Crítica Cinéfila: The Room

Matt y Kate compran una casa aislada. A medida que se mudan, descubren una habitación extraña que les da un número ilimitado de deseos materiales. Pero, como Kate ha tenido abortos involuntarios, lo que más extrañan es un niño.

La palabra Room ha sido utilizada en dos ocasiones en el cine, y aunque ambas son películas muy diferentes, tienen una similitud: su universo gira en torno a una habitación. En el caso de The Room (2020), del director francés Christian Volckman, la historia se enfoca en cómo una habitación con poderes sobrenaturales otorga una serie de riquezas y adquisiciones a sus nuevos dueños, con una sola regla: todo lo que se hace en la habitación, se convertirá en polvo al salir de la casa.

Matt y Kate son una pareja que compran una casa aislada en Nueva York para que Matt se pueda dedicar a su pintura y Kate pueda convertirse en ama de casa, tal y como ella parece quererlo. Al reorganizar la casa, se encuentran con una puerta que da a una habitación secreta cubierta de cables y con serios problemas de electricidad. Matt decide buscar los orígenes de la casa, y ahí descubre que una pareja fue asesinada por el hijo, quien decía que la habitación lo obligó. Pero esto no fue un impedimento para que, una vez descubrieran los poderes de la habitación, comenzaran a utilizarla para traer a la vida todas las riquezas materiales que les pasara por la mente: millones de dinero, joyas, comidas y bebidas de todas las variedades, ropa, entre muchas otras cosas.

Pero mientras Matt se dedicaba a averiguar más sobre el pasado de la casa, Kate anhelaba algo que no era material y que iba a poner en peligro a la pareja: un hijo. Así, con la llegada de un nuevo integrante al que Matt nunca pudo considerar como suyo a diferencia de Kate, quien creo un vínculo maternal, los retos fueron mayores cuando descubrieron no solo el futuro seguro de todas las cosas materiales que lograron por la habitación, sino también como poder mantener todo lo que han conseguido sin que ellos sufran las consecuencias.

La famosa frase del Génesis, "del polvo vienes y en polvo te convertirás”, se convierte en una denotación temática dentro de esta historia, donde se resalta que aún ni el creador podrá salvar lo que ha creado de la realidad que le espera cuando cruza más allá de sus propios límites, y que de donde mismo viene, en eso se convertirá. Del mismo modo, la historia hace una reflexión interna en el pecado de la avaricia, sobretodo cuando se tiene acceso tan fácil a lo material y solo se continúa pidiendo más hasta que el bien material parece no dar sosiego alguno al dolor emocional. Hay otras temáticas involucradas en la historia, como el amor genuino de los niños hacia sus madres, y la sobreprotección de una madre cuando crea ese vínculo incondicional con un hijo, sin importar si es biológico o adoptivo. Es interesante ver cómo todas estas temáticas congenian de manera genuina y se convierten en una historia interesante y consistente.

Aún más interesante es el resultado que ha logrado Christian Volckman con esta segunda película en su filmografía, que será continuada con la versión animada y futurística de The Kid, de Charlie Chaplin. Después de Renaissance (2006), Volkman no volvió a realizar largometrajes, experimentando con cortometrajes de diferentes géneros. En su búsqueda por volver a la pantalla grande, y en compañía de una serie de escritores, logró una trama que no solo obtiene la suficiente tensión para ganarse el título del género, sino también que establece de manera coherente sus subtramas y reglas para que nada se sienta confuso o inconcluso.

Del mismo modo, está bien acompañado por Olga Kurylenko y Kevin Janssens, como la pareja de artistas que se adueñan de la casa y los poderes que vienen con la habitación mágica; mientras más descubren que hacer con ella, sus niveles de codicia continúan creciendo hasta llevarlos a un estado psicótico personal que los separa mutuamente. La química mientras están unidos como pareja es poderosa, pero su evolución personal los representa aún mejor, demostrando que no hacía falta mantenerlos uno al lado del otro para mostrar las diferentes caras de sus finales individuales, pues lo que parece ser satisfactorio para uno, puede ser doloroso para el otro. El verdadero antagonista es la habitación y una vez saben cómo manejar su poder a su necesidad de sobrevivencia, elevan esa intensidad que a lo largo de la historia solo subía de manera gradual y equitativa.

La escenografía fue un aspecto que se destacó con delicadeza y detalle, desde la creatividad dentro de la misma habitación para ocupar un lugar en el top de sets de terror en el cine moderno, hasta en la evolución del mismo set mientras la habitación continúa dispersando su poder a lo largo de la casa. A su vez, el set es utilizado para crear suspenso, con el choque eléctrico para avisar una nueva creación solicitada en la habitación y la misma evolución de la habitación a un mundo interno parecido al exterior. Es una manera astuta que seguramente se desarrolla con tremenda imaginación en sus páginas de guión y aquí obtienen una libertad en la que destaca la codicia y locura momentánea de sus personajes.

The Room se convierte en una sorpresa agradable para los fanáticos del terror psicológico. No es el típico al que muchos estamos acostumbrados, pero uno no le da mente a eso mientras se deja envolver por esta historia. Sus conexiones narrativas sobresalientes y la evolución de sus personajes le otorgan poder destacarse con su título. Ahora cuando se hable de The Room, tendremos que ser más específicos.

Crítica Cinéfila: Missing Link

Sir Lionel Frost se considera a sí mismo el mayor investigador de mitos, monstruos y leyendas. Estos calificativos han sido cuestionados por su círculo más cercano, lo que le anima a comenzar una investigación por el noroeste americano en busca del Eslabón Perdido, una misteriosa criatura mitad humano, mitad bestia.

Aunque la mayoría son unos arrogantes, Sir Lionel Frost no encaja en el molde de otros héroes de aventuras clásicas, ya sea animado o no. En "Missing Link", el cazador de monstruos de mayor peso (Hugh Jackman) hace una cosa notable al descubrir un Sasquatch raro en el desagradable Pacífico Noroeste de Estados Unidos: escucha.

Compare la historia de Lionel Frost con Indiana Jones y los demás antropólogos que el cine nos ha brindado, que destruyen alegremente sitios antiguos en su búsqueda del tesoro, y se darán cuenta de lo inusual que es la reacción de Sir Lionel. Aunque se propuso probar la existencia de este primitivo hombre mono, al tropezar con el Sasquatch en la naturaleza, en lugar de arrastrar a la criatura de vuelta a la civilización como una especie de trofeo, a la "King Kong", se detiene para preguntar al bestia (Zach Galifianakis) lo que quiere, y ajusta sus planes en consecuencia.

Ahora, la mayoría de las audiencias pueden que ni siquiera registren este matiz, que es solo una de las múltiples formas en que el escritor y director Chris Butler extrae una narrativa más progresista de este género tan retrógrado. Sin embargo, como prueba de que los humanos pueden evolucionar, "Missing Link" es un caso excelente. Y eso ni siquiera cuenta la tecnología de vanguardia necesaria para obtener una hazaña tan hiper-detallada y visualmente deslumbrante como esta.

"Missing Link" marca la quinta película de Laika, el meticuloso estudio de animación stop-motion responsable de "Coraline" y "Kubo and the Two Strings", aunque el tono de esta es muy diferente de las cuatro canteriores, todas Dibujos animados oscuros, relativamente intensos que pueden causarle pesadillas a los niños pequeños: que los fanáticos adultos de la compañía puedan rechazarlos al principio. Tarde o temprano, Laika estaba obligada a diversificarse, lo que hace que esta película más colorida y divertida sea el vínculo que anteriormente faltaba entre el pasado de estilo gótico de la compañía y lo que venga después.

Desde la escena inicial, Sir Lionel Frost hace que la caza de monstruos parezca fácil. Ha arrastrado a su asistente a Loch Ness, donde le cuesta poco atraer la extraña leyenda a la superficie, donde procede a fotografiarla, la prueba que necesita para ganarse el respeto de sus compañeros en el Optimates Club de Londres, aunque, extrañamente, el hecho de que sea un "señor" sugiere que ya ha sido validado por personas más importantes que esta sociedad presumida de exploradores y "grandes hombres".

Desafortunadamente para Sir Lionel, Nessie destruye la evidencia en una escena que está concebida y filmada tan dinámicamente como cualquier otra cosa que Laika haya hecho antes, una prueba temprana de que Butler está presionando al medio. El resto de la película lo confirmará, ya que "Missing Link" no solo expande la geografía de las películas anteriores de Laika, sino que amplía el repertorio de cómo la cámara navega por estos espacios (el mejor ejemplo es un disparo desglosado en los créditos finales, en la cámara gira en torno a un portero de elefante, mientras que las extensiones de conjuntos digitales le dan a la selva circundante una sensación de profundidad).

Al ver "Missing Link", las audiencias ya no pueden decir dónde terminan los títeres prácticos y los efectos de computadora. Eso puede sonar como un cumplido, aunque el extraño enfoque híbrido sirve para ocultar el aspecto de la película hecho a mano. La verdad es que mucho más de lo que parece de "Missing Link" fue creado en el mundo real, a pesar de que la atención de la audiencia probablemente se fijará en la trama y los personajes, como debería ser.

Todos los humanos cuentan con una apariencia memorable y visualmente humorística, con una piel de color zapote y largas narices rojizas, que emiten un brillo rosado cuando son iluminadas por el sol. De hecho, se ha prestado tanta atención al diseño, el rendimiento y las expresiones faciales divertidamente asimétricas de estos personajes que el guión se siente anémico en comparación. En ese departamento, la película parece un poco familiar, apoyada demasiado en el juego de palabras tonto y en un flujo constante de bromas, como si fuera una compensación excesiva por una cierta falta de entusiasmo.

Una vez que Sir Lionel encuentra su Sasquatch, se ve obligado a lidiar con el hecho de que su rival de Optimates Club, Lord Piggot-Dunceby (Stephen Fry), se alistó en una varmint del estilo Yosemite llamado Willard Stenk (Timothy Olyphant) para frustrar su búsqueda, incluso como esa búsqueda pasa a estar cambiando de forma. Cuando Sir Lionel se detiene para preguntarle al Sr. Link lo que quiere, la criatura propone una aventura completamente nueva: desea que lo lleven por todo el mundo, a Shangri-La, donde sus primos de clima frío - una tribu perdida de blancos como la nieve- mejor conocidos como yetis, han construido una sociedad muy alejada de la amenaza de la humanidad.

Sir Lionel acepta la misión, y le atribuye al Sr. Link una especie de ayuda de cámara glorificada, y juntos se ponen en marcha, como los compañeros de viaje más conspicuos del mundo. Pero el éxito depende del robo de un mapa de la mujer que alguna vez estuvo casada con el fallecido compañero de aventuras de Sir Lionel, Adelina Fortnight (Zoe Saldana). Al igual que con el Sasquatch, Sir Lionel rechaza el fanatismo de sus compañeros y da la bienvenida a Adelina para la caminata.

Aquí, uno puede esperar que la película sirva para una serie de desafíos de películas de aventuras clásicas, pero en lugar de eso, sigue un libro de jugadas más vaudeviliano, escupiendo risas de disfraces divertidos y elaborados gags de comedia física. La torpeza del Sr. Link casi nunca es divertida, por desgracia, aunque su uso literal del idioma inglés puede ser bastante encantador. Cuando el trío finalmente llega a Shangri-La (donde Emma Thompson interpreta al líder matriarcal de los yetis, "el Viejo"), solo entonces "Missing Link" desvela una serie de rompecabezas para que los personajes los resuelvan, construyéndose de forma bastante literal.

En este punto de la evolución de Laika, el estudio ha alcanzado un punto en el que cada fotograma es una obra de arte, que es más de lo que se puede decir para la mayoría de las funciones animadas por computadora. Y, sin embargo, aunque "Missing Link" sin duda avanza en la estética y las posibilidades de historia para la empresa, tiene un precio. La ilusión se ha vuelto tan sofisticada, que damos por sentado el oficio.

Esta puede ser la razón por la que los animadores de Aardman no hacen todo lo posible para eliminar todas las huellas dactilares de su trabajo, o la razón por la que “Anomalisa” optó por no ocultar las costuras que el equipo de Laika pinta en el post: parte de lo que hace que las películas sean tan impresionantes es el hecho de que todavía están esculpidos, posados, iluminados y fotografiados a mano. Hablando en términos que Sir Lionel podría apreciar, las Grandes Pirámides de Egipto sorprenden no solo por su belleza y forma, sino también porque no podemos comprender cómo se hicieron. Aunque parezca poco intuitivo, en el futuro, Laika podría hacer un buen paso atrás.

Crítica Cinéfila: Shazam!

Cuando Billy Batson, un niño de acogida de 14 años que ha crecido en la calle, grita la palabra "¡SHAZAM!" se convierte en un superhéroe adulto, Shazam, por cortesía de un antiguo mago. Dentro de un cuerpo musculoso y divino, Shazam esconde un corazón de niño. Pero en esta versión de adulto consigue realizar todo lo que haría cualquier adolescente con superpoderes: Divertirse con ellos ¿Volar? ¿Tener visión de rayos X? ¿Disparar un rayo con las manos? ¿Saltarse un examen? Shazam pondrá a prueba los límites de sus habilidades con la inconsciencia propia de un niño. Pero necesitará dominarlos rápidamente para luchar contra las letales fuerzas del mal que controla el Dr. Thaddeus Sivana. 

David F. Sandberg hizo su debut como director hace tres años con la película de terror Lights Out, y siguió su trayectoria el cine de terror con la precuela de Annabelle; quizás por eso me resulta un poco inesperado que haya sido elegido por DC y Marvel para traer al cine la adaptación del comic Shazam! y sorprendiendo aún más (dada la reputación que se ha ganado DC en los últimos años), la película sorprende con una calidad narrativa que puede llegar con facilidad al mismo nivel de Wonder Woman, solo que con un tono distinto.

Billy Batson es un niño que se ha pasado toda su niñez/juventud haciendo algo en específico: "buscando a su madre". Sin embargo, la sociedad le ha dicho en diversas ocasiones que es un sueño al que debe renunciar, y después de un último crimen, es enviado a una casa de acogida con otros cinco niños fosters. Un día, mientras defendía a Freddy, uno de sus nuevos "hermanos", es elegido por el mago Shazam para adoptar sus poderes y defender el mundo del nuevo mal que se avecina. Sin embargo, tiene superpoderes pero no sabe utilizarlos, y decide apoyarse de Freddy, quien es un experto sobre habilidades superpoderosas y le ayuda a encontrar sus propios talentos antes de que Thaddeus, un doctor que se ha pasado toda su vida buscando el acceso hacia Shazam, y ahora está poseído por los 7 pecados capitales con el plan de acabar con la humanidad.

El guión de esta película no es solo bien divertido, sino también ingenioso. Resulta muy interesante cómo, a pesar de enfocarse en los punch lines de los personajes, también van dejando diferentes elementos narrativos para darle sentido a la trama y los conflictos que esta desarrolla: como los aspectos en común que comparten el protagonista y el antagonista, desde el hecho de venir de padres que nunca los quisieron, hasta de ser algo más de lo que los demás dicen de ellos; también el enfoque en los personajes secundarios y sus personalidades, sin necesidad de victimizarlos con el pasado que tuvieron o los tipos de padres que les tocaron; las referencias a los superhéroes de DC (sobretodo hacia Superman, Batman y Aquaman), haciendo creer que no toma lugar dentro de este universo, hasta que al final se revela que sí (cameo especial para Superman); y por supuesto, la humanización que le dieron a cada uno de los personajes, obligando a la audiencia a empatizar con sus situaciones y frustraciones.

Aún más interesante resultan todas las referencias que se hicieron sobre número 7: como los siete pecados capitales, los 7 miembros de la nueva familia de Billy, el apartamento 707 en el séptimo piso que es donde vive la madre de Billy, los siete superpoderes de Shazam (volar, superfuerza, antibalas, manipulación eléctrica, inmortalidad, velocidad inhumana y resistencia), y se supone que son siete campeones, por lo que es muy posible que en una siguiente película sobre Shazam se introduzca otro superhéroe. 

Algo a destacar en la historia es que nunca llaman a Shazam por su nombre, ni siquiera cuando Billy explica que ese es su nombre de superhéroe, y esto se debe a que más de un personaje adopta este nombre tras adquirir las habilidades, y es por eso que el título de la película tiene un signo de exclamación, lo cual lo especifica como el llamado a los poderes y no al superhéroe. Pero, insisto en que, si este no será su nombre, el personaje en sí debe adquirir uno de su propiedad.

Pero además del buen trabajo narrativo, hay un sobresaliente desenvolvimiento de los actores, quienes desde los más jóvenes hasta los más adultos trataron de hacer un balance entre los dos géneros que desarrolla la película. Por supuesto, Zachary Levi (a quién ya hemos visto en muchas historias últimamente como The Marvelous Mrs. Maisel, Thor: Ragnarok y Tangled) se roba todo el espectáculo, sin forzar sus necesidades de sobresalir, pero creando comedia en cada intento que trata de sacarle provecho a su lado heróico. Lamentablemente para muchas que queremos verlo, el actor solo aparece en su traje de superhéroe y nada más.

Y aparte de todos estos aspectos, el diseño de producción, y sobretodo el diseño de vestuario le hace honor a los personajes creados en 1940 (dato curioso, este personaje se llamaba originalmente Captain Marvel), con colores que les podría recordar a los Power Rangers a muchas personas. Así mismo, el montaje y la fotografía le hace honor a los mejores aspectos técnicos de DCU, complementado con una musicalización modernizada para aterrizar a la audiencia al lenguaje de su protagonista y su población.

Shazam! resulta inesperada y sobresaliente. Las partes cómicas no son forzadas, y el drama es apropiado, sin dejar de mencionar que los personajes aterrizan de manera satisfactoria, haciéndole desear a la audiencia poder conocer sus próximas aventuras. 

Crítica Cinéfila: Dumbo

Holt Farrier (Colin Farrel) cuenta con la ayuda de sus hijos Milly (Nico Parker) y Joe (Finley Hobbins) para cuidar a un elefante recién nacido cuyas orejas gigantes le hacer ser el hazmerreír en un Circo que no pasa por su mejor momento. Max Medici (Danny DeVito) dueño del circo, se decepciona al saber sobre las enormes orejas del pequeño paquidermo hasta que descubre que es capaz de volar, llevando al circo de regreso a la prosperidad. 

La imagen clave de " Dumbo " de Walt Disney en 1941 es algo que se asemeja a un sueño de cuento de hadas: Dumbo, el bebé elefante con ojos saltones de largas pestañas, una sonrisa cariñosa y orejas tan largas y flojas como alas, batiendo esas orejas para volar alrededor de una gran parte superior del circo, volando sobre la multitud con una libertad tan conmovedora como inexplicable. . Es una de las imágenes más puras de las películas. "Dumbo" fue la cuarta película animada de Disney (después de "Blancanieves y los siete enanitos", "Pinocho" y "Fantasía"). 

Una de los aspectos más notables es que Dumbo, después de haber sido separado cruelmente de su madre (un giro primordial que anticipa a "Bambi"), no descubre su capacidad de volar hasta los últimos seis minutos de la película. Cuando lo hace se convierte en una criatura tan encantada en su anhelo y se escapa. En "Dumbo", la magia de la capacidad de Dumbo para volar llega a la audiencia como una ocurrencia celestial, una que nos lanza a lo sublime y nos deja allí.

Las secuencias de vuelo en "Dumbo" de Tim Burton, una nueva versión del clásico de Disney, tienen un toque de la misma calidad de maravilla. Dumbo, ahora creado con efectos animatrónicos y digitales, sigue siendo una criatura linda y solitaria con orejas de disquete increíblemente grandes que nos habla con sus suplicantes ojos para pararse en lo alto de una imponente plataforma circense; su miedo y humillación son palpables. Luego, después de ingerir una pluma en su trompa (el ritual supersticioso que le da la fe para volar), se lanza hacia abajo y toma alas, y por unos momentos siente que su corazón se eleva junto con el suyo.

Pero en el nuevo "Dumbo", los divertidos y felices vuelos de nuestro héroe no son la culminación emocional de la película; empiezan temprano y ocurren periódicamente, con un efecto gradualmente menor. Dumbo, cuyo nombre real es Baby Jumbo, nace en un circo Barnstorming administrado por Max Medici, un ladrón cariñoso que fue comprado por Vandevere. El año es 1919, y su "circo" es realmente el primer parque temático del mundo, un lugar llamado Dreamland que está tan lleno de atracciones, exhibiciones y chicanery como una pequeña ciudad. Él no es un showman; es un explotador que mira a Dumbo y ve una mina de oro, y no entrega el regalo del elefante en toda su gloria agrietada, sino que exprime la maravilla a través de su empaque.

Y eso es lo que este remake demasiado ansioso y cómico pero en última instancia bastante triste, le hace a "Dumbo". Transforma una historia suave y milagrosa en una historia de rutina, pesándola con un montón de tuercas y tornillos que no necesita. El personaje de Dumbo sigue tocando, pero el relato de atrapamiento y rescate que lo rodea no lo es. Es arduo y olvidable, y aparte de ese elefante FX, la película no tiene un solo personaje que nos enganche emocionalmente.

"Dumbo" tiene el aspecto y la atmósfera de un éxito de taquilla "sincero" que se está esforzando demasiado. Lo que está tratando de hacer, por supuesto, es justificar su existencia como otra versión en vivo de una legendaria historieta de Disney. ¿Hay alguna razón para hacer un Dumbo de acción en vivo? Como narración, no, pero la razón detrás de todas estas películas se reduce a una novedad adictiva: ¿Cómo se verá un "Dumbo" de acción en vivo? Hay una gran curiosidad en esa pregunta, y también un factor de nostalgia, combinado con el hecho de que incluso las personas que nunca han visto la película original (en este caso, puede ser un segmento considerable de la audiencia) pueden sentir que conocen al personaje. En sus huesos, porque es parte de nuestra imaginación pop colectiva. Así que una película como "Dumbo" tiene esa receta antigua, pero modificada, de cantidad conocida, pero nueva, en la que gran parte de la economía de Hollywood se basa ahora.

Cuando observas lo que separa una buena película de Tim Burton de una que se suma en su portafolio más de lo que lo hace en la pantalla, hay un criterio elemental: una película de Burton que se gelifica casi siempre en torno a una personalidad lo suficientemente salvaje y lanuda como para ser irresistible. Es por eso que "Ed Wood" fue una obra maestra agrietada, por qué "Beetlejuice" y "Edward Scissorhands" siguen siendo delicias oscuras, por qué "Batman", impulsado por la bravura de palmas de Jack Nicholson, te dejó sorprendido mientras "Batman Returns", con su galería conceptual de pícaros, no, y por qué "Charlie y la fábrica de chocolate" era un remake delirante y "El planeta de los simios" era un fracaso.

 

En "Dumbo", Burton parece estar atrapado entre el entusiasmo de Colin Farrell como Holt Farrier, un jinete de caballos que regresa al Circo Medici Bros. de la Primera Guerra Mundial sin su brazo izquierdo y con un par de niños para cuidar después que su esposa murió de influenza durante la guerra, y la amplitud apenas simpática de Danny DeVito como Medici, un showman desaliñado que oscila entre dos modos: a todo volumen.

El desempeño de Keaton como el malvado Vandevere es decepcionantemente delgado: es un tipo malo sin capas. Y Eva Green como Colette, su amante del artista trapecio parisino, tiene toques de dinamismo y un aura simpática, pero eso es todo. Sorprendentemente, los artistas del circo de los Medici casi no tienen personalidad, simplemente los comparan con los de "The Greatest Showman", un concurso de tres anillos de una película que desborda el sentimiento de inadaptación de los heridos. Se podría decir que el problema reside en el guión de Ehren Kruger, pero el problema mayor es que Tim Burton está usando estos personajes para completar su historia. No hay sensación de obsesión en "Dumbo". Burton debería haberse sumergido mucho más profundamente en el masoquismo expresionista del mundo del circo que estaba allí en el Dumbo original. Pero eso fue en Disney cuando la compañía estaba abriendo caminos en el arte popular. Ahora está ardiendo las sinergias corporativas.

Burton usa la canción de cuna melancólica "Baby Mine" de la película original, y rinde homenaje a la secuencia más descolgada de "Dumbo": el "Pink Elephants On Parade", número musical surrealista, una especie de viaje de película en miniatura que puede verse reflejado en todo. Burton lo menciona realizando una fanfarria con gigantescas burbujas de jabón que se convierten en elefantes, un efecto agradable, pero la secuencia no se desarrolla ni lleva a ninguna parte. Es sólo un relleno de ojos dulces. Y mientras Dumbo sigue siendo un personaje conmovedor, quería que la reunión en la que está trabajando la película sea desgarradora. "Dumbo" no es una locura; no te deja sentir engañado, pero tampoco es emocionante. Ocupa un terreno intermedio cuidadosamente adaptado y poco imaginado donde incluso un elefante que vuela puede parecer, para el final, una figura de extravagante precaución.

Crítica Cinéfila: Captain Marvel

La historia sigue a Carol Danvers mientras ella se convierte en uno de los héroes más poderosos del universo cuando la Tierra se encuentra atrapada en medio de una guerra galáctica. 

Años 90. Unas decadas después de Captain America y dos antes de Iron Man. Una guerra se desataba entre dos razas alienígenas: los Krees y los Skrulls. La guerrera Vers es asignada a una misión en cubierta, se ve atrapada rodeada del enemigo y al escapar, es enviada al planeta Tierra. Allí se ve en la misión de encontrar los Skrulls que también han aterrizado en este planeta, con el plan de encontrar un "arma" creada por Wendy Lawson. Al unir fuerzas con el conocido Nick Fury, Vers comienza a recuperar pequeños extractos de su pasado, como su origen, su verdadera familia y la razón por la que ella fue llevada a ser parte de la Fuerza Estelar.

Muchas personas (incluyéndome) estaban muy entusiasmadas con esta película, pues se anunciaba a ser la próxima por destronar a Wonder Woman (2017), y se debe reconocer que la película hizo unos movimientos dignos de romper algunos estereotipos femeninos que la película del Universo de DC no pudieron evitar, como el hecho de darle una pareja sentimental o débil. Captain Marvel es quizás lo más cercano a Black Widow, pero sin ningún interés romántico, exclusivamente enfocada en su misión y con la fuerza necesaria para enfrentarse a quien sea.

Brie Larson supo entrarse en el cuerpo de la superheroína creada por Roy Thomas, escritor de comics de Marvel. Y es necesario admitir que hizo una recopilación de los mejores aspectos del personaje: su personalidad, actitud ante los demás, la manera en la que habla, se mueve y se comporta, incluso algunas de las frases más icónicas de los comics (I'm sorry I'm a badass).

Pero un aspecto que quizás la separa mucho de lo que se creó en los comics es su relación con los demás personajes. El carácter fuerte que Brie Larson le dió al personaje lo convirtió en una "caballera" casi egocéntrica que actuaba por sí sola y pocas veces considera la opinión de los demás. Incluso al nivel que, cuando lo hace, se ve muy forzada y hasta incómoda. Con el único personaje con la que no se veía tan forzada era con Nick Fury (una vez más representado por Samuel Jackson, en una versión increíblemente más joven que hasta me hizo cuestionarme si esta película fue filmada antes que Iron Man). Fury y Vers tuvieron una química que hacía de sus escenas de diálogo las más aceptables.

Y por supuesto, la introducción de otro Tesseract, el cual ya lo hemos visto en varias películas de Marvel, y el cual está protegido en el interior de Goose, una bestia alienígena de apariencia felina (es un gato en la Tierra) con un bolsillo dimensional que esconde esta poderosa piedra de cualquier ente que trate de apoderarse de él (y por eso Thanos nunca lo encontró en Avengers: Infinity War) 

Pero eso no significa que las escenas de acción no fuesen las más entretenidas. Es definitivamente el mejor aspecto visual de la película: entre los enfrentamientos dentro de las naves galácticas, más las batallas en la Tierra, y los juegos de luces en el espacio, está muy claro que el equipo de Lucasfilm hizo su buen aporte técnico a la historia y ayudó a Captain Marvel a darle ese look visual que los comics lograron con tanta pasión.

Y además de esto, el trabajo de escenografía y vestuario son otros dos puntos a favor: la escenografía por encargarse de retratar escenarios que fueron tan maravillosos en los diseños creados por el artista visual Gene Colan, y el vestuario por darle un toque más cercano al personaje del comic, no solo en la parte de los colores, sino también el estilo del cabello y sus herramientas de batalla. 

Captain Marvel es, sin dudas, una película que me dejó balanceando en dos extremos. No me gustó la actitud feminista extrema que le quisieron dar a casi todos los personajes femeninos, pero tampoco detesté el arco que incorporaron en los personajes. Lograron conectar elementos interesantes del universo de Marvel, pero la vincularon demasiado a los planes "a futuro" de Thanos y no dejaron que la película brillara por sí sola, cuando el personaje de Captain Marvel es uno de los más interesantes y completos de esta colección de comics. 

Desde el punto de vista de una fanática del personaje: esperaba más, pero no me decepcionó por completo.

Crítica Cinéfila: What men want

Una mujer que se dedica al mundo de las agencias deportivas se siente menospreciada por los hombres en un mundo que considera machista. Cuando un día adquiere la habilidad de escuchar sus pensamientos, descubre cómo manipularlos para beneficio propio. 

Si has visto What women want, podrías decir que has visto casi la misma película al ver What men want, solo que desde el punto de vista de una mujer de color.

Esta historia sigue a Ali, interpretada por Taraji Henson. Ella es una mujer en un mundo de hombres, pero esto nunca la ha intimidado porque su personalidad y la manera como se comporta con sus compañeros la convierten en una más del grupo de chicos. No obstante, el hecho de ser mujer es una limitante para ella, pues la mantienen esquineada de las oportunidades que podría lograr. No solo le cuesta poder convertirse en socia de la agencia, pues alguien vive votando en su contra constantemente; también le cuesta poder relacionarse con hombres fuera de su entorno de trabajo porque la juzgan por su físico, o la crítican por su comportamiento. Pero la verdad es que mientras ella sea una dominante en todos los aspectos de su vida o golpee como hombre, en vez de miedo la considerarán una arrogante.

Pero después de que anuncian al nuevo socio y el nuevo atleta que posiblemente pudiese agregarse a la lista de la agencia, Ali finalmente se da cuenta de la realidad que la rodea: ella simplemente no tiene buena química con los hombres. Cuando una psíquica le da a beber un té cuyo contenido no especifica al momento, y sale de fiesta donde gravemente se golpea la cabeza, se despierta en una cama del hospital con un moretón en la frente y la habilidad de leerle el pensamiento a los hombres.

Cuando a Mel Gibson le tocó tener que leerle la mente a las mujeres, se enteró de muchas cosas que siempre deben tragarse porque la realidad no les permite decirlas en voz alta. Ahora, a Taraji le tocó la otra cara de la moneda: sí es lo que los hombres piensan pero en su lado grotesco y machista (en muchas ocasiones). Mientras a las mujeres la presentaron como "locas", aquí los hombres solo siguen sonando como macho-men que todo lo pueden y aún en pensamiento, todo lo quieren. En pocas ocasiones dejan ver las debilidades de los hombres, y solo los siguen enseñando como los dominantes mientras que Ali intenta dominarlos a ellos. No obstante a esto, los hombres parecen caricaturas, donde sus reacciones son para causar risa pero en muchas ocasiones ridiculizandosé entre ellos mismos. 

Ahora... aunque los cineastas casi prescinden de la mayoría de los detalles de la película original. Algunos dirían que eso es algo bueno, pero lo más importante es que es simplemente práctico y que permiten que esta lleve su propio ritmo. Ciertamente, la introducción del protagonista de Taraji P. Henson realinea de manera refrescante un concepto narrativo clásico, junto con el entorno de Atlanta dentro del mundo de los deportes profesionales. 

Aunque Ali puede escuchar los pensamientos de los hombres, en realidad no puede leer sus mentes y, en consecuencia, pierde las motivaciones cruciales que informan su comportamiento. Ella realmente está captando las señales de la superficie, y aunque la ayudan a obtener la ventaja en las negociaciones del contrato con el padre de Jamal, Joe "Dolla" Barry, se producen serios malentendidos cuando trate de decidir si debería seguir con el juego o usar sus poderes para otras cosas.

Con este clásico conflicto de cabeza contra corazón, los guionistas preparan a Ali para tomar algunas decisiones difíciles, y luego terminan dándole casi todo lo que quiere en una afirmación de que las lecciones de la vida pueden valer la pena si realmente se toman en serio. Es todo un poco para tomar, ya que sin su talento inusual es prácticamente sorda cuando se trata de entender a los hombres, pero después de todo, el viaje de Ali es más una fantasía de deseo que una autoevaluación realista.

Henson demuestra una capacidad tremendamente humorística y humana para captar la desesperación personal y la determinación profesional de Ali al forjarla en una estrategia de éxito semi-coherente. No tiene miedo en absoluto de sufrir las inevitables humillaciones que Ali debe enfrentar para avanzar en su carrera y ampliar sus horizontes románticos, incluso cuando eso signifique que los desarrollos de la trama tengan un giro tonto.

Y a pesar de que la historia termina tal cual como la venimos prediciendo desde el principio (se queda con el chico y consigue al atleta), nos deja con una pequeña sorpresa y un buen sabor de que hemos sido entretenido por una película que no necesita ser comparada con su antecesora, porque por sí misma está decentemente bien.

The House with the Clock in its Walls

Tras quedar huérfano, un niño se muda a la vieja y rechinante casa de su tío, la cual tiene un misterioso reloj en sus paredes que suena todas las noches. Pronto, la aburrida y tranquila vida de su nuevo pueblo se ve interrumpida cuando accidentalmente, Lewis despierta a magos y brujas de un mundo secreto. (FILMAFFINITY)

Las historias sobre brujas, magos, hechizos y santerías son inagotables, sobretodo en esta época del año en que el resto del mundo se prepara para Halloween. Así parece ser que esta trama, basada en la novela de John Bellairs llega en buen tiempo, y las ventas de taquilla la han permitido posicionarse en el primer lugar del box office de la semana. Pero... por más momentos mágicos, o por más consejos de Cate Blanchett al resto del elenco, creo que la historia termina cayendo en una convencional película de fantasía.

Eli Roth (Hostel, The Green Inferno) dirige esta trama sobre Lewis, un niño que, después de que sus padres fallecen en un "trágico accidente", termina en manos de su tío, quien es un hombre bastante peculiar para el vecindario donde vive. Aunque muchas personas, incluyendo sus compañeros de clase, tachan su nuevo hogar como el centro de posibles homicidios, Lewis conoce que, en realidad, el gran secreto de su tío es que es un hechicero sin certificado y desde hace años trata de encontrar un reloj que uno de sus colegas escondió allí, justo antes de morir. La casa se vuelve aún más terrorífica cuando, de manera accidental, Lewis libera el alma del hechicero quien ahora tiene el plan macabro de regresar el tiempo y evitar que la raza humana se desarrolle (si no va así, eso fue lo que yo entendí).

El tema con esta película es quizás la filmografía de su director, quién ha dedicado sus años a desarrollar películas de gore, slasher o comedia de terror. Probablemente muchos dirán "eso no tiene que ver, él puede dirigir películas del género que le plazca", pero hay que tomar en cuenta que, cuando te caracterizas por hacer películas de un tipo, y de repente decides cambiar a algo que podría ser completamente opuesto, la inspiración para eso puede resultar de dos maneras: un completo desastre o una sorpresa exitosa. No digo que The House with the Clock in its Walls (por Dios, que nombre más largo) sea un desastre, pero tampoco puedo mentirles en la cara y decir que estuvo genial. Es más bien una película que podría caer facilmente en la categoría de aburrida pero se salva por algunos momentos que recuerdan los aspectos más interesantes de su género. 

A su vez, la interpretación de Cate Blanchett como Mrs. Zimmermann salva al resto del elenco de caer en los estereotipos de las películas de fantasía, y se convierte en la mentora, no solo del personaje principal, sino del resto de los personajes, aún así cuando ella misma tiene sus propias debilidades y debe enfrentar sus peores miedos para poder ayudar al resto. Es el personaje más completo y mejor desarrollado de toda la película, dejando atrás al pequeño Lewis, interpretado por Owen Vaccaro quien toma la ardua tarea del personaje principal, y que aunque da todo lo mejor de sí, el guión no le ayuda en muchas ocasiones. Por su parte, Jack Black solo se queda como el tío divertido que podía entretener y contar historias, pero no más de ahí.

A pesar de los decentes efectos especiales (sobretodo en la escena de las calabazas o cuando Black se convirtió en un bebé -spoiler-), lo que verdaderamente está bien establecido es el diseño de producción, que hace énfasis a la época de los 50 en que se desarrolla la trama, donde desde carros anticuados hasta los colores y estilos de vestir apoyan la novela en que está basada esta película. Y no se puede dejar de mencionar el TICKTOCK del reloj que creó tremendos momentos de tensión, ya sea porque algo iba a pasar o porque realmente se eleva a sacar de quicio a cualquier persona.

Esta película es una visión adulta a las familias disfuncionales, sumergido en los miedos y desafíos de la infancia. Es lo más cercano que tendremos de ver a Blanchett como una heroína de acción fuera del universo de Marvel, ejecutando un escape de soporte perfecto desde un ataque de jack-o'-linternas con colmillos afilados. Las escenas que comparte con Black: "Te pondría una mirada fea, pero ya tienes una", le dice, una especie de bola de perlas, pero sin fricciones lo cual nos recuerda que a veces podemos tener un hombre y a una mujer en pantalla grande sin necesidad de forzar el romance. Gracias Eli Roth.

Sorry to Bother you

Un vendedor telefónico con problemas de autoestima descubre la clave para el éxito en el negocio. Pero cuando empieza a subir escalones en la compañía, sus amigos activistas denuncian prácticas laborales injustas. (FILMAFFINITY)

Está de moda contar historias sobre problemas sociales, pero lo importante no es simplemente contarlas, sino cuanta creatividad tiene el cineasta para contarlas de una manera única y fuera de lo tradicional. Esto es lo que hace que una historia sobre injusticias laborales pueda ser divertida y a la vez educativa. Boots Riley hace su debut como director con Sorry to Bother You.

En un presente alterno en Oakland (California), Cash es un joven que trata desesperadamente de conseguir un trabajo. Su personalidad tan introvertida y valoración propia le hacen aún más difícil la oportunidad de lograr cosas en la vida, hasta que en su más reciente trabajo logra algo que pocas personas se han atrevido a hacer: cambiar su actitud  (o mejor dicho, su voz) para brindar el servicio al cliente. 

Pero de manera aleatoria, sus propios compañeros de trabajo deciden hacer huelga a las injusticias laborales que deben enfrentar, como el salario mínimo o abuso de horarios de trabajo. Ahora Cash tendrá que decidir entre seguir subiendo en su nuevo trabajo o unirse a la causa de las únicas personas que han sido sus verdaderos amigos.

Keith Stanfield es un actor que se ha destacado por establecer un tipo de personaje que se presenta tímido o introvertido, pero que cuando se debe enfrentar a algo o alguien siempre lo hace de una manera inolvidable (nunca olvidaremos su personaje en "Get Out"). Y así mismo sucede en esta ocasión donde no solo crea a una persona tridimensional en Cash, sino también que lo va cambiando a paso de bebé y que lo hace creíble. Que no solo se trata de adaptarse a su nuevo trabajo y su nueva vida, sino también como él mismo trata de cambiar este nuevo mundo del que es parte.

Es importante resaltar que la realidad de la película es completamente exagerada: aquí no se trata de que tan reales son los hechos, sino que tan satíricos pueden llegar a ser. A pesar de estar narrando una situación global, Boots Riley crea personajes elocuentes a su manera y acciones que sólo tienen lógica en este mundo. Parecerán demasiado alocadas e inesperadas, pero lo que en realidad hace es romper con el estereotipo de que los tráilers cuentan todo. 

Del mismo modo, cuenta con una fotografía muy peculiar, donde el principal aspecto a resaltar son las emociones y locuras de sus personajes, pero a la vez las locuras del mundo en el que viven. Mientras tanto, la banda sonora le da un aspecto de video musical o videos de campaña, queriendo hacer meschandizing de las mismas ideologías de la película.

Aunque es una película sumamente irregular, es lo suficientemente original y rara para sobresalir en el mercado. Sorry to Bother You es alocada y ambiciosa donde los momentos más ridículos tienen su pizca de realidad, mostrándonos una versión distorsionada y paranoica de la época actual.

Ant-man and the Wasp

Después de "Capitán América: Guerra Civil", Scott Lang lidia con las consecuencias de sus elecciones como superhéroe y padre. Mientras lucha por mantener un equilibrio entre su vida hogareña y sus responsabilidades como Ant-Man, se enfrenta a Hope van Dyne y al Dr. Hank Pym con una nueva misión urgente. (FILMAFFINITY)

Una de las preguntas más populares que dejó Avengers fue: ¿dónde está Ant-man y por qué no participó en la batalla? Bueno... digamos que es culpa de su vida de criminal, y destruir medio aeropuerto junto al Capi y compañía. Después de dos años bajo arresto domiciliario, Scott está muy cerca de dejar de vivir encerrado.

Hope Van Dyne (Evangeline Lilly) ya usa el traje de The Wasp (La avispa) y junto a su padre Hank Pym (Michael Douglas), el primer Ant-Man e inventor de toda la tecnología que hace posible alterar tamaños de personas y objetos, han creado desde la clandestinidad una máquina para poder ir y volver del reino cuántico, ese mundo de lo infinitamente pequeño en el que la madre de Hope (la primera Avispa) quedó atrapada hace 30 años. En la primera película de Ant-Man, Scott Lang sí pudo volver, así que recurrirán a él para que los ayude.

Pero ellos no son los únicos que quieren usar esta máquina. También están detrás una banda de traficantes de tecnología y Fantasma, una villana que atraviesa cualquier materia pero necesita estabilizar sus poderes. Y detrás de todos ellos está la policía.

Cada película de Marvel tiene una comedia distinta. Sí, se supone que es acción y aventura, lo cual se puede apreciar muy bien en cada escena de la película; no obstante, tiene un estilo humorístico muy particular de su historia, la cual la diferencia no solo del resto de las películas de Marvel, sino incluso de la primera versión.

Aquí se puede ver un Scott más consciente de su poder, tratando de ser responsable, pero a la vez sin dejar a un lado el sentido humorístico del personaje. A su vez, se conoce más de cómo ha cambiado su vida y la vida de las personas que le rodean desde que lo vimos en su última película en solitario. Pero no es el único actor que se roba el protagónico (aunque se supone que es el protagonista), también hay que darle créditos a la Avispa/Hope sobretodo en las escenas de acción que sobrepasan a lo que hizo Ant-Man, y a Fantasma/Ava quien es una antagonista mucho más tridimensional que los demás villanos de este universo.

La diversión de Ant-man (de cambiar de tamaño con gran facilidad) es más aprovechado por Wasp que por el mismo protagonista, quien se ve atrapado en un nuevo traje y no logra controlarlo como debería. Sí, es quien logra recuperar el laboratorio de todos los secuestradores que iban tras este, logra hacer comunicación con la madre de Hope, pero no es el único héroe de la historia, pues incluso (Spoiler alert) quien derrota a Ghost es la madre de Hope.

"Ant-Man and the Wasp", dirigida por Peyton Reed, es una película light, que le dará a la audiencia un respiro después de todo lo acontecido en "Infinity War", con un buen ritmo que la convierten en una película fresca, entretenida y casi independiente de la gran trama de Thanos vs. Avengers... hasta que llegan los post-créditos.