Crítica Cinéfila: The Piano Lesson

La batalla entre un hermano y una hermana por un preciado piano heredado desata verdades inquietantes sobre cómo se percibe el pasado y quién define el legado familiar. 

En el debut de Malcolm Washington, una adaptación reverencial de "The Piano Lesson" de August Wilson producida por su padre Denzel Washington, la actriz Danielle Deadwyler es el centro alrededor del cual giran todas las demás actuaciones. En el papel de Berniece, la coprotagonista devota y sensata del vigorizante drama de Wilson sobre el trauma generacional y la herencia, como en muchos otros, Deadwyler se somete por completo a la voluntad de su personaje; se mete en su piel con una tranquila facilidad y, una vez unida, encuentra y revela su verdad. Los resultados suelen ser electrizantes.

Con Berniece, Deadwyler evoca una fuerza que vincula la obra de Wilson de 1987, la cuarta del Ciclo del Siglo del escritor, con su fuente. En entrevistas, Wilson citó como inspiración la litografía en color homónima de Romare Bearden de 1983. En esa imagen, un profesor de música mira por encima del hombro de una alumna que toca el piano. Sus ojos transmiten un alto nivel de concentración con indicios de melancolía. Tocar parece a la vez un acto de deber y de placer. ¿Qué hay de su relación? ¿Quiénes son estas personas entre sí? Wilson las imaginó como madre e hija y "The Piano Lesson" crea las condiciones que podrían haber conducido a ese momento y haber surgido de él. En la adaptación de Washington, Berniece, cuando finalmente se sienta al piano, tiene una mirada similar de intensa concentración, como si se convirtiera en madre e hija a la vez.

Sin embargo, antes de que ocurra cualquier transformación, Washington ofrece una historia de fondo. "The Piano Lesson" comienza el 4 de julio de 1911. Mientras una familia blanca se reúne en el jardín para ver los fuegos artificiales, un trío de hombres negros trabaja en las sombras para llevarse un piano de una casa. El instrumento es una obra de arte: grabado en los paneles superiores hay un tríptico que representa la historia de la familia Charles. Los retratos de una madre y un hijo flanquean la imagen central, que está poblada de antepasados ​​significativos y sus hitos. Veinticinco años después, en el verano de 1936, el piano se encuentra intacto en la casa de Doaker Charles (Samuel L. Jackson), donde su sobrina Berniece vive con su hija, Maretha (Skylar Smith).

Nadie ha pensado seriamente en el piano desde hace tiempo, hasta que el sobrino de Doaker, Boy Willie (John David Washington), regresa a Pittsburgh con un nuevo plan. Quiere vender el piano para poder comprar parte de la plantación de la familia Sutter en Mississippi. La compra sería un acto de arraigo y recuperación. La familia Sutter esclavizó a la familia Charles y desarrolló una separación violenta vendiendo a miembros de la familia para comprar el piano. Si Boy Willie pudiera poseer parte de la tierra, podría volver a inscribirla, convirtiendo un lugar de terror en uno de prosperidad personal. Cuando llega a Pittsburgh con su amigo Lymon (Ray Fisher), irrumpe en la casa de los Charles entusiasmado con su plan.

Pero Berniece no quiere vender el piano. Todavía está resentida con Boy Willie por la muerte de su esposo Crawley (Matrell Smith) y ve a su hermano como un hombre que habla y da problemas. La obra narra las tensiones entre los hermanos mientras debaten el futuro de su única reliquia familiar. Para Berniece, el instrumento representa los años más solitarios con su madre, que nunca se recuperó de la angustia después de que los Sutter asesinaran al padre de Boy Willie y Berniece por robar el piano. Boy Willie solo puede considerar el piano en términos de pérdida y recuerdos dolorosos. Mejor venderlo y crear algo nuevo.

Washington resalta las diferencias entre la relación de Berniece y Boy Willie con el piano con flashbacks a la infancia de ambos. Estas son algunas de las pocas escenas en las que el director se relaja y se deshace de la postura obediente que puede surgir al adaptar un texto canónico. El director también intenta hacer más cambios, y algunos tienen más éxito que otros. Acentúa las notas espirituales y sobrenaturales de la obra de Wilson. Los elementos del realismo mágico aparecen de forma más prominente cerca del final, y cuando funcionan es en gran parte gracias a Deadwyler. La actriz planta las semillas para el encuentro crucial y culminante de su personaje con el piano desde el momento en que Berniece ve a Boy Willie. Su personaje es una visión de fuerza maternal y responsabilidad fraternal, pero Deadwyler busca y se deleita en sentimientos más confusos como la rabia, la tristeza y la vulnerabilidad.

Otras interpretaciones se ven realzadas por la Berniece de Deadwyler, que se encuentra continuamente en desacuerdo con un grupo de hombres aparentemente indiferentes a la difícil situación de las mujeres Charles. Es una versión de "The Piano Lesson" que partiera de su perspectiva y avanzara hacia afuera, considerando el hilo maternal con tanta urgencia como el paternal. La dirección desigual de Washington parece más segura cuando observa a los hombres, vinculando sus represiones enredadas actuales con los traumas violentos y racistas de su pasado. Escenas como aquella en la que Doaker, Boy Willie, Lymon y Wining Boy (un excelente Michael Potts) intercambian historias sobre su tiempo en la Granja de la Prisión de Parchman capturan la catarsis emocional de un tipo particular de comunión.

Washington (actor e igualmente hijo de Denzel) ofrece una interpretación sólida del personaje Boy Willie, un personaje cuya energía y habla rápida ocultan capas de dolor. Está sintonizado con las payasadas de este personaje astuto y canaliza con confianza su hambre de ganar dinero rápido, pero es menos convincente cuando se le pide que se ponga a tono con registros más sutiles.

Aun así, Deadwyler y Washington se complementan bien. Sus actuaciones son particularmente dinámicas cuando Boy Willie y Berniece negocian los detalles del legado familiar. En una escena sorprendente, la estruendosa banda sonora de Alexandre Desplat resalta lo que está en juego en estas peleas verbales. También hay que reconocerle el mérito a Corey Hawkins, que brilla como Avery, el predicador que corteja a Berniece y tiene la tarea de expulsar a los fantasmas de la casa de los Charles.

Está claro que Washington se toma muy en serio la tarea de adaptar a Wilson, y hay mucho que admirar en "The Piano Lesson". El director ha reunido un reparto sólido, cuyas actuaciones comprometidas hacen justicia al famoso drama del dramaturgo. Pero la tarea también puede ser limitante, y hay momentos en los que es demasiado fiel y lucha por sacudirse el espectro del escenario.  

Crítica Cinéfila: Gladiator II

Años después de la muerte del admirado héroe Maximus, un esclavo convertido en Gladiador se ve forzado a entrar en el Coliseo tras ser testigo de la conquista de su hogar por parte de los tiránicos emperadores que dirigen Roma con puño de hierro. Con un corazón desbordante de furia y el futuro del imperio en juego, este debe rememorar su pasado en busca de la fuerza y el honor que devuelvan al pueblo la gloria perdida de Roma.

Sir Ridley Scott no hizo su primer largometraje ("The Duellists", de 1977) hasta que tenía 40 años. El director, que cumplirá 87 años este mes, no ha perdido el tiempo seguir añadiendo títulos a su filmografía con una notable selección de películas emblemáticas, entre las que se incluyen "Blade Runner", "Alien", "Thelma y Louise" y muchas más.

Después de "Napoleon", se lanzó a otro proyecto épico con una secuela 24 años después de que Gladiator (2000) se convirtiera en su única película ganadora del Oscar a la mejor película. Scott generalmente se ha resistido a seguir el camino de las secuelas de sus películas, con "Prometheus" (2012) y "Alien: Covenant" (2017) como excepciones, aunque esas dos películas que completan su llamada trilogía Alien llegaron respectivamente 33 y 38 años después de su éxito de 1979. Entretanto, dejó que otros, incluido James Cameron, se encargaran de las secuelas antes de volver a visitar ese mundo en particular.

El regreso al Imperio Romano en "Gladiator II" necesitaba un cuarto de siglo para llegar a la pantalla, hacerlo bien y no decepcionar al creciente grupo de fanáticos de la primera, y al mismo tiempo que se forjaba su propia razón de ser, además de ganar un montón de dinero. Todo esto sin mencionar que hacer una secuela de un espectáculo muy querido que ganó el Oscar a la Mejor Película y recaudó casi 500 millones de dólares en todo el mundo en su momento es un desafío para cualquiera, y mucho menos para un cineasta en el punto de vida de Scott. Demuestra, como siempre, que la edad es solo un número con este fascinante regreso a uno de los géneros de Hollywood largamente apreciados pero generalmente abandonados . Esta es la película que se inventó para mostrar en IMAX.

Es importante destacar que Scott, que parece prosperar con secuencias de batallas gigantescas, sabe que las emociones visuales no son suficientes, hay que tener una historia convincente. Y tiene una con el viaje de Hanno (Paul Mescal), un joven, a la deriva y enojado, bárbaro que lucha contra el ejército romano pero que finalmente es esclavizado y convertido en Gladiador como una atracción estrella para alimentar las necesidades de entretenimiento del público sediento de sangre liderado por los repulsivos emperadores gemelos Caracalla y Geta (Fred Hechinger y Joseph Quinn). La multitud exige más violencia enfermiza que nunca, y los líderes romanos se la entregan. En muchos sentidos, este colapso social es tan pertinente como siempre para el mundo en el que "Gladiator II" se desarrolla.

En cuanto al tiempo, han transcurrido 16 años después de la brutal muerte de Maximus (interpretado en la por Russell Crowe, que ganó el Oscar al mejor actor), que, por supuesto, era un líder del ejército romano que luchaba contra los bárbaros. Maximus se convirtió en gladiador, pero no se opuso al emperador. Eso lo convirtió en un polo opuesto a nuestro nuevo protagonista, Hanno, que se parece más a la frustración de una generación más joven que al orden de cosas que definió a Maximus. La venganza para él es personal.

Todo comienza en Numidia, donde Hanno ha vivido la mayor parte de su vida, solo para ser interrumpido cuando el ejército romano aparece preparado para el primer combate de espadas espectacular y la muerte de su esposa a manos del general Acacio (Pedro Pascal), quien dirigió el ejercito romano.

Capturado y transportado a Roma, sabemos que este es un hombre que estará dispuesto a igualar el puntaje y arrojado a los lobos, por así decirlo. Comenzará con Acacio, que está casado con Lucilla (Connie Nielsen), la hija del difunto emperador Marco Aurelio y cuyo hermano Cómodo y amante Maximus fueron asesinados al final de Gladiador. Ella es astuta en medio de toda la locura que ha envuelto al Imperio Romano, no solo el vínculo con su pasado sino quizás su futuro. Puede ser divertido para los espectadores en las gradas verlo, pero lo es mucho más para Hanno, quien es llevado al establo de gladiadores dirigido por el astuto ex esclavo Macrinus (Denzel Washington), un amo que ha surgido de la nada para convertirse en un exitoso hombre de negocios y astuto emprendedor, no como emperador o político, sino incluso mejor como un personaje antagónico que anhela el control del juego. Él satisface las necesidades de Lucilla, pero también ve a Hanno como una atracción estrella emergente en su establo para ser manipulada. Washington está soberbio, claramente se lo está pasando genial como este complejo villano que busca poder a cualquier precio.

La trama, tal como la ideó el guionista David Scarpa, contiene algunos giros que se adentran en el melodrama que involucra personajes clave y revelaciones que es mejor dejar que la audiencia descubra, pero se puede adivinar que todo se complica emocionalmente.

Uno no se imaginaba a Mescal siguiendo a Crowe en este ring en particular, pero su musculoso y convincente papel como Hanno es lo máximo, tan feroz en todo el manejo de la espada como humano en su interpretación. Hubo momentos en los que incluso hace referencia a Kirk Douglas de la era de Spartacus. Nielsen, uno de los dos únicos actores que vuelven de la primera película (Derek Jacobi, que repite su papel de Graco, es el otro), está espléndida aquí, un ancla importante para la historia familiar detrás de toda la acción, el pegamento que lo mantiene todo unido. Pascal camina por una línea gris y demuestra su valor no solo en las escenas de acción, sino también como un hombre que intenta equilibrar su papel en esta sociedad y lo que se espera de un general, pero también su propia humanidad. No es un truco fácil. Hechinger y Quinn son invaluables como los emperadores gemelos locos que se comen cualquier escenario que puedan encontrar.

Y hablando de escenografía, Scott tiene un equipo de primera en esta película, con algunos artesanos de confianza trabajando con él nuevamente desde Gladiator (2000), incluyendo al diseñador de producción nominado al Oscar Arthur Max y al director de fotografía John Mathieson y a la diseñadora de vestuario ganadora del Oscar Janty Yates, todos nuevamente en el equipo. Un agradecimiento a los equipos de efectos visuales especiales y al compositor Harry Gregson-Williams por su conmovedora banda sonora.

Gladiator es una película difícil de igualar, pero Sir Ridley Scott demuestra ser un maestro en la creación de una orgía romana de excitación que resulta ser una digna sucesora en todos los sentidos.

Crítica Cinéfila: The Tragedy of Macbeth

Un lord escocés es convencido por unas brujas de que se convertirá en el futuro rey de Escocia. 

En los 18 largometrajes que ha realizado con su hermano Ethan, Joel Coen ha demostrado, una y otra vez, ser un director visual como cualquiera del mundo del cine independiente de las últimas cuatro décadas. Wes Anderson podría ser un ejemplo más extremo, pero incluso allí sería difícil imaginar la escuela de la vida como una casa de muñecas de Wes Anderson si no hubiera sido por el ejemplo de los hermanos Coen: la obsesión que siempre han tenido con la representación de una historia meticulosamente organizada, con cada toma enmarcada exactamente así, los escenarios diseñados casi como maquetas, todo el sentido de la colocación y el corte de la cámara y la dinámica espacial creando un enfoque elevado de novela gráfica que, para los Coen, a menudo parece ser la razón principal por la que están haciendo la película. 

Así que no es de extrañar que en “The Tragedy of Macbeth”, una adaptación de la obra de Shakespeare que es la primera salida en solitario de Joel Coen como cineasta, se acerca mucho al material sobretodo en el aspecto visual. La diáfana niebla blanca, el graznido de los pájaros negros, la bruja que parece una depravada Juana de Arco, todo tiene la claridad extasiada de una pesadilla. La sorpresa, al menos para mí, es lo sensual, ingeniosa, expresiva y envolvente que son las imágenes de la película.

“The Tragedy of Macbeth” fue filmada en blanco y negro. Y así como esa forma evoca un mundo más antiguo de la realización de películas, las imágenes de Coen, creadas en colaboración con el director de fotografía Bruno Delbonnel y el diseñador de producción Stefan Dechant, te hacen sentir como si estuvieras diambulando. Pero en “Macbeth”, Coen no solo se hace eco de la apariencia de las películas antiguas. Se hace eco de la atmósfera, el espíritu debajo de la mirada: la psicología del claroscuro, con sombras que bailan alrededor de escenarios de castillos que parecen sacados de un cuento de hadas, y espacios sellados que se ciernen donde un rayo de luz puede reflejar el estado de ánimo de un personaje. 

En diferentes momentos, el aspecto de “The Tragedy of Macbeth” recordará un sedoso y ominoso cine negro. En su estilo austero de tablero de ajedrez, las imágenes son hermosas, adecuadas para enmarcar las intenciones detrás de los personajes, pero si la película fuera solo una versión glorificada de Shakespeare en un libro de mesa de café, habría pocas razones para preocuparse. Coen usa las imágenes para crear una sensación cinematográfica intensificada: la sensación de un universo cinematográfico "cerrado", un espacio cinematográfico que se convierte en un laberinto de la mente, así como un patio de recreo moral-emocional para la audiencia. En este caso, un parque infantil salpicado de sangre.

La sensación de que este “Macbeth” tiene lugar en espacios cubiertos, incluso cuando se desarrolla al aire libre, lo acerca a la era del sistema de estudio; también lo sitúa en un ámbito híbrido justo en la frontera entre el cine y el teatro. La película se rodó en platós, lo que le da cierta cualidad hermética, pero me pareció fascinante encajar con Shakespeare, cuyo artificio tiende a sobresalir demasiado en un escenario natural. 

Si lo desea, puede ver el personaje de Macbeth como un hombre cuya ambición lo convierte en un monstruo, pero Denzel Washington, con el pelo muy corto y canoso que parece fusionarse con el diseño de la película, lo interpreta como un sociable en apariencia. Washington, como actor, siempre ha sido un recitador; apenas necesita a Shakespeare para mostrar ese lado de sí mismo. En “The Tragedy of Macbeth”, sin embargo, se reduce a sí mismo, encontrando un espíritu más suave y furtivo en el gusano interior de la malevolencia de Macbeth. Esta es una película en la que dos personajes, Macbeth y Lady Macbeth (Frances McDormand), intentan convertirse en sociópatas, y parte de la tragedia es que fracasan.

Cuando las brujas, encabezadas por la aterradora actuación de Kathryn Hunter, profetizan que Macbeth, regresando triunfante de la guerra contra Noruega e Irlanda, se convertirá en el Thane de Cawdor, y lo hace, planta una semilla en él, seguramente su otra profecía: que él será rey. Al conocer a Duncan (Brendan Gleeson), el rey de Escocia, en una tienda de campaña, vemos el primer indicio de codicia en Macbeth; está ahí en la sonrisa de dolor de Washington cuando Duncan anuncia que su hijo, Malcolm (Harry Melling), será el próximo rey. Pero Washington, que ha dominado el muy raro arte de presentar a Shakespeare como si fuera un discurso coloquial, mantiene los deseos de Macbeth en secreto. Es Lady Macbeth, después de haber hecho una especie de pacto con el diablo, quien lo empuja a asesinar, y cuando camina por un corredor interminable, hablando de la daga que ve frente a él, la escena tiene una sensación de vértigo. Cuando su daga se clava en el cuello de Duncan, lo sentimos atravesar el espejo.

El Macbeth de Washington no es un buen sociópata; se agita y se esfuerza demasiado. Su asesinato de los dos guardias que han sido engañados para parecerse a los asesinos de Duncan es un acto de ansiedad temeraria. Mirándolo en silenciosa recriminación desde abajo, Lady Macbeth de McDormand no puede creer la magnitud del error. No es difícil ver por qué el fantasma de Banquo viene a visitar a Macbeth en medio de una cena: Bertie Carvel imbuye a Banquo de una camaradería cálida y verdadera, convirtiendo su asesinato en un acto grotesco. Ese fantasma es la culpa de Macbeth. Incluso aquí, Washington le da a Macbeth una cualidad de vulnerabilidad a medida que se vuelve más desesperado por cubrir sus huellas. Es aterrador lo familiar que parece su pérdida de perspectiva. En lo más profundo, está regido por una obsesión que es malvada, pero nunca perdemos de vista a la persona que se ha apoderado de ella. Dado que Washington y McDormand tienen más de 60 años, sus intrigas tienen una urgencia hastiada. Esta es literalmente su última puñalada al poder.

Hay buenas actuaciones en todo momento, especialmente de Corey Hawkins como Macduff, quien provoca la mayor indignación por la traición de Macbeth, y McDormand, cuyo discurso sonámbulo representa la recuperación de su humanidad: sabe que no puede lavar la sangre que se ha derramado. Coen ha recortado esta obra ya recortada, y eso fue un movimiento inteligente. Ha hecho un "Macbeth" que seguramente seducirá al público, uno que, a pesar de toda su oscuridad de importancia, es alegre, veloz y embriagador. Te muestra, a través de la empatía irónica convocada por la actuación de Washington, lo rápido que la raza humana puede descarrilarse. Y trae ese drama a un deslumbrante enfoque profundo.

Crítica Cinéfila: The Little Things

Un sheriff y un detective de homicidios han de colaborar juntos para intentar dar caza a un astuto asesino en serie.

Cuando en una película se tiene un psicópata de ojos saltones, especialmente cuando es interpretado por un actor experto, siempre es bueno para reír, estremecerse o algo intermedio. Pero también, para restar importancia a la exageración. Cuando se tiene a alguien como Jared Leto en ese tipo de rol, quien sin duda ha tenido mucha práctica, sabes que dará una actuación de vanguardia como el tipo de sordidez diabólica y suelta que te encanta odiar logrando la mejor secuencia en “The Little Things", aunque otra forma de decirlo es que la escena eleva el listón a un lugar que el resto de la película no puede igualar.

Leto interpreta a Albert Sparma, un indecente de Los Ángeles que parece estar a medio camino entre una persona sin hogar y Jesús. En la escena clave, es llevado a la estación para ser interrogado por dos policías que se han convertido en socios poco probables: Joe "Deke" Deacon (Denzel Washington), un adjunto visitante del norte del estado (aunque una vez trabajó en Los Ángeles, donde era un maestro perfilador de asesinos en serie) y Jimmy Baxter (Rami Malek), un detective de LAPD bien vestido que aparece en las noticias locales con tanta frecuencia que se ha convertido en una celebridad. Se han unido para resolver una serie de asesinatos brutales y creen que tienen a su hombre en Sparma, que ciertamente parece el papel.

Es espeluznante y de forma extraña, con ojos negros vidriosos, cabello largo grasiento, barba hippie, una sonrisa geek, una camisa de trabajo abotonada hasta la nuez de Adán y un tono alegre y hablador de sí mismo. Sparma es un trabajador que camina arrastrando los pies y que tomará un autobús urbano hasta un club de striptease. Pero en el interrogatorio, aparece como la versión de un genio malvado de Lecter, tres pasos por delante de todas las preguntas que le hacen. Le ha dado fotos horribles de las víctimas del asesinato, que mira con suficiente entusiasmo inexpresivo para burlarse de la policía sin incriminarse a sí mismo.

Leto, basándose en su perversidad de mente vivaz, comunica una gran cantidad de placer enfermizo. Sparma, un solitario, adora ser el centro de atención, y también Jared Leto. Naturalmente, se burla de la policía, pero todo apunta a Sparma como el asesino: su lúgubre apartamento, el hecho de que confesó un asesinato hace 8 años, la calidad que transmite ser una mente maestra de mala vida.

Leto, a su manera, quema un pequeño agujero en la pantalla. Dicho esto, hemos visto este tipo de actuación antes. Y hemos realmente visto el resto de la película antes, ya que “The Little Things”, escrita y dirigida por John Lee Hancock, es una película que quisiera ser "Se7en", con muchos toques extraídos de "Manhunter", pero se parece más a un episodio no muy especial de "CSI".

Eso es una gran decepción, ya que este es el primer thriller de múltiples estrellas y lujosamente escalado que hemos tenido la oportunidad de ver en bastante tiempo. Ambientada en 1990, “The Little Things” pertenece al espeluznante género forense, con episodios que se desarrollan en lugares de asesinatos salpicados de sangre vistos a través de la luz ultravioleta, así como uno o dos enredos narrativos agradables. Sin embargo, este tipo de película de detectives clínicos depende de crear un sentimiento de revelación, una especie de asombro saturado de horror. “The Little Things” es solo una serie de clichés de thriller de asesinos en serie, como fotos de la escena del crimen que hemos visto antes. Y algo de eso no rastrea tan bien.

Tomemos el personaje de Denzel Washington. Al principio, la película parece lanzarnos una bola curva, presentando a Deke como una especie de jinete de escritorio modesto y con la cabeza hacia abajo, un oficial del condado de Kern en uniforme que es enviado a Los Ángeles para recuperar una pieza clave de evidencia: un par de botas ensangrentadas. Pero cuando llega al laboratorio forense y luego a la comisaría, resulta que la mayoría de los agentes lo conocen. Deke, al parecer, fue una vez una leyenda, el tipo de policía que podía meterse en la mente de un asesino. Pero quedó tan inmerso en un caso que sufrió un triple bypass, un divorcio y una suspensión, todo en seis meses.

En otras palabras, es una descripción del agente del FBI dañado de William Petersen, Will Graham, en "Manhunter". Pero cuando Graham tuvo su colapso, no fue condenado al ostracismo. La historia de fondo de Deke, su caída en desgracia, no se analiza por completo, y la actuación de Washington es tan serena en la superficie que nunca adquiere la calidad de obsesión que el guión sigue insinuando. Deke, todavía tratando de resolver ese viejo caso, es absorbido por el nuevo, y se muda a un hotel de basura donde pega fotos de las víctimas en la pared para poder meditarlas con su mirada de mil metros. Pero mientras “Manhunter” fue una película singular sobre la obsesión, este, que llegará 35 años después, parece una copia.

Se supone que Jimmy, de Rami Malek, es el número opuesto de Deke, un hombre de familia que es un profesional suave y unido, con tonos asesinos. Malek lo interpreta con una manera que es estudiadamente brusca. Su actuación no es mala, pero es difícil escapar de la sensación de que, en cierto nivel, se siente forzada.

“The Little Things” no encaja completamente en el modo que “Se7en” logró, ni siquiera en la secuencia culminante, en la que Sparma invita a Jimmy a dar un paseo nocturno al desierto con él. Tan pronto como llegan allí, la película anterior, comienza a flotar sobre la acción. Sin embargo, es difícil no darse cuenta de que en este caso la “poética” del suspenso de un enfrentamiento entre policía y sospechoso deja atrás el sentido común. Sparma le pide a Jimmy que cavara un hoyo en el desierto con una pala. No hay forma de que un policía experimentado de Los Ángeles cavara ese agujero. Deke, en un momento, le dice a Jimmy que son “las pequeñas cosas” a las que un detective debe prestar atención; son las cosas que atrapan a un asesino. Sin embargo, aquí fueron tan pequeñas que no se aprecian.

Crítica Cinéfila: Ma Rainey's Black Bottom

Cuando Ma Rainey, la "Reina del Blues", graba su nuevo disco en un estudio de Chicago en 1927, se disparan las tensiones entre ella, su agente, su productor y sus compañeros de banda.

En "Ma Rainey’s Black Bottom", las presentaciones son importantes. Ya sea que el público conozca o no la reputación de la verdadera Ma Rainey como "madre del blues", August Wilson asegura que esta pionera musical es un personaje más grande incluso antes de pisar el escenario. Y debido a que la adaptación del largometraje de Netflix marca el último papel de la estrella de "Black Panther" Chadwick Boseman en pantalla, las salidas también asumen una conmovedora conmoción. Pero comencemos por el principio.

Es el año 1927, y Ma Rainey (Viola Davis) ha sido contratada para grabar algunas de sus canciones más conocidas, todos éxitos en el circuito de espectáculos, en un estudio en el lado sur de Chicago. Dos hombres blancos, su manager Irvin (Jeremy Shamos) y el productor del álbum Sturdyvant (Jonny Coyne), se preocupan por si ella llegará a tiempo o no, lo que es suficiente para que los espectadores asuman que Ma Rainey es una especie de Diva. Su banda musical, que incluye a Levee (Chadwick Boseman), el famoso trompetista, llega mucho antes que Ma, ensayando abajo mientras esperan a que la jefa haga su gran entrada. Y ella lo hace.

En una desviación de la obra, el director George C. Wolfe (“Lackawanna Blues”) abre su película con una breve burla del atractivo de supernova de Ma Rainey, haciendo lo suyo en lo profundo del bosque para una audiencia negra rural. Ese vistazo nos da una sensación de la estrella en su elemento. Pero su primera escena propiamente dicha es la que escribió Wilson, y encuentra a la cantante rodeada de rostros blancos enojados: Ma Rainey le está gritando a un oficial de policía. Su chofer llegó tarde al estudio, provocando un accidente en el proceso, y ahora las autoridades amenazan con llevarla a la estación.

Davis, quien ganó un Oscar como la esposa de amor duro en “Fences” de Wilson, luce virtualmente irreconocible como Ma Rainey, con su maquillaje de ojos de panda manchado, su peluca cansada y su expresión desafiante. La actriz ha transformado su silueta, su postura y su actitud en algo desafiante, una reina madre ante la que otros deben humillarse. Eso es porque el mayor activo de Davis, una convicción en sí misma que es la columna vertebral y el alma de este personaje, brilla, dejando en claro que Ma Rainey no es una mujer a la que se pueda presionar.

Casi cada segundo de la actuación de Davis trata sobre el poder, quién tiene la ventaja sobre quién y lo que significa para una persona estar en una posición subordinada. La obediente adaptación de Rubén Santiago-Hudson explica algo de ese subtexto, pero la sensibilidad del público variará según su experiencia de vida.

La primera novela de Wilson, "Ma Rainey's Black Bottom" reformula la Era del Jazz desde un punto de vista afroamericano. Los personajes blancos son relativamente raros en el trabajo de Wilson, y aquí, Irvin, Sturdyvant y ese policía representan un sistema que explota la cultura negra. En el transcurso de un solo día sofocante en un estudio de grabación, somos testigos del triunfo y la derrota, animados por el blues, una forma de arte informada por la opresión, y ahora una de conexión. Pero Wilson no escribe obras de teatro alegres, y esta termina con una nota que suena como el suspiro cansado de un trombón triste.

“No les importo nada. Lo único que quieren es mi voz”, dice Ma Rainey a modo de explicación, después de negarse a cantar hasta que Irvin cumpla su promesa de entregar una botella fría de Coca-Cola. De repente, lo que hasta ahora parecía un comportamiento de diva adquiere una nueva perspectiva. Ma Rainey reconoce el poco respeto que se le otorga a una mujer abiertamente bisexual y sin complejos negros como ella en el Chicago de la década de 1920, y está aprovechando lo que tiene, su talento, para establecer los términos.

Pero Ma Rainey no es la única con talento. Levee ha escrito algunas canciones propias, siguiendo las indicaciones de Sturdyvant para adaptarse a sus clientes blancos. Para estos oídos, suenan como una mejora, pero el problema no es qué versiones son mejores. Los compañeros de banda de Levee, Culter (Colman Domingo), Toledo (Glynn Turman) y Slow Drag (Michael Potts), cuestionan lo que su afán por adaptarse a sus guardianes dice sobre sus valores.

Ma Rainey entiende que tan pronto como Sturdyvant tenga su récord, puede dejar la cortesía y eliminarla de la escena. Ella lucha por ser fiel a sus raíces, por dar voz a su gente (lo que hace literalmente al pedirle a su tartamudo sobrino que presente la canción principal), mientras que Levee no ve ningún problema en la asimilación. Pero si Wilson es crítico con este impulso, lo complica al mostrar que Levee no es un tipo tradicional: al principio, mientras el público todavía está tratando de descubrir su personaje, Levee describe un incidente que presenció a los 8 años que lo dejó marcado en todos los aspectos.

Wilson escribe personajes que se revelan a sí mismos en capas, y aunque la película le da a Levee una introducción cinematográfica propia, cada escena agrega complejidad. Boseman entra en la película, delgado e inquieto. La confianza y la compostura de los íconos que ha interpretado antes (Jackie Robinson, Thurgood Marshall, T'Challa) se han desvanecido en una especie de inseguridad nerviosa que nunca hemos visto en el actor. Levee tiene hambre de fama; tiene mucho que demostrar. Está ahí en la forma en que coquetea con todas las jóvenes bonitas, incluida la "chica de Ma", Dussie Mae (Taylour Paige), y está ahí en la forma en que gasta el salario de una semana en un par de zapatos nuevos.

Levee merodea por la habitación donde ensaya la banda, preocupada por una puerta pesada y oxidada en la pared trasera que se convierte en un símbolo claro de sus ambiciones: ¿es un atajo o un callejón sin salida? La historia de la música estadounidense moderna está pavimentada con la apropiación y el robo total de la cultura negra. Esa tradición continúa hoy, remontándose al menos hasta el momento que Wilson, inspirado por el blues, ha imaginado aquí.

El dramaturgo concibió a Levee como una figura trágica, lo cual lamentablemente se filtró en la vida real. Por muy poderosa que sea la actuación de Davis, esta es la película de Boseman: el nombre de Ma Rainey está ahí en el título, pero Levee está tratando de secuestrar su atención en todo momento, por lo que tiene sentido que nuestros ojos deban estar en él cuando comienza a estallar: una estrella colapsando, dejándolo todo en la pantalla. Qué suerte que el legado de Boseman incluya esta película, un homenaje al arte negro que es lo suficientemente duro como para afrontar los costos de su realización.

Roman J. Israel, Esq.

Roman Israel (Denzel Washington) es un idealista abogado defensor que, debido a una serie de acontecimientos, se encuentra en una crisis que le conduce a una decisión extrema. (FILMAFFINITY)

Denzel Washington vuelve a recordarnos por qué es considerado uno de los mejores actores de su generación y actualmente, con un personaje que no solo es interesante, sino que crea los sentimientos de fiabilidad y empatía.

Roman J. Israel es un abogado que siempre ha trabajado tras el escritorio con los casos de una pequeña firma de abogados, mientras sus colegas se llevan todo el mérito de su trabajo. Renunció a todo: tener una familia, avanzar más como abogado, lograr una mejor estabilidad económica; todo esto, solo para salvar los casos de personas inocentes, débiles y discriminadas. Pero cuando su jefe sufre de un ataque cardíaco, la firma toma la decisión de dividirse y Roman queda sin trabajo. Después de semanas en busca de un trabajo, un socio de la firma de su ex-jefe decide otorgarle una posición en su poderosa empresa. 

No obstante, y después de un intento fallido de salvar a una persona inocente de ser sentenciada por un crímen que no cometió, Roman decide revelar de manera anónima quién es el verdadero culpable y recibir una poderosa recompensa con la cual podrá otorgarse la vida que nunca había podido tener, solo para que la culpabilidad lo atacara constantemente después de que resulte ser el abogado de a quién delató.

Denzel Washington encarna a este personaje y permite retratar los grandes esfuerzos, complejos, debilidades y necesidades que enfrenta constantemente frente a una sociedad que no entiende ni respeta su manera de ver la vida. Su actuación resulta ser cautivadora frente a las situaciones que debe enfrentar Roman para seguir adelante y las decisiones que toma frente a lo que ocurre a su alrededor.

Lo que resulta decepcionante es la historia que narran frente a Roman, que resulta estar muy por debajo de lo que este logra causar. El personaje resulta ser mucho más interesante que la trama. Le faltó velocidad, mantener un tono, causar la suficiente tensión y generar fascinación por lo que sucedía a lo largo de la historia. Lo que podría considerarse mejor trabajado frente a la trama a nivel general es el twist final otorgado, que permite demostrar que se logró cada objetivo que Roman se propuso a lo largo de la película.

Por otro lado, la película retrata distintos escenarios de Los Angeles, enfocando su fotografía y musicalización en encontrar un lado divertido y a la vez lleno de tensiones y acomplejidades de parte de las realidades que enfrenta el protagonista.

Roman J. Israel Esq. es mucho personaje para la precaria historia que cuenta y merece una mucho mejor que demuestre todo lo que tuvo que pasar para lograr la poca felicidad de su vida, tratando temas sobre la injusticia judicial, el poder que tienen los más ricos frente a los más intelectuales, el peligro que corren los abogados frente a los demás criminales y la constante tensión de que cualquer cosa podría ocurrirle, incluyendo la muerte.

Fences

En los años 50, un padre afroamericano lucha contra los prejuicios raciales mientras trata de sacar adelante a su familia en una serie de eventos fundamentales en su vida para él y para los suyos. Denzel Washington lleva al cine una obra de teatro que ya interpretó en Broadway. (FILMAFFINITY)

Una vez más (y sin desperdicios), la época de los 50 vuelve a ser protagonista de una historia sobre frustraciones de la comunidad afroamericana... aunque las diferencias raciales no es el principal conflicto de esta historia.

El nombre Fences es una metáfora de la protección que un padre siempre quiere y debe darle a su familia, ligando las creencias religiosas y los pensamientos sociales, y dando a entender que "mientras el diablo ande suelto" (y traiga todos sus problemas), la cerca o fence será lo único que lo mantendrá del otro lado.

En esta trama, Denzel Washington es Troy Maxson, un señor frustrado, con acomplejidades debido a metas sin cumplir y un antecedente muy violento, lo cual lo llevarán a cometer grandes errores que afectarán su futuro con su esposa y sus hijos. Otro reto bien logrado por este actor, que de manera interesante envuelve a su espectador y lo convence de las locuras y anécdotas de su personaje. Con su lenguaje no verbal, sus musarañas y manoteo, Denzel nos enseña el gran sufrimiento del protagonista y cómo toma sus decisiones, aún si estas afectan a quienes lo rodean.

Viola Davis es otra actriz que no se queda atrás. Quizás su personaje tiene un parecido a otros que ya ha interpretado, como en Doubt y The Help, pero este es más protagónico y más inquietante. Su capacidad actoral impecable y los sentimientos que le agrega a cada escena y cada momento nos recuerdan por qué debemos adorarla.

Otro gran fuerte de esta historia son los diálogos, que (para buena o mala suerte del espectador) son extensos y son los que darán sentido a toda la trama. Aquí no hay musicalización ni flashbacks; son los diálogos los que se encargarán de contar toda la historia, narrando el pasado y presente de nuestros personajes, su sentir y sus inquietudes, los que se encargarán de robar la atención de la audiencia por unos largos ratos. Sí, parecerá una obra de teatro por su longitud, pero es en realidad la esencia de toda la película.

Denzel Washington tiene una trayectoria artística que lo convierte en uno de los grandes de su generación, y no me refiero solamente a su carrera como actor. Tuvo su momento de gloria como cineasta con "Antwone Fisher" y "The Great Debaters", y Fences entra en la lista como la tercera dirigida y actuada por él mismo. Quizás pocas personas reconozcan el trabajazo que logró para esta pieza, pero el estilo en que está contado, su diseño de producción más el elenco completo de toda la película la convertirán en otro logro más que se agrega a su filmografía.