Crónica Cinéfila: Los puntos de vista de un guión

Se dice que el que estudia cine, independientemente de la mención, es obligado "contra su voluntad e interés" a escribir un guión. He escuchado anécdotas de amigos/as de actuación, producción y cinematografía, insistiendo cómo pasaban la asignatura a rastros porque nunca se vieron teniendo que entrarle a Final Draft y dando teclazos para no quemarse, porque al final del día, es importante aprender a escribir guiones. Nunca sabes cuando te tocará.

Independientemente de todos los roles que he llegado a hacer dentro de una producción, mi favorito siempre será el de guionista. No hay mayor paz (y privacidad) que la que me da envolverme entre las fichas y el computador para finalmente dar ese borrador que irá a un siguiente borrador o, en el más extremo/extraño/alarmante de los casos, un guión técnico.

Pero sin importar que tu corazón y tu mente trabajen en ese preciso momento como guionista, o si cumples o no dos posiciones dentro de una misma película, determinar cuál es tu estilo narrativo va a depender de tu pasión cinematográfica de origen, porque aunque el guión tiene una estructura y reglas narrativas muy específicas, cada quien escribe como la historia con sus sazones particulares, al punto de poderse reconocer que voz ha hecho un determinado guión dependiendo de los puntos de vista de la historia:

-POV de Guionista: Tu prioridad no tiene nombre ni apellido. Te preocupa que cada detalle, desde las subtramas hasta los personajes de fondo, tengan una razón de existir. Pero algo que secretamente te importa más que el resto es el tema de la historia: quieres que ese mensaje secreto sea captado y quien analice o lea tu guión se sienta identificado y motivado por este. Ejemplo: Darren Aronofsky.

-POV de Productor/a: "Todo" es prioridad también, pero lo que más visualizas a la hora de escribir es cómo será ese presupuesto, si la historia podrá llegar a la mayor audiencia posible, y quienes serían los rostros perfectos para pantalla. Ejemplo: Diablo Cody.

-POV de Director/a: La historia es lo más importante. Cada elemento, desde el mundo ordinario hasta el climax deben ser lo más explícito posible o lo más analógico posible. A veces le das un poquito de libertad a la audiencia y les dejas un final abierto para que ellos puedan determinar cuál ha sido el camino final de una historia. Secretamente, solo tú lo sabes. Ejemplo: Christopher Nolan.

-POV de Actor/Actriz: Para ti, los personajes son los que requieren mayor atención. A veces, es mejor darle prioridad a sus conflictos internos que a los externos, y tienes razón, son mucho más interesantes así. A su vez, siempre hay algún personaje que se parece o suena a ti. No lo interpretas, pero te importa mucho lo que le ocurra a este. Ejemplo: Greta Gerwig.

-POV de Cinematógrafo/a: Pocos lo sabrán, pero te apasiona las acciones de los personajes. Mientras más narrativamente coreografiado, mejor se visualiza. A su vez, las escenas de acción y conflicto son muy relevantes para ti. Tratas de que todo haya quedado lo suficientemente establecido para llegar allí, pero cuando lo haces, explotas en detalles. Ejemplo: Alfonso Cuarón.

-POV de Compositor/a: Mientras menos diálogos, mejor explorada será la historia. Le das mayor libertad a los personajes para transmitir sus emociones en acciones que en conversaciones con otros. Las escenas de montajes son tus favoritas, y le sacas buen provecho temático hasta a las caminatas largas de reflexión. Ejemplo: Damien Chazelle.

-POV de Editor/a: Escribes el guión sabiendo que mucho va a cambiar más tarde, y no en cuanto a la trama, sino al orden de los sucesos. Te encanta jugar a "Set up/Pay Off" en todas tus historias, estableciendo puntos importante para luego explicar cómo es relevante para la trama. Ejemplo: Quentin Tarantino.

-POV de Productor/a de Diseño: Tienes un buen ojo narrativo para el detalle. Desde una mesa en la esquina de la habitación hasta el vestuario y maquillaje de los personajes. Sientes que esto también le agrega valor al tema y la historia. Te preocupas por cómo se visualiza y que esté lo más claro posible. Ejemplo: Guillermo del Toro.

¿Que otro POV me faltó?

Crónicas de California: 5 cosas que nunca deberías hacer en una audición

Hacer una audición no es fácil. Imagino las horas que se pasan los actores y actrices practicando y memorizando líneas, sin poder saber qué es exactamente lo que un director o director de casting está esperando. Pero tener que producir una audición es aún más difícil.

Muchos dirán "pero Inés, tú eres guionista, tú no sabes de eso". Dejenme decirles que sí. He estado ahí. Quizás nunca he tenido que hacer una audición (y me refiero a tener que llegar a audicionar por un papel), pero he sido parte de muchas, ya sea desde la silla del director, como lectora de líneas o cómo productora. Y desde estos tres puntos de vista, se siente mucha presión. Sobretodo porque nunca sabes que esperar de un casting. Puede ser super exitoso y tener tu elenco completo, pero también un total desastre y tener que repetirlo otra vez hasta que encuentres lo que buscas.

Pero a veces la culpa no la tienen los actores por no saber exactamente lo que buscas, sino tú como director, productor y hasta guionista, por no saber cómo desarrollar una audición. En base a mi experiencia y lo que he visto de otros cineastas, estas son cinco cosas que nunca deberías hacer en una audición desde la silla de un director o un productor:

1) Ir "directo al grano": Por más años de experiencia que tenga un actor, siempre estará nervioso durante una audición. Y no vás a encontrar el mejor talento bajo una masa de nervios. Así que nunca comiences un casting en seguida. Dale tiempo al actor a socializar contigo para que se relaje. Pregúntale cosas como "¿encontraste bien el lugar?", "¿qué tal tu día?", "¿qué películas has visto ultimamente?", y cero modo interrogatorio. Recuerda que es para ayudarle a relajarse, no para que crea que vas a medir su inteligencia.

2) Olvidar preguntarle sobre su accesibilidad: Se supone que toda persona que está audicionando es porque está interesado/a en el papel que ofreces. Se supone también que cuando publicas el casting, estás mencionando las fechas de rodaje. Pero nunca confíes en que, por el hecho de que aplicaron, están completamente disponibles para ti, porque una producción es mucho más que el día de rodaje. Siempre pregúntales su accesibilidad para la fecha del rodaje, segundas audiciones, ensayos y test scouting. También recuerda preguntarles cosas como si tienen vehículo para transportarse y si pertenecen a la unión de actores, porque son papeleos adicionales que deberás hacer.

3) Olvidar que es una audición: Este error lo he visto en muchos directores. Cuando llega el día del casting, pretenden no solo obtener emociones de una escena sino de otras que ni siquiera estában en plan para la audición. A veces un actor es exactamente lo que quieres para tu película/corto/serie, pero los "call back" o segundas audiciones son exactamente para ver más allá de las páginas de la audición. Apégate a hacer la audición con los sides indicados, y dales notas de lo que quieres de esa escena y del personaje, pero no elabores una audición de 20 minutos con una sola persona, solo porque quieres darle 30 notas como si estuvieran en el rodaje.

4) Organizar una audición sin un tiempo para cada actor/actriz: Una audición no debería tomar más de 10 minutos por persona, sobretodo si estás esperando más de 15 personas en un día. Infórmale a cada actriz o actor de la hora exacta en que deben llegar. La última audición que hice como productora, recibí más de 20 chicas en menos de 6 horas. Cada una sabía que si llegaba unos minutos más tarde, estaba perdiendo su tiempo de audición. Pero esto parte de tu organización como director/a de casting y/o productor/a.
Nota: Si una actriz o actor llega tarde, toma eso en cuenta porque quiere decir que es impuntual (yo personalmente no perdono las tardanzas).

5) Preferir no grabar la audición: ¿Por qué te harías eso a ti mismo? Nunca confíes tanto en tu memoria, ¡SOBRETODO SI ESTAS ESPERANDO MAS DE 15 PERSONAS EN UN DIA! Además, es muy diferente como luce una persona en pantalla que en escenario. Los videos son para evaluar si la persona verdaderamente luce y/o suena como te imaginas a tu personaje.


Mi consejo final es que no le des cumplidos a los actores que le aseguren un trabajo o papel. Tú nunca sabes que esperar de una audición, y por tanto, tú nunca deberías decirle a un actor "el papel es definitavemente tuyo", porque cuando haces esto le estás vendiendo un sueño a ese actor o actriz. ¿Qué pasa si, después que le dijiste a uno que el papel era suyo, llega otro mejor? Y los actores y actrices no olvidan. Así que no te busques enemigos innecesarios. Concluye con "buen trabajo, muchas gracias por venir", aunque no te haya gustado, y dile que se le estaría informando del call back o si fue seleccionada en los siguientes días/semanas.

Y tú, ¿cuáles otras cosas crees que nunca se deberían hacer en una audición?

Crónicas de California: Actriz por un día

Una de las cosas que siempre juré nunca hacer en un set de rodaje era actuar, porque, aunque no lo parezca, tengo miedo escénico. Incluso, en mis presentaciones de baile, antes de salir debo saltar y moverme alrededor para soltar los nervios. No pude saltar... pero cuando me dijeron que debía grabar UNA escena para una clase, estuve mortificada por semanas. "Si hubiese querido estar frente a una cámara, me hubiese dedicado a la actuación". Y está bien, era una práctica de menos de una hora y es para aprender, pero NO QUERIA HACERLO.

Todo comenzó cuando el profesor llega al salón y dije "para la siguiente clase, deben traer una escena que quieran grabar con algún compañero". Mi cerebro había olvidado totalmente que tenía que actuar en una de las prácticas de la clase, así que cuando elegí la escena, no lo hice pensando "quiero interpretar este personaje", sino en lo que era posible o no de hacer en un salón de clases.

Llegué con mis páginas de la película The Graduate (1967) y el profesor me dijo "¡¿vas a interpretar a Mrs. Robinson?!". Yo me reí por minutos, hasta que me dolió el estómago, y cuando dejé de reirme, me lo volvió a preguntar, bien en serio. "¡Por supuesto que no!". El profesor se acercó a mi pupitre y me dice, "Pero debes actuar en la escena que traes, ¿quién entonces hará de Mrs. Robinson?". Y así me cayó el balde de agua en la cabeza. 

Como se imaginarán, cambié a otra escena, otra película y otro género. Nada en contra de The Graduate, pero si iba a hacer esto (y era obligatorio), pues al menos elegiría un personaje que se adecuara más a mi edad y fuera más divertido. Entonces recordé la película Knocked Up (2007). Para los que no han visto la película, aquí les dejo la sinopsis:

"Allison Scott es una prometedora periodista de 24 años. Sin embargo, después de una noche de juerga con el vago de Ben Stone, descubre que está embarazada. Ante el dilema de enfrentarse sola a la maternidad o conocer mejor al padre, opta por lo segundo. Aunque Ben es una persona inmadura, decide afrontar su responsabilidad. Lo malo es que tanto él como Allison no tardan en darse cuenta de que son incompatibles. Para colmo de males, el único ejemplo de jóvenes padres que conocen son Debbie, la agobiada hermana de Allison, y Pete. En cualquier caso tienen nueve meses para decidirlo." CLICK AQUI PARA VER EL TRAILER

Es graciosa, los personajes me encantan y podía hacerle bullying a mi frenemy de la carrera en cámara (Oh sí, tengo los videos). La única condición: debía aparentar que estaba embarazada, pero eso solo requería una blusa que estirara, hacer un bulto ovalado que pudiese pasar por una barriga de embarazada y copiar cómo mis amigas se comportaban cuando pasaron por esta etapa. 

La escena trataba de que mi "pareja" me iba a decir que iba a salir con sus amigos a ver un juego y comenzaba a discutir con él porque era completamente inútil, terminando con la frase "sal de mi maldita casa". Y se imaginarán que todo era gritando, al punto de que alguno que otro pasaba por el curso a preguntar si todo estaba bien.

Pero aún habiendo elegido la escena que realmente quería, que tenía el disfraz y que lo había practicado decenas de veces, los nervios se apoderaron de mi desde que me puse frente a la cámara. NO FUE FACIL... pero todo salió bien. La escena da muchísima risa con todo y los cambios que le hicimos, la barriga se ve creíble y tiene principio, medio y final como si fuese un pequeño cortometraje. Todavía veo el video y me río, porque nunca imaginé que sería algo que tendría que hacer. Por eso no diré "nunca haré eso" de ahora en adelante. El Karma es terrible.

Se preguntarán, por qué tuve que actuar frente a cámara, si mi carrera se supone que es estar frente a una computadora, digitando páginas como si fuese una cárrera de Fast and Furious. Pues se debe a que dentro de unas semanas me tocará dirigir un cortometraje, y según el profesor, para poder tener una comunicación óptima con el actor, debes entender su rol en un rodaje. No es que todos los directores se deben poner en los zapatos de los actores para poder dirigirlos adecuadamente, pero sí deben tener claro que es lo que realmente quieren del actor y cómo pedírselo. Y esta práctica como actriz me enseñó cómo debe ser el diálogo entre actor y director, y cómo se hacen sugerencias.

Y no... no quiero ser actriz después de esta experiencia. Solo fue un recordatorio de que elegí la carrera adecuada.

Nominados en el Renglón Cine de los Premios Soberano 2018

Ya anunciaron las nominaciones de los Premios Soberano, galardones que celebran la cultura y el arte dominicano.

Esta es la lista en el Renglón CINE

COMEDIA DEL AÑO
Ovni
Colao
Todas Las mujeres Son Iguales
Misión Estrella

DRAMA EL AÑO
El Hombre de Cuida
Carpinteros
Sambá
Luis

DIRECTOR DE CINE
Alejandro Andújar, El hombre que cuida
José María Cabral, Carpinteros
Laura Amelia Guzmánm Israel Cardenas, Sambá
Frank Perozo, Colao

ACTOR DEL AÑO
Héctor Anibal, El hombre que cuida
Ramón Emilio Candelario, Carpinteros
Algenis Pérez Soto, Sambá
Alfonso Rodríguez, Luis
Yasser Michelen, Todas las mujeres son iguales

ACTRIZ DEL AÑO
Julieta Rodríguez, El hombre que cuida
Judith Rodríguez, Carpinteros
Laura Gómez, Sambá
Iris Peynado, Todas las mujeres son iguales
Ana Marías Arias, Colao

Roman J. Israel, Esq.

Roman Israel (Denzel Washington) es un idealista abogado defensor que, debido a una serie de acontecimientos, se encuentra en una crisis que le conduce a una decisión extrema. (FILMAFFINITY)

Denzel Washington vuelve a recordarnos por qué es considerado uno de los mejores actores de su generación y actualmente, con un personaje que no solo es interesante, sino que crea los sentimientos de fiabilidad y empatía.

Roman J. Israel es un abogado que siempre ha trabajado tras el escritorio con los casos de una pequeña firma de abogados, mientras sus colegas se llevan todo el mérito de su trabajo. Renunció a todo: tener una familia, avanzar más como abogado, lograr una mejor estabilidad económica; todo esto, solo para salvar los casos de personas inocentes, débiles y discriminadas. Pero cuando su jefe sufre de un ataque cardíaco, la firma toma la decisión de dividirse y Roman queda sin trabajo. Después de semanas en busca de un trabajo, un socio de la firma de su ex-jefe decide otorgarle una posición en su poderosa empresa. 

No obstante, y después de un intento fallido de salvar a una persona inocente de ser sentenciada por un crímen que no cometió, Roman decide revelar de manera anónima quién es el verdadero culpable y recibir una poderosa recompensa con la cual podrá otorgarse la vida que nunca había podido tener, solo para que la culpabilidad lo atacara constantemente después de que resulte ser el abogado de a quién delató.

Denzel Washington encarna a este personaje y permite retratar los grandes esfuerzos, complejos, debilidades y necesidades que enfrenta constantemente frente a una sociedad que no entiende ni respeta su manera de ver la vida. Su actuación resulta ser cautivadora frente a las situaciones que debe enfrentar Roman para seguir adelante y las decisiones que toma frente a lo que ocurre a su alrededor.

Lo que resulta decepcionante es la historia que narran frente a Roman, que resulta estar muy por debajo de lo que este logra causar. El personaje resulta ser mucho más interesante que la trama. Le faltó velocidad, mantener un tono, causar la suficiente tensión y generar fascinación por lo que sucedía a lo largo de la historia. Lo que podría considerarse mejor trabajado frente a la trama a nivel general es el twist final otorgado, que permite demostrar que se logró cada objetivo que Roman se propuso a lo largo de la película.

Por otro lado, la película retrata distintos escenarios de Los Angeles, enfocando su fotografía y musicalización en encontrar un lado divertido y a la vez lleno de tensiones y acomplejidades de parte de las realidades que enfrenta el protagonista.

Roman J. Israel Esq. es mucho personaje para la precaria historia que cuenta y merece una mucho mejor que demuestre todo lo que tuvo que pasar para lograr la poca felicidad de su vida, tratando temas sobre la injusticia judicial, el poder que tienen los más ricos frente a los más intelectuales, el peligro que corren los abogados frente a los demás criminales y la constante tensión de que cualquer cosa podría ocurrirle, incluyendo la muerte.

Crónicas de California: "No te alteres, es un famoso"

Primer consejo que nos dieron a todos los nuevos estudiantes de New York Film Academy: "Es muy probable que en más de una ocasión se encuentren con famosos. Sí... no corran hacia él/ella. Es otro humano de la sociedad". Quiero creer que siempre lograré eso, que no me alteraré si veo a Leonardo DiCaprio, Johnny Depp o Tom Hardy caminando por ahí en Los Angeles. Y me demostré a mi misma que sí se puede.

El sábado pasado, cortesía de mi amiguito Rubén Peralta/Cocalecas, participé en un luncheon junto al elenco y equipo de producción de la película Detroit. Así que sí, ya sabía que algunos actores estarían ahí, y mi mente trató de recordarlo constantemente.

El primero en llegar fue Tyler James Williams (Little Bill, 2000; Everybody hates Chris, 2005; Dear White People; 2014), quien encarnó uno de mis personajes favoritos en The Walking Dead y quién tuvo una de las muertes más injustas y horribles. Pero, ¿adivinen qué? me controlé. Una de las PA (Production assistant) me presentó y comenzamos a hablar de la película. Me sorprendió la referencia que hizo de Detroit como un "espejo" de la sociedad; que a pesar de que la comunidad afroamericana no vive ese tipo de represiones actualmente, aún se siente el racismo en distintas ciudades y países. Por supuesto, al final, le pregunté que se sintió que mataran a su personaje en TWD, y me dijo "yo sabía que me iban a matar desde que me dieron el papel... pero sí, no fue justa". Culpa de los escritores.

Otros actores que también estuvieron allí fueron Algee Smith (Let it Shine, 2012; The Infamous, 2016) Leon Thomas III (August Rush, 2007), Malcolm David Kelley (Lost, 2004-2009), Laz Alonso (Avatar, 2009; Fast and Furious, 2009), Joseph David-Jones (Allegiant, 2015), Nathan Davis Jr., entre otros. Quizás los nombres no les suenen conocidos, pero sí, son personas que estuvieron en películas, series, cortos o videos experimentales. Y ahora se encargan de darle vida a personajes del incidente del Algiers Motel en Detroit, 1967.

Solo me faltaba un actor por entrevistar, y este sí les recordará algunas películas más mencionadas: Will Poulter. Si no lo recuerdan por nombre, estuvo en War Machine (2017), The Revenant (2015), Maze Runner (2014), We're the Millers (2013), entre otras producciones. En Detroit tuvo el rol del antagonista, uno de los papeles más complicados en películas y series de televisión, porque es un arquetipo muy específico, con manías, complejos, debilidades e incluso, estilo de hablar. Y Will es británico; en la única película que lo he visto con su acento original es en Las Crónicas de Narnia 3 (2010). Pero una vez más me sorprendió, no por el hecho de que era lo opuesto a su personaje, que es uno de los peores seres humanos que han existido en la época de los 60, sino por su entendimiento sobre el tema del racismo, y que, aún siendo una persona "blanca", está a favor de la diversidad, y la conexión con otras culturas y etnias.

Además de una oportunidad, este acercamiento fue una lección para mi, y ahora para ustedes: en pantalla, los actores pueden crear empatía con sus personajes y ser lo que en la vida real también son; pero, en otras ocasiones, en la gran mayoría, sucede todo lo contrario. Se transforman y transmiten a la audiencia lo que ellos quieren que crean. Ya sea la persona más gentil del mundo, o la peor persona del mundo. Me encantaría decir que también conocí a la directora Kathryn Bigelow o a John Boyega, pero no estuvieron presente, y aún así fue igual de interesante conocer al resto del elenco.

¿Qué pasará cuando conozca famosos "más famosos"? La verdad, no sé. Uno no se puede anticipar a lo que todavía no sucede, pero lo que sí les aseguro es que antes de decirles algo, me recordaré a mi misma: "son otros seres humanos de la sociedad".

Esperen el video en Cocalecas.net

Sully

Esta película me llevó hasta el final con el corazón en la boca, los ojos llorosos y las manos agarrando el sillón, incluso en aquellas tomas que se repetían para recalcar lo que ha significado un acontecimiento en la historia estadounidense.

El 15 de enero de 2009 el mundo entero fue testigo del llamado "Milagro en el Hudson", un accidente que podía haber acabado en tragedia de no ser por el piloto norteamericano Chesley Burnett "Sully" Sullenberger (Tom Hanks). Este hombre logró realizar una peligrosa maniobra con éxito: aterrizar de emergencia un Airbus A320 en las heladas aguas del río Hudson, después de que una bandada de gansos chocara contra los motores. 

Sully, que se vio obligado a tomar drásticas medidas para evitar una muerte segura, logró salvar la vida de los 155 pasajeros y tripulantes que iban a bordo. Tras esta asombrosa hazaña sin precedentes, el piloto se convertiría en un héroe nacional. Sin embargo, posteriormente se desencadenaría un drama que afectó a su reputación. Fue juzgado por haber aterrizado en el Hudson; fue huzgado porque nadie había pasado por lo mismo, y los que juzgaban creían que habían mejores posibilidades.

Quizás la hazaña o los tantos años que tenía Sully volando no es lo importante en esta historia, sino como una decisión humana, sin simulación y práctica previa, logró ser vista positiva y negativamente. 

Sully es un gran ejemplo de por qué me gusta ver películas. Sin desperdicios en ninguna escena, Eastwood cumple con la tarea de entretener con un drama que entra a mi listado de los mejores de este año. Esto se debe a la limpieza de las tomas, los lineamientos tan adecuados de cada personaje, los diálogos tan atinados y, principalmente, el sentimiento que la película me transmitió desde la primerísima escena hasta el breve final.

En vez de tomar el hecho del aterrizaje forzoso en el Hudson y simplemente contarlo, Clint se enfoca en lo que sucedió después, sin dejarnos con la duda de qué fue lo que ocurrió mientras Sully trataba de salvar 155 vidas, demostrando todas las tensiones por las que pasa un piloto cuando toma el volante de un avión y los traumas que quedan en él cuando pasa por una situación sin precedentes.

Me fascinó la caracterización de Tom Hanks y cada una de sus frases, principalmente en la que decía que "a nadie lo preparan para vivir una experiencia así y saber cómo reaccionar". Admito que es la mejor película que he visto de Clint Eastwood, desde aquella vez de Million Dollar Baby, y probablemente una de las que estará nominada a las premiaciones del próximo año.

Quizás lo no tan fanáticos del género de drama no se sensibilicen con la historia tanto como yo, pero  los buenos observadores deberán admitir que esta es una historia bien contada.