Crítica Cinéfila: Moana 2

Tras recibir una inesperada llamada de sus antepasados, Vaiana debe viajar a los lejanos mares de Oceanía y adentrarse en peligrosas aguas perdidas para vivir una aventura sin precedentes. Secuela de "Moana".

Walt Disney ha tenido una relación extraña con las secuelas. Durante mucho tiempo, las secuelas de sus clásicos animados se subcontrataban en gran medida como producciones en baja escala presupuestal para televisión digital. Por otro lado, su película más exitosa hasta la fecha es Frozen II, que recaudó mil millones de dólares. Inside Out 2 también tuvo un gran logro durante su estreno de verano, recaudando casi 2 billones. Moana 2 ha tenido una travesía antes de llegar a la pantalla grande: comenzó como una propuesta de serie de televisión, antes de finalmente cambiar de rumbo y dar el salto a las salas.

Y gracias a Dios que lo hizo, porque esta calidad de animación merece cada centímetro de una pantalla de cine. Moana 2 es una nueva versión que va a lo seguro, y aunque mantiene la misma fórmula que la original, sigue siendo igual de encantadora y hermosa a la vista. El nuevo trío de directores David Derrick Jr, Jason Hand y Dana Ledoux Miller se mantiene fiel a la integridad de la historia de 2016: una aventura en el mar con la adolescente polinesia Moana (Auliʻi Cravalho) y su amigo semidiós tatuado que cambia de forma, Maui (Dwayne Johnson).

Ambientada años después de los eventos de la primera película, nos encontramos, como era de esperar, con una canción explicativa que nos hace mover los pies. Nos enteramos de que el pueblo ahora es exuberante y próspero después de que Moana lo rescatara de la perdición, y ella ahora es una celebridad, una "buscadora de caminos marinos" cuyo característico movimiento de cabello es imitado por sus superfans, entre ellos su escandalosamente adorable hermana pequeña, Simea (Khaleesi Lambert-Tsuda). Pero los ancestros siguen llamándola: su comunidad aislada necesita encontrar otros pueblos más allá del horizonte. Así que zarpa en un nuevo rumbo.

Moana sigue siendo una heroína muy atractiva, especialmente para las niñas, y Cravalho todavía tiene un impresionante conjunto de voces, especialmente en su nueva canción insignia 'Beyond'. El Maui de Dwayne Johnson deja un poco menos de impresión: su canción, 'Can I Get A Chee Hoo', no es exactamente la melodía pegadiza y agradable de 'You're Welcome' (esto quizás se debe a que Lin-Manuel Miranda, quien fue el compositor principal de la primera película, no regresó para la segunda película). Pero Maui y su anzuelo mágico siguen siendo el arma secreta de la franquicia: tan pronto que aparece en cámara como un tiburón de medio cuerpo, te estás divirtiendo. Sigue siendo el mejor papel de Johnson.

Esta vez Moana cuenta con mucha ayuda: además de viejos amigos (entre ellos su cerdo Pua, su gallo Heihei roba-escenas y un espíritu del océano antropomórfico, al estilo de Abyss), también se le une una nueva tripulación. Uno siente que estos personajes podrían haber tenido más que hacer en un formato televisivo, pero siguen siendo muy divertidos. Como la extravagante ingeniera de barcos Loto, la comediante Rose Matafeo en particular tiene un solo rápido, al estilo de Miranda, mientras que David Fane, habitual de Taika Waititi, tiene un buen papel como un granjero gruñón que no sabe nadar y odia las canciones. Incluso los Kakamora, con cabeza de coco, disfrutan de un arco emocional propio.

La canción sobre trabajar juntos, estar a la altura de la responsabilidad y el destino en movimiento como "What Could Be Better Than This?" y "Get Lost", son típicas de las películas modernas de Disney, al igual que la sensación de peligro estrafalario. Sin embargo, a pesar del peligro constante, no hay un antagonista directo aquí, aparte de una tormenta maldita; de hecho, el verdadero villano aquí es el mal tiempo y la constante necesidad de irse por lo seguro. Lo cual está bien, en realidad: deja más espacio para deleitarse con la mitología de fantasía oceánica increíblemente representada.

Se trata de una diversión animada de un estándar muy alto y una narración que se apoya en la fórmula sin depender de ella. Y, como en la primera película, hay una sensación de que Disney no busca repetir los errores del pasado, celebrando la cultura polinesia con sus rituales, bailes, cantos e historias arraigadas en la autenticidad. No se convertirá en mi película favorita de todos los tiempos, como lo logró la original, pero es repetible.

Crítica Cinéfila: Wish

Asha y una pequeña bola de energía ilimitada llamada Star demuestran que cuando la voluntad de un ser humano valiente se conecta con la magia de las estrellas, pueden suceder cosas maravillosas.

¿Una joven valiente que se destaca a través de un "peligro" que ataca a su familia/comunidad a través de números musicales enérgicos? Listo. ¿Animales que hablan? Listo. ¿Un adorable compañero de origen indeterminado? Listo. ¿Un malhechor amenazador que trafica principalmente con aterradora magia verde? Listo. ¿Un mundo poblado casi exclusivamente de ciudadanos adorables que continuamente cantan? Listo. ¿Pariente cercano muerto? ¡Listo! Para su último lanzamiento animado original, Disney se apega a los elementos habituales con algunos giros aquí y allá, la mayoría de ellos atractivos para familias cinéfilas desesperadas por una nueva película para entretener a los niños durante las vacaciones.

Codirigida por el veterano de Pixar, Chris Buck (“Frozen”), y la directora Fawn Veerasunthorn (artista de cuentos desde hace mucho tiempo, conocida por su trabajo en “Moana” y “Raya and the Last Dragon”), “Wish” se siente superficialmente familiar, pero contiene algunos elementos contemporáneos astutos que insinúan una nueva dirección para Disney. Coescrita por Buck, Jennifer Lee (directora creativa de Disney Animations y maestra de “Frozen”) y Allison Moore, “Wish” realza algunos elementos clásicos (¡autodeterminación! ¡Cuidado de los demás! ¡Música!) y acentúa en otros novedosos (nuestra heroína es una chica de 17 años sin un interés amoroso a la vista; lo que más le interesa es su familia y su círculo increíblemente grande de amigos).

A pesar de su comienzo literal como un libro de cuentos, “Wish” ofrece una isla mágica sin ataduras a otros cuentos de hadas. La gente de Rosas es un elenco diverso de personajes; son inmigrantes que buscan una nueva vida en esta próspera ciudad del Mediterráneo. Su amado Rey Magnífico (con la voz de Chris Pine) promete nuevas oportunidades a través de sus propias habilidades mágicas (se nos dice que adquirió sus poderes a través de su pasión personal y erudición ilimitada, inspirada por algún ligero trauma infantil desconocido).

Si bien la promesa de Rosas suena genial en el papel, cuéntale tu deseo al Rey Magnífico cuando cumplas 18 años, y tal vez él te lo conceda. Hay reglas en torno a esta concesión de deseos que hacen que todo empiece a parecer mucho menos mágico. Resulta que una vez que le cuentas al rey tu deseo, lo olvidas. Esto inevitablemente imbuye a la mayoría de los felices habitantes de Rosas con una suave tristeza que no pueden nombrar. Y, como pronto aprende nuestra heroína Asha (con la voz de Ariana DeBose) durante la peor entrevista de trabajo del mundo con el rey (una parte de revelaciones impactantes, dos partes de encantadores cantos a dúo), Magnifico solo concederá los deseos que crea que son buenos para Rosas. Los deseos, representados aquí como orbes azules flotantes y brillantes, no pertenecen a Magnifico, pero él parece pensar que está a cargo de ellos.

Asha, una residente de toda la vida de Rosas que ama tanto a su comunidad que da vertiginosamente recorridos turísticos a posibles nuevos ciudadanos y espera conseguir un trabajo como aprendiz del rey (el mejor trabajo en la isla, dicen), se da cuenta del mal latente de este plan casi de inmediato. Después de todo, su amado abuelo (con la voz de Victor Garber) acaba de cumplir 100 años y su deseo nunca se ha cumplido, a pesar de que es un sueño encantador, hermoso y de corazón puro que principalmente implica preparar a Rosas y su generación más joven para el éxito. ¿Qué podría estar mal con eso? Para el fanático del control Magnifico, "mucho".

Horrorizada por la verdad de su reino, Asha, con el corazón roto (y su compañero cabrito Valentino, finalmente expresado por Alan Tudyk) se dirige a su lugar favorito en la isla (uno que ella, naturalmente, asocia con su amado y fallecido padre), un enorme árbol que sobresale sobre la tierra, prácticamente hasta el cielo. Y, cuando Asha expresa su propio deseo, toda la fuerza y ​​el poder de su súplica atrae una estrella del cielo (representada como un ente risueño y blando que inevitablemente engendrará toda una serie de risueños y blandos), con Estrella aterrizando en Rosas, esta estará empeñada en ayudar a Asha y su gente.

Los propios poderes de Estrella son un poco confusos, pues lo primero que hace es esparcir polvo (de estrellas) por toda Asha, Valentino y toda una maraña de flora y fauna del bosque (hongos, árboles, conejos, ciervos, búhos, osos y más) haciéndolos que puedan hablar, conduciendo a una canción y baile verdaderamente psicodélico (y ligeramente alucinógeno) que, lo mejor que podemos decir, hará maravillas para enseñar a los niños que todos estamos hechos literalmente de material de estrellas. (Suponemos que también impulsará a algunos niños traumatizados a interesarse tempranamente por el veganismo). “I'm a Star” es una de las mejores canciones de “Wish”, que alterna entre un nuevo clásico y una canción olvidable con sorprendente regularidad (cualquier cosa que cante Pine es memorable, al igual que cualquier cosa que cante DeBose suena increíble). Pero las técnicas de Estrella se aclaran cuando se logra interpretar que puede hacer cualquier deseo realidad. Lamentablemente, para lograr esto, debe recuperarlos de la guarida de Magnífico.

El equipo de Disney utilizó el sistema de dibujo digital Meander, galardonado con el premio Academy Sci-Tech, para crear “Wish”, que a menudo parece pictórico y hecho a mano (especialmente cuando se centra en Asha y sus adorables pecas, sus trenzas realistas y su apariencia general genuinamente encantadora). También deslumbra durante los escenarios más importantes, pero se vuelve confuso cuando se trata de momentos más tranquilos y secuencias que involucran a multitudes más grandes. Manténgase concentrado en Asha, Star y el cada vez más loco Magnifico (Pine claramente se lo está pasando genial), y "Wish" será fácil de entender.

Quizás demasiado fácil. Mientras Disney celebra su centenario, “Wish” sirve como un retroceso al pasado, una celebración del presente y un suave empujón hacia el futuro. Dicho esto, hay un sinnúmero de referencias de otros clásicos de Disney, incluyendo por alguna extraña razón a Peter Pan y Wendy. El viaje de Asha es clásico, pero su origen birracial, la historia de los inmigrantes en el centro, su grupo diverso de amigos y saltarse un amor, la hace aún más moderna. La subtrama de interés insinúa algo más subversivo, algo más oportuno, algo más interesante en marcha en la Casa de Walt Disney. Eso es lo que deseamos ver más, y pronto.

Crítica Cinéfila: Elemental

Ambientado en Ciudad Elemento, donde conviven habitantes de fuego, agua, tierra y aire. La protagonista de la historia es Candela, una joven fuerte, ingeniosa y con carácter, cuya amistad con un chico divertido, sensible y tranquilo, llamado Nilo, cambia su perspectiva sobre el mundo en el que viven.

Allá por 2009, Peter Sohn dirigió el corto de Pixar, "Partly Cloudy". La historia de Sohn, de nubes antropomórficas que generan bebés de varios tipos para ser entregados por cigüeñas, es exactamente el tipo de cuento caprichoso pero efectivo que caracterizó durante mucho tiempo a la compañía, con los cortometrajes como incubadoras no solo de ideas que funcionaron como historias sin diálogo, sino también por los avances en la tecnología de animación.

Corte a más de una década más tarde y Sohn nuevamente tiene la cabeza en las nubes, esta vez con Elemental, otra hazaña audaz e impresionante en su destreza técnica de animación con una historia emocionalmente rica que se extiende por todas partes. En esencia, Elemental es una historia de amor intercultural, con temáticas como la tenaz lucha de inmigrantes, y una película sobre los desafíos del aislamiento cultural y las responsabilidades de respetar los sacrificios de aquellos que nos precedieron.

Todo esto es algo embriagador en lo que ostensiblemente se caracteriza como entretenimiento para niños, pero las películas de Pixar rara vez han rehuido las preocupaciones más adultas, o al menos adolescentes. Elemental le debe mucho a gente como Amélie con su sentido del romance con los ojos muy abiertos, pero también más que un poco de "Guess Who's Coming to Dinner?" y una pizca de "In The Heights", o incluso cuentos más trágicos como "West Side Story", donde diferentes individuos reaccionan fuertemente a los que interactúan fuera de su círculo, y los amantes desventurados deben superar los prejuicios de quienes los rodean.

Ember Lumen (Leah Lewis) es una residente de mal genio de Fire Town. Trabaja en la tienda de su padre, donde Bernie (Ronnie del Carmen) lleva años esperando el día para pasárselo a la nueva generación y mantener viva la llama. Él y su esposa Cinder (Shila Ommi) emigraron, y su suspicacia a aceptar otros elementos lo ha hecho protector de su comunidad y de la perspectiva de su hija.

Cuando un burócrata del elemento agua llamado Wade Ripple (Mamoudou Athie) entra inesperadamente en la vida de Ember, las cosas realmente comienzan a hervir cuando los dos se ven obligados a cooperar para resolver un problema existencial para Fire Town. En el camino, se acercan más entre ellos a pesar de sus diferencias obvias y se encuentran con otros personajes más terrenales y aireados, cada uno de los cuales contribuye con su propio aspecto a la comunidad en general.

Expresado de esta manera, parece ser una película con un mensaje demasiado simplificado sobre puntos de encuentro interculturales y varias formas de prejuicio y estrechez en las miradas juzgonas, pero para crédito de “Elemental” no funciona como un mensaje didáctico de unión. Hay razones reales y motivadas para las respuestas, particularmente las de la generación anterior, y en todo caso, la empatía de la película funciona en todos los elementos, que llegan a comprender todo, desde una respuesta bulliciosa durante un juego de “aeroball” hasta las preocupaciones muy reales por la salud y problemas cardíacos para evitar que el espíritu de una comunidad única se desborde.

“Elemental” requiere eventos dramáticos para escalar, por supuesto, y cuanto más uno calcula lo que sucede y la facilidad con la que se superan estas consecuencias reales, hace que la trama se sienta un poco más fácil de lo que debería. El tercer acto es enérgico, pero no tiene la mordida que podría haber tenido en otro contexto; sin embargo, aun así hace bien en hacer avanzar la narración y al menos dar una sensación de que se están superando tribulaciones reales.

El acto intermedio, donde los dos elementos se conectan, es extremadamente efectivo y hay un sentimiento genuino de afecto extraído de estos personajes. Las voces hacen mucho para proporcionar una química real, pero también hay una animación absolutamente sublime en juego, utilizando la dinámica de la llama y el agua de maneras que, para cualquier persona familiarizada con los desafíos de dar vida a estas cosas utilizando las herramientas de manipulación poligonal, se siente como magia otorgada por la tecnología de hace solo unos años. Damos por sentado que cualquier cosa que uno pueda imaginar ahora se puede ver en la pantalla, sin embargo, hay algunas formas artísticamente audaces de hacer que el agua y especialmente las formas de llamas orgánicas y tenues de Ember y su familia cobren vida.

Es posible que “Elemental” no alcance las alturas a las que se elevó “Up”, pero los ingredientes de esta película se combinan de maneras que son satisfactorias e incluso conmovedoras. Es una historia tonalmente desafiante para hacerlo bien, y fácilmente podría haberse convertido en algo demasiado directo o demasiado estridente en su mensaje. En cambio, se nos otorga una película que sube y baja en intensidad, fluyendo junto con una trayectoria segura que habla de problemas más importantes sin ahogarse en mensajes abiertos. 

Además, Elemental puede no tener el atractivo incorporado de los personajes preexistentes, pero su construcción del mundo recuerda a otra joya subestimada bajo el paraguas de Disney (Zootopia), en sí misma una bella historia animada que integra elementos narrativos no muy diferentes. Sin embargo, “Elemental” se las arregla para construir su propio camino, empleando una estructura de historia satisfactoria y una animación de personajes sutil pero espectacular para dar vida a esta trama. Los resultados, como el romance en sí, pueden ser mixtos, pero hay mucho que celebrar sobre estos elementos.

 

Crítica Cinéfila: Stan Lee

"STAN LEE" es el documental oficial sobre Stan “The Man” Lee y su periplo hasta convertirse en un referente del mundo del cómic y de la cultura pop: desde su infancia como Stanley Lieber hasta el ascenso meteórico de Marvel Comics. A partir de material de archivo personal, "STAN LEE" cuenta la historia de Stan Lee (su vida, su carrera, su legado) con las propias palabras del autor.

“Stan Lee”, un documental sobre el hombre que, junto con Jack Kirby y Steve Ditko, creó Spider-Man, X-Men, Iron Man, Thor, Black Panther y muchos otros personajes icónicos de Marvel, se enfoca selectivamente en la leyenda del cómic, su carrera y, en mucha menor medida, su vida personal, podando información considerable sobre sus otras empresas y disputas legales. Está coproducida por Marvel Studios, por lo que la película, que recibe su estreno mundial en el Festival de Tribeca y se transmite en Disney Plus, como se esperaba, canta sus alabanzas. 

  

Lee mismo proporciona póstumamente la narración en primera persona, aunque indirectamente a través de varias entrevistas de archivo y discursos pronunciados a lo largo de los años, que el cineasta David Gelb ("Jiro Dreams of Sushi") ha ensamblado cuidadosamente en función de la cronología de los eventos fundamentales de su vida. . Para ilustrar la narración, Gelb ha empleado material de archivo y fotos convencionales, así como tiras cómicas y figuras de plastilina no tan convencionales. Todos los paneles parecen haber sido seleccionados de publicaciones antiguas de Marvel, aunque no es evidente de inmediato si se ha encargado alguna obra de arte original específicamente para el documental. Las figuras de arcilla son interesantes pero no realmente relevantes para Marvel per sé. 

Su historia comienza en 1922 cuando Stanley Lieber nació en la ciudad de Nueva York, en una familia de inmigrantes de Europa del Este. Era un ávido lector de "La Odisea", Sherlock Holmes y otros, y aspiraba a convertirse en Errol Flynn cuando creciera. Su padre, Jack, a menudo estuvo desempleado durante la Gran Depresión, lo que le inculcó desde temprana edad la importancia de un trabajo estable. Involuntariamente se metió en la publicación en 1939 después de una sugerencia de su tío. En Timely Comics, el predecesor de Marvel, inicialmente ayudó al editor Joe Simon y al ilustrador Kirby. Pronto comenzó a incursionar como un relleno de texto y adoptó a Stan Lee como su seudónimo. En 1941, después de que Simon y Kirby se fueran, Lee se convirtió en el editor de facto. 

  

Se ofreció como voluntario durante la Segunda Guerra Mundial y fue asignado a trabajar en manuales de capacitación debido a su experiencia en publicaciones. Lee regresó a los cómics en 1947, desempeñando múltiples funciones como editor, director de arte y escritor. La empresa producía unas 100 revistas al mes. Para 1961, se había vuelto insatisfecho con el contenido trivial que estaba produciendo. Con el regreso de Kirby al redil, Lee cambió sus prioridades para crear personajes e historias identificables que personalmente disfrutaría leer, comenzando con los Cuatro Fantásticos. El ejemplo proporcionado en la película muestra al cuarteto de superhéroes desalojados de su sede porque no podían pagar el alquiler. Otro es que Spider-Man recibe un cheque que no pudo cobrar porque no pudo proporcionar una identificación a pesar de su disfraz. Lee sintió que estos prepararían mejor a los lectores jóvenes para el mundo real.   

Los fanáticos seguramente disfrutarán de estas anécdotas sobre cómo surgieron sus superhéroes favoritos. Además de crear héroes defectuosos y villanos simpáticos, Lee quería personajes con los que las mujeres y las minorías pudieran identificarse. También sintió que las historias necesitaban moral sin ser sermón, y desafió el Código de Cómics para publicar una serie de libros de Spider-Man con mensajes antidrogas.  

Cuando Lee ya no tuvo tiempo de escribir correctamente los cómics, dio sinopsis a los ilustradores y luego llenó globos con palabras según lo que entregaron. Las historias se inspiraron en eventos actuales, como la Guerra de Vietnam y las actividades del Ku Klux Klan. La oficina de Marvel tenía una energía espontánea y caótica, con creativos saltando por todos lados para representar escenas. Curiosamente, este espíritu parece haberse desvanecido de las adaptaciones cinematográficas que Marvel Studios está produciendo sin alegría en una línea de montaje. Una vez que la línea de tiempo llega a la década de 2010, el documental sugiere que los únicos aspectos destacados de su vida fueron hacer apariciones especiales y dar credibilidad callejera a las películas de Marvel, pero particularmente a su participación como el creador original de todo este universo. 

Aunque nadie espera que un documental de Stan Lee con la participación de Marvel sea menos que halagador, al menos la película es transparente sobre sus disputas con Kirby y Ditko sobre la creación de todos los amados personajes. La película incluso incluye una discusión entre Lee y Kirby en una transmisión de radio de 1987, más de una década después de su colaboración histórica. 

  

El documental de Gelb ofrece a los espectadores una visión general de quién era Lee y qué lo motivaba, pero principalmente dentro del contexto de los cómics. Hay pocos fragmentos de sonido de otros sobre él, siendo el más destacado el de su difunta esposa, Joan. Aunque la película puede satisfacer a algunos fanáticos obsesivos e historiadores de sillón, se siente más como un tributo bien elaborado al autor intelectual detrás de la propiedad intelectual más grande de The Walt Disney Company.

Crítica Cinéfila: Encanto

Cuenta la historia de una familia extraordinaria, los Madrigal, que viven escondidos en las montañas de Colombia, en una casa mágica situada en un enclave maravilloso llamado Encanto. La magia de Encanto ha dotado a todos los niños de la familia un don único, desde la súperfuerza hasta el poder de curar... Pero se olvidó de un miembro de la familia: Mirabel.  

Dirigida por Jared Bush y Byron Howard (el coguionista y codirector de "Zootopia"), con Charise Castro Smith como codirectora, "Encanto" ha sido visualizada con un vivaz resplandor naturalista que, por momentos, es casi psicodélico. Las canciones, de Lin-Manuel Miranda, son contagiosas, manteniendo a la película vibrando. Y la imagen completa es lo suficientemente intrincada y lograda como para hacer que la era en la que la película animada promedio de una casa de Disney estaba varios niveles por debajo de la de Pixar parezca historia antigua. Sin embargo, a pesar de todo el deslumbramiento que se exhibe, nada de eso significaría mucho si "Encanto" no presentara el conmovedor viaje de su heroína de una manera que no dejara de sorprenderlo. Esa es la clave para una animación cautivadora: se mantiene un ritmo jubiloso por delante de la audiencia.

Puede ser irónico, pero ciertamente es innegable que una fuerza clave que convirtió el poder femenino en un motor de la cultura popular fue Walt Disney Studios. Si quisieras, podrías ubicar la era del poder femenino contemporáneo en dos películas de Disney: "La Sirenita" (1989), con el personaje retro de autorrealización de su heroína principal, y luego, al año siguiente, "Pretty Woman”, que puso su sello en la era del feminismo moderno de la princesa con tanta seguridad como lo hizo“ Sex and the City ”ocho años después. Los animadores de Disney mantuvieron encendida la antorcha del poder femenino en todo, desde "Brave", pero estaba en "Frozen" que Disney forjó una epifanía del poder femenino. Elsa, la princesa que podía congelar cualquier cosa en su órbita, era una heroína dotada de poderes que ella consideraba demasiado fuertes; ella era una metáfora primordial de las dudas que una niña puede sentir acerca de dar rienda suelta a la plenitud de su propio ser.

"Encanto", aunque no es tan grandioso ni tan inquietante como "Frozen", es en gran medida una composición de seguimiento de lo que se siente para una niña al buscar habilidades que desatarán su verdadero yo. Mirabel, con ojos risueños y la vibra de una estudiante inteligente de primer año en Stanford, es amable, valiente y autosuficiente, y acepta su lugar dentro de su familia, o, al menos, trabaja muy duro para hacerlo. Pero ella es como la única mortal en un clan de X-Men, y para ella eso es desalentador.

Su madre, la cariñosa Julieta (Angie Cepeda), tiene la capacidad de curar las dolencias de las personas con su cocina, mientras que las hermanas y parientes de Mirabel tienden a ser superestrellas obsesionadas con su propia imaginación. Como, por ejemplo, su hermana Luisa (Jessica Darrow), cómica descomunal y de voz baja, que tiene superfuerza pero define su existencia enteramente a través de ese atributo; su tía Pepa (Carolina Gaitán), una especie tempestuosa que lleva una mini tormenta sobre su cabeza; su primo cambiante Camilo (Rhenzy Feliz), que sufre de una identidad débil; más prominentemente, su hermana Isa (Diane Guerrero), una princesa altiva "perfecta" que puede hacer florecer en cualquier lugar, lo que significa que nunca pierde la oportunidad de hacer alarde de su narcisismo florido.

Todos estos poderes y personalidades entrarán en juego, y hemos visto suficientes fábulas de superheroísmo para suponer que Mirabel finalmente localizará su propio destino mágico. Pero “Encanto” es más sutil que eso. La magia de los Madrigales es real, pero tiene una historia oscura (eran refugiados cuyo destino cambió por un milagro y ahora es sostenido por una vela de llama encendida). Su magia fluye hacia el pueblo, infundiendo y protegiendo a toda la comunidad de Encanto. Es una especie de utopía. Hasta que, literalmente, comienza a deshacerse por las costuras.

Cuando la vela comienza a parpadear, y la casa Madrigal comienza a romperse en fisuras y grietas. Mirabel, ahora bajo la mirada sospechosa de la matriarca de la familia, Abuela (María Cecilia Botero), se encarga de investigar y la película se convierte en una historia de detectives domésticos. Una figura clave es Bruno, el tío de Mirabel, expresado con un aplomo inseguro y ganador por John Leguizamo. Su capacidad para ver el futuro lo condenó al ostracismo, porque seguía siendo culpado por la más mínima mala noticia. Pero Bruno tiene la clave de lo que resulta ser un rompecabezas emocionalmente fascinante.

Una pista importante radica en que ella resuelva sus diferencias con su familia. Pero, ¿por qué eso resolvería algo? Esa es una de las ocho canciones originales que Miranda escribió para la película, todas buenas pero algunas inolvidables, como la fuerte Luisa rompiendo el juego de palabras estimulantemente complicado de "Surface Pressure" o el número de conjunto "We Don't Talk About Bruno", que tiene un coro lo suficientemente pegadizo. 

Toda la película tiene una vibra de forma libre y voluble, donde los personajes son obligados a encontrar antagonistas en sus propias inseguridades. ¿Hay algún villano? Por un momento, seguro que lo parece. Pero resulta que lo más vil de este astuto y conmovedor cuento de hadas es ignorar el amor que tenemos ante nuestras narices.

Crítica Cinéfila: The Lion King

Tras el asesinato de su padre, Simba abandona su reino para descubrir el auténtico significado de la responsabilidad y de la valentía. Remake de "El Rey León" (1994).

Sin importar a qué generación perteneces, seguro has visto en más de una ocasión la película El Rey León (1994), una de los clásicos de Disney, no solo por sus memorables canciones, sino por su temática y sus personajes tan específicos. Año tras año ha seguido uniendo más familias a su fanaticada que se extiende desde los más pequeños hasta los más adultos que vivieron su estreno. Pero en esta época de los avances de CGI y adaptaciones de clásicos, el director Jon Favreau, quien también adaptó The Jungle Book en 2016, trae a Mufasa y toda la manada en una nueva versión casi sacada de Discovery Channel.

Tal y como su versión original, el pequeño Simba (JD McCrary) es el hijo de Mufasa (James Earl Jones) y heredero a ser el rey de la sabana donde ellos habitan junto a sus súbditos. Mientras más crece el pequeño león, más se emociona de la idea de llegar a ser como su padre, quien a diario le enseña el significado del círculo de la vida; sin embargo, los celos de Scar (Chiwetel Ejiofor), el hermano de Mufasa, se mantienen latentes con la idea de llegar al trono, y cuando ve la posibilidad de ser el siguiente en la línea para gobernar, decide asesinar a Mufasa y culpar a Simba del hecho. Simba escapa, y termina en tierras desconocidas donde conoce a Timón (Billy Eichner) y Pumba (Seth Rogen), quienes le dan un nuevo estilo de vida, enseñándole el significado de la frase Hakuna Matata.

Años después, Nala (Beyonce) decide salir de la sabana, ahora completamente destruida por los ataques constantes de las hienas. Su plan es conseguir ayuda y lo que menos se espera es que se reencontraría con Simba (Donald Glover) quien está feliz de ver a su mejor amiga, pero se niega a volver a dar la cara, todavía lleno de culpa por la muerte de su padre; sin embargo, esta no es su decisión, pues tal como le enseñó su padre, el círculo de la vida se enfoca a seguir adelante y lograr nuestros objetivos, sin importar cuantos obstáculos hayan de por medio.

Jon Favreau ha sido un reconocido director, actor y productor, quien ha demostrado su don tanto fuera como dentro de la pantalla grande. Después de su trabajo en The Jungle Book, no cabía duda de que The Lion King sería revivir la original; sin embargo, su plan no era mejorar la versión, pues siendo honestos, eso es misión imposible. Su verdadero objetivo era dar una visión realista a este clásico, con la ayuda de las nuevas tecnologías que han logrado revivir otras películas. En esta ocasión, el CGI parece más bien escenas de un documental de Discovery Channel: la interacción de los animales e incluso sus actuaciones parecen más bien una recolección de escenas realizados a la fauna de Africa. 

Técnicamente hablando, la película es una maravilla. Posee todos los detalles inmersivos y la inmediatez táctil de un documental de naturaleza inusualmente bueno. Nos transporta a sentir el pelaje de estos animales, y queremos alejarnos de sus atronadores talones mientras la cámara se acerca hacia cada uno de los escenarios de la selva y el desierto. Es difícil imaginar que todo esto se haya creado en un estudio y que casi nada de eso sea real. Sería un gran momento para cuestionar cómo lo hicieron, excepto que lo hicieron tan bien que no queremos la explicación. Y esa es la buena noticia. 

La mala noticia es que, después de haber entrado en el reino fotorrealista, el estado de ánimo del Rey León también ha cambiado. De repente, esa icónica escena de apertura, con todos los animales reunidos para inclinarse ante el recién nacido cachorro Simba, sostenido como una especie de cetro de poder absoluto, no se siente triunfante o conmovedor, como lo hizo en su fantástico entorno animado. Pero, por supuesto, los cineastas lo reconocen. Así que ahora, cuando el viejo rey Mufasa lle muestra al joven Simba el alcance de su dominio, ahora tenemos un diálogo adicional sobre cómo no es realmente el suyo: "No le pertenece a nadie, pero será tuyo para protegerlo". 

Pero, en general, este nuevo Rey León se asemeja bastante al Rey León animado, a veces incluso replicando las mismas tomas y parámetros de edición que el original, haciendo una recreación de escena por escena, pero utilizando imágenes de animales de la vida real. No ayuda que los personajes en algunos casos hayan sido representados con tal realismo que hayan perdido toda expresión humana en sus rostros. A menos que no se siga el sentimiento en las voces de sus actores, es difícil seguir las reacciones y expresiones de los animales, que en escenas emblemáticas, como la muerte de Mufasa, no demuestran la tristeza y melancolía que amerita. Tal vez esa sea la idea: permanecer enraizados en la autenticidad zoológica sin querer dar sentimientos humanos. Pero todavía están hablando y cantando, solo que ahora sus caras son inexpresivas; es una extraña desconexión.

Eso crea una jerarquía desafortunada entre los actores, permitiendo que algunos brillen mientras que otros se desvíen. Como Scar, el tío intrigante y amargado que mata a Mufasa y reclama el trono para sí mismo, Chiwetel Ejiofor trae el tipo de energía aullante y gruñona que esperarías de un verdadero Shakespeare; se conecta a las furiosas pasiones de la historia. Cada vez que está "en pantalla", la película tiene un poder genuino.

Como el adulto Simba, Donald Glover se mantiene demasiado por encima de la refriega. Normalmente es un buen actor, pero aquí sentimos una distancia entre su personaje y su voz. Como Nala, Beyoncé sufre un destino similar. El león que habla puede parecer realista, pero cuando escuchamos su diálogo, todo lo que vemos es a Beyoncé en una cabina de grabación, leyendo líneas. Pero esto no ocurre con Seth Rogen y Billy Eichner, quienes son encantadores como el jabalí Pumba y el suricato Timón, robándose casi toda la magia de la película.

El nuevo remake de acción en vivo de Disney de Favreau, The Jungle Book, era una obra maestra. Cada vez que El Rey León se apega a ese enfoque, funciona de maravilla. Cuando Simba da su último paseo solitario para aceptar su destino real, su supuesto momento de triunfo, podemos sentir su vacilación. Del mismo modo, la actuación nocturna de Scar de "Be Prepared" hace un eco burlón de la escena de apertura del "Círculo de la Vida": en lugar de hacer que toda la sabana se doblegue ante su heredero a la luz de la mañana, Scar reúne su fantasmal reunión de carroñeros, mientras salta burlonamente y cantando, furioso, despectivo y orgulloso.

Mientras que números como "Be Prepared" y la interpretación de Timon y Pumba de "Hakuna Matata" conservan su encanto, las canciones también son desiguales en este nuevo Rey León . El dueto de Glover y Beyoncé de "Can You Feel the Love Tonight" es, como una pieza de audio, absolutamente glorioso, y sin embargo tiene poco impacto en la pantalla, porque ni Simba ni Nala han aparecido como personajes intrigantes. Las dos nuevas piezas que se han agregado también parecen estar fuera de lugar, pero eso podría deberse a que las viejas canciones son muy familiares en este momento. 

The Lion King es un recordatorio conmovedor de lo que se puede lograr con todo el talento y dinero en el mundo, así como una historia de advertencia de lo que puede suceder cuando no hay una visión para unirlo todo. Sin embargo, no deja de ser impresionante y hermosamente concebida en cada una de sus escenas.

Crónica Cinéfila: Toy Story 4

Cuando Bonnie añade Forky, un nuevo y reluciente juguete a su habitación, arranca una nueva aventura que servirá para que los viejos y nuevos amigos le enseñen a Woody lo grande que puede ser el mundo para un juguete. 

En 1995 se estrenó la primera película de Toy Story, una de las películas más exitosas y emblemáticas de Pixar y Disney, con un perfecto rating de parte de las críticas y la audiencia. Las que le siguieron mantuvieron la esencia de su primera película; aunque tenían la misma estructura y la misma idea de "juguetes perdidos que deciden irse a la aventura y encontrar su hogar", la originalidad y distingüidad se mantuvo siempre. Y así lo logró igualmente Toy Story 4.

Cuando Andy decide dar sus juguetes a Bonnie, su vecina, Woody y la pandilla encuentran un nuevo hogar donde su razón de existir (ser el juguete de un niño) se mantiene. Sin embargo, para Woody no parece ser un cuento de hadas. A pesar de tener una dueña, es un juguete olvidado en el fondo del closet. Un día, decide escaparse al Kindergarden en la mochila de Bonnie y allí es testigo de una de sus primeras creaciones del Jardín de niños: Forky, quien resulta ser un tenedor/cuchara destinado a simplemente ser usado y botado a la basura. Sabiendo lo importante que es Forky para Bonnie, Woody lo protege constantemente, evitando que el mismo Forky continúe lanzándose a la basura. 

Cuando la familia de Bonnie decide hacer un roadtrip y Bonnie se lleva todos sus juguetes, incluyendo a Forky, Woody vuelve a encontrar su razón de existir, siendo el niñero de Forky y vigilando de que no se autolanze a la basura. Pero cuando los intentos suicidas de Forky llegan al extremo de lanzarse por la ventana, Woody se lanza tras él y ambos se suman en una travesía de encontrar la casa rodante de la familia de Bonnie antes de que se alejen de la zona. Esta parece ser la última gran aventura de toda la pandilla juntas, más el reencuentro de algunos juguetes del pasado de Woody.

Los escritores de Pixar tienen una estructura muy particular: introducción del problema de esta historia y de los personajes que estarán involucrados, inicio de una nueva aventura, introducción de villanos y muchos más problemas en el medio hasta la confrontación final. Pero, aunque ya sabemos todo esto, porque todas hacen lo mismo, siempre tienen esos elementos en los que dices "no es lo mismo". Aquí Woody, quien ha sido el héroe en las películas anteriores, se siente abandonado y no tiene motivación; al llegar Forky a la vida de Bonnie, él siente que esta es su nueva razón y que necesita salvarlo, pero en realidad lo que él no se ha dado cuenta es que, después de tantos años siendo el juguete de un niño, ya es tiempo de retirarse. Como siempre, el maravilloso Tom Hanks le da voz al extraordinario vaquero, quien tienen nuevas metas a lograr y una realización que descubrir.

Por otro lado, la pandilla también tiene sus subtramas, como Buzz (con la voz de Tim Allen) tratando de entender su voz interior, lo que en realidad es su voz mecanizada que siempre preciso con lo que realmente él necesita escuchar; mientras que Bo Peep (con la voz de Annie Potts) quien años atrás había sido separada de la pandilla cuando la hermana de Andy la donó, ahora regresa demostrando que no tener un niño/a como dueño no significa que un juguete no tiene ningún propósito de existir, siendo aún más ágil de lo que uno esperaría de una muñeca de porcelana. Mientras que la antagonista principal, Gabby Gabby, tiene su propio propósito de maldad, que al final de la historia no resulta ser tan malvado, sino empático, prometiendo que se ganará el corazón de muchos; lo único terrorífico de ella son sus dummies que siguen su mando y cumplen con cada uno de sus órdenes.

Una vez más, Toy Story regresa con su doble mensaje: gracioso para los niños, mensajes internos para los adultos, pero con uno similar que termina siendo "tu propósito en la vida no está preestablecido", nadie llega a este mundo teniendo que ser algo en específico. Este, junto con el significado de las voces del subconsciente y el remordimiento, es uno de los tantos mensajes que trae esta película. La comedia es tan de doble sentido como recordábamos, pero aún más hilarante de lo que se esperaría con nuevos personajes secundarios que cuando están en pantalla, logran robarse a la audiencia con un pequeño momento de gloria en el que brillan hasta botar rayos por los ojos. Entre los más destacados de  Duke Caboom (Keanu Reeves), Ducky (Keegan-Michael Key), Bunny (Jordan Peele) y Giggle McDimples (Ally Maki).

Como siempre, Pixar se la luce con los camarazos que parecen salidos de la realidad. Si no fuese porque la animación no se acerca para nada a una versión de live action, la dirección de cámara podría confundir al más inocente, desde zooms de sorpresa hasta secuencias de persecusión siguiendo a los personajes mientras corren del resto del mundo. Y una vez más, el equipo de animación se la luce no solo con darle vida a tantos objetos inanimados, pero también creando escenografías tan específicas, desde un parque de diversiones completo, hasta una pequeña tienda de antigüedades. Lo que sí se mantiene es esa banda sonora, acompañada de su principal canción "You've got a friend in me" que nos va a seguir hasta el resto de nuestros días, solo para recordarnos que este es el final oficial de nuestra niñez. 

Toy Story 4 representa el final de uno de los mejores clásicos animados, el adiós final a Woody, Bo y Buzz, pero uno de los mejores recuerdos posibles a una infancia que los niños de hoy en día no entenderán. Es inocentemente e hilarántemente maravillosa, con una historia para contar hasta antes de dormir y personajes que solo uno anhela coleccionar. 

Crítica Cinéfila: Dumbo

Holt Farrier (Colin Farrel) cuenta con la ayuda de sus hijos Milly (Nico Parker) y Joe (Finley Hobbins) para cuidar a un elefante recién nacido cuyas orejas gigantes le hacer ser el hazmerreír en un Circo que no pasa por su mejor momento. Max Medici (Danny DeVito) dueño del circo, se decepciona al saber sobre las enormes orejas del pequeño paquidermo hasta que descubre que es capaz de volar, llevando al circo de regreso a la prosperidad. 

La imagen clave de " Dumbo " de Walt Disney en 1941 es algo que se asemeja a un sueño de cuento de hadas: Dumbo, el bebé elefante con ojos saltones de largas pestañas, una sonrisa cariñosa y orejas tan largas y flojas como alas, batiendo esas orejas para volar alrededor de una gran parte superior del circo, volando sobre la multitud con una libertad tan conmovedora como inexplicable. . Es una de las imágenes más puras de las películas. "Dumbo" fue la cuarta película animada de Disney (después de "Blancanieves y los siete enanitos", "Pinocho" y "Fantasía"). 

Una de los aspectos más notables es que Dumbo, después de haber sido separado cruelmente de su madre (un giro primordial que anticipa a "Bambi"), no descubre su capacidad de volar hasta los últimos seis minutos de la película. Cuando lo hace se convierte en una criatura tan encantada en su anhelo y se escapa. En "Dumbo", la magia de la capacidad de Dumbo para volar llega a la audiencia como una ocurrencia celestial, una que nos lanza a lo sublime y nos deja allí.

Las secuencias de vuelo en "Dumbo" de Tim Burton, una nueva versión del clásico de Disney, tienen un toque de la misma calidad de maravilla. Dumbo, ahora creado con efectos animatrónicos y digitales, sigue siendo una criatura linda y solitaria con orejas de disquete increíblemente grandes que nos habla con sus suplicantes ojos para pararse en lo alto de una imponente plataforma circense; su miedo y humillación son palpables. Luego, después de ingerir una pluma en su trompa (el ritual supersticioso que le da la fe para volar), se lanza hacia abajo y toma alas, y por unos momentos siente que su corazón se eleva junto con el suyo.

Pero en el nuevo "Dumbo", los divertidos y felices vuelos de nuestro héroe no son la culminación emocional de la película; empiezan temprano y ocurren periódicamente, con un efecto gradualmente menor. Dumbo, cuyo nombre real es Baby Jumbo, nace en un circo Barnstorming administrado por Max Medici, un ladrón cariñoso que fue comprado por Vandevere. El año es 1919, y su "circo" es realmente el primer parque temático del mundo, un lugar llamado Dreamland que está tan lleno de atracciones, exhibiciones y chicanery como una pequeña ciudad. Él no es un showman; es un explotador que mira a Dumbo y ve una mina de oro, y no entrega el regalo del elefante en toda su gloria agrietada, sino que exprime la maravilla a través de su empaque.

Y eso es lo que este remake demasiado ansioso y cómico pero en última instancia bastante triste, le hace a "Dumbo". Transforma una historia suave y milagrosa en una historia de rutina, pesándola con un montón de tuercas y tornillos que no necesita. El personaje de Dumbo sigue tocando, pero el relato de atrapamiento y rescate que lo rodea no lo es. Es arduo y olvidable, y aparte de ese elefante FX, la película no tiene un solo personaje que nos enganche emocionalmente.

"Dumbo" tiene el aspecto y la atmósfera de un éxito de taquilla "sincero" que se está esforzando demasiado. Lo que está tratando de hacer, por supuesto, es justificar su existencia como otra versión en vivo de una legendaria historieta de Disney. ¿Hay alguna razón para hacer un Dumbo de acción en vivo? Como narración, no, pero la razón detrás de todas estas películas se reduce a una novedad adictiva: ¿Cómo se verá un "Dumbo" de acción en vivo? Hay una gran curiosidad en esa pregunta, y también un factor de nostalgia, combinado con el hecho de que incluso las personas que nunca han visto la película original (en este caso, puede ser un segmento considerable de la audiencia) pueden sentir que conocen al personaje. En sus huesos, porque es parte de nuestra imaginación pop colectiva. Así que una película como "Dumbo" tiene esa receta antigua, pero modificada, de cantidad conocida, pero nueva, en la que gran parte de la economía de Hollywood se basa ahora.

Cuando observas lo que separa una buena película de Tim Burton de una que se suma en su portafolio más de lo que lo hace en la pantalla, hay un criterio elemental: una película de Burton que se gelifica casi siempre en torno a una personalidad lo suficientemente salvaje y lanuda como para ser irresistible. Es por eso que "Ed Wood" fue una obra maestra agrietada, por qué "Beetlejuice" y "Edward Scissorhands" siguen siendo delicias oscuras, por qué "Batman", impulsado por la bravura de palmas de Jack Nicholson, te dejó sorprendido mientras "Batman Returns", con su galería conceptual de pícaros, no, y por qué "Charlie y la fábrica de chocolate" era un remake delirante y "El planeta de los simios" era un fracaso.

 

En "Dumbo", Burton parece estar atrapado entre el entusiasmo de Colin Farrell como Holt Farrier, un jinete de caballos que regresa al Circo Medici Bros. de la Primera Guerra Mundial sin su brazo izquierdo y con un par de niños para cuidar después que su esposa murió de influenza durante la guerra, y la amplitud apenas simpática de Danny DeVito como Medici, un showman desaliñado que oscila entre dos modos: a todo volumen.

El desempeño de Keaton como el malvado Vandevere es decepcionantemente delgado: es un tipo malo sin capas. Y Eva Green como Colette, su amante del artista trapecio parisino, tiene toques de dinamismo y un aura simpática, pero eso es todo. Sorprendentemente, los artistas del circo de los Medici casi no tienen personalidad, simplemente los comparan con los de "The Greatest Showman", un concurso de tres anillos de una película que desborda el sentimiento de inadaptación de los heridos. Se podría decir que el problema reside en el guión de Ehren Kruger, pero el problema mayor es que Tim Burton está usando estos personajes para completar su historia. No hay sensación de obsesión en "Dumbo". Burton debería haberse sumergido mucho más profundamente en el masoquismo expresionista del mundo del circo que estaba allí en el Dumbo original. Pero eso fue en Disney cuando la compañía estaba abriendo caminos en el arte popular. Ahora está ardiendo las sinergias corporativas.

Burton usa la canción de cuna melancólica "Baby Mine" de la película original, y rinde homenaje a la secuencia más descolgada de "Dumbo": el "Pink Elephants On Parade", número musical surrealista, una especie de viaje de película en miniatura que puede verse reflejado en todo. Burton lo menciona realizando una fanfarria con gigantescas burbujas de jabón que se convierten en elefantes, un efecto agradable, pero la secuencia no se desarrolla ni lleva a ninguna parte. Es sólo un relleno de ojos dulces. Y mientras Dumbo sigue siendo un personaje conmovedor, quería que la reunión en la que está trabajando la película sea desgarradora. "Dumbo" no es una locura; no te deja sentir engañado, pero tampoco es emocionante. Ocupa un terreno intermedio cuidadosamente adaptado y poco imaginado donde incluso un elefante que vuela puede parecer, para el final, una figura de extravagante precaución.

Ralph Breaks the Internet

Ralph y Vanellope tendrán que jugárselo todo viajando por las redes en busca de una pieza de repuesto que salve Sugar Rush, el videojuego de Vanellope. Y para complicar más las cosas, Ralph y Vanellope dependen de los ciudadanos de Internet, los llamados ‘ciudanets’ para que les ayuden a desenvolverse en ese peligroso mundo.

La fórmula secreta de Disney es un toque de humanidad y dos cucharadas de madurez, porque por más que digan que sus películas son para niños, siempre habrá algo que me recuerde por qué, a la edad que tengo, todavía las estoy viendo. Después de pasar de villano a héroe durante su primera aparición, Ralph sube de nivel de manera espectacular con "Ralph Breaks the Internet", una ambiciosa y completa secuela de la casa de Walt Disney Animation; es una película conmovedora y sincera en todos los lugares correctos. Si bien el proyecto de 2012 fue un ejemplo inspirado de construcción mundial fácilmente expandible, esta secuela omite el paso obvio de explorar los otros juegos que comparten la misma regleta de energía, y se propone a conquistar la vastedad relativa del ciberespacio.

Después de ganarse la amistad de Vanellope, Ralph decide complacer a su mejor amiga creando una pista dentro del juego que termina alterando el juego y provocando que el jugador lo rompa. Al ver que el dueño del Arcade no planea comprar la pieza rota, Ralph y Vanellope se proponen a encontrar la pieza antes de el dueño se deshaga del juego, integrándose al mundo del internet. Pero para su gran sorpresa, el ciberespacio parece ser la transición de "vivir en pueblo a mudarse a la ciudad": es un mundo en que hay que tener mucho cuidado con las personas que brindan ayuda, porque podrían terminar llevándote a la destrucción. Para la mala suerte de Ralph, Vanellope encuentra nuevas amistades que le proponen una nueva experiencia, y le ayudan a entenderse a sí misma. Ahora Ralph debe decidir si salvar el juego de su mejor amiga y forzarla a regresar, o dejarla ser feliz y ambos tomar diferentes caminos.

Esta película es un buen ejemplo de que los guiones no tienen una estructura ni parametros específicos, comenzando porque el villano de esta película es el mismo protagonista. Mientras Ralph quiere lo mejor para su amiga Vanellope, a la vez se comporta de manera egoista hacia ella, lo cual puede caer facílmente en la categoría de machismo y sexismo. Vanellope no es la protagonista, a pesar de que tiene un rol importante en la historia, pero si se comporta como el contraste de Ralph, enseñando que uno depende mucho del otro. Y esto ocurre con casi todos los personajes de esta película, donde se complementan y responden a las necesidades de otros mientras que sus propias debilidades dependen de sus compañeros y hasta posibles extraños.

Uno de los mejores momentos de la película fue la habitación de las princesas de Disney, donde la audiencia se da cuenta del común denominador de esos clásicos y cómo ahora esas situaciones/historias pueden ser consideradas erroneas. Pero lo que termina siendo aún más interesante es el arco de todos estos personajes que comienzan esterotipados y terminan siendo únicos en sus características y personalidades.

Y a propósito de referencias, esta película está llena de ellas, desde importantes redes sociales como reconocidas marcas/tiendas de compra online y servicios de entretenimiento. A su vez, la historia tiene significantes referencias a otros personajes del universo de Disney y otras compañías de cine. Este elemento sirvió de inspiración suficiente para crear un mundo del internet de una manera única, dando una perspectiva distinta de cómo funciona el internet, por ejemplo cómo es que los videos se hacen virales, cómo es que realmente se hacen compras por internet, hasta cómo funcionan aplicaciones y websites; pero también, enseña lo "doble cara" que pueden ser las personas que están en internet.

Pero dejando a un lado la narrativa de la historia, esta es una película que entretiene con facilidad gracias a la calidad visual de cada una de sus escenas, pintadas con una increíble creatividad a la hora de darle vida virtual a todas las referencias cibernéticas que utilizó. Uno de los aspectos más impresionantes es el mundo del internet, el detallismo en sus imágenes con una mezcla de color que define cada espacio/página web/aplicación, inspirada en sus originales, pero adaptada a las capacidades tecnológicas de la historia. Esto complementa la musicalización, la cual en algunos momentos hizo parodia de algunos clásicos cinematográficos de las películas de Disney, mientras también crear una imagen bien moderna de cómo se comporta el internet por dentro.

Una vez más, Disney se sale con la suya al traer una película que se va más allá de entretener a su audiencia. Ralph breaks the Internet reflexiona sobre los niveles posesivos que puede tomar una amistad y cómo una persona debe saber mantener sus limites con un supuesto mejor amigo, no importa cuanto una decisión pueda afectarle o no. Es divertida y a la vez melancólica, recordando lo rápido que avanzan las nuevas tecnologías, pero a la vez como debemos apreciar lo que tenemos y cómo dejarlo ir cuando es necesario. Esta es aún más emotiva que su antecesora.

Crónicas de California: Almuerzo en Disney Animations

Cuando se tiene contactos, hay que botar la vergüenza y usarlos, o tener una amiga que los use por ti y tú la acompañes (pero la segunda no es una opción para mi). Más aún si estos contactos son dominicanos y trabajan en productoras como Disney ¡y! te invitan a pasarte unas horas en el estudio.

No se hagan ilusiones de que fue al parque de diversiones, pero cuando estudias cine, el estudio de Disney tiene el mismo nivel de entretenimiento que Disneyland.

Después del mixer de dominicanos, mi querida amiga Paola y yo aprovechamos que sólo había pasado (literal) un día, y le escribimos a Carlos. El es técnico en animación en Disney Animations. Tiene más de 20 años en Disney y desde su llegada tuvo la oportunidad de trabajar en muchas películas conocidas, como Bolt, Tangled, Wreck-it Ralph, Frozen, Big Hero 6 y Moana. Pero el talento no le quita la humildad y con tan poquitas horas conociéndonos, nos invitó a almorzar en Disney Animations.

La visita incluía un quick tour alrededor de los estudios, lo cual para mi significó el premio mayor, porque entrar a estos lugares requiere más de 60 dólares o unos buenos contactos (¡gracias, Carlos!).

El Tour comenzó en el gate 5 donde actualmente está localizado el edificio moderno de Animations. Con una entrada acompañada del sombrero mágico de Mickey, el estudio parece más un museo de sus películas más exitosas, exhibiendo en sus pasillos los primeros y últimos bocetos de películas como Moana, Frozen y la Princesa & el Sapo.

Lo más interesante es entender como está dividido una compañía de animación, que a pesar de que tiene departamentos muy similares a los de un estudio normal, su estructura es casi completamente diferente: el "story department" que es donde elaboran la historia de la película animada, trabaja en conjunto con los animadores. Hay un departamento para elaboración de personaje, creación de modelos, 3D, escenografía animada, coreografía, entre otros.

Así también, el departamento de publicidad y mercadeo trabaja también con los animadores. Los trailers y los posters son elaborados por las mismas personas que hacen las películas finales. Incluso los juguetes que son vendidos después de los estrenos son diseñados por los animadores.

Otro aspecto de este estudio es que designan espacios del mismo para películas en específico. Por ejemplo, para Ralph breaks the Internet, tienen lo que se podría considerar una oficina completa para los productores y animadores realizar sus reuniones, consultas y presentaciones de escenas.

Ya después de pasarme casi una hora admirando cada pequeño modelo a escala y dibujo original de una película, almorzamos en el gate principal de los estudios de Disney, aún rodeados de dibujos de Mickey Mouse y Walt Disney.

Siento que en tan solo unas cuantas horas, volví a tener 10 años.