Crítica Cinéfila: Indiana Jones and the Dial of Destiny

El arqueólogo Indiana Jones deberá emprender otra aventura contra el tiempo para intentar recuperar un dial legendario que puede cambiar el curso de la historia. Acompañado por su ahijada, Jones pronto se encuentra enfrentándose a Jürgen Voller, un ex nazi que trabaja para la NASA. 

No hace falta decir que James Mangold no es Steven Spielberg, al igual que sería tremendamente injusto exigirle a cualquier director de Hollywood ese estándar. Por el contrario, hay algo admirable en el hecho de que Mangold encontró el descaro para cerrar el libro de esta franquicia. Lo que no encontró fue una razón de peso para volver a abrir ese libro en primer lugar. "Indiana Jones and the Dial of Destiny" no solo es una pérdida de tiempo casi total, sino que también es un recordatorio elaborado de que es mejor dejar algunas reliquias donde y cuando pertenecen. Si tan solo las entradas anteriores de esta saga se hubieran tomado la molestia de señalarlo. 

Volviendo a Mangold por un momento: es importante tener en cuenta que el fracaso de su última película tiene mucho menos que ver con su talento como cineasta que con el momento en que se le pidió que lo aplicara. Mangold es un heredero tan digno de la corona de Spielberg como cualquiera que trabaje a nivel de estudio hoy en día, y las escenas más eléctricas de "The Dial of Destiny" (todas las cuales están abarrotadas en los primeros 45 minutos) muestran el mismo estilo carismático y competitivo detrás la cámara que ayudó a los gustos enormemente subestimados de "Knight + Day" a golpear tan alto por encima de su categoría de peso. No, la diferencia más grande (o al menos más evidente) entre Spielberg y Mangold es que uno de ellos nunca se habría permitido hacer algo tan obsoleto, y el otro probablemente no tuvo otra opción. 

Por supuesto, eso es en parte culpa de Spielberg. Al llegar a un importante punto de inflexión en la economía de los fanáticos del cine, "Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal" se convirtió de inmediato en sinónimo del trato sacrílego de las queridas franquicias de Hollywood. Ese fiasco de 2008 cometió una buena cantidad de errores del tamaño de Mutt Williams, pero la indignación reflexiva por "destruir el refrigerador" eclipsó un emocionante viaje delirantemente bien dirigido que se atrevió a reconciliar los impulsos contradictorios que habían definido a Indiana Jones desde el principio: familia y aventura. 

En un torpe adelanto de lo que "The Last Jedi" haría tan magistralmente unos años más tarde, "Crystal Skull" tuvo el coraje de infligir un cambio significativo a un personaje icónico, y el retroceso fue tan intenso que el cineasta más exitoso en la historia de Hollywood estaba demasiado asustado para volver a recoger el sombrero de fieltro. ¿Y por qué debería hacerlo? Esa película dejó a su héroe con la felicidad que nunca admitió que siempre había deseado. “Indiana Jones and the Dial of Destiny” se lo arranca y no le da prácticamente nada de valor a cambio. 

Un slog vacío de una película que solo existe para suavizar cualquiera de las quejas de los fanáticos que han dividido a la audiencia de la franquicia en los últimos 15 años, "The Dial of Destiny" es una película de aventuras trotamundos tan segura que incluso su héroe nunca parece estar en peligro significativo (una compilación más precisa de "Star Wars" sería "The Force Awakens", pero esa secuela heredada tuvo el lujo de prometer algo nuevo, mientras que esta solo se dedica a volver los nudos perfectos en cabos sueltos).

En retrospectiva, la peor parte es que el extenso prólogo de Mangold se atreve a prometer algo más, ya que "The Dial of Destiny" comienza con un Indy que roba cierto artefacto de los nazis al final de la Segunda Guerra Mundial. La tecnología todavía es un poco inestable aquí y allá, apropiada para una franquicia que privilegia los poderes finitos de la ciencia sobre los caprichos de la magia, pero no se puede negar lo divertido que es ver a un joven Harrison Ford golpear una nueva variedad de nazis, e incluso luchar contra algunos de ellos en la parte superior de un tren a toda velocidad junto con el arqueólogo Basil Shaw (Toby Jones). Mangold llena toda esta secuencia con deliciosas notas decorativas que ayudan a superar algunos CGI oscuros y dudosos; un poco que involucre una bomba muy pesada es digno de cualquier película que esta franquicia haya producido.

El artefacto en cuestión es el Dial de Arquímedes, una herramienta matemática que se creía capaz de abrir fisuras en el tiempo. El científico nazi Jürger Voller, un Mads Mikkelsen demasiado obvio, que interpreta a Wernher von Braun y que fácilmente es el villano más aburrido que Indiana Jones ha tenido que enfrentar, ciertamente cree en el poder del dispositivo, y cuando la historia comienza en 1969, todavía está desesperado para encontrar la pieza faltante que podría permitir que el impulsor cumpla su misterioso propósito. Indy, mientras tanto, no tiene esa motivación. Su matrimonio con Marion Ravenwood en ruinas y su hijo ha fallecido (siéntete libre de dar un suspiro de alivio), Indy está caminando penosamente hacia la jubilación como profesor en Hunter College, y las vibraciones de "out of my grass" nunca han sido más fuertes. Su relevancia nunca ha estado más en duda; sus alumnos solían mandar notas de amor hacia él con los párpados, y ahora duermen toda la clase. 

La buena noticia es que hay una morena alegre con acento británico en la parte trasera de la sala que parece totalmente comprometida con el material: la hija de Basil y la ahijada de Indy, Helena Shaw (Phoebe Waller-Bridge, incluso si el guión nunca es tan divertido como ella y no le favorece). En un momento se están poniendo al día, y al siguiente se están alejando a toda velocidad de la camarilla de secuaces olvidables de Voller (Boyd Holbrook y Shaunette Renée Wilson) en una carrera mundial por el último McGuffin. 

Es una carrera que llevará al elenco de Tánger a Sicilia (entre lugares mucho más extraños) mientras el guión torcido se esfuerza por cumplir con todas las obligaciones necesarias. Hay una persecución fantástica entre una motocicleta y un caballo, un niño al azar que agrega aún menos a la trama de lo habitual ahora que Indy es una figura paterna, mientras golpea a un grupo de nazis. Y abandona los aviones. Y se estrella contra los túneles del tren. Algunas cosas nunca cambian, pero al menos la nostalgia fácil de esta película tiene algún propósito metatextual detrás, ya que "The Dial of Destiny" está profundamente arraigada en una idea simple que explica tanto su trama como sus trampas: no puedes cambiar el pasado, pero es posible que pueda volver a visitarlo por un tiempo. 

Eso significa ritmos familiares y algunos cameos de fan-service. También significa un miedo paralizante a tomar cualquier decisión que pueda cambiar retroactivamente algo sobre la franquicia o desafiar lo que su icónico héroe significa para las personas (no hace falta decir que Ford sigue siendo Indy de principio a fin, aunque el emotivo discurso que pronunció ante el el estreno de la película en Cannes fue mucho más emotivo y conmovedor que cualquier cosa que le hayan pedido que haga en la película misma). Aparte de un clímax salvajemente inerte, no hay nada aquí que pueda sorprender a nadie. Y eso es cierto tanto en macro como en micro dimensiones, hasta un punto que resulta cada vez más insensible cada vez que Voller aparece en algún lugar unos minutos después que nuestros héroes. 

Al final del día, "The Dial of Destiny" no se trata tanto de agregar nuevas capas a la leyenda de Indy como de pulir las que ya tenía. Al igual que la reliquia en el centro de esta película, que Helena, interesada en sí misma, está constantemente tratando de vender al mejor apostador, el problema real aquí es restaurar el valor completo de un ícono cinematográfico antes de que cabalgue hacia la puesta de sol para siempre. Puedes sentir cuán desesperadamente Mangold, Ford, e incluso los productores ejecutivos Spielberg y George Lucas, el último de los cuales sin duda sonreiría ante la tontería del gran final de la película, quieren desesperadamente que Indy llegue a la cima en la imaginación del público, y "The Dial of Destiny” desentierra innecesariamente la historia antigua para que eso suceda.

“El ayer nos pertenece”, dice alguien en un momento, y cuando se trata de Indiana Jones, el ayer siempre lo será. El problema es que ya lo hizo, y hoy se siente como una completa pérdida de tiempo.

Crítica Cinéfila: No Time to Die

Bond ha dejado el servicio secreto y está disfrutando de una vida tranquila en Jamaica. Pero su calma no va a durar mucho tiempo. Su amigo de la CIA, Felix Leiter, aparece para pedirle ayuda. La misión de rescatar a un científico secuestrado resulta ser mucho más arriesgada de lo esperado, y lleva a Bond tras la pista de un misterioso villano armado con una nueva y peligrosa tecnología.

Es difícil hacer una película de Bond. Sobretodo en estos tiempos donde la actitud del personaje y sus decisiones chocan con los nuevos pensamientos de la sociedad. Pero la película número 25 de la serie parece el viaje más difícil hasta el momento: sobrevivir de alguna manera a un director que se marcha (Danny Boyle , debido a las temidas "diferencias creativas", reemplazado por Cary Fukunaga), un retraso de dos años provocado por la pandemia, y la salida de Daniel Craig, un 007 que previamente afirmó que prefería “cortarse las muñecas" a interpretar Bond otra vez. Ha sido un trecho muy difícil de alcanzar; por eso con su llegada se siente casi como un llamado misericordioso.

Y como dice Bond en esta película, "tenemos todo el tiempo del mundo antes de morir". A pesar de las grandes referencias que existen aquí en cuanto a sus antecesoras y de depender en gran medida de arquetipos que se sienten no solo familiares sino reconfortantes, son las cosas desconocidas que hacen de esta una entrada tan emocionante.

Nos encontramos con Bond en modo jubilación. Para la primera mitad de la película, le dio la espalda al MI6, y hay muchas referencias a cómo ha pasado su mejor momento en una isla paradisiaca, un “viejo desastre” como él mismo se llama. Craig todavía puede usar un esmoquin, pero tiene algunos años más en la cara que en el Casino Royale de 2006. Su actuación, que siempre ha estado llena de contradicciones, la sonrisa de playboy contrastada con una estoica confusión interior, es la más interesante que jamás haya sido en esta saga. Este Bond es más apasionado, más impulsivo, más sensible y, nos atrevemos a decir, más romántico, y le da nuevas y notables dimensiones a un personaje de décadas.

Sin embargo, no es menos despiadado, y aunque las películas anteriores de Craig mostraron la influencia de la valentía de Jason Bourne, la acción de Fukunaga parece imitar en parte a John Wick, con un énfasis en los tiroteos salvajes y las secuencias de persecución intensas. El elenco de apoyo ofrece grandes asistencias: Ana De Armas en una pequeña pero impresionante secuencia de pelea para volver a mostrar su química en escena con Craig; Lashanna Lynch como una agente rival de 00 con su propia marca de arrogancia, pero tiene una base sólida y musculatura, con destellos de un thriller de conspiración paranoico.

Lo que no quiere decir que la inteligencia artificial de Bond no se vea. Se mencionan ojos biónicos, nanobots e imanes. Como el nuevo villano Safin, Malek tiene un acento vagamente del este de Europa, y su principal motivación para la destrucción del mundo parece ser solo una venganza personal y una pasión por la jardinería. Solo podemos especular sobre a qué ascendieron las contribuciones de Phoebe Waller-Bridge al "pulido de guiones" (Bond, por desgracia, no mira hacia abajo para ofrecernos confesionarios sardónicos como lo hubiese hecho Fleabag), pero el guión ofrece al menos una frase para todas las épocas. Lo que sí se agradece es que da un tono diferente al que presentaba el agente 007 en ocasiones anteriores.

Fukunaga, al parecer, fue una elección ideal de director, equilibrando hábilmente las contradicciones del personaje y la franquicia, y aunque no escapa del todo a las trampas habituales, un tercio medio empatado por la trama y la exposición no justifica ese alboroto del tiempo: siempre ha sido un cineasta intuitivo, profundamente interesado en la humanidad de sus personajes. De alguna manera encuentra vulnerabilidad en el más invulnerable de los héroes, con un final sorprendente que le da a Craig la despedida que se merece. Cuando una fórmula es tan dura y rápida, incluso los ajustes más mínimos se sienten emocionantes. Pero el aspecto más impresionante de todos en esta entrega #25 es el giro de 180º que le dan al Agente 007, con la posibilidad literal y metafórica de pasar esta identificación a un rol femenino.

Esta es una película de Bond que cumple con todos los requisitos, pero brillantemente, a menudo no se siente como una película de Bond en absoluto. Para un 007 que se esforzó por llevar la humanidad a un héroe más grande que la vida, es un final apropiado para la Era Craig.

Guión de Cinéfila: 7 Consejos de escritura de Phoebe Waller-Bridge

Cuando me preguntan por recomendaciones de series, la primera que siempre me viene a la mente es Fleabag de mi heroína, Phoebe Waller-Bridge. Simplemente, está repleta de conocimientos creativos. 

Phoebe Waller-Bridge, la genial escritora y actriz de la fama de Fleabag, empezó a escribir porque quería crear un trabajo interesante para sí misma como actriz. Es un eufemismo decir que encontró su vocación al poner palabras en la página. Hace poco en TheScriptLab dio sus siete consejos de escritura para todo aquel que quiere encontrar su voz al escribir:

Tira versiones a la basura

"Hice muchos borradores para el piloto. Principalmente porque no tengo ningún problema en tirarlos a un lado. De hecho, me divierte mucho. He descartado episodios completos de Fleabag que ahora no tienen nada que ver con la serie".

Una de las cosas más difíciles de aprender como escritor es el arte sutil de tirar tus ideas a la basura. No es fácil aceptar que cierta trama o punto de la trama no está funcionando, y puede ser casi imposible renunciar a algo en lo que has pasado muchas horas trabajando. Pero Phoebe descarta ideas con una actitud que se acerca al puro regocijo. Después de todo, cada idea que arrojas te acerca a la mejor versión de tu historia.

Siempre escribe

"No creo que realmente puedas dejar de trabajar cuando estás escribiendo. Siempre está contigo, donde quiera que vayas. Tu cerebro está constantemente revolviendo tramas, generando ideas o desatando nudos".

El trabajo de un escritor nunca se termina, especialmente porque creamos cosas de la nada. Nuestras mentes siempre están dando vueltas a posibilidades para cualquier historia en la que estemos trabajando actualmente, sin importar la hora, el lugar o las circunstancias atenuantes. Y nunca se sabe cuándo llegará la inspiración. La propia Phoebe es conocida por viajar en metro solo para reflexionar sobre ideas, ¡así que nada está fuera de la mesa!

Deje que su entusiasmo marque el camino

"La primera escena que escribí para la segunda temporada [de Fleabag] es la escena en el baño donde Fleabag está allí con la nariz ensangrentada, se vuelve hacia la cámara y dice: 'Esta es una historia de amor'. A los productores les encantó y dijeron: '¿Qué pasa después?' y dije: '¡No tengo ni idea!' Estaba emocionada por eso, y luego trabajé desde allí para descubrir a quién odiaría lo suficiente como para golpearla".

Seamos realistas, no siempre sabemos hacia dónde van nuestras historias. Phoebe diría que eso es algo bueno. Si tu historia te sorprende, probablemente significa que algo está funcionando. Sigue ese instinto y deja que tus personajes lideren el camino. Porque si está entusiasmado con la perspectiva de dónde podría llevar algo, es probable que su audiencia también lo esté.

Cumplir con la regla de tres

"Siempre creo que debería haber al menos tres cosas en una escena al mismo tiempo".

Una escena sobre una mujer joven que se reúne con un banquero no es muy interesante. Pero cuando la joven llega tarde, no está completamente preparada y suda profusamente (lo que hace que ella muestre accidentalmente al banquero en cuestión, quien, por cierto, tuvo un problema con acoso sexual recientemente), la escena se vuelve instantáneamente convincente. “Siento que cuanto más le pones a una persona, más real se siente, porque de lo contrario es solo una conversación sobre un préstamo bancario”, explicó Phoebe. Tus personajes deben ser personas reales con problemas reales, y ¿con qué frecuencia nos ocupamos simplemente de una cosa a la vez? La vida es mucho más complicada y tus escenas deberían reflejar eso.

Utilice la comedia y el drama a su favor

"Trato de desarmar a la audiencia tanto como puedo con la comedia y luego les doy un puñetazo en el estómago con un drama cuando menos lo esperan".

Algunos de los momentos más conmovedores en Fleabag vienen inmediatamente después de una broma. Justo cuando crees que todo es risas y sonrisas, Phoebe Waller-Bridge te hace pedazos con una línea o secuencia dramática. Todo se remonta a la creencia de ella de que las personas son vulnerables cuando se ríen, lo que las deja expuestas a momentos de profundidad y drama; de hecho, Phoebe cree que cuando el público se ríe, básicamente está suplicando que le rompan el corazón. La comedia y el drama pueden ser género, pero también son herramientas que los escritores deben tener en su arsenal. Use ambos, sin importar el género al que pertenezca su escritura, y creará historias que imiten la vida real.

Escribir para una persona

"Encuentra un amigo que ames y que te importe y escribe la historia para esa persona, para hacerla reír y hacerla llorar".

Ser escritor es difícil. Ser escritor cuando intentas complacer a cientos, tal vez miles, de personas es aún más difícil. “No intente impresionar a una audiencia que ni siquiera existe todavía”, dice ella.

Cuando Phoebe Waller-Bridge estaba escribiendo los primeros episodios de Fleabag, escribió pensando en su amiga Vicky Jones. Lo único que le importaba era si a Vicky le gustaba la historia. Y ciertamente funcionó, porque ahora millones de espectadores aman tanto a Fleabag. Así que no intentes impresionar a todo el mundo. Simplemente impresiona a una persona, incluso si eres tú mismo.

Di lo vulnerable

"A veces sientes que es más valiente decir algo escandaloso, y no siempre es así. A veces es más valiente decir lo vulnerable".

Cada episodio de Fleabag presenta al menos una línea que es hilarante, dolorosa o impresionante en su honestidad. "¿Por qué creer en algo horrible cuando puedes creer en algo maravilloso? El amor no es algo que hacen las personas débiles. Y la gente es todo lo que tenemos".

Fleabag es sorprendente por su vulnerabilidad. Y es porque Phoebe Waller-Bridge entiende que a veces decir lo vulnerable es increíblemente valiente. Se necesitan agallas para escribir lo que todos estamos pensando pero que no decimos en voz alta. Pero si puede encontrar el coraje para ser vulnerable, su escritura será infinitamente mejor.

Phoebe Waller-Bridge es un pozo de inspiración cuando se trata de escribir. La extraordinaria escritora y actriz puede hacer que escribir parezca fácil, pero todos sabemos que es mucho más difícil en la práctica. Solo recuerde, si no está seguro de qué hacer, hágase estas preguntas: ¿Qué haría si no tuviera miedo? ¿Qué escribiría si no tuviera miedo? ¿Qué diría en esta situación si no tuviera miedo?

Y luego escribe como si no tuvieras miedo.