Crítica Cinéfila: Woman of the Hour

Los Ángeles, 1978. Una aspirante a actriz (Anna Kendrick) se cruza con el asesino en serie Rodney Alcala (Daniel Zovatto) en el plató del popular concurso de televisión The Dating Game.

Casi todas las mujeres tienen una historia: una desconocida que la siguió por un estacionamiento. Un taxista que le hizo preguntas incómodamente personales. Una cita que se volvió terriblemente obsesiva. Una amiga que no aceptaba un no por respuesta. La aterradora banalidad de estos eventos es el motor que impulsa “Woman of the Hour”, el debut como directora de la actriz Anna Kendrick. 

Para su lanzamiento como directora, Anna Kendrick eligió una trama particularmente abrumadora al abordar la historia del notorio asesino en serie Rodney Alcala, quien organizó una aterradora ola de asesinatos en los años 70 en la que se cree que mató a más de 130 mujeres y niñas. La base de la película de Kendrick, Woman of the Hour, se centra en su aparición a plena vista en un episodio de 1978 de "The Dating Game" de ABC, en el que era el soltero con el que la concursante Cheryl Bradshaw terminó eligiendo tener una cita, sin saber que este era un período en medio de su ola de asesinatos.

En mayo de 2021, el programa 20/20 de la cadena ABC dedicó una hora completa a la historia del asesino a sangre fría que murió en prisión, pero la versión cinematográfica de Kendrick tiene en mente algo más que los hechos. Con un guión de Ian McDonald, que estuvo en el Black List, Kendrick emplea un estilo no lineal para saltar de un año a otro de la década de los 70 y retratar el modus operandi de este hombre, en el que Alcala (Daniel Zovatto) aparecía como un fotógrafo que prometía a varias mujeres que conocía un contrato de modelo mientras les tomaba instantáneas en varias poses solo para demostrar que era legítimo. No lo era. Tal como lo presenta esta película, su rutina básica es seducirlas lo suficiente para que lo acompañen a una sesión fotográfica en el desierto, donde las mataría brutalmente. Esas escenas son bastante gráficas e incómodas de ver, ya que Kendrick no reserva mucho para la imaginación.

Corte a Cheryl (Kendrick), lidiando con varias audiciones como la aspirante a actriz recién llegada a Los Ángeles que es. Su mejor amigo (Pete Holmes) y posible pareja romántica, al menos según lo que él querría, la anima a participar en The Dating Game para darse a conocer cuando su agente sugiere que sería un buen paso en su carrera. Ella no quiere hacerlo, pero acepta de mala gana. La pieza central de la película son las escenas que giran en torno al programa; también son las más atractivas, ya que al principio parece adoptar la personalidad estúpida que el presentador Ed Burke (Tony Hale) quiere que represente. Pero después de la primera ronda, adopta una postura agresiva al interrogar que está lejos del estilo insulso del programa y más en sintonía con Jeopardy. 

El soltero número 3, Alcala, saca su encanto de lo más profundo y gana el día, con un premio de un viaje a Carmel para la pareja. Las cosas se ponen espeluznantes cuando él la invita a tomar unos tragos esa noche, y más tarde la acecha en el estacionamiento del estudio mientras ella regresa a su auto. Mientras tanto, un miembro de la audiencia (Nicolette Robinson) lo reconoce de un encuentro en el que sospecha que él mató a su mejor amiga y trata de que la seguridad y la producción la tome en serio durante la grabación, pero sin éxito.

La evocación que hace Kendrick del tipo de miedo que siente una mujer cuando un hombre pasa de ser amistoso a hostil de repente se percibe con fuerza y ​​claridad, y parece destinada a provocar conversaciones sobre eventos similares en las vidas de los espectadores al salir de la sala de cine. Más allá de esa potente impresión, lo que “Woman of the Hour” intenta decir sobre la violencia de género permanece oscuro hasta el final, cuando la historia de una adolescente autoestopista que escapó de Alcalá en 1979 le da a la película su declaración de tesis. “Está bien”, dice con una sonrisa, magullada y ensangrentada después de un ataque brutal. Ella sigue el juego, y así es cómo sobrevive. Y el juego continúa, como lo ha hecho siempre.

No hay duda de que este incidente ocurrió durante la emisión de The Dating Game (hay imágenes del programa que lo demuestran). Sin embargo, los hechos reales de lo que sucedió en el aire son inventados: Alcala y Bradshaw no ganaron una cita con Carmel, sino lecciones de tenis, y él era el soltero número 1, no el número 3, como se muestra en los divertidos encuentros con sus compañeros solteros durante los anuncios publicitarios. Además, se sabe poco sobre los hechos por los que pasó Bradshaw, excepto que todavía está viva para contar su historia. Sin embargo, el hecho de los cambios a la trama no hacen que uno los crea menos, pues la audiencia se sentirá convencida de cada uno de ellos, gracias a la actuación y desenvolvimiento de sus talentos que le dan vida a los personajes, particularmente a Zovatto. Zovatto es el actor perfecto, ya que parece un doble del verdadero Alcala y es relativamente desconocido como para ser creíble en el papel de este loco. 

Teniendo en cuenta todo esto, Kendrick realmente tiene un futuro detrás de la cámara, especialmente porque logró todo esto en solo 24 días de rodaje y demuestra un verdadero talento para la puesta en escena; una en particular que respeta el género. Todo esto hace que uno se pregunte a quién está seleccionando ABC para The Bachelor en estos días y por qué parece que les parece bien que esta película muestre a un asesino en serie despiadado como concursante en uno de sus programas.

Crítica Cinéfila: Longlegs

A Lee Harker, una nueva y talentosa agente del FBI, le han asignado un caso sin resolver de un asesino en serie. A medida que la investigación se complica y se descubren pruebas ocultas, Harker se da cuenta de que existe un vínculo personal con el despiadado asesino y debe actuar con rapidez para evitar otro asesinato.

En tres décadas ha habido casi 40 víctimas, pero la terrible historia es siempre la misma: un padre bueno, corriente y religioso de los suburbios de Oregón, de repente, sin provocación, se enfurece y asesina a su esposa y a sus hijos pequeños antes de quitarse la vida de manera similar. A falta de cualquier indicio forense de que alguien ajeno a la casa estuviera en la escena del crimen, estas atrocidades domésticas podrían parecer una coincidencia diabólica si no fuera por la única prueba que comparten entre ellos: una siniestra y dulce tarjeta de cumpleaños firmada “Longlegs”. 

Ese toque de asesino en serie es el golpe de gracia adecuado para una serie de asesinatos-suicidios que resultan aún más inquietantes por la yuxtaposición que establecen entre el mal insondable y la salubridad de los libros de texto; la ilusión de pureza establece un contraste profano con la oscuridad que la invade. Es suficiente para hacer que la familia nuclear parezca una historia de tapadera, o al menos para sembrar una pizca de duda sobre su promesa de proteger a las buenas almas cristianas contra una serie de horrores impíos. 

El diablo prospera en la brecha que existe entre lo que se le enseña a la gente a creer y lo que no puede temer, e incluso las atrocidades más viles cometidas en nombre de Satanás no son más que un medio para alcanzar un fin. El verdadero objetivo es sembrar la persistente sospecha de que algo terrible se esconde fuera de la vista, justo debajo de ti, tal vez, o justo por encima de tu hombro. Cada garganta cortada y cada titular que te deja sin aliento susurra lo mismo a mil oídos diferentes: todo lo que te dijeron sobre el mundo cuando eras niño era una pequeña mentira piadosa.

Longlegs se deleita en exponer eso, y lo mismo hace la película agresivamente desconcertante de Oz Perkins a la que presta tanto su nombre como su filosofía. Aterradora en lo abstracto aunque cada vez resulta más absurda de ver, “Longlegs” se cuela en ese espacio preliminar entre las pesadillas infantiles y las cuestiones prácticas de los adultos con la misma precisión con la que divide la diferencia entre los procedimientos de asesinos en serie y los psicodramas sobrenaturales. Adivinar dónde termina un modo y comienza el otro es parte de la diversión morbosa de la lograda combinación de géneros de Perkins, que parece resolver su misterio central en la primera escena, solo para dejarte esforzándote por descifrar más pistas en medio de la oscuridad, entrecerrando los ojos en las esquinas de cada cuadro meticulosamente compuesto en busca de algo, cualquier cosa, que pueda explicar el lento escalofrío que te sube por la nuca con la elegancia de una araña. 

En “Longlegs”, la pregunta nunca es “¿qué hay ahí afuera?”. Enterrado bajo capas de maquillaje blanco y varias capas de prótesis faciales, Nicholas Cage entra en el prólogo de la película detrás del volante de una camioneta con paneles de madera antes de presentarse a una niña con un extraño tipo de baile que recuerda a los movimientos de “The OA”. Pasará un tiempo antes de que sepamos qué quería de ella (o qué le hizo) , pero solo unos segundos antes de que los títulos de apertura nos alumbren. Las palabras “Nicolas Cage como Longlegs” no dejan mucho espacio para segundas conjeturas, incluso si casi todo lo demás sobre el villano (su adicción a las malas cirugías plásticas, su obsesión con el “Bang a Gong (Get It On” de T. Rex, su hábito al estilo Zodiac de burlarse de la policía con cifras) todavía está abierto a la interpretación al final de la película. 

Cuando la acción se centra en los primeros días de la administración de Clinton, unos 20 años después del prólogo, la cuestión de la identidad de Longlegs es menos relevante que el misterio que rodea a la joven agente del FBI que está a punto de convertirse en su propia Clarice Starling. Su nombre es Lee Harker (la leyenda del terror independiente Maika Monroe, que mantiene el orden con una actuación estranguladora), es nueva en la agencia y su sexto sentido para detectar criminales parece desmentir su apariencia recatada. Su intuición psíquica le permite encontrar a un loco en lo que bien podría ser su primer día de trabajo, una escena tremendamente amenazante que logra establecer dos verdades fundamentales sobre la película de Perkins. Una es que no rehuirá a lo oculto. La otra es que tiene lugar en un mundo frío e indiferente donde las ejecuciones son tan casuales como abrir el timbre de una puerta, un mundo donde el mal no tiene miedo de esconderse a plena vista, porque sabe que la mayoría de la gente hará todo lo posible para no verlo. Uno profana el realismo, y el otro se niega a soltarlo. 

El agente Carter, interpretado por un astuto y entrañable Blair Underwood, que asume el alcoholismo de su personaje como el precio que le ha costado mantener la cabeza en su sitio, asigna a Lee el caso de Longlegs en cuanto se entera de su inusual habilidad. Los detectives convencionales no han encontrado ni un solo avance tras varias décadas intentándolo, así que ¿por qué no utilizar una extraña oficial para luchar contra otra extraña figura? El propio Longlegs parece ciertamente encantado con la idea, ya que no pierde el tiempo en dejar un mensaje personal en la oficina de Lee, prometiéndole que volverá a matar en un futuro muy cercano (Perkins se divierte mucho con la numerología satánica, aunque sea solo como parte de un intento poco satisfactorio de transmitir que Longlegs está en deuda con un plan).

Y eso es realmente todo lo que hay que hacer, además de la introducción de algunos otros personajes secundarios en el camino, a saber, la frágil y devota madre de Lee, interpretada por una irreconocible Alicia Witt, y la única superviviente conocida/mayor fan de Longlegs, interpretada por una perversamente trastornada Kiernan Shipka. Sofocante con atmósfera y afortunadamente ligera en trama (al menos hasta que deja de serlo), la película de Perkins está menos interesada en pelar las capas de las amenazas más agudas de su historia que en saturar el resto del mundo que los rodea con la misma inquietud ineludible. 

¿Cómo mata Longlegs a sus víctimas sin siquiera poner un pie dentro de sus casas? ¿Y por qué Lee no se alarma porque su propio cumpleaños está a la vuelta de la esquina? Nos dejamos llevar por los extraños detalles de los asesinatos en serie, incluso cuando la historia que los une se desarrolla con trazos decepcionantemente predecibles.

Y eso es porque “Longlegs” no se trata de un hombre amante de Satanás, al igual que “Se7en” no trataba de un tipo llamado John Doe. Hasta ese punto, Cage apenas aparece en esta película, lo que podría ser lo mejor en una película que nos hace escanear el fondo de cada toma hasta que empezamos a proyectar nuestros demonios más personales en las sombras; una película que a menudo parece que está trabajando activamente en contra de los gestos del actor de cine más inconfundible del planeta. 

Por el contrario, “Longlegs” es una película sobre el miedo que Cage nos implora que reconozcamos en nosotros mismos y en el mundo que nos rodea. Es una película sobre el espacio vacío que se cierne detrás de Lee mientras está sentada en su escritorio en medio de la noche. Es una película sobre el ominoso zumbido que nos rasga la garganta cuando Lee habla con su madre por teléfono, y el sordo ruido de pasos que el diseñador de sonido Eugenio Battaglia hace sonar tan fuerte que parece que cada uno de ellos está tratando de despertarnos de un sueño espantoso. Es una película sobre la falsa comodidad de la relación de aspecto similar a la de un proyector de diapositivas que Perkins usa para los flashbacks, sobre lo que está en el marco, lo que no y lo peligrosas que pueden ser nuestras mentes mientras hacen todo lo posible para dibujar en los espacios en blanco. 

Es revelador que el puñado de sobresaltos que Perkins ha incluido en la edición tienda a acompañar momentos inofensivos y/o supernarrativos en lugar de amenazas reales; amplían la tensión en lugar de centrarla en un objetivo específico que puede saltar hacia ti y resolverse con la misma rapidez. No son las cosas las que dan miedo, es el mundo lo que da miedo, y lo más aterrador es que no hay ningún otro lugar al que ir. Todas las personas que amamos tienen que vivir aquí, y decir tus oraciones por la noche no será suficiente para mantenerlas a salvo. Por otra parte, tal vez eso solo dependa de a quién le estés rezando.

Perkins pierde de vista los puntos fuertes de su película cuando “Longlegs” se asienta en su ridícula recta final, que se conforma con jadeos que delatan la hermosa falta de aire de los dos primeros actos de la historia. Por otra parte, supongo que el final es adecuado para el último y más alegremente jodido cuento de hadas de un maestro emergente del género, ya que “Longlegs” se deleita con los artilugios que la gente usa para empaquetar sus miedos mortales en una pequeña historia ordenada con un lazo en la parte superior, como un regalo de cumpleaños que tus padres estaban ansiosos por darte.

Crítica Cinéfila: The Strangers, Chapter 1

Durante una parada en un viaje por carretera, en una remota casa de alquiler en el bosque, una joven pareja se convierte en la presa de una misteriosa banda de tres extraños enmascarados que atacan sin previo aviso ni motivo.

En 2008, The Strangers aprovechó tan bien el miedo a la violencia aleatoria que recuperó su presupuesto nueve veces. La película muestra a una desventurada pareja que, mientras pasa la noche en un lugar desconocido, son víctimas de tres lunáticos enmascarados sin ningún motivo. Con "The Strangers: Chapter 1", el director Renny Harlin y los escritores Alan R. Cohen y Alan Freedland intentan renovar la franquicia; desafortunadamente, lo hacen con un cinismo palpable y un guión pintado por números que se inspira generosamente en su original. Repetir las mejores líneas y puntos de la trama de un clásico de culto no es lo mismo que rendir homenaje, y este supuesto preludio de los crímenes posteriores de Man in the Mask, Dollface y Pin-Up Girl solo arruina la premisa simple y siniestra de su predecesor.

El capítulo 1 sigue a Maya (Madelaine Petsch) y Ryan (Froy Gutiérrez), una pareja de Nueva York, ambos inmóvilmente hermosos y reacios a la autoconservación. En búsqueda de una parada de carretera hacen un desvío rural en su viaje a Portland en un pueblo llamado Venus, y debido a que el carro mágicamente no quiere volver a iniciar se hospedan en un Airbnb donde todos los lugareños los odian por ser urbanitas, vegetarianos o lo que sea. Después de algunos juegos previos rancios, los malos de la franquicia juegan al gato y al ratón con la pareja durante toda la noche. Parte del caos es original, pero la mayor parte (como deben estarlo nuestros idiotas protagonistas después de su larga y torpe experiencia) es cansona.

Estos problemas comienzan justo después de los títulos iniciales, cuando se nos informa que cada año ocurren 1,4 millones de crímenes violentos en Estados Unidos (¡No me digas!), es sorprendente cuanto reciclaje de material hicieron que esta es exactamente la misma cifra que aparece al comienzo de The Strangers y, alerta de spoiler, las tasas de delitos violentos han cambiado desde 2008. De hecho, han mejorado significativamente. Los realizadores pueden excusar este alarmismo diciendo que se supone que el Capítulo 1 es una precuela de The Strangers, pero no lo es. No puede serlo, a menos que los personajes de la película original hayan sido reconfigurados oficialmente como hipsters extraños que usan tecnología del futuro. ¡La trama gira en torno a la existencia de Airbnb!

Luego están los temibles lugareños, ¿o debería decir herméticos? Esta película es tan poco halagadora para los estadounidenses rurales que podría poner celosas a las películas de “explotación roja” de los años 1970. ¿Y para qué? Los invasores de hogares son la verdadera amenaza aquí y no están motivados por el resentimiento de clase. No están motivados por nada. Ese es el objetivo de la franquicia.

Dejando a un lado los mensajes sociales dudosos, "The Strangers: Chapter 1" es una película de terror meramente útil. Hay algunos momentos tensos y muchos sobresaltos, pero se ven socavados por un guión frustrante. Petsch, que también es productora ejecutiva, intenta hacer lo mejor que puede con su reina del grito, pero fracasa. No ayuda que esté interpretando a uno de los protagonistas de terror más estúpidos de los últimos tiempos. Si no soportas ver a la gente en las películas de terror seguir ruidos extraños o asomar la cabeza por los agujeros hechos con hacha en la pared, entonces realmente vas a odiar a Maya y Ryan.

Incluso si logras leer todos los escritos absurdos, no obtendrás mucha recompensa. Todo lo bueno está completamente extraído de la película original, hasta un extraño que pregunta si Tamara está en casa y desenrosca una de las luces del porche. Yo diría que "The Strangers: Chapter 1" recoge sus mejores partes de The Strangers como un asesino saqueando el cadáver de su propia víctima, pero eso podría implicar que hay algo remotamente interesante en este reinicio alucinante.

Aunque tiene clasificación R, se te perdonará si piensas que recibió una clasificación PG-13. Sólo hay un mínimo indicio de sexualidad, escaso uso de la bomba F y escasas gotas de sangre. Eso hace que esta fiesta de pijamas sea excelente, especialmente considerando que Petsch tuvo su gran oportunidad como Cheryl Blossom en "Riverdale". A los verdaderos fanáticos del terror y aquellos con edad suficiente para recordar la primera película: tengan cuidado.

Los defectos de esta película serían menos evidentes si no existiera la superior "The Strangers: Prey at Night". Lamentablemente para Harlin y sus amigos, la secuela de Johannes Roberts de 2018 de "The Strangers" saca este lío del agua, ofreciendo un escenario novedoso, protagonistas más dinámicos y una secuencia culminante ambientada con "Total Eclipse of the Heart". Con mucho gusto tomaría dos más de esa. En cambio, tenemos esto, y esta es la primera película de una trilogía protagonizada por Petsch. Unámonos con la esperanza de que solo podamos subir desde aquí.

"The Strangers: Chapter 1" puede asustarte si no tienes la edad suficiente para recordar "The Strangers", pero mientras que su predecesor fue sutil e interesante, el reinicio de Renny Harlin elige ser ridículo y aburrido. Si por algo destaca esta película es por lo estúpidos que son los personajes principales. Ya sea que represente un pequeño pueblo de Estados Unidos como un siniestro espectáculo de fenómenos o extraiga sus mejores momentos directamente del original, esta película se resiste activamente a la novedad. Si realmente necesitas ver a una pareja tímida huir del crimen aleatorio, mira la original.

Crítica Cinéfila: The Little Things

Un sheriff y un detective de homicidios han de colaborar juntos para intentar dar caza a un astuto asesino en serie.

Cuando en una película se tiene un psicópata de ojos saltones, especialmente cuando es interpretado por un actor experto, siempre es bueno para reír, estremecerse o algo intermedio. Pero también, para restar importancia a la exageración. Cuando se tiene a alguien como Jared Leto en ese tipo de rol, quien sin duda ha tenido mucha práctica, sabes que dará una actuación de vanguardia como el tipo de sordidez diabólica y suelta que te encanta odiar logrando la mejor secuencia en “The Little Things", aunque otra forma de decirlo es que la escena eleva el listón a un lugar que el resto de la película no puede igualar.

Leto interpreta a Albert Sparma, un indecente de Los Ángeles que parece estar a medio camino entre una persona sin hogar y Jesús. En la escena clave, es llevado a la estación para ser interrogado por dos policías que se han convertido en socios poco probables: Joe "Deke" Deacon (Denzel Washington), un adjunto visitante del norte del estado (aunque una vez trabajó en Los Ángeles, donde era un maestro perfilador de asesinos en serie) y Jimmy Baxter (Rami Malek), un detective de LAPD bien vestido que aparece en las noticias locales con tanta frecuencia que se ha convertido en una celebridad. Se han unido para resolver una serie de asesinatos brutales y creen que tienen a su hombre en Sparma, que ciertamente parece el papel.

Es espeluznante y de forma extraña, con ojos negros vidriosos, cabello largo grasiento, barba hippie, una sonrisa geek, una camisa de trabajo abotonada hasta la nuez de Adán y un tono alegre y hablador de sí mismo. Sparma es un trabajador que camina arrastrando los pies y que tomará un autobús urbano hasta un club de striptease. Pero en el interrogatorio, aparece como la versión de un genio malvado de Lecter, tres pasos por delante de todas las preguntas que le hacen. Le ha dado fotos horribles de las víctimas del asesinato, que mira con suficiente entusiasmo inexpresivo para burlarse de la policía sin incriminarse a sí mismo.

Leto, basándose en su perversidad de mente vivaz, comunica una gran cantidad de placer enfermizo. Sparma, un solitario, adora ser el centro de atención, y también Jared Leto. Naturalmente, se burla de la policía, pero todo apunta a Sparma como el asesino: su lúgubre apartamento, el hecho de que confesó un asesinato hace 8 años, la calidad que transmite ser una mente maestra de mala vida.

Leto, a su manera, quema un pequeño agujero en la pantalla. Dicho esto, hemos visto este tipo de actuación antes. Y hemos realmente visto el resto de la película antes, ya que “The Little Things”, escrita y dirigida por John Lee Hancock, es una película que quisiera ser "Se7en", con muchos toques extraídos de "Manhunter", pero se parece más a un episodio no muy especial de "CSI".

Eso es una gran decepción, ya que este es el primer thriller de múltiples estrellas y lujosamente escalado que hemos tenido la oportunidad de ver en bastante tiempo. Ambientada en 1990, “The Little Things” pertenece al espeluznante género forense, con episodios que se desarrollan en lugares de asesinatos salpicados de sangre vistos a través de la luz ultravioleta, así como uno o dos enredos narrativos agradables. Sin embargo, este tipo de película de detectives clínicos depende de crear un sentimiento de revelación, una especie de asombro saturado de horror. “The Little Things” es solo una serie de clichés de thriller de asesinos en serie, como fotos de la escena del crimen que hemos visto antes. Y algo de eso no rastrea tan bien.

Tomemos el personaje de Denzel Washington. Al principio, la película parece lanzarnos una bola curva, presentando a Deke como una especie de jinete de escritorio modesto y con la cabeza hacia abajo, un oficial del condado de Kern en uniforme que es enviado a Los Ángeles para recuperar una pieza clave de evidencia: un par de botas ensangrentadas. Pero cuando llega al laboratorio forense y luego a la comisaría, resulta que la mayoría de los agentes lo conocen. Deke, al parecer, fue una vez una leyenda, el tipo de policía que podía meterse en la mente de un asesino. Pero quedó tan inmerso en un caso que sufrió un triple bypass, un divorcio y una suspensión, todo en seis meses.

En otras palabras, es una descripción del agente del FBI dañado de William Petersen, Will Graham, en "Manhunter". Pero cuando Graham tuvo su colapso, no fue condenado al ostracismo. La historia de fondo de Deke, su caída en desgracia, no se analiza por completo, y la actuación de Washington es tan serena en la superficie que nunca adquiere la calidad de obsesión que el guión sigue insinuando. Deke, todavía tratando de resolver ese viejo caso, es absorbido por el nuevo, y se muda a un hotel de basura donde pega fotos de las víctimas en la pared para poder meditarlas con su mirada de mil metros. Pero mientras “Manhunter” fue una película singular sobre la obsesión, este, que llegará 35 años después, parece una copia.

Se supone que Jimmy, de Rami Malek, es el número opuesto de Deke, un hombre de familia que es un profesional suave y unido, con tonos asesinos. Malek lo interpreta con una manera que es estudiadamente brusca. Su actuación no es mala, pero es difícil escapar de la sensación de que, en cierto nivel, se siente forzada.

“The Little Things” no encaja completamente en el modo que “Se7en” logró, ni siquiera en la secuencia culminante, en la que Sparma invita a Jimmy a dar un paseo nocturno al desierto con él. Tan pronto como llegan allí, la película anterior, comienza a flotar sobre la acción. Sin embargo, es difícil no darse cuenta de que en este caso la “poética” del suspenso de un enfrentamiento entre policía y sospechoso deja atrás el sentido común. Sparma le pide a Jimmy que cavara un hoyo en el desierto con una pala. No hay forma de que un policía experimentado de Los Ángeles cavara ese agujero. Deke, en un momento, le dice a Jimmy que son “las pequeñas cosas” a las que un detective debe prestar atención; son las cosas que atrapan a un asesino. Sin embargo, aquí fueron tan pequeñas que no se aprecian.

Crítica Cinéfila: The Ripper, docuseries

4 episodios. Investigadores y testigos recuerdan los asesinatos del destripador de Yorkshire, que proyectó una oscura sombra en el norte de Inglaterra a finales de los años setenta.

Netflix se está haciendo famoso por muchas razones: las suscripciones masivas, comedias románticas con el mismo final y los reboots de nuestros shows favoritos de infancia. Pero quitando todo esto, todo fanático de series sobre asesinos seriales (como yo) sabrá siempre que podrá encontrar que ver en esta plataforma. Desde Mindhunters, I am the Killer y Don’t F**k with Cats, Netflix tiene una gran variedad para nuestros gustos quebrantados hacia una sociedad perjudicada por una persona en un tiempo específico. Allí es donde entra The Ripper.

Este docuserie trata sobre el Yorkshire Ripper, un misterioso asesino serial que aterrorizó distintas ciudades de Inglaterra por cinco años hasta que finalmente fue apresado. Todo inició en 1975 cuando el cuerpo de la supuesta prostituta Wilma McCann aparece a unas pocas cuadras de su casa donde la esperaban sus cuatro hijos. Su cuerpo apareció con fracturas de martillo y apuñalada varias veces en el area del pecho, abdomen y cuello. La especificidad del ataque es importante para los subsiguientes años cuando demás mujeres, aparentemente prostitutas o en libertinaje, continuaron siendo asesinadas bajo los mismos ataques. En un lapso de 5 años, el Yorkshire Ripper había matado públicamente 11 mujeres, apenas dejando rastros de sus neumáticos, enviando cartas y una grabación de audio a la Policía, y el gran misterio de por qué atacaba únicamente estas mujeres.

Entre 1975 y 1980, la serie de asesinatos y ataques a mujeres jóvenes aterrorizaron al norte de Inglaterra. Se pensó que los asesinatos se parecían a los de Jack el Destripador, el notorio caso sin resolver de 1888 del East End de Londres, y por eso la policía y los periódicos comenzaron a usar el nombre de el "Destripador de Yorkshire" para referirse al asesino en serie. Como muestra (o más bien implica) la serie documental, el uso de este apodo, sin embargo, hizo más daño a la investigación que ayudó a encontrar al perpetrador.

Dirigida por Jesse Vile y Ellena Wood, The Ripper inicialmente se llamó Érase una vez en Yorkshire. Las víctimas sobrevivientes y los familiares de las mujeres asesinadas por Peter Sutcliffe (como en realidad se llamaba el asesino serial) pudieron haber pensado que se centraría en las víctimas en lugar del asesino en serie. Sin embargo, es una historia más sobre decisiones de hombres. Es verdad que en esos cuatro episodios, The Ripper resume el caso de cinco años que afectó de manera traumática distintas comunidades inglesas: desde las familias de las víctimas (algunas de ellas ni siquiera relacionadas a esa vida de calle) hasta toda la sociedad femenina, obligada a tener toques de quedas o simplemente prohibidas de su libertad de salir en la noche a donde se les antojara por un hombre que las asechaba en las noches sin piedad. 

Pero más que una vista a sus ataques y asesinatos, la serie le da un vistazo a los hombres detrás del caso y cómo tomaron decisiones que continuaron alargando la captura del villano principal, enfocándose en las autoridades que dieron la cara a los medios para las ruedas de prensa y supuestos jefes de investigación. En vez de sentar su vista en encontrarlo, victimizaron a las mujeres que podrían ser víctimas y tacharon a las que ya habían sido atacadas como prostitutas sin pruebas contundentes de que todas siguieran este oficio. No es hasta el último episodio cuando realmente se conoce el rostro detrás de los ataques y su motivo para cada asesinato. Está claro de que fue algo premeditado pero mientras esto se resolvía, todo lo anterior se convirtió en una crítica constante hacia el cuerpo policial y de investigación, y una mirada hacia la victimización de la mujer.

The Ripper se fundamente de imágenes de archivo, audios y publicaciones noticiosas, pero su verdadero fuerte son las entrevistas pasadas y a la fecha de personas que vivieron en carne viva ese caso: familiares de las víctimas y personas asociadas a la investigación, todo esto para conectar los puntos sueltos que el cuerpo policial no pudo lograr en cinco años que además de esto, visualiza cómo realmente existieron más víctimas de lo que públicamente se conocía y más ataques que no fueron incluidos porque no conectaban con el patrón original que las autoridades habían establecido. Entre las muchas entrevistas, una de las más interesantes se convierte en el diálogo con el padre del asesino Peter Sutcliffe, quien insiste una y otra vez cómo nunca podría haberse imaginado que todos esos asesinatos realmente eran responsabilidad de él. Pero el entretenimiento mayor no llega hasta el episodio final, cuando ya Sutcliffe ha sido atrapado pero la ironía les choca a los investigadores al percatarse que no solo habían visitado el trabajo de este señor sino que también lo habían conocido durante los meses de entrevistas a una larga lista de hombres.

La serie alterna entre entrevistas de archivo sobre los casos en los que el desprecio de las fuerzas del orden por las trabajadoras sexuales es evidente y entrevistas actuales con hombres como Whitehouse, cuyos comentarios todavía están teñidos de matices de burla. Mientras que los creadores de "El Destripador" querían que los espectadores salieran diciendo: "Vaya, eso es horrible, pero me alegro de que los tiempos hayan cambiado", no establecieron las opiniones dicotómicas que pretendían. No se cuestionan las formas en que la continua criminalización del trabajo sexual se mantiene. No es una gran sorpresa decir que las cosas no han cambiado.

The Ripper muestra metódicamente las formas en que la misoginia influyó en la respuesta a los asesinatos. Definitivamente, la serie no es una de un montón. Se distingue por su montaje tan preciso y rítmico (responsabilidad de Gideon Gold) que utiliza una y otra vez las grabaciones de las noticias anunciando los nombres de las víctimas como elemento dramático para insertarlo en la mente de su audiencia, pero su verdadero fuerte siempre será la narrativa, que si se parece o no a las distintas docuseries de asesinos seriales no importará pues el paso más difícil ya lo ha hecho y ha sido generar ese sentimiento de terror y desesperación que la población sintió desde una mañana de 1975 en Yorkshire.

Crítica Cinéfila: Extremely Wicked, Shockingly Vile and Evil

Ted Bundy fue uno de los asesinos en serie más peligroso de los años 70 pero, además de asesino fue un secuestrador, violador, ladrón y necrófilo. Su novia, Elizabeth Kloepfer, se convirtió en una de sus más fieles defensoras, negándose a creer la verdad sobre él durante años. La historia de sus numerosos y terribles crimenes contada a través de los ojos de Elizabeth.

Estados Unidos tiene un historial de asesinos seriales que siempre entran en las mismas características: obsesionados con la necrofilia, coleccionistas de partes de cuerpo, asesinatos a un género en específico que pueden o no ir conectados con un suceso de su propio pasado. Ted Bundy fue uno de los casos más sobresalientes debido a su actitud tan "encantadora" y un atractivo que, en vez de aterrorizar, provocaba que otras mujeres desearan también haber sido víctimas en su lista. El físico de Bundy es lo que hace que Zac Efron, conocido por personajes románticones, encantadores y llamador de masas femeninas.

Cuando observas el trailer de esta película, da la sensación de que esta se concentrará en los asesinatos que cometió Bundy y cómo logró mantener una relación amorosa con dos personas diferentes sin estas haberse convertido en víctimas más del asesino; sin embargo, la historia se enfoca en lo que pasó después de su última víctima, cómo una de ellas logró escapar y reportarlo a la policía; cómo Ted se declaró inocente hasta el final y no fue hasta que después de su juicio y fuese declarado culpable, él le confesó a su novia Elizabeth que él sí había asesinado a estas mujeres.

La real protagonista es Elizabeth, interpretada por Lily Collins, quien fue la novia de Ted durante los años en que asesino a más de 30 mujeres. Sin embargo, Elizabeth nunca se enteró de esto pues para ella, Ted era un hombre cariñoso y bondadoso que nunca lastimaría a ninguna mujer. Y mientras más se desarrollaba el caso en su contra, más ella tenía la necesidad de saber de él y si todo lo que las víctimas decían era verdad. Mientras tanto, Ted Bundy trataba de mantener su discurso como el único y verdadero. Después de despedir a su abogado porque sentía que no era lo suficientemente capaz de llevar su caso, decidió ser su propio defensor y así, junto a sus conocimientos de leyes y su sonrisa tan hipnotizante, ser el protagonista de la televisión nacional durante varios meses.

Ted Bundy siempre insistió en que era inocente de los brutales asesinatos que se le había acusado de cometer: en lo que a él se refería, era simplemente víctima de un trabajo policial incompetente y un mal momento. Lo que es provocativo sobre esta película del director Joe Berlinger es que, esencialmente, ha elaborado un biopic que el asesino en serie convicto se habría hecho a él mismo. 

Esta película audaz pero desigual intenta romper la vida interior del mentiroso patológico narcisista y violento presentando su historia de la misma manera compasiva y autoengrandeciente en que Bundy trató de vendérsela a otros, centrándose en la relación a largo plazo del hombre con Madre soltera Elizabeth Kloepfer. Zac Efron proyecta la cantidad justa de elegancia nerviosa y vacía, pero la idea de la película no ofrece suficientes dividendos, especialmente cuando se trata de reconciliar las distorsiones de la realidad de Bundy con el terror real que causó en los años 70.

Berlinger es mejor conocido por documentales como Paradise Lost y Brother's Keeper (ambos codirigidos con su socio creativo recientemente fallecido Bruce Sinofsky), y hace unos meses atrás lanzó a través de Netflix una docu-serie sobre Bundy llamada Conversations With A Killer. Pero en esta película, él cuenta una historia sobre cómo Bundy (Efron) corteja a Liz (Lily Collins), quien es instantáneamente golpeada por este hombre caballeroso y guapo que no parece molestarle que tenga un bebé. Pero su felicidad romántica es eventualmente interrumpida por el arresto de Bundy bajo la sospecha de que podría tener algo que ver con una serie de asesinatos en todo el noroeste de Estados Unidos.

Extremely Wicked, Shockingly Vile and Evil no es la primera película que trata de ubicarnos en el espacio de cabeza de un psicópata, pero Berlinger normaliza su tema de manera intrigante, e irónicamente la convierte en una película tradicional de un hombre inocente y falsamente acusado, con Bundy como el noble del guión. Es revelador (y un poco decepcionante para mí) que solo al final de la película se vea a Bundy cometer sus crímenes; antes de eso, la película es un retrato directo de una pareja feliz, que coloca al espectador dentro de la burbuja del engaño de Bundy.

Efron nunca deja escapar la máscara de Bundy, siempre proyectando la absoluta confianza del hombre en su propia inocencia. Lo fascinante de la actuación del actor es que siempre creemos que Bundy creía que no había matado a esas mujeres. No hay conflicto interno dentro del personaje, y Efron lo interpreta con una convicción tan firme que es monstruoso, precisamente porque no vemos ningún indicio de monstruosidad.

La presentación de Berlinger sobre el engaño de Bundy necesita una explicación de cómo este asesino podría engañar a Liz. En consecuencia, Collins tiene que caminar sobre la cuerda floja, demostrando el amor de su personaje por Bundy sin hacer que Liz parezca tan ingenua que se la vea estúpida.

En los primeros momentos de la película, Collins se hace la tarea de manera admirable, pero cuando comienza a centrarse en el juicio por asesinato de Bundy en Florida a fines de la década de 1970, Liz se convierte en una figura periférica cuya falta de voluntad para reconocer los crímenes de su novio se vuelve absurda. Collins y Berlinger quieren mostrar cómo Liz fue cegada por la devoción, pero el personaje no tiene suficiente dimensión para que podamos entender por qué todavía se siente atraída por él años después de que la relación terminó. Del mismo modo, nos presenta a otra persona importante en la vida de Bundy, su vieja amiga Carole Ann Boone (Kaya Scodelario), quien se convirtió en su amante y más ferviente defensora durante el juicio. Pero al igual que con Liz, Berlinger no puede elucidar lo que llevó a Carole Ann a ser su campeona. En lugar de humanizar estas relaciones, la película las hace aún más difíciles de creer.

Lo que queda es un concepto estructural muy inteligente que, en última instancia, no ofrece muchas ideas sobre la mente retorcida de Bundy. Berlinger se resiste a mostrar la naturaleza horrorosa de los asesinatos de Bundy hasta el acto final de Extremely Wicked para que la audiencia quede impactada por las cosas terribles que hizo este demonio guapo y encantador. En cierto sentido, Berlinger está tratando de acusarnos junto con personas como Liz y Carole Ann; Bundy nos ha seducido a todos. Pero a pesar de la convicción y la buena apariencia de Efron, nos da un inescrutable Bundy que nunca es comprensible. Este retrato, potencialmente nervioso, de un asesino en serie, demuestra ser extrañamente sangriento.

My friend Dahmer

Narra la vida del asesino en serie en sus años de secundaria, previo a su primer asesinato.

Jeff Dahmer fue un adolescente fuera de lugar, luchando por sobrevivir a la preparatoria con una vida familiar en ruinas. Recoge animales atropellados, se fija en un corredor de barrio y se enfrenta a su inestable madre y su decepcionante padre. Pronto comienza a portarse mal en la escuela y sus estupideces ganan popularidad hasta crear una banda llamada The Dahmer Fan Club, dirigida por Derf Backderf . Pero esta camaradería no puede ocultar su creciente depravación. Al acercarse a la graduación, Jeff se mueve en espiral hacia la pérdida de control, acercándose cada vez más a la locura.

Es imposible no crear empatía con el personaje de Dahmer, quien además de tener "daddy issues", sufrió una vida totalmente caótica que no le permitió ser "normal", a parte de ser un antisocial por naturaleza. Creo que no seré la única que "entiende" en cierta forma por qué terminó siendo un asesino en serie y se conmoverá de lo que tuvo que vivir, que lo terminó arrastrando a sus crímenes.

Un aspecto que podría generar confusión a principio de la historia es la obsesión de Dahmer con el doctor, lo cual no se entiende si es ganas de matarlo o es una fantasía sexual. Además, hay mucha exposición en palabras de Dahmer y de los demás personajes, que pudieron ser transmitidos con éxito en acciones de cada uno.

Esta es la primera vez que veo la actuación de Ross Lynch, lo cual me impresionó, tanto en su encarnación de Dahmer, como en toda la evolución que le dio al personaje, dando la oportunidad de entender cada una de sus etapas y cómo las fue sufriendo en silencio. Quizás lo más repugnante de la trama es el hecho de que recogía animales muertos, pero esto no le resta al morbo y las perturbaciones que transmitió el personaje, especialmente gracias a los ángulos y movimientos de cámara que lo capturaron en cada una de sus acciones.

Del mismo modo, el resto del elenco supo llenar las expectativas y requerimientos de cada uno de sus personajes, especialmente quienes tuvieron el rol de los padres de Dahmer, su hermano y su único amigo. En cuanto a eso, no me pareció adecuado que los dejarán en el aire; es decir, los desaparecieron antes de que la película estuviese en su tercer acto. Deja la gran cuestionante de qué pasó con ellos y por qué se alejaron totalmente de Dahmer. Lo mismo sucede con el doctor, el drogadicto y los demás chicos del fan club de Dahmer, que ni siquiera los vimos en la graduación de la escuela.

De todas formas, Marc Meyers logra con eficacia y autenticidad transmitirnos y provocarnos conmoción en torno a este personaje, que fue un desentendido de toda la sociedad que lo rodeaba y que esto fue creando más razones para que terminará siendo el "Caníbal de Milwaukee".