Crítica Cinéfila: No Time to Die

Bond ha dejado el servicio secreto y está disfrutando de una vida tranquila en Jamaica. Pero su calma no va a durar mucho tiempo. Su amigo de la CIA, Felix Leiter, aparece para pedirle ayuda. La misión de rescatar a un científico secuestrado resulta ser mucho más arriesgada de lo esperado, y lleva a Bond tras la pista de un misterioso villano armado con una nueva y peligrosa tecnología.

Es difícil hacer una película de Bond. Sobretodo en estos tiempos donde la actitud del personaje y sus decisiones chocan con los nuevos pensamientos de la sociedad. Pero la película número 25 de la serie parece el viaje más difícil hasta el momento: sobrevivir de alguna manera a un director que se marcha (Danny Boyle , debido a las temidas "diferencias creativas", reemplazado por Cary Fukunaga), un retraso de dos años provocado por la pandemia, y la salida de Daniel Craig, un 007 que previamente afirmó que prefería “cortarse las muñecas" a interpretar Bond otra vez. Ha sido un trecho muy difícil de alcanzar; por eso con su llegada se siente casi como un llamado misericordioso.

Y como dice Bond en esta película, "tenemos todo el tiempo del mundo antes de morir". A pesar de las grandes referencias que existen aquí en cuanto a sus antecesoras y de depender en gran medida de arquetipos que se sienten no solo familiares sino reconfortantes, son las cosas desconocidas que hacen de esta una entrada tan emocionante.

Nos encontramos con Bond en modo jubilación. Para la primera mitad de la película, le dio la espalda al MI6, y hay muchas referencias a cómo ha pasado su mejor momento en una isla paradisiaca, un “viejo desastre” como él mismo se llama. Craig todavía puede usar un esmoquin, pero tiene algunos años más en la cara que en el Casino Royale de 2006. Su actuación, que siempre ha estado llena de contradicciones, la sonrisa de playboy contrastada con una estoica confusión interior, es la más interesante que jamás haya sido en esta saga. Este Bond es más apasionado, más impulsivo, más sensible y, nos atrevemos a decir, más romántico, y le da nuevas y notables dimensiones a un personaje de décadas.

Sin embargo, no es menos despiadado, y aunque las películas anteriores de Craig mostraron la influencia de la valentía de Jason Bourne, la acción de Fukunaga parece imitar en parte a John Wick, con un énfasis en los tiroteos salvajes y las secuencias de persecución intensas. El elenco de apoyo ofrece grandes asistencias: Ana De Armas en una pequeña pero impresionante secuencia de pelea para volver a mostrar su química en escena con Craig; Lashanna Lynch como una agente rival de 00 con su propia marca de arrogancia, pero tiene una base sólida y musculatura, con destellos de un thriller de conspiración paranoico.

Lo que no quiere decir que la inteligencia artificial de Bond no se vea. Se mencionan ojos biónicos, nanobots e imanes. Como el nuevo villano Safin, Malek tiene un acento vagamente del este de Europa, y su principal motivación para la destrucción del mundo parece ser solo una venganza personal y una pasión por la jardinería. Solo podemos especular sobre a qué ascendieron las contribuciones de Phoebe Waller-Bridge al "pulido de guiones" (Bond, por desgracia, no mira hacia abajo para ofrecernos confesionarios sardónicos como lo hubiese hecho Fleabag), pero el guión ofrece al menos una frase para todas las épocas. Lo que sí se agradece es que da un tono diferente al que presentaba el agente 007 en ocasiones anteriores.

Fukunaga, al parecer, fue una elección ideal de director, equilibrando hábilmente las contradicciones del personaje y la franquicia, y aunque no escapa del todo a las trampas habituales, un tercio medio empatado por la trama y la exposición no justifica ese alboroto del tiempo: siempre ha sido un cineasta intuitivo, profundamente interesado en la humanidad de sus personajes. De alguna manera encuentra vulnerabilidad en el más invulnerable de los héroes, con un final sorprendente que le da a Craig la despedida que se merece. Cuando una fórmula es tan dura y rápida, incluso los ajustes más mínimos se sienten emocionantes. Pero el aspecto más impresionante de todos en esta entrega #25 es el giro de 180º que le dan al Agente 007, con la posibilidad literal y metafórica de pasar esta identificación a un rol femenino.

Esta es una película de Bond que cumple con todos los requisitos, pero brillantemente, a menudo no se siente como una película de Bond en absoluto. Para un 007 que se esforzó por llevar la humanidad a un héroe más grande que la vida, es un final apropiado para la Era Craig.

Crítica Cinéfila: The Little Things

Un sheriff y un detective de homicidios han de colaborar juntos para intentar dar caza a un astuto asesino en serie.

Cuando en una película se tiene un psicópata de ojos saltones, especialmente cuando es interpretado por un actor experto, siempre es bueno para reír, estremecerse o algo intermedio. Pero también, para restar importancia a la exageración. Cuando se tiene a alguien como Jared Leto en ese tipo de rol, quien sin duda ha tenido mucha práctica, sabes que dará una actuación de vanguardia como el tipo de sordidez diabólica y suelta que te encanta odiar logrando la mejor secuencia en “The Little Things", aunque otra forma de decirlo es que la escena eleva el listón a un lugar que el resto de la película no puede igualar.

Leto interpreta a Albert Sparma, un indecente de Los Ángeles que parece estar a medio camino entre una persona sin hogar y Jesús. En la escena clave, es llevado a la estación para ser interrogado por dos policías que se han convertido en socios poco probables: Joe "Deke" Deacon (Denzel Washington), un adjunto visitante del norte del estado (aunque una vez trabajó en Los Ángeles, donde era un maestro perfilador de asesinos en serie) y Jimmy Baxter (Rami Malek), un detective de LAPD bien vestido que aparece en las noticias locales con tanta frecuencia que se ha convertido en una celebridad. Se han unido para resolver una serie de asesinatos brutales y creen que tienen a su hombre en Sparma, que ciertamente parece el papel.

Es espeluznante y de forma extraña, con ojos negros vidriosos, cabello largo grasiento, barba hippie, una sonrisa geek, una camisa de trabajo abotonada hasta la nuez de Adán y un tono alegre y hablador de sí mismo. Sparma es un trabajador que camina arrastrando los pies y que tomará un autobús urbano hasta un club de striptease. Pero en el interrogatorio, aparece como la versión de un genio malvado de Lecter, tres pasos por delante de todas las preguntas que le hacen. Le ha dado fotos horribles de las víctimas del asesinato, que mira con suficiente entusiasmo inexpresivo para burlarse de la policía sin incriminarse a sí mismo.

Leto, basándose en su perversidad de mente vivaz, comunica una gran cantidad de placer enfermizo. Sparma, un solitario, adora ser el centro de atención, y también Jared Leto. Naturalmente, se burla de la policía, pero todo apunta a Sparma como el asesino: su lúgubre apartamento, el hecho de que confesó un asesinato hace 8 años, la calidad que transmite ser una mente maestra de mala vida.

Leto, a su manera, quema un pequeño agujero en la pantalla. Dicho esto, hemos visto este tipo de actuación antes. Y hemos realmente visto el resto de la película antes, ya que “The Little Things”, escrita y dirigida por John Lee Hancock, es una película que quisiera ser "Se7en", con muchos toques extraídos de "Manhunter", pero se parece más a un episodio no muy especial de "CSI".

Eso es una gran decepción, ya que este es el primer thriller de múltiples estrellas y lujosamente escalado que hemos tenido la oportunidad de ver en bastante tiempo. Ambientada en 1990, “The Little Things” pertenece al espeluznante género forense, con episodios que se desarrollan en lugares de asesinatos salpicados de sangre vistos a través de la luz ultravioleta, así como uno o dos enredos narrativos agradables. Sin embargo, este tipo de película de detectives clínicos depende de crear un sentimiento de revelación, una especie de asombro saturado de horror. “The Little Things” es solo una serie de clichés de thriller de asesinos en serie, como fotos de la escena del crimen que hemos visto antes. Y algo de eso no rastrea tan bien.

Tomemos el personaje de Denzel Washington. Al principio, la película parece lanzarnos una bola curva, presentando a Deke como una especie de jinete de escritorio modesto y con la cabeza hacia abajo, un oficial del condado de Kern en uniforme que es enviado a Los Ángeles para recuperar una pieza clave de evidencia: un par de botas ensangrentadas. Pero cuando llega al laboratorio forense y luego a la comisaría, resulta que la mayoría de los agentes lo conocen. Deke, al parecer, fue una vez una leyenda, el tipo de policía que podía meterse en la mente de un asesino. Pero quedó tan inmerso en un caso que sufrió un triple bypass, un divorcio y una suspensión, todo en seis meses.

En otras palabras, es una descripción del agente del FBI dañado de William Petersen, Will Graham, en "Manhunter". Pero cuando Graham tuvo su colapso, no fue condenado al ostracismo. La historia de fondo de Deke, su caída en desgracia, no se analiza por completo, y la actuación de Washington es tan serena en la superficie que nunca adquiere la calidad de obsesión que el guión sigue insinuando. Deke, todavía tratando de resolver ese viejo caso, es absorbido por el nuevo, y se muda a un hotel de basura donde pega fotos de las víctimas en la pared para poder meditarlas con su mirada de mil metros. Pero mientras “Manhunter” fue una película singular sobre la obsesión, este, que llegará 35 años después, parece una copia.

Se supone que Jimmy, de Rami Malek, es el número opuesto de Deke, un hombre de familia que es un profesional suave y unido, con tonos asesinos. Malek lo interpreta con una manera que es estudiadamente brusca. Su actuación no es mala, pero es difícil escapar de la sensación de que, en cierto nivel, se siente forzada.

“The Little Things” no encaja completamente en el modo que “Se7en” logró, ni siquiera en la secuencia culminante, en la que Sparma invita a Jimmy a dar un paseo nocturno al desierto con él. Tan pronto como llegan allí, la película anterior, comienza a flotar sobre la acción. Sin embargo, es difícil no darse cuenta de que en este caso la “poética” del suspenso de un enfrentamiento entre policía y sospechoso deja atrás el sentido común. Sparma le pide a Jimmy que cavara un hoyo en el desierto con una pala. No hay forma de que un policía experimentado de Los Ángeles cavara ese agujero. Deke, en un momento, le dice a Jimmy que son “las pequeñas cosas” a las que un detective debe prestar atención; son las cosas que atrapan a un asesino. Sin embargo, aquí fueron tan pequeñas que no se aprecian.

Bohemian Rhapsody

Son los años 70. El cantante Freddie Mercury, el guitarrista Brian May, el baterista Roger Taylor y el bajista John Deacon forman la banda británica de rock Queen. Sería en 1975 cuando su sencillo Bohemian Rhapsody les colocaría en un primer plano de la escena musical internacional.

Para los que crecimos escuchando lo grande que fue Queen y su cantante Freddie Mercury, Bohemian Rhapsody significa tres cosas: uno de los mejores sencillos de la historia, uno de los videos musicales mejor elaborados y ahora el primer biopic sobre uno de los más grandes exponentes del rock británico.

El filme es una crónica del rápido ascenso de la música de esta banda, a través de sus icónicas canciones y su revolucionario sonido, desde que Mercury se uniera a Brian May y Roger Taylor, hasta el macroconcierto Live Aid de 1985 en el estadio de Wembley, seis años antes de que Mercury muriera de forma prematura. Es una celebración rotunda y sonora de Queen y de su extraordinario e inclasificable cantante. El biopic está dirigido por Dexter Fletcher (Eddie el Águila, Amanece en Edimburgo), y protagonizada por el actor Rami Malek (Mr. Robot, Noche en el museo: El secreto del faraón) interpretando al líder y vocalista de la banda.

"Bohemian Rhapsody" es probablemente lo que Freddie Mercury apuntaba todo el tiempo: un biopic grande, llamativo y casi verdadero al estilo de Hollywood. Es un poco cursi, pero grandioso; un poco obvio y predecible, pero entretenido e inspirador casi a pesar de sí mismo. Y Mercury está en el centro de todo esto, una figura que debe aprender a compadecerse, admirarse y, sobre todo, maravillarse, porque nunca hubo nadie como este hombre. Sin importar lo que diga la crítica, Rami Malek logró dos objetivos en la piel de este cantante: dar un verdadero espectáculo e ilustrar las verdades de Freddie, sobretodo para aquellos que no conocemos ese pasado. Malek supo resaltar las grandes frustraciones de Freddie, su relación con Mary, cómo fue descubriendo su sexualidad y su relación con su familia.

A pesar de que muchos esperaban un mayor enfoque en los demás miembros de la banda, la película termina siendo un relato de los años dorados de Queen desde el punto de vista de Freddie, como inició en la banda, cómo sus logros comenzaron a hacerse notar, cómo creó sus más destacables sencillos, los conflictos de poder que lo rodeaban y cómo su ego lo llevarón a un vacío casi inexplicable. Malek sorprende una vez más con su inigualable talento para traer a la vida un personaje que siempre trató de ocultar su vida privada, y que realmente estaba completamente solo.

Pero además de Malek, el resto del elenco que compone a Queen hace un increíble trabajo de desarrollo de personajes que está muy bien apoyado con la tremenda similitud con los miembros de la banda. Ben Hardy (X-Men: Apocalypse) da vida a Roger Taylor, Joseph Mazzello (Social Network) a John Deacon y Gwilym Lee (Jamestown) a Brian May. Es un excelente trabajo de casting, que casi podría confundir a estos actores con las verdaderas personas.

Por otro lado, la estructura de esta película se comporta tal y cómo proclama la canción Bohemian Rhapsody. Es una mezcla de momentos, donde la única relación que tienen es un protagonista en busca del amor propio. La selección de canciones se comportó como un medley en vez del típico musical, donde solo le daban a la audiencia cortas versiones de las canciones, preparándola para que en el acto final, todo el público se uniera a la película y cantará a todo pulmón algunos de los mejores sencillos de la banda. La fotografía estuvo inspirada en el estilo de videos musicales de Queen, junto con esos cortes entonados que cambiaban al ritmo de la música. Cabe resaltar el trabajo de producción  de diseño y vestuario, lo cual revivió la excentricidad del artista bajo sus extravagantes vestimentas y la libertad que el mismo se otorgaba por el hecho de ser una leyenda.

La música terminó dirigiendo la historia. No importa que porcentaje haya sido verdad, o por lo menos a mi no me importa saber esto. Lo que sí ha logrado es saber entretener a la audiencia a lo alto de Queen, y otorgar un personaje que casi hizo creer por 2 horas y media que era la viva reencarnación del legendario Freddie Mercury.

Papillon

Henri “Papillon” Charrière está en la cárcel por un crimen que no ha cometido. Condenado a cadena perpetua y enviado a una prisión de la Guayana Francesa, salva la vida a otro preso, Louis Dega, un falsificador de documentos que decide ayudarle a escapar. Juntos planean el más increíble plan de fuga. Remake de la película de 1973 'Papillon'. (FILMAFFINITY)

En el año 1931, Henri Charrière fue condenado a cadena perpetua, acusado de asesinar a un hombre. A pesar de que él tenía pruebas que demostraban su inocencia, fue enviado a una carcel en la Guayana Francesa donde se prometió a sí mismo de que iba a escapar, sin importar cuan difícil fuese lograr su escape. No es la primera vez que el cine revive autobiografías de personas con relatos similares, no obstante, Papillon se gana la atención de muchos no solo con la persistencia de sus personajes, sino también por su cercanía a la realidad de hoy día y la reacción que causa en el público con el maltrato injustificable a los convictos. 

La historia inicia momentos antes del encarcelamiento de Charrière, o mejor conocido como Papi/Papillon (su apodo) y el tipo de vida (no tan inocente) que llevaba. A pesar de que pasó la noche completa con su amada, a la mañana siguiente la policía lo busca, acusándolo de un crimen que no ha cometido. Es acusado de asesinato y enviado a un lugar remoto colonia penal en la Guayana Francesa. Sin embargo, no tiene la intención de quedarse por mucho tiempo, y rápidamente se alía con el ave extraña Louis Dega, un consumado falsificador de documentos. 

El adinerado Dega ha introducido de contrabando un fajo de billetes en la prisión a través de los medios íntimos, y Papi ofrece su protección para obtener suficiente efectivo que lo ayudarán a ejecutar una audaz fuga. No obstante, al llegar a la prisión, se dan cuenta que salir de allí no es tan fácil como las cárceles comunes, pues sus intentos de fuga podrían llevarlos a enfrentar castigos como Confinamiento Solitario por años, vivir en la Isla del Diablo y trabajos forzados, sin dejar de mencionar que si matan a alguien, serían enviados a la guillotina. Es ahí donde Papi será persistente y demostrará que ningún castigo es suficiente para él lograr su cometido y obtener su libertad.

Esta historia posee una narración de ruptura de prisión sólidamente actuada y atractivamente filmada, cargada con toda la tragedia y el triunfo que puede reunir este género. Papi es obstinado, una virtud que lo energiza en su largo y fatigoso camino hacia la salvación. El sádico jefe de la prisión intenta de manera exhaustiva romper a Papi, y aunque su labio superior definitivamente no se endurece después de unos horribles años pasados ​​en confinamiento solitario, Papi se rehúsa desafiante a ser intimidado. Está encerrado en un juego brutal donde la libertad constantemente se aleja de él cada vez que comienza a recuperar el aliento, pero esto no parece detener sus planes. Es frustrante, lo cual es bueno en este caso: la tortuosa cercanía de la liberación hace que la audiencia participe de la difícil situación de Papi.

En contraste con el espiritú activo y violento de Papi, nos encontramos con un excéntrico y delicado Dega, quien está totalmente inadecuado para las exigentes condiciones de la prisión. Su vínculo con Papi se forma lentamente, logrado de manera mutua gracias a los momentos de gran importancia. A pesar de que Hunnam no es Steve McQueen, y Malek obviamente no es Dustin Hoffman, la pareja cuida de no exagerar su mano sentimental, permitiendo que la camaradería tome forma mientras ambos hombres se mantienen mutuamente a una distancia claramente machista.

Para una multitud moderna, la película funciona gracias a la cinematografía que resalta no solo la escenografía tan bien construida, sino también que hace énfasis en los abusos más crueles e inusuales de la dignidad fundamental a través de una falta total de supervisión debido a su ubicación remota, y del trauma que causan en cada uno de los prisioneros. El trabajo esclavo que los prisioneros son forzados a realizar, las humillaciones rutinarias y la violencia recreativa se sienten un poco más señalados en nuestra era de mayor conciencia sobre el insidioso complejo industrial penitenciario.

Los méritos de la película (que, por desgracia, no incluyen la originalidad) son evidentes. Hunnam y Malek mantienen su parte del trato y logran una química impresionante en pantalla. Noer, por su parte, se encuentra con ellos a mitad de camino conjurando una belleza de tonos dorados para los alrededores de la jungla, queriendo aprovechar cada ángulo y cada detalle como un mensaje metafórico de "libertad vs esclavitud". No complica demasiado las cosas por sí mismo, manteniendo el diálogo torpe al mínimo y centrándose en la luz que guía la indomable fuerza de voluntad de Papi.

A pesar de que yo no he visto la original y no puedo hacer mayores comparaciones que las que ya he resaltado, esta película logra su cometido con agarrar a la audiencia en esos momentos de desesperación y soledad, donde el mismo cuerpo humano se rehusa a querer seguir adelante, pero la perseverancia de un hombre es inacabable hasta que pueda lograr su cometido, sin importar cuantos años y abusos de por medio le cueste.