", un concurso de tres anillos de una película que desborda el sentimiento de inadaptación de los heridos. Se podría decir que el problema reside en el guión de Ehren Kruger, pero el problema mayor es que Tim Burton está usando estos personajes para completar su historia. No hay sensación de obsesión en "Dumbo". Burton debería haberse sumergido mucho más profundamente en el masoquismo expresionista del mundo del circo que estaba allí en el Dumbo original. Pero eso fue en Disney cuando la compañía estaba abriendo caminos en el arte popular. Ahora está ardiendo las sinergias corporativas.

Burton usa la canción de cuna melancólica "Baby Mine" de la película original, y rinde homenaje a la secuencia más descolgada de "Dumbo": el "Pink Elephants On Parade", número musical surrealista, una especie de viaje de película en miniatura que puede verse reflejado en todo. Burton lo menciona realizando una fanfarria con gigantescas burbujas de jabón que se convierten en elefantes, un efecto agradable, pero la secuencia no se desarrolla ni lleva a ninguna parte. Es sólo un relleno de ojos dulces. Y mientras Dumbo sigue siendo un personaje conmovedor, quería que la reunión en la que está trabajando la película sea desgarradora. "Dumbo" no es una locura; no te deja sentir engañado, pero tampoco es emocionante. Ocupa un terreno intermedio cuidadosamente adaptado y poco imaginado donde incluso un elefante que vuela puede parecer, para el final, una figura de extravagante precaución.

Mary Poppins Returns

Mary Poppins vuelve para ayudar a la siguiente generación de la familia Banks a encontrar la alegría y la magia que faltan en sus vidas después de una trágica pérdida. La niñera viene acompañada de su amigo Jack (Lin-Manuel Miranda), un optimista farolero que ayuda a llevar la luz -y la vida- a las calles de Londres.

Es verdad que Julie Andrews siempre será la niñera favorita de la generación de jóvenes de los 60 y los 70, pero deja en buenas manos el papel de Mary Poppins a Emily Blunt, una actriz que no solo sabe llenar muy bien los zapatos y el sombrero, pero también que le permite a los demás personajes tener su momento de protagonismo, aunque muchos sabemos que Mary Poppins pudo haber resuelto todo con los ojos cerrados.

En esta secuela, la familia Banks está enfrentando la demanda del banco de abandonar la casa en cinco días. Mientras Michael y Jane tratan de encontrar los títulos de propiedada que les asegurarían salvar la casa, los niños de Michael son descuidados a pesar de su madurez casi paternal entre ellos mismos. Ahí es donde entra Mary Poppins, quien regresa no solo con el plan de cuidar a los niños pero a la vez recordarles la felicidad que su niñez necesita. Esto significa baños con delfines, visitas a decoraciones de cerámica pintadas, y bailes callejeros con los faroleros.

Manteniéndose cerca de la plantilla del clásico perdurable a la vez que inyecta un montón de frescura para darle al seguimiento su propia vitalidad de reprobación, esta producción cuidadosamente elaborada ofrece nostalgia y novedad. Idealmente lanzados de principio a fin, y adornados por las melodiosas canciones de Marc Shaiman y Scott Wittman que genuflexionan las valiosas contribuciones de Sherman Brothers en Mary Poppins , este es un encantador que solo los cínicos podrían resistir.

El director Rob Marshall ha estado mejorando su pantalla musical de buena fe durante la mayor parte de las dos décadas, anotando éxitos populares como Chicago e Into the Woods. Ese rango de experiencia, más el historial de Marshall como artista teatral, coreógrafo y director, da sus frutos en su primer musical original concebido para la pantalla, lo que podría decirse que es su película más lograda hasta la fecha.

Ya sea que esté explotando en números de producción a gran escala o acercándose a escenas íntimas de una familia en crisis, la continuación cautivadora al adoptar una fórmula de Disney consagrada por el tiempo que combina la alegría y la imaginación de la niñez con una capa subyacente de la melancolía. Su antiguo y honesto sentimentalismo te hará sonnreir y llorar a la vez, todo lo que debería hacer que esta sea una entrada familiar ganadora para los días festivos y un favorito de repetición de visitas en los próximos años.

Con un toque de clase que proporciona una evidencia temprana de cuán seriamente el equipo creativo toma la herencia de su material original, los títulos iniciales sobre pinturas al óleo de Londres están inspirados en la obra del célebre artista de Disney Peter Ellenshaw. Pero hay tanto aquí para atraer a las audiencias jóvenes que no están familiarizadas con la historia de la propiedad como a los veteranos para quienes ocupa un lugar especial entre los recuerdos de la infancia.

Marshall se vuelve a reunir con el director de fotografía Dion Beebe para darle a Mary Poppins Return un espléndido brillo de pantalla ancha, pero las contribuciones artesanales más indispensables son de parte del diseñador de producción John Myhre y la diseñadora de vestuario Sandy Powell. La elegante integración de las ubicaciones físicas de Londres con conjuntos de estudio y elementos de CGI permite mercados bulliciosos y calles empedradas envueltas en niebla; el escenario es la década de 1930, previo a la guerra, durante el período en que los británicos se refirieron a "La Gran Depresión". Y, naturalmente, hay desvíos de fantasía vibrante como una travesía en el mar o una excursión a un parque de acuarela, una de las muchas secuencias que reflejan directamente la película anterior, en la que los personajes de carne y hueso están inmersos en los hermosos pasteles de un Dibujado a mano, mundo animado en 2D con animales que hablan.

El uso audaz de una caja de colores continúa en los disfraces de Powell para mejorar el carácter. Su referencia más cercana a la Mary Poppins original es el abrigo azul brillante y el sombrero de viaje en el que la enigmática y temporal niñera desciende del cielo, enganchada de su paraguas a una cometa fugitiva familiar y se posa en Cherry Tree Lane como si simplemente estuviera saliendo de un autobús.

Esa entrada establece a Emily Blunt desde el principio como una digna sucesora de Julie Andrews. Con su dicción nítida, su postura recta y su aire sensato, rápidamente descarta las miradas boquiabiertas y las preguntas desconcertadas de sus cargos anteriores, los ahora adultos Michael (Ben Whishaw) y Jane (Emily Mortimer). Hay vanidad acicalada debajo de la autoridad de Blunt, pero también un calor inconfundible cuando ella califica recientemente a los tres hijos de Michael: los gemelos precoces John y Annabel (Nathanael Saleh, Pixie Davies) y su más impresionable hermano menor, Georgie (Joel Dawson).

El riesgo de que una familia sea expulsada de su querido hogar tiene el potencial de tornar una historia sombría, pero hay un toque de ligereza cuando las aventuras de Mary Poppins y los niños convergen gradualmente con los esfuerzos de Michael y Jane para encontrar una prueba contratiempo. El ingrediente clave que lo hace tan desarmado es la forma discreta en que Mary Poppins usa las alas de su ángel. Al guiarlos sutilmente en la dirección correcta, ella ayuda a los Banks a rescatarse a sí mismos. Blunt logra que la mezcla muy inglesa del personaje sea exactamente la correcta, junto con el equilibrio de dulzura y la superioridad de lengua ácida. Su actuación es una delicia.

Mary Poppins es asistida en cada paso por su viejo amigo Jack (Lin-Manuel Miranda), un tipo que enciende y apaga las farolas al comienzo y al final de cada día, y una vez fue aprendiz de barredora de chimeneas. El rol de Jack como el heredero espiritual de ese personaje de Dick Van Dyke (con un acento de Cockney un poco más convincente) se desprende de su número de apertura, "Underneath the Lovely London Sky", que establece la escena con un vívido sentido del lugar y una pizca de magia cotidiana. Miranda fue el comodín aquí, pero el creador de Hamilton encaja a la perfección, con un estilo agradable y un brillo en sus ojos que lo hacen tan fascinado por las locas habilidades de Mary Poppins como los niños.

Miranda encabeza el atractivo número central de la película, una contraparte directa de "Step in Time" en la azotea de Bert, llamada "Trip a Little Light Fantastic", que se realiza con un gran coro de compañeros de Jack en bicicletas, empuñando las escaleras que usan en el trabajo. 

Meryl Streep saca el máximo provecho de su gran momento musical, como Cousin Topsy, una mujer arregladora de cabello flamígero de origen indeterminado de Europa del Este, que es una combinación perfecta para el tío Albert de la primera película. Cuando la risa incontrolable lo hizo flotar hasta el techo, los problemas de gravedad de Topsy están determinados por una peculiaridad de su taller de reparaciones. Eso da lugar a "Turning Turtle", una polka de sabor ruso que proporciona el hilarante espectáculo de Streep brillando alrededor de una araña invertida.

Y a pesar de que muchos están esperando canciones del clásico de los 60, como el estridente "Supercalifragilisticexpialidocious", estas nuevas canciones están tan llenas de personalidad y humor, y reverenciales sin ser serviles en su adhesión a los patrones musicales de la primera película. Desde "The Royal Doulton Bowl", lleno de juegos de palabras "maravillosos, místicos, bastante sofisticados" hasta las memorables "Feed the Birds" y "The Place Where Lost Things Go".

Junto con Blunt y Miranda, quienes llevan la película con carisma, Whishaw merece una mención especial por una actuación tremendamente conmovedora cuando un hombre roto que aprende a vivir de nuevo lentamente. Mortimer tiene menos que hacer, pero aporta una suavidad atractiva, que proporciona tejido conectivo con su madre sufragista tardía a través de su participación en sindicatos y comedores populares. También hay un romance incipiente entre Jane y Jack. 

Julie Walters es divertida como la ama de llaves de larga data de los Bancos. Del mismo modo, David Warner y Jim Norton como oficial naval retirado y su primer compañero, los excéntricos vecinos de Cherry Tree Lane, continuaron con la primera película. Firth es adecuadamente malvado, flanqueado por secuaces legales de policía bueno / policía malo interpretados por Kobna Holdbrook-Smith y Jeremy Swift.

Finalmente, los fanáticos de la película original se entusiasmarán con un cameo extenso de Van Dyke al final de la acción, con solo dos pasos, nada menos, mientras que la insustituible Angela Lansbury aporta su singular gracia, sabiduría y compasión con un pequeño pero significativo papel como la vendedora de globos. Ella lidera un número de conjunto completo llamado "Nowhere to Go but Up", un canto a las maravillas de la infancia a cualquier edad, y una nota de cierre apta para esta delicia completamente entretenida de una película.

Sin dudas, esta es una de las mejores producciones de Disney de este año. Es nostálgica, divertida y sobretodo colorida, recordándonos esos buenos momentos que Mary Poppins siempre logró, dejando a un lado la realidad y dándole alas a la imaginación. Ahora... ¿qué pasó con el tazón que Meryl Streep estaba reparando?

Instant Family

La emoción y alegría de convertirse en padres llega de pronto para Pete y Ellie, una joven pareja que decide compartir su felicidad y sumar a su familia a Juan, Lita y Lizzy. Pero con ello también comienzan muchos berrinches, puertas azotadas, cenas accidentadas, responsabilidades triples, pero sobre todo, una gran familia. (FILMAFFINITY)

Dirigido y escrito, por Sean Anders, (Daddy's Home, Daddy's Home 2) quien realmente relata en una comedia su propia experiencia en la paternidad adoptiva. Él está tratando de contar una historia real de las pruebas y las tribulaciones de criar a los niños que llegan a su hogar completamente formados. "Instant Family" puede ser el equivalente de nuestra era a una película como Ron Howard "Parenthood" (1989), que surgió como una comedia de angustia paterna arrancada de la experiencia, pero de hecho, termina siendo una comedia de buen gusto. Sin embargo, tiene sus momentos realistas, lo cual está también los tiene.

"Instant Family" es una película con buenas intenciones pero de tono desigual, que deja a cualquiera con sentimientos encontrados. Se sentía como si el discurso estuviera adelantando a cualquier crítica con sentimentalismo. La inquietud continuó en los salvajes giros de la película entre la tragedia y la comedia tonta.

Pete y Ellie son una pareja que se encargan de remodelar casas y viven  sus vidas de clase media sin hijos. Después de una discusión con la hermana de Ellie, la pareja comienza a pensar en tener hijos. Preocupados por su edad, deciden fomentar con la esperanza de adoptar un niño mayor. Por casualidad, terminan interesados ​​en Lizzy, una adolescente aguda pero con problemas. La pareja se entera de que Lizzy viene con dos hermanos menores, un niño sensible llamado Juan y la Lita, propensa a las rabietas, pero deciden llevarse los tres a casa. Después de un período de luna de miel demasiado breve, el caos comienza a estallar cuando los padres primerizos tropiezan con el cuidado de un adolescente traumatizado y dos niños asustados.

La premisa de esta película no es fácil de desentrañar, especialmente porque Anders, quien también coescribió la película, incluye algunas dosis serias de realidad en la mezcla. Los niños en el sistema de cuidado de crianza pueden haber sido maltratados o podrían haber luchado para hacer frente a la pérdida de sus padres, y la película es sumamente honesta sobre esos temas. Sin embargo, a veces esa sinceridad se ve socavada en escenas como las sesiones de grupos de apoyo, que a pesar de algunos momentos cómicos, terminan ridiculizando y a veces humillando los traumas que los niños adoptados traen consigo. 

Hay un momento en el que Pete y Ellie comparten lo maravillosos que son sus nuevos hijos adoptivos y el grupo se ríe porque la nueva familia está en su período de luna de miel, pero es una especie de risa forzada y se siente más torpe y un poco malvada. Esa reacción se siente en escena en comparación con las sensaciones relajadas lanzadas por Tig Notaro y Octavia Spencer, ambos de los cuales guardan esas escenas con su distribución y entrega.

Mientras que los personajes de Wahlberg y Byrne se sienten un tanto suscritos, el personaje dIe Moner se convierte en el verdadero líder de la "familia instantánea". La actuación de Moner es sorprendentemente extraña, dando vida a una personalidad volátil sin exagerar. Ella podía sonreír mientras lanzaba un insulto implacable, lastimaba a Ellie con los más pequeños gestos o fijaba sus ojos fríamente en cualquier figura de autoridad que se atreviera a criarla. Moner relaciona esas acciones defensivas con la vulnerabilidad de Lizzy, y ella es igualmente capaz de arrugarse en un lío de sollozos o reírse con sus hermanos.

Anders, cuyos créditos anteriores incluyen "Daddy's Home" y "That's My Boy", ha tratado de explorar el lado divertido de la paternidad antes. Si bien la sinceridad en "Familia instantánea" no siempre funciona bien con la demanda de punchlines de la película, le da a una joven actriz como Moner la oportunidad de mostrar cierto rango. Además, con un elenco de apoyo que incluye a Notaro, Spencer, Margo Martindale y Joan Cusack , hay actuaciones extrañamente dulces para reírse. "Familia instantánea" no es tan torpe como una película familiar para sentirse bien, y tiene un cierto encanto en su atractivo para contar una historia diferente. 

Smallfoot

"Smallfoot" da un giro a la leyenda de Bigfoot cuando un Yeti joven y listo se encuentra con algo que pensaba que no existía: un ser humano. La noticia de este "humano" le trae la fama y la oportunidad de conseguir a la chica de sus sueños. Asimismo, provoca una conmoción en la sencilla comunidad de Yetis al preguntarse qué otras cosas pueden existir más allá de su aldea nevada. (FILMAFFINITY)

Existen tantas leyendas que el cine continúa explorando, a pesar de la cantidad de preguntas sin responder que hay sobre estas. La raza de la mítica criatura del Himalaya, llámese Yeti o Pie Grande –aunque algunos dicen que no son la misma criatura- es el centro de esta nueva animación de Warner Bros., que con eficaz y divertido ingenio, narra esta historia desde la perspectiva de estos seres. Para ellos corren las leyendas de una aterradora monstruosidad a la que llaman Pie Pequeño, e ignoran si realmente existe porque las piedras dicen que son solo un mito.

Esta comunidad de Yetis, recluida en lo alto de una montaña, tiene toda una estructura social en la que cada Yeti debe hacer su trabajo para funcionar con efectividad y por el bien de todos. La audiencia sigue a Migo, quien con tanta alegría nos muestra la ingenuidad de estas criaturas al creer todo lo que las piedras dicen: que la montaña está levitando sobre una nuve y que bajo de ellas no hay más nada, que el sol sale porque suenan un gong al principio del día, entre otras historias. Hasta que un día Migo descubre a un humano, quien ha sido víctima de un accidente de avión. En ese momento, no sabe si creer en las piedras y decide bajar a encontrar al Pie Pequeño. Al mismo tiempo, la trama sigue a Percy, un reportero que está tratando de encontrar una buena historia para su programa de televisión y evitar que este sea retirado del canal. Una vez, la criatura y el humano se encuentran, comienzan una interesante amistad en que ninguno entiende al otro, pero que sus acciones tienen un mayor significado que las palabras.

La película es extremadamente divertida: es difícil evitar reirse con las ocurrencias de sus personajes o con la personalidad de cada uno. Pero a la vez, tiene un hermoso mensaje; uno de los temas principales de la película es no juzgar por su apariencia externa y no asumir que todo lo que ha escuchado es cierto. Los yetis creen que los humanos son criaturas malvadas que siempre matan. Así, las piedras yeti muestran imágenes de humanos con lanzas y pistolas. De manera similar, los humanos creen que los yeti son criaturas peligrosas que se comen a las personas. Es un malentendido que se arregla a sí mismo al final de la película. Smallfoot también tiene lecciones sobre el perdón, la reconciliación, la integridad y decir la verdad. Es una historia que sirve tanto para niños como para adultos.

Otro tema que trata la historia es el tratamiento sobre el manejo de la información como ejercicio de poder social, político y religioso, haciendo mucha referencia a la fama mediática a través de las redes sociales y el valor de la integridad. Pero, sobre todo en estos convulsionados tiempos, la reflexión sobre los prejuicios de la sociedad y cómo esto puede cambiar si la vemos con otros ojos.

Los personajes son el mejor aspecto de la historia, pues resultan ser el completo sentido y entretenimiento, a su vez por las analogías y la naturalidad de los mismos. Es interesante como, al final de la historia, vemos que dos personajes principales admiten fallas y trabajan para hacer las cosas bien. También vemos a los personajes reconciliarse. A pesar de que la historia no es únicamente sobre humanos, estos interesantes seres resultan ser más humanos que muchos otros.

Un aspecto completamente inesperado fue el manejo de la música que pasó de banda sonora a género musical, utilizando algunos ritmos ya conocidos para crear set pieces y mostrar las frustraciones y triunfos de los personajes. Ya fuese porque era una pieza bailable o porque quería servir como karaoke, funciona de manera tan efectiva que no importa si se sale del género y hace un híbrido con otro. 

Con una modesta animación, un excelente manejo de la comedia, los números musicales, personajes excelentemente desarrollados y necesarias moralejas para nuestros tiempos, Smallfoot resulta ser una inesperada y positiva sorpresa de este año, y una verdadera película para toda la familia.