Crítica Cinéfila: The Woman in the Window

La Dra. Anna Fox, que sufre de agorafobia, pasa sus días encerrada en su casa de Nueva York, bebiendo vino mientras ve viejas películas y espía a sus vecinos. Un día, mientras mira por la ventana, ve algo que sucede enfrente de su casa, en el hogar de los Russell, una familia que acaba de llegar al barrio.

Como todo actual ser humano en medio de la pandemia, el personaje de Amy Adams en The Woman in the Window pasa casi todas sus horas de vigilia en bata y pijama, con vino en mano y siguiéndole los pasos a todos sus vecinos (nivel Rear Window the Hitchcock). El thriller, una diversión neogótica con una fuerte actuación central, no tiene nada que ver con el coronavirus, pero en el largo y retorcido año y medio desde su fecha de lanzamiento original, la protagonista confinada en casa se ha vuelto mucho más comprensible para el público. La historia que la rodea es otro asunto.

Basada en una novela súper popular de 2018, la película dirigida por Joe Wright se vio envuelta en la adquisición del estudio por parte de Disney y se sometió a reescrituras y nuevas filmaciones después de decepcionantes proyecciones de prueba. El cierre de COVID-19 causó más retrasos y, en el ínterin, las revelaciones han dañado la influencia del productor Scott Rudin.

La producción final de Fox 2000 llega a Netflix como una película atractiva y ligeramente complicada con un elenco de primera y suficientes pistas falsas para abastecer a la audiencia. No hay duda de que es rico en atmósfera, gracias a las astutas elecciones de Wright, el excelente trabajo del director de fotografía Bruno Delbonnel y las destacadas contribuciones del equipo de diseño de Kevin Thompson; la espaciosa casa de piedra rojiza de varios pisos donde se desarrolla la acción es el segundo personaje central.

La mujer que está dando vueltas por esa casa vieja y sutilmente bruñida es Anna Fox (Amy Adams), que ha estado afectada por el trastorno de ansiedad extrema de la agorafobia durante casi un año. Comparte la casa con su gato educado y recientemente comenzó a alquilar el apartamento del sótano. Le entregan los alimentos y los medicamentos, y su psiquiatra hace visitas a domicilio. Hay una ventaja beligerante en sus intercambios médico-paciente, una combatividad profesional: Anna es psicóloga infantil y conoce las formas de manipulación y ruleta psicofarmacológica. Hay notas más cálidas de contención en sus conversaciones diarias con Ed (Anthony Mackie), el esposo del que está separada mientras que su hija de 8 años (Mariah Bozeman) está con él.

Por lo menos, la fricción entre Anna y su psiquiatra establece el tono para que toda la ira y el disgusto fuera de lo común pronto surgen como una nube tóxica de otras figuras en su órbita. Es una órbita fuera de lugar, sin duda, como se señaló en los primeros segundos de la película: su inquilino, David (Wyatt Russell), parece que no puede pronunciar una palabra que no suene amenazante; los Russell, los nuevos vecinos de la casa directamente al otro lado de la calle, y el tema de mucho interés a través de las cortinas de Anna, demuestran un espectro de trastornos de la personalidad.

El hijo adolescente de la familia, Ethan (Fred Hechinger), es el primero en presentarse, portando la ofrenda de una vela perfumada y los llorosos e incómodos signos de fragilidad emocional. Esto desencadena un sentido de propósito en la terapeuta desempleada, quien después de un par de encuentros con el temperamental padre de Ethan, Alistair (Gary Oldman), está seguro de que el joven de 15 años es un niño abusado.

El encuentro más largo de Anna con cualquiera de los Russell es una noche improvisada de vino y conversación semi-confesional con la madre de Ethan, Jane (Julianne Moore). Hay una fascinante mezcla de calidez y cautela en la secuencia nerviosa, y Adams y Moore navegan magistralmente por las finas líneas entre lo que se divulga y lo que estas dos extrañas retienen.

Pronto, Anna está canalizando a Jimmy Stewart en Rear Window, instalada en la sombra y apuntando el lente de su cámara a la casa de los Russell. Ella vislumbra el conflicto familiar, cada ventana enmarca un fragmento de drama doméstico. La película, al igual que la novela en la que se basa, abunda en referencias a Hitchcock y otros viejos misterios y noirs que Anna mira incesantemente. En algunos de los elementos visuales más fuertes, Wright y Delbonnel colocan a Anna dormida, desmayada por el vino y la receta, en una perspectiva sesgada contra la pantalla en blanco y negro de su televisor, como si ella y los personajes de décadas de antigüedad, con diversos objetivos, sufrimiento, luz de gas - están entrando en los sueños del otro.

Su pesadilla se profundiza: ella escucha un grito desde la casa de los Russell. Más tarde, ve a Jane apuñalada y tropezando, pero no puede convencer a nadie de que fue testigo de un asesinato, o incluso de que alguna vez conoció a la mujer. Anna es una borracha, después de todo, y las alucinaciones se encuentran entre los posibles efectos secundarios de sus muchos medicamentos. Además de eso, le presentan a la "real" Jane (Jennifer Jason Leigh), que podría ser la mujer casada más infeliz del mundo, pero en cualquier caso es una figura tan sospechosamente rígida, todo lo contrario al personaje de Moore.

Al comprimir el material original, el guión (con reescrituras supuestamente manejadas por Tony Gilroy) solo acentúa una delgadez de la historia. Una obra de legibilidad de bocadillos pero de poca sustancia, la novela está sazonada con una desorientación hábil que no puede ocultar cuán ultrabásico es su psicología central. La película, que aumenta un poco la violencia, termina con una nota ligeramente diferente pero no menos deseosa, y nunca coincide con el matiz e intensidad de la actuación de Adams, con su cautela, prevaricación y emoción desnuda totalmente viva e impredecible.

Wright presenta la primera de dos grandes revelaciones de una manera teatral y muy estilizada. Como medio de transmitir la perspectiva de Anna, este enfoque funciona, pero no trasciende el factor de locura que plaga el drama. A lo largo de la narrativa, Anna está rodeada por una colección de personajes tan desagradables, y en el momento en que se ve obligada a enfrentar una verdad no deseada, está literalmente rodeada de ellos. Se siente como una pandilla. La única excepción es el detective de la policía de Nueva York de ojos tristes de Brian Tyree Henry, quizás la única persona "normal" en la historia, y ciertamente el único adulto con una pizca de compasión. Como su compañera, Jeanine Serralles no arroja más que acusaciones contra Anna.

La idea de una mujer aparentemente desquiciada que lucha por ser creída sigue siendo un arquetipo dramático viable, por razones dolorosamente obvias: las realidades persistentes de la condescendencia y la demonización, para empezar. Rosemary's Baby, una película más reciente que los clásicos amados de Anna, es otra piedra de toque obvia para su historia. También gira en torno a una mujer que lucha por ser tomada en serio mientras vive en una fabulosa propiedad centenaria de Manhattan. La casa de piedra rojiza de Anna es, en cierto sentido, una variación vertical de la amplia extensión del apartamento de Rosemary. Pero esa historia de terror de 1968 se basó en algo más que pisos de madera finamente elaborados y cambios de dispositivo de trama. Eficazmente temperamental pero ofreciendo frustraciones más profundas, The Woman in the Window subestima a su heroína en más de un sentido.

Crítica Cinéfila: Joker

Arthur Fleck (Phoenix) es un hombre ignorado por la sociedad, cuya motivación en la vida es hacer reír. Pero una serie de trágicos acontecimientos le llevarán a ver el mundo de otra forma. 

Años 70. Todavía Gotham es una ciudad decente, sin tanto caos en la calle. Los padres de Bruce Wayne aún están vivos. El detective Gordon aún no es conocido en la policía local. Y un hombre  trata de llevar una vida normal. Este es Arthur Peck, un payaso de profesión y aspirante a comediante, que desde muy jóven soñaba con hacer reír a la gente con su risa tan particular. Ahora ya adulto, se dedica al entretenimiento callejero vestido y maquillado como payaso, mientras los habitantes de Gotham, particularmente los más jóvenes, abusan de él, atacándole por tener un "oficio de bajo mundo". 

Pero los moretones no son suficiente para apagar su energía. Mientras cuida de su enferma madre y ve capítulos de su presentador favorito, Murray Franklin, sueña con algún día asistir a su programa y estar lado a lado con uno de sus ídolos. Pero entre sus necesidades psiquiatras para poder desahogar sus penas con alguien, el constante abuso que recibe de sus propios compañeros de trabajo y todos los que le pasen por el lado en las calles, la locura de Arthur va aumentando día tras día, solo soñando con días felices y cero pensamientos negativos.

Todd Phillips se ha dedicado a dirigir y escribir comedias de desastre, películas para hacer reír a carcajadas. Sus títulos más famosos son la trilogía de Hangover y ahí sabemos cómo le fue. Por eso resulta irónico el cambio que decide hacer a un personaje que quiere hacer reír a la gente. Pero a diferencia de sus reconocidas películas, Joker no logra hacer reír a nadie. Muy por el contrario, es un personaje que, con su melancolía y su soledad, lo que provoca es una extrema depresión y la pregunta constante de cuándo exactamente explotará. Este personaje (que no se hace llamar Joker hasta el climax de la historia) es vulnerable pero no delicado. Es un ser que llega para provocar sentimientos negativos en su audiencia, pero a la vez lograr una empatía con lo que le sucede y hacer que nos visualicemos en su lugar, sin necesidad de salir a la calle y matar a todo el que se nos cruce por el camino.

El guión contiene una de las fórmulas más básicas del cine; sin embargo, es una trama que ha sido bien pensada en su totalidad. Cada detalle de la historia es un giro que eventualmente obtendrá su redención, desde las relaciones con ciertos personajes hasta la capacidad de tolerancia del protagonista. Aquí el verdadero antagonista no tiene nombre ni apellido, pues la ciudad es la villana de la historia, y Arthur evita convertirse en su víctima por más pruebas que le ponga en cada camino. Aunque la película posee un sinnúmero de subtramas a las que hay que prestar delicada atención para entender los obstáculos del protagonista, todas siguen el mismo objetivo: llevar a Arthur a su límite, provocarlo a convertirse en la personalidad que desatara lo que Gotham debe ser.

Joaquín Phoenix es un experto para generar empatía por cada personaje que hace. No es de dudar que su actuación en la piel de Arthur sea tan exquisita y estremecedora. Lo que los medios quieren ver como "una mala influencia en la sociedad", es en realidad un grito de auxilio antes de que se desatara la locura total. Desde sus movimientos corporales, su sonrisa sarcástica más el estallido de esa risa excéntrica, es notorio lo bien envuelto que estuvo con este reconocido personaje, pero aún más impresionante es cómo logró mantener todo esto hasta que pasase "de bueno a malo". La transformación física y psicológica del actor es otro de esos aspectos que dejarán a muchos boquiabiertos.

Sin querer balancearse mucho en los parametros que los comics y las películas del universo de DC han establecido, Joker se comporta como una historia en solitario, con una trama íntima, única y exclusiva para su protagonista. A pesar de los pequeños cameos que tiene un joven Bruce Wayne y su padre Thomas, la historia es completamente vista desde la perspectiva de Arthur, antagonizando muchas personas que durante años los comics quisieron pintar como un héroe. Aquí el verdadero héroe es el antagonista favorito de DC.

El otro reconocimiento se lo lleva la producción de diseño, el cual gracias a la fotografía de Lawrence Sher (la franquicia de Hangover, Godzilla: King of Monsters, War Dogs), se muestra como una aterrizada Gotham, viendo todo desde una perspectiva más humana, y con un ensombrecimiento enfocado en los sentimientos del personaje. El contraste se logra a través de su comportamiento con su mundo ordinario y una musicalización vintage que va casi coreografiada con cada una de sus acciones, gracias al montaje bien coordinado de Jeff Groth.

Protagonista o antagonista, Joker siempre será el bueno de la película. Es un rito de paso a través de lo que desató al reconocido antihéroe, y aunque la actuación de Joaquín Phoenix no es lo único que merece ser premiada, es la razón principal para tirarse las dos horas de película. Es magnifica en su soledad, sin necesidad de secuelas o razones para volver a traerlo a la pantalla en esta piel, pues lo que sigue ya nos lo sabemos. Lo que sí es necesario repetir tantas veces se pueda es que es un Joker que nunca se había visto, y cambia totalmente la perspectiva de muchos para decir cuál ha sido su mejor versión cinematográfica. La verdad es que no creo que ninguna de las anteriores tuviese una risa tan ansiosa y brutal que me pusiera la piel de gallina al momento que retumbara en mis oidos.

Crítica Cinéfila: El Proyeccionista

Un hombre solitario que se encarga de un proyector se consuela con una mujer que ve en un rollo de celuloide. Cuando el rollo se pierde, el hombre decide ir a buscar a la mujer por los lugares más deprimidos de República Dominicana. 

La septima película de José María Cabral traslada a la audiencia al sur profundo de la República Dominicana, un área que ha escondido secretos desde hace años mientras que su población encuentra entretenimiento gracias a un proyeccionista ambulante con películas en celuloide. Pero desde los ojos de Eliseo, él sabe que transporta magia en rollos, la cual es proyectada con mucha pasión, cobrándole 50 pesos a quienes se animen a ser parte del espectáculo, mientras tiene la misión de encontrar una mujer que lo enamora a través de las viejas películas que su padre resguardaba antes de morir.

Eliseo es un hombre amargado: todo le molesta y no se quiere adaptar a los cambios tecnológicos. Esto va más enfocado a su terca necesidad de todavía querer proyectar películas en celuloides cuando ya existían proyectores digitales y DVDs. Haber quedado huérfano tan jóven ha sido un golpe duro y es muy notorio, pero lo que parece ser su único alivio son pequeños cortes de películas que muestran a una mujer, donde ella posa frente a la cámara en diferentes escenarios: dentro del río, la ducha, en el comedor, la cama. Después de una tormenta de rayos, las películas de su amor platónico se queman y la frustración de Eliseo es tan grande que asume una aventura por encontrar finalmente quien es esta mujer.

Después de siete películas ya es importante cuestionar cuál es el fin del cineasta cuando crea: ¿demuestra su tipo de temática mientras cuenta una historia? ¿hace algún reflejo de la sociedad entre sus personajes? ¿muestra su punto de vista sobre situaciones de la vida? o ¿simplemente hace las películas por el mero hecho de hacer películas? La verdad es que todavía queda la gran interrogante de quién realmente es José María Cabral y qué lo motiva a hacer cine. No cabe duda que, de materia de cinematografía, él sabe desarrollar una temática y proyecta sus conocimientos sobre montaje e historia del cine con cada toma que plasma, pero esto no significa que se puede reconocer su visión, o aún más importante una evolución en su narrativa.

En El Proyeccionista se encuentran errores que ya se han visto anteriormente: un final apresurado, personajes que parecen más personalidades que seres humanos, y una historia con interrogantes sin contestar. A pesar de ser una propuesta sumamente interesante, el resultado final es un guión con fallas similares a sus grandes clásicos, el cual se pretende recostar de algunos aspectos culturales de nuestro país, como la división de clases, el viaje en carretera hacia los pueblos con nombres peculiares, y las riquezas naturales que hacen contraste con la educación de los que habitan en ella. Sin embargo, ni los planos desde el cielo ni la magia que creaba el proyector le exoneran algunos pecados narrativos que se cometieron a lo largo de la historia.

El primero es Eliseo, interpretado por el talentoso Félix Germán, quien no tiene la culpa de la rabia a veces innecesaria de su personaje. A diferencia de algunos testarudos de la pantalla grande, como Carl de la película Up (2009), donde se empatiza con el personaje y uno logra verdaderamente ponerse en su lugar, aquí la rabia de Eliseo no parece tener razón de ser, pues no se expone si es por su soledad que él mismo se la ha provocado o porque se ha pasado toda una vida obsesionado con una mujer que nunca ha conocido en persona. No logra ni valorar a Rubí, interpretada por Cindy Galán, siendo ambas una de las pocas luces milagrosas del guión, con una subtrama mucho más interesante que el conflicto principal de la película, enfocada en cómo esta mujer se acuesta únicamente con hombres mayores por un posible trauma causado con su padre.

Una de las mayores cuestionantes de la película es la ambigüedad de la época en que supone narrarse, donde solo los amantes del cine dominicano lograrán identificarlo con facilidad, pues si él proyectaba la película La Maldición del Padre Cardona significa que es el 2005, pero la carente continuidad en el diseño de producción hizo cuestionar mucho el verdadero año en que la trama tomaba lugar.

Es verdad que la fotografía y el montaje del cine dominicano ha mejorado bastante, y no cabe duda que José María ha mejorado increíblemente en ese departamento, demostrando ahí su mayor evolución desde Jaque Mate. Sin embargo, es tiempo de que su evolución se expanda a otros departamentos de la producción, pues hacer cine es más que lograr unas cuantas tomas bonitas.

Siete largometrajes y seguro una gran cantidad de cortometrajes. Esto es razón suficiente para que José María se siente con su próximo guión y uno de los tantos libros sobre estructura narrativa, y se responda a sí mismo en qué se quiere enfocar cuando cuente una película, pues cabe destacar que el talento y la pasión le sobra, pero aún es necesario trabajar en su visión y la perspectiva que él quiere plasmar en sus historias.

Crítica Cinéfila: Extremely Wicked, Shockingly Vile and Evil

Ted Bundy fue uno de los asesinos en serie más peligroso de los años 70 pero, además de asesino fue un secuestrador, violador, ladrón y necrófilo. Su novia, Elizabeth Kloepfer, se convirtió en una de sus más fieles defensoras, negándose a creer la verdad sobre él durante años. La historia de sus numerosos y terribles crimenes contada a través de los ojos de Elizabeth.

Estados Unidos tiene un historial de asesinos seriales que siempre entran en las mismas características: obsesionados con la necrofilia, coleccionistas de partes de cuerpo, asesinatos a un género en específico que pueden o no ir conectados con un suceso de su propio pasado. Ted Bundy fue uno de los casos más sobresalientes debido a su actitud tan "encantadora" y un atractivo que, en vez de aterrorizar, provocaba que otras mujeres desearan también haber sido víctimas en su lista. El físico de Bundy es lo que hace que Zac Efron, conocido por personajes románticones, encantadores y llamador de masas femeninas.

Cuando observas el trailer de esta película, da la sensación de que esta se concentrará en los asesinatos que cometió Bundy y cómo logró mantener una relación amorosa con dos personas diferentes sin estas haberse convertido en víctimas más del asesino; sin embargo, la historia se enfoca en lo que pasó después de su última víctima, cómo una de ellas logró escapar y reportarlo a la policía; cómo Ted se declaró inocente hasta el final y no fue hasta que después de su juicio y fuese declarado culpable, él le confesó a su novia Elizabeth que él sí había asesinado a estas mujeres.

La real protagonista es Elizabeth, interpretada por Lily Collins, quien fue la novia de Ted durante los años en que asesino a más de 30 mujeres. Sin embargo, Elizabeth nunca se enteró de esto pues para ella, Ted era un hombre cariñoso y bondadoso que nunca lastimaría a ninguna mujer. Y mientras más se desarrollaba el caso en su contra, más ella tenía la necesidad de saber de él y si todo lo que las víctimas decían era verdad. Mientras tanto, Ted Bundy trataba de mantener su discurso como el único y verdadero. Después de despedir a su abogado porque sentía que no era lo suficientemente capaz de llevar su caso, decidió ser su propio defensor y así, junto a sus conocimientos de leyes y su sonrisa tan hipnotizante, ser el protagonista de la televisión nacional durante varios meses.

Ted Bundy siempre insistió en que era inocente de los brutales asesinatos que se le había acusado de cometer: en lo que a él se refería, era simplemente víctima de un trabajo policial incompetente y un mal momento. Lo que es provocativo sobre esta película del director Joe Berlinger es que, esencialmente, ha elaborado un biopic que el asesino en serie convicto se habría hecho a él mismo. 

Esta película audaz pero desigual intenta romper la vida interior del mentiroso patológico narcisista y violento presentando su historia de la misma manera compasiva y autoengrandeciente en que Bundy trató de vendérsela a otros, centrándose en la relación a largo plazo del hombre con Madre soltera Elizabeth Kloepfer. Zac Efron proyecta la cantidad justa de elegancia nerviosa y vacía, pero la idea de la película no ofrece suficientes dividendos, especialmente cuando se trata de reconciliar las distorsiones de la realidad de Bundy con el terror real que causó en los años 70.

Berlinger es mejor conocido por documentales como Paradise Lost y Brother's Keeper (ambos codirigidos con su socio creativo recientemente fallecido Bruce Sinofsky), y hace unos meses atrás lanzó a través de Netflix una docu-serie sobre Bundy llamada Conversations With A Killer. Pero en esta película, él cuenta una historia sobre cómo Bundy (Efron) corteja a Liz (Lily Collins), quien es instantáneamente golpeada por este hombre caballeroso y guapo que no parece molestarle que tenga un bebé. Pero su felicidad romántica es eventualmente interrumpida por el arresto de Bundy bajo la sospecha de que podría tener algo que ver con una serie de asesinatos en todo el noroeste de Estados Unidos.

Extremely Wicked, Shockingly Vile and Evil no es la primera película que trata de ubicarnos en el espacio de cabeza de un psicópata, pero Berlinger normaliza su tema de manera intrigante, e irónicamente la convierte en una película tradicional de un hombre inocente y falsamente acusado, con Bundy como el noble del guión. Es revelador (y un poco decepcionante para mí) que solo al final de la película se vea a Bundy cometer sus crímenes; antes de eso, la película es un retrato directo de una pareja feliz, que coloca al espectador dentro de la burbuja del engaño de Bundy.

Efron nunca deja escapar la máscara de Bundy, siempre proyectando la absoluta confianza del hombre en su propia inocencia. Lo fascinante de la actuación del actor es que siempre creemos que Bundy creía que no había matado a esas mujeres. No hay conflicto interno dentro del personaje, y Efron lo interpreta con una convicción tan firme que es monstruoso, precisamente porque no vemos ningún indicio de monstruosidad.

La presentación de Berlinger sobre el engaño de Bundy necesita una explicación de cómo este asesino podría engañar a Liz. En consecuencia, Collins tiene que caminar sobre la cuerda floja, demostrando el amor de su personaje por Bundy sin hacer que Liz parezca tan ingenua que se la vea estúpida.

En los primeros momentos de la película, Collins se hace la tarea de manera admirable, pero cuando comienza a centrarse en el juicio por asesinato de Bundy en Florida a fines de la década de 1970, Liz se convierte en una figura periférica cuya falta de voluntad para reconocer los crímenes de su novio se vuelve absurda. Collins y Berlinger quieren mostrar cómo Liz fue cegada por la devoción, pero el personaje no tiene suficiente dimensión para que podamos entender por qué todavía se siente atraída por él años después de que la relación terminó. Del mismo modo, nos presenta a otra persona importante en la vida de Bundy, su vieja amiga Carole Ann Boone (Kaya Scodelario), quien se convirtió en su amante y más ferviente defensora durante el juicio. Pero al igual que con Liz, Berlinger no puede elucidar lo que llevó a Carole Ann a ser su campeona. En lugar de humanizar estas relaciones, la película las hace aún más difíciles de creer.

Lo que queda es un concepto estructural muy inteligente que, en última instancia, no ofrece muchas ideas sobre la mente retorcida de Bundy. Berlinger se resiste a mostrar la naturaleza horrorosa de los asesinatos de Bundy hasta el acto final de Extremely Wicked para que la audiencia quede impactada por las cosas terribles que hizo este demonio guapo y encantador. En cierto sentido, Berlinger está tratando de acusarnos junto con personas como Liz y Carole Ann; Bundy nos ha seducido a todos. Pero a pesar de la convicción y la buena apariencia de Efron, nos da un inescrutable Bundy que nunca es comprensible. Este retrato, potencialmente nervioso, de un asesino en serie, demuestra ser extrañamente sangriento.

Crítica Cinéfila: Serenity

El misterioso pasado de Baker Dill (Matthew McConaughey), un capitán de un barco pesquero que vive en una pequeña isla del Caribe, vuelve para atormentarle, atrapándolo en una nueva realidad que podría no ser lo que parece. Su vida tranquila desaparece cuando aparece su ex mujer Karen (Anne Hathaway) pidiéndole ayuda para ella y su hijo en común. 

A muchos cineastas les ocurre que tienen ideas sumamente interesantes, o personajes sumamente complejos, pero la ejecución que llevan a la pantalla no es la mejor o por lo menos no atrae lo suficiente a la audiencia. Serenity es uno de esos casos donde la ambigüedad del trailer crea muchas preguntas, pero su presentación como película puede generar aún más confusión. Y no me malinterpreten: la película me gustó, pero sé que no todos opinarán igual.

Al igual que otras películas ambiguas, Serenity se presentaba como un thriller sobre un hombre que es contratado por una mujer para que mate a su esposo. Pero en realidad es mucho más: Baker es un pescador que dedica día y noche para atrapar a Justice, un atún gigante que siempre logra escapársele. Mantiene un record de sus movimientos, y así mismo él mantiene una rutina de vida: amanece con su amante quien le da dinero, durante el día lleva a visitantes a pescar, en la tarde/noche limpia lo que ha logrado capturar, y en la noche se duerme soñando con Patrick, su único hijo. Pero cuando esta mujer, quien es su ex-esposa y tiene custodia de su hijo, viene suplicándole que lleve a su actual esposo "de paseo" y luego deje que se caiga en algún pozo de tiburones, él mismo sabe que algo malo está ocurriendo, pues todos los que viven a su alrededor comienzan a recordarle que no caiga en la tentación que le acaban de ofrecer, porque eso quebranta "las reglas".

A medida que avanza la película, el género parece mezclarse con fantasía y drama, pero reflejando una temática que se acerca mucho a una realidad social que muchas familias viven alrededor del mundo: la violencia familiar y el maltrato infantil. Es una película que explora situaciones que están basadas en casos que suceden a diario, pero que se presenta desde el punto de vista de una persona completamente externa a la situación y que se ve involucrado por la necesidad de tener una visión fuerte. Baker se comporta como el superhéroe renuente que no quiere ayudar y solo lo hace cuando ve que se trata de ayudar a la persona que más ama en su vida: su hijo. 

La ambigüedad de la historia se debe a las sorpresas que el trailer evita revelar (spoiler alert!): Baker es en realidad el personaje principal de un juego virtual que Patrick ha creado como medio de escape a los abusos que su padre adoptivo hacia él y su madre. Baker está basado en el padre verdadero de Patrick, quien fue veterano de guerra y falleció en batalla. Sin embargo, Baker no recuerda esto. Incluso, él no recuerda cómo y hace cuánto de su llegada a esta isla, cuándo fue la última vez que vio a su hijo, y por qué toda su rutina se mantiene tan específica. Pero todo comienza a tener sentido cuando él se entera de que es un peón más del juego de su hijo, quien en la realidad está planeando asesinar a su padre adoptivo mientras este atacaba a su madre.

La película termina con un final igual de ambiguo. Deja a la libertad de la audiencia interpretar si Patrick será juzgado por sus acciones, o si se convertirá en un personaje del juego. Sin embargo, satisface en el sentido de que Baker logra cumplir lo que le han solicitado, rompiendo con las reglas del mundo donde había vivido desde hace años, pero finalmente logrando la pizca de felicidad que no había sido capaz de saborear.

Lo mejor de la película son las actuaciones, sobretodo la de Matthew McConaughey, quien tiene el conflicto interno de que no logra ser feliz porque el fantasma de su hijo lo atormenta en sueños y no logra pescar el pez más grande de su zona. Pero el arco del personaje está tan bien ganado, que a pesar de las decisiones tan crudas que ha tomado, se convierte internamente en un mejor personaje. Así mismo, Anne Hathaway encarna un personaje que, a pesar de sus planes tan macabros, muchos sentirán empatía por ella por los maltratos que vive y que revela cómo son, y apoyarán de que logre su cometido. Del mismo modo, la historia desarrolla una cantidad de personajes exactos que se comprometen a un sinnúmero de tareas específicas, haciendo que cada uno sea extremadamente indispensable para la trama, y sobretodo el conflicto.

La manera en cómo se trabaja la sorpresa principal de la historia es repentina, pero es verdad que la historia va dejando indicios de esta realidad. Los personajes hacen que el cambio continúe de manera sutil, pero a la vez, insisten en el tema de las reglas y el status quo, el cuál Baker se niega a seguir cuando se da cuenta que, para que su hijo sobreviva, él deberá cumplir con la misión de matar al padre adoptivo en el juego. 

Lo que necesita mejorar es la estructura de la película, la cual puede ser confusa para muchos espectadores y requiere aún más desarrollo en muchos de los momentos, especialmente aquellos que se enfocan en desglosar finalmente la resolución del conflicto. Y esto es un problema que podría alejar a muchos de sentirse atraídos por esta historia.

Además de los aspectos narrativos, la producción brinda un atractivo tropical, inspirado en las islas del Caribe, y que le permite a la audiencia explorar esta temática contrastando con una escenografía paradisiaca en su totalidad, desde la pequeña habitación de Baker hasta el medio del oceano que tanto pasea para capturar al atún.

Serenity es una película que confundirá a muchos pero dejará a otros con muchos deseos de entender más como funciona la mente de los niños y cómo ellos responden/reaccionan a situaciones que ocurren en sus hogares. Es una película que evita enseñar de manera clara la violencia hacia la mujer y la familia, y solo lo hace de la manera más sutil posible, ya que es algo que sucede en vida real y pudiera estar ocurriendo hasta debajo de nuestras propias narices.

Crítica Cinéfila: Escape Room

Seis desconocidos se encuentran en una habitación mortal en la que deberán usar su ingenio para sobrevivir.

Lo diré desde el principio: Escape Room no es lo que cualquiera creería al ver el trailer. Muchas veces, cuando Hollywood trae películas de este estilo (que son de terror, pero parecen vender todo el terror en sus trailers), uno va al cine con la mentalidad de que no será buena. Y es bastante placentero salir con otra mentalidad de vez en cuando. Desde mi punto de vista, Escape Room logra lo que en vida real debe lograr: la desesperación de simplemente querer encontrar la salida.

La historia se enfoca en principio en tres personas: una joven estudiante que no dedica su tiempo a otras cosas que no sean a sus estudios; un joven que trata de mejorar en su trabajo a pesar de los prejuicios; y un exitoso hombre que se ha establecido exitósamente en los negocios convirtiéndose en un obsesionado con el trabajo. Los tres reciben una caja que, una vez logran abrirla, tiene una invitación para un escape room, ofreciéndole 10,000 al que logre salir de la última habitación. Inocentemente, estos se reunen junto con una veterana de guerra, un aficionado de casas de escape, y un ex-minero, quienes han sido atraídos por la emocionante suma que se ofrece. Lo que no saben es que el juego iniciará antes de que ellos puedan entender que sucede, encerrándolos en habitaciones en los que salir con vida es el verdadero premio mayor. 

Lo más sorprendente de esta película es la manera tan inteligente en la que se van descubriendo aspectos importantes para los personajes, y esto es gracias a detalles que la habitación esconde con el gran objetivo de provocar a los protagonistas y ver si estos logran reaccionar a tiempo o continuar con la tarea de vida o muerte que se les ha puesto en su camino. Aquí, la agilidad y el trauma de cada uno puede ser utilizado en conjunto para salvarlos a todo, pero esto no será algo que el antagonista les obsequiará, pues si ellos quieren pasar a la siguiente habitación, siempre habrá un sacrificio, y con excepción del que se delata en el trailer, los demás son completamente inesperados.

Es importante reconocer el trabajo de desarrollo de personajes que se ha realizado. A pesar de las muchas coincidencias que se desatan en una sola escena, los guionistas en conjunto con Adam Robitel (The Taking of Deborah Logan -2014-, Insidious: The Last Key -2018-) logran que cada personaje pueda ser destacado por sí solo, otorgándole una historia de fondo que funciona como su debilidad y cómo lo que en muchas ocasiones les salvará la vida. 

Por otro lado, la complejidad y el diseño de producción de las habitaciones de escape son el verdadero atractivo, diseñados para que se preste mucha atención, pero con la extremidad letal de una película de terror. Sin embargo, estos se enfocan más en activar la inteligencia de los protagonistas, sin necesidad de enseñar la manera tan brutal en la que cada uno fallece. Se mantiene en la tonalidad de un thriller, con excepción de los jumpscares adoptados. Así mismo, esto es complementado por una banda sonora que sirve para crear esa tensión y desesperación de salir que cada uno de los protagonistas tienen, y que llegan a un punto de quiebre en un cierto momento de la historia.

El aspecto insalvable y que la película no pueda ser considerada mejor de lo que ya es, es el final, cuando ya se supone que todo a terminado, pero que de manera forzada quiere establecer la posibilidad de una secuela siguiendo a los que sobrevivieron y por supuesto agregando a más víctimas a la lista. Es un aspecto que películas como Final Destination, Saw y Hostel. Lamentablemente, es un estilo que ya está siendo agotado y que muchas personas ya no están interesados en seguir, debido a la poca conexión que se crea entre los personajes (como sí lo logran películas como The Purge). En este caso (y spoiler alert), el único común denominador entre los personajes es que son los únicos sobrevivientes de accidentes que vivieron de manera particular, y esto representa el último llamado de la muerte hacia ellos.

No obstante a esto, la película resulta ser entretenida, causa la suficiente tensión para hacerle justicia a su género y es lo suficientemente inteligente para hacer que la audiencia también piense bien sus respuestas. No será la mejor película del mes, pero vale la pena verla.