Crítica Cinéfila: Elvis

La película explora la vida y la música de Elvis Presley (Butler) a través del prisma de su relación con el coronel Tom Parker (Hanks), su enigmático manager. La historia profundiza en la compleja dinámica que existía entre Presley y Parker que abarca más de 20 años, desde el ascenso de Presley a la fama hasta su estrellato sin precedentes, en el contexto de la revolución cultural y la pérdida de la inocencia en Estados Unidos.

La forma cómo uno debe sentirse después de haber visto "Elvis" de Baz Luhrmann dependerá en gran medida de cómo uno se sienta con el estilo de este cineasta. Solo esa introducción al mundo ordinario sumamente acelerado, incluso antes de conocer los movimientos de Elvis Presley en el escenario para interpretar "Heartbreak Hotel" con un traje rosa, deja mareado con su frenética explosión de color abrasador, pantalla dividida, gráficos retro y más ediciones por escena de las que un ojo humano puede contar. Añade el diseño de sonido estratificado y rebosante, y este es Baz multiplicado por 100.

Si la escritura rara vez está a la altura del asombroso impacto visual de la misma película, la afinidad que el director siente por el tema de su artista es contagiosa y agotadora. El gusto de Luhrmann por el espectáculo pop-rock es evidente hasta el final, resultando una película que se regocija tanto en momentos de alto melodrama como en artificio teatral y actuaciones vigorosamente entretenidas.

En cuanto a la gran pregunta de si Butler podría hacerse pasar por uno de los iconos más celebrados de la historia de la cultura pop estadounidense, la respuesta es un sí incondicional. Sus movimientos escénicos son hipnóticos, su actuación del melancólico chico de su madre es digno de obsesión, y captura la trágica paradoja de una fenomenal historia de éxito que se aferra tenazmente al emblema de sueño americano incluso mientras esta se sigue desmoronando en sus propias manos.

Pero el corazón de esta película biográfica está contaminada, gracias a un guion cuya sensación entrecortada tal vez se correlacione directamente con su complicada facturación entre tantas personas. Ese bocado sugiere una amalgama de varias versiones, aunque el gran obstáculo es el desagradable personaje que pilota la narrativa, que crea un agujero en su centro. Ese sería el "Coronel" Tom Parker, interpretado por Tom Hanks en posiblemente la actuación menos atractiva de su carrera: una lectura espeluznante debajo de una montaña de látex, con un acento rallador e identificable que se vuelve no menos desconcertante incluso después de que se hayan revelado los turbios orígenes holandeses del personaje. Es un gran riesgo contar la historia de un artista tan emblemático a través del prisma de un egoísta moralmente repugnante, un abusador financiero que utilizó sus habilidades manipuladoras para controlar y explotar su vulnerable atracción estelar, llevándolo al agotamiento y drenándolo de una proporción enorme de sus ganancias.

 

Cada vez que la acción retiene a Parker de Hanks cerca del final de su vida, refutando su papel designado como villano de la historia desde un piso de casino de Las Vegas donde corrió deudas de juego que requerían mantener a Elvis bajo un lucrativo contrato de residencia en un Hotel Internacional, la película flaquea. Como se retrata aquí y en otros lugares, Parker era un estafador egoísta que monopolizó la libertad artística y personal de la estrella y ahora puede monopolizar la narración de su vida. La película funciona mejor cuando seguimos a Elvis sin esa narración banal.

La formación musical del sujeto se ilustra en un estilo gótico sureño y florido, ya que se ve al joven Elvis (Chaydon Jay) creciendo en Tupelo, Mississippi, mudándose a un barrio negro pobre después de que su padre, Vernon (Richard Roxburgh), es encarcelado brevemente por pasar un mal cheque. Mirando a través de las grietas en las paredes o debajo de las aletas de la tienda de campaña de las reuniones de avivamiento religioso, Elvis absorbe influencias que le permitirían fusionar el bluegrass con el R&B, el gospel y el country, y crear un sonido sin precedentes desde un vocalista blanco. En un florecimiento divertidamente salvaje, las raíces de los "giros lascivo" que provocarían los gritos de los fanáticos y en los perros guardianes conservadores se remontan a que el niño está físicamente poseído por el espíritu durante un servicio religioso.

Como hicieron en The Great Gatsby y en otros lugares, Luhrmann y el veterano supervisor musical Anton Monsted mezclan libremente melodías de época y contemporáneas una vez que el adolescente Elvis, su familia ya reubicada en Memphis, comienza a pasar el rato en Beale Street, donde se hace amigo del joven B.B. King (Kelvin Harrison Jr.) y emociona los sonidos gospel de la hermana Rosetta Tharpe (Yola). Dado que el estilo vocal de Elvis se basó en múltiples inspiraciones, tiene sentido que las versiones de hip-hop y Elvis de una variedad de artistas se abran camino en la banda sonora.

Inicialmente reclutado por el coronel para unirse a un proyecto de ley dirigido por el cantante campestre Hank Snow (David Wenham) y su hijo Jimmie Rodgers Snow (Kodi Smit-McPhee), Elvis pronto se convierte en el cabeza de cartel, con Hank alejándose debido a la preocupación de que su audiencia de familia cristiana se distraiga con los pasos de baile de Presley. Pero la cariñosa madre de Elvis, Gladys (Helen Thomson), que calma sus nervios como nadie más, tranquiliza a su hijo.

El rápido corte de los editores Matt Villa y Jonathan Redmond permite a Luhrmann contar el meteórico aumento de la popularidad, el aterrizaje de un contrato de grabación de RCA y la amenaza invasora de la policía de moral política al mismo tiempo. Parker mantiene a la familia Presley al lado haciendo de Vernon el gerente de negocios de su hijo, aunque sin mucha influencia ni responsabilidad. Mientras tanto, uno de los compañeros de banda de Elvis le desliza una pastilla mientras está en la carretera "para volver a poner el ánimo en tu paso", poniendo en marcha una dependencia que sería famosa en espiral en años posteriores.

La segregación se reúne con advertencias alarmistas sobre la "cultura africana" y los "crímenes de lujuria y perversión" dirigidos a Presley, y las apariciones en televisión comienzan a llegar con la acotación de "no moverse". Pero los fans de Elvis no optan por la versión limpia y apagada; quieren la emoción y el peligro que tienen las aficionados lanzando su ropa interior en el escenario. Cuando Elvis les da lo que quieren, el coronel teme que esté perdiendo el control de lo que lo mantiene, por lo que maniobra para que lo envíen a servir en el Ejército de los los EE. UU. en 1958 para un cambio de imagen. Elvis culpa de su ausencia por el aumento de la bebida de su madre y su posterior muerte y, sin embargo, el control de Parker sobre él es demasiado fuerte para sacudirlo.

En este punto, está claro que, si bien el coronel se empuja agresivamente hacia adelante como protector de Elvis, muestra poco o ningún afecto genuino por su cliente estrella, considerándolo simplemente como una fuente de ingresos. Con Gladys fuera de la película, eso deja un vacío emocional alrededor del personaje principal, que puede ser fiel a la vida, pero le roba a la película la inmediatez. Ni siquiera su matrimonio con Priscilla (Olivia DeJonge) hace lo suficiente para contrarrestar eso, lo que mantiene a Elvis alejado al igual que Luhrmann debería acercarnos.

Con demasiada frecuencia, Luhrmann construye secuencias como viñetas aisladas en lugar de parte de una narrativa consistentemente fluida, por ejemplo, un montaje romántico de Elvis y Priscilla en Alemania durante su servicio militar, con una bonita y tenue portada de Kasey Musgraves de "Can't Help Falling in Love". La secuencia es dulce y soñadora, pero no es un sustituto para conocer a Priscilla, un papel poco dibujado debajo de los peinados y las modas.

La acción avanza a través del ascenso y la caída de la carrera cinematográfica de Elvis sin quedarse mucho tiempo, pero encuentra detalles jugosos en el especial de la NBC de 1968. Parker lo concibe como un especial familiar de Navidad y una nueva oportunidad de comercialización para suéteres. Pero la frustración de Elvis con la recesión de su carrera le hace seguir el consejo de su viejo amigo Jerry Schilling (Luke Bracey) y reelaborarlo en sus propios términos, enojando a Parker y a los patrocinadores del programa. El crudo set de rock'n'roll reafirma el lugar influyente de Elvis en la música popular estadounidense, al igual que se arriesga a la obsolescencia. Los números de producción recreados son una genialidad, con un coro de gospel, bailarines de "casa de citas" y luchadores de kung fu. Elvis también se encoge de hombros ante la insistencia del coronel en cerrar con "I'll Be Home for Christmas", en lugar de interpretar la canción de protesta original, "If I Can Dream", que resuena poderosamente solo dos meses después del asesinato de Martin Luther King Jr.

La atención prestada en Elvis al especial del 68 sugiere cuánto más brillante podría haber brillado la estrella si hubiera salido del control de Parker más a menudo. Pero cuando intenta liberarse, el coronel lo convence de que se comprometa a cinco años (5 millones de dólares al año) en Las Vegas, bloqueando el plan de gira internacional de los miembros del equipo de gestión que en realidad parecen considerar su bienestar. Se revela que el dominio de títeres de Parker trata no solo de sus deudas de juego, sino también de su condición de indocumentado en los Estados Unidos, que habría sido expuesta si hubiera abandonado el país.

 

Por supuesto, esto es en última instancia una tragedia, y un cineasta diferente menos consumido por la grandeza y la audacia de su empresa podría haber profundizado. Pero hay momentos conmovedores, especialmente en la actuación de Butler a medida que se transforma en el hinchado y sudoroso Elvis de sus últimos años (afortunadamente, sus prótesis son menos horribles que las de Hanks), cómo su matrimonio con Priscilla se disuelve y causa dolor a ambos. Uno podría desear una película biográfica con más acceso al corazón magullado y sangrante de Elvis, pero en términos de capturar la esencia de lo que hizo de Presley una super nova, Elvis hace muchas cosas bien.

Las secuencias de actuaciones en vivo son electrizantes, tomadas por la directora de fotografía Mandy Walker con movimientos en picado para que coincidan con la fisicalidad dinámica de Butler y con intimidad para capturar la sensación fundida que vertió en sus canciones. El uso audaz del color y la iluminación es llamativo. Lo mismo ocurre con el diseño de producción de la esposa de Luhrmann y colaboradora de toda la carrera Catherine Martin y Karen Murphy; del mismo modo, los trajes absolutamente fabulosos de Martin.

A menudo se critica a Luhrmann por moldear material para servir a su estilo en lugar de refinar su estilo para que se ajuste al material. Muchos descartarán la implacable extravagancia de esta película como el Baz en la sobremarcha del ADHD, un trabajo de superficies brillantes que se niega a detenerse el tiempo suficiente para meterse debajo de la piel de su personaje. Pero como homenaje de un campeón del espectáculo escandaloso a otro, deslumbra.

Crítica Cinéfila: One Night in Miami

A raíz de la victoria de Cassius Clay frente a Sonny Liston en 1964, el boxeador se reúne con el líder activista Malcolm X, el cantante Sam Cooke y el deportista Jim Brown en la habitación de un motel. Allí intercambiarán opiniones sobre la segregación de la población negra en el sur del país.

Después de lograr varios años de créditos como directora de televisión, Regina King aborda su primer largometraje en One Night in Miami, como era de esperar, persuadiendo las actuaciones de sangre de sus carismáticos protagonistas. Si bien la película no enmascara por completo los orígenes teatrales de su núcleo de un solo escenario, esta es una hábil adaptación del drama de Kemp Powers de 2013 sobre una reunión en la habitación de un hotel de cuatro amigos famosos en la noche de 1964 justo después de que Cassius Clay se llevara el título mundial de boxeo. Entretenida e iluminadora, la producción de Amazon traza una línea entre un momento crucial en el movimiento de derechos civiles y el ajuste de cuentas raciales de Estados Unidos.

La mayor parte del drama aún se desarrolla, como sucedió en la obra, en una habitación del Hampton House Motel & Villas ocupada por Malcolm X (Kingsley Ben-Adir), donde se une después de la pelea el triunfante Clay (Eli Goree), el popular músico Sam Cooke (Leslie Odom Jr.) y el jugador estrella de la NFL Jim Brown (Aldis Hodge). Pero King y el escritor evitan que la conversación se vuelva estática tomando decisiones inteligentes, que van más allá de simplemente llevar la acción al techo del motel, por ejemplo. El guión de Powers abre hábilmente el material, comenzando con una escena reveladora de cada protagonista que sugiere dónde se encuentra cada uno de los hombres en su experiencia personal de la lucha negra.

Clay se presenta en una pelea sin título en 1963 contra Henry Cooper en Londres, donde su auto-adulación se muestra gloriosa. No obstante, tiene mucho que demostrar para cuando se enfrente a Sonny Liston (Aaron D. Alexander) al año siguiente en un enfrentamiento que pocos esperaban que ganara. En escenas en su hotel antes de la pelea con su entrenador (Michael Imperioli) y su esquinero (Lawrence Gillard Jr.), Cassius hace caso omiso de las advertencias que objetan que su dinero se canalice a causas de la Nación del Islam, el resultado de su estrecha asociación con el mentor político y espiritual Malcolm X.

Las primeras escenas con Malcolm muestran su desilusión con la Nación del Islam y la ética de su líder, Elijah Muhammad (Jerome Wilson), mientras Malcolm y su esposa Betty Shabazz (Joaquina Kalukango) planean su deserción del movimiento religioso incluso mientras él se prepara para marcar el comienzo para Cassius.

Cooke ha logrado un éxito cruzado con éxitos como "You Send Me". Pero un concierto humillante en Copacabana muestra los límites de aceptación de los artistas negros cuando a su banda se le prohíbe tocar en el escenario y el público blanco ni le hace caso durante su acto, incluso mientras él complace con la canción "Tammy". Sam, sin embargo, se niega a ser excluido de los lujosos establecimientos blancos, eligiendo quedarse con su esposa Barbara (Nicolette Robinson) en el lujoso Fontainebleau en Miami en lugar de reunirse con sus amigos en alojamientos más modestos para los negros.

Brown es visto por primera vez conduciendo su Cadillac para visitar la casa del Sr. Carlton (Beau Bridges) en su lugar de nacimiento en Georgia, la isla St. Simons. Después de un afectuoso saludo, efusivas felicitaciones por sus glorias futbolísticas, un hospitalario vaso de limonada en el porche y la garantía de que los lazos entre sus respectivas familias se remontan a mucho tiempo atrás, lo que significa que ningún favor es demasiado grande para pedir, Jim recibe un rudo despertar cuando el hombre blanco deja caer casualmente la palabra Nigger para recordarle que no es bienvenido dentro de la casa. La sonrisa cordial en el rostro de Bridges martilla la galleta a dos manos de tales actitudes.

Todo este trabajo preliminar transmite rápidamente la mentalidad conflictiva de cada uno de los hombres mientras se reúnen para lo que tres de ellos creen que será una noche de fiesta después de la victoria de Clay. Pero Malcolm tiene la intención de aprovechar la ocasión para dar la noticia de la aceptación del Islam por parte del boxeador, una transición que eventualmente lo vería cambiar su nombre a Muhammad Ali, mientras que también se apoya en Cooke y Brown para poner su fama detrás del movimiento.

Es discutible si estos cuatro tipos de personalidades contrastantes realmente pasaron la noche discutiendo sus puntos de vista sobre política y raza. Pero Powers presenta un caso convincente a favor de un debate orgánico en el que lo que está en juego es personal para cada uno de los participantes y los temas no menos relevantes hoy.

De los cuatro, Clay es el que más se arriesga, pero la actuación eufórica de Goree está flotando en una nube, tanto por su victoria como por las oportunidades futuras que sabe que le corresponden. Como el verdadero Ali, el inmenso encanto de Goree hace que la auto-adoración de este magnífico hombre sea completamente contagiosa, nunca desagradable, y las incertidumbres que surgen cuando Cassius comienza a revelar dudas sobre su conversión religiosa le dan una conmovedora vulnerabilidad al papel.

Brown no es menos imponente físicamente que Clay, pero es un hombre mucho más reflexivo, un pensador más maduro. Inicialmente, está descontento por la falta de mujeres y alcohol. Pero gradualmente se involucra en el diálogo de Malcolm, especialmente una vez que se afloja con unos tragos del frasco de licor que Sam guarda en su estuche de guitarra. Hodge, que mostró un dominio tan inquietante como el prisionero en Clemency, vuelve a comunicar profundidades simplemente con sus ojos y su fuerza enroscada. A pesar de hacer su parte invirtiendo dinero en negocios negros, Jim no es ajeno a las acusaciones de Malcolm de que deberían estar haciendo más por la causa. Habiendo filmado su primer papel en una película, considera a Hollywood como un camino para salir de la fecha de vencimiento de la carrera de la NFL, y argumenta que Sam es el más libre de ellos.

Es sobre Sam que Malcolm cae más duro. En su mejor papel desde que se abrió paso como Aaron Burr en el elenco original de Hamilton, el magnético Odom clava las cristalinas voces gospel-soul de Cooke, con sus suaves vuelos de dulce falsete. Pero también golpea el estómago de un hombre que ha encontrado una manera sin remordimientos de coexistir con prejuicios arraigados a través del talento, la determinación y el impulso emprendedor. Sam cree que la política es mala para los negocios, pero su revelación de que está trabajando en algo nuevo y más significativo florece en una de las escenas de recapitulación que nuevamente amplían el alcance de la obra, donde estrena el himno de los derechos civiles "Change is Gonna Come "en el programa de Carson (Odom también co-escribió e interpreta la hermosa canción original de créditos finales "Speak Now").

Haciendo vívidas impresiones en papeles secundarios, Lance Reddick y Christian Magby representan a la rigurosa línea dura y al joven acólito deslumbrado, respectivamente, como guardaespaldas de la hermandad musulmana de Malcolm. Y Jeremy Pope tiene un cameo extendido fabulosamente extravagante como Jackie Wilson en un flashback de un concierto en Boston donde abre para Sam.

Sin embargo, la actuación imponente que centra el trabajo del conjunto es el Malcolm silenciosamente apasionado y enfocado del actor británico Ben-Adir. Si bien no es reacio a hablar mal con sus amigos desde una elevada tribuna, nunca hay un momento en el que no estés convencido de que este es un hombre íntegro que está 100 por ciento detrás de sus palabras. Él cree que la situación es demasiado grave para que nadie se mantenga a salvo en la valla mientras expresa un sentimiento urgente que conectará demasiado dolorosamente con muchos afroamericanos de hoy. 

Las miradas de aprensión que Malcolm lanza a los hombres blancos sospechosos que acechan en el estacionamiento del hotel, así como una breve escena que luego muestra la casa de su familia siendo bombardeada, sugieren un pavor fatalista que se ha convertido en su compañero constante. Esa conciencia resuena con fuerza dado el conocimiento de que sería asesinado solo un año después.

Uno podría señalar que el diseño de la producción de época es demasiado elegante y poco habitado; cuando Sam dice de la habitación del hotel Hampton es un maldito basurero, su desdén se ve levemente socavado por el hecho de que casi podría pasar por un diseño moderno de mediados de siglo. Pero este es un esfuerzo de aspecto elegante, con una cinematografía de pantalla ancha de Tami Reiker y una edición contundente de Tariq Anwar que ayuda a mantener el interés visual. King también hace un uso juicioso de la fresca y llamativa partitura para piano de Terence Blanchard.

Hasta cierto punto, One Night in Miami sigue siendo un teatro filmado de alta calidad. Pero la convicción y el sentimiento conmovedor que le aportan elevan el material, convirtiéndolo en un debut prometedor. Espero que King, una de las actrices de pantalla más consistentemente excelentes, continúe extendiendo sus alas en esta dirección.

Crítica Cinéfila: El Proyeccionista

Un hombre solitario que se encarga de un proyector se consuela con una mujer que ve en un rollo de celuloide. Cuando el rollo se pierde, el hombre decide ir a buscar a la mujer por los lugares más deprimidos de República Dominicana. 

La septima película de José María Cabral traslada a la audiencia al sur profundo de la República Dominicana, un área que ha escondido secretos desde hace años mientras que su población encuentra entretenimiento gracias a un proyeccionista ambulante con películas en celuloide. Pero desde los ojos de Eliseo, él sabe que transporta magia en rollos, la cual es proyectada con mucha pasión, cobrándole 50 pesos a quienes se animen a ser parte del espectáculo, mientras tiene la misión de encontrar una mujer que lo enamora a través de las viejas películas que su padre resguardaba antes de morir.

Eliseo es un hombre amargado: todo le molesta y no se quiere adaptar a los cambios tecnológicos. Esto va más enfocado a su terca necesidad de todavía querer proyectar películas en celuloides cuando ya existían proyectores digitales y DVDs. Haber quedado huérfano tan jóven ha sido un golpe duro y es muy notorio, pero lo que parece ser su único alivio son pequeños cortes de películas que muestran a una mujer, donde ella posa frente a la cámara en diferentes escenarios: dentro del río, la ducha, en el comedor, la cama. Después de una tormenta de rayos, las películas de su amor platónico se queman y la frustración de Eliseo es tan grande que asume una aventura por encontrar finalmente quien es esta mujer.

Después de siete películas ya es importante cuestionar cuál es el fin del cineasta cuando crea: ¿demuestra su tipo de temática mientras cuenta una historia? ¿hace algún reflejo de la sociedad entre sus personajes? ¿muestra su punto de vista sobre situaciones de la vida? o ¿simplemente hace las películas por el mero hecho de hacer películas? La verdad es que todavía queda la gran interrogante de quién realmente es José María Cabral y qué lo motiva a hacer cine. No cabe duda que, de materia de cinematografía, él sabe desarrollar una temática y proyecta sus conocimientos sobre montaje e historia del cine con cada toma que plasma, pero esto no significa que se puede reconocer su visión, o aún más importante una evolución en su narrativa.

En El Proyeccionista se encuentran errores que ya se han visto anteriormente: un final apresurado, personajes que parecen más personalidades que seres humanos, y una historia con interrogantes sin contestar. A pesar de ser una propuesta sumamente interesante, el resultado final es un guión con fallas similares a sus grandes clásicos, el cual se pretende recostar de algunos aspectos culturales de nuestro país, como la división de clases, el viaje en carretera hacia los pueblos con nombres peculiares, y las riquezas naturales que hacen contraste con la educación de los que habitan en ella. Sin embargo, ni los planos desde el cielo ni la magia que creaba el proyector le exoneran algunos pecados narrativos que se cometieron a lo largo de la historia.

El primero es Eliseo, interpretado por el talentoso Félix Germán, quien no tiene la culpa de la rabia a veces innecesaria de su personaje. A diferencia de algunos testarudos de la pantalla grande, como Carl de la película Up (2009), donde se empatiza con el personaje y uno logra verdaderamente ponerse en su lugar, aquí la rabia de Eliseo no parece tener razón de ser, pues no se expone si es por su soledad que él mismo se la ha provocado o porque se ha pasado toda una vida obsesionado con una mujer que nunca ha conocido en persona. No logra ni valorar a Rubí, interpretada por Cindy Galán, siendo ambas una de las pocas luces milagrosas del guión, con una subtrama mucho más interesante que el conflicto principal de la película, enfocada en cómo esta mujer se acuesta únicamente con hombres mayores por un posible trauma causado con su padre.

Una de las mayores cuestionantes de la película es la ambigüedad de la época en que supone narrarse, donde solo los amantes del cine dominicano lograrán identificarlo con facilidad, pues si él proyectaba la película La Maldición del Padre Cardona significa que es el 2005, pero la carente continuidad en el diseño de producción hizo cuestionar mucho el verdadero año en que la trama tomaba lugar.

Es verdad que la fotografía y el montaje del cine dominicano ha mejorado bastante, y no cabe duda que José María ha mejorado increíblemente en ese departamento, demostrando ahí su mayor evolución desde Jaque Mate. Sin embargo, es tiempo de que su evolución se expanda a otros departamentos de la producción, pues hacer cine es más que lograr unas cuantas tomas bonitas.

Siete largometrajes y seguro una gran cantidad de cortometrajes. Esto es razón suficiente para que José María se siente con su próximo guión y uno de los tantos libros sobre estructura narrativa, y se responda a sí mismo en qué se quiere enfocar cuando cuente una película, pues cabe destacar que el talento y la pasión le sobra, pero aún es necesario trabajar en su visión y la perspectiva que él quiere plasmar en sus historias.

Lady Macbeth

La Inglaterra rural de 1865. Katherine (Florence Pugh) vive angustiada por culpa de su matrimonio con un hombre amargado al que no quiere y que le dobla la edad, y de su fría y despiadada familia. Cuando se embarca en un apasionado idilio con un joven trabajador de la finca de su marido, en su interior se desata una fuerza tan poderosa que nada le impedirá intentar conseguir lo que desea. (FILMAFFINITY)

No se confundan con el título: no se trata de la novela de Shakespeare; sin embargo, Lady Macbeth, o Katherine, como es en verdad el nombre que encarna Florence Pugh, tiene algunos rasgos psicológicos y acciones que no la alejan del clásico personaje de Shakespeare.

Lady Macbeth es una adaptación de la novela literaria homónima de Nikolai Leskov que nos presenta a Katherine Lester, una joven quien ha sido vendida por su padre a la familia Lester. Obligada a casarse con uno de los hombres de la familia y maltratada verbalmente por su nuevo esposo (quien no la toca en ningún momento de su matrimonio) y su suegro, ve un pequeño escape cuando ambos salen de negocios. En ese momento conoce a Sebastian, uno de los trabajadores de la familia, con quien inicia un romance apasionado y oscuro. Todo cambia cuando, con tal de mantenerse junto a Sebastian, Katherine asesina a todo aquel que intente interponerse en su nueva relación adúltera.

El personaje de Lady Macbeth tiene un desarrollo interesante, de ama de casa encerrada en las paredes que su nueva familia la obliga a permanecer, a una asesina sin escrúpulos ni temor a ser delatada, por el hecho de que siempre encuentra la manera de limpiarse las manos y echarle la toalla sucia a gente inocente. Siendo prisionera de su casa, ignorada por su esposo y maltratada por su suegro, encuentra la libertad en unos pocos minutos de la película y se aferra totalmente a ella, capaz de hacer cualquier cosa, con tal de no volver a la misma vida aburrida y monótona que tenía desde mucho antes de sentir la brisa fresca del campo.

Todo el ambiente de la película, incluyendo el constante sonido del reloj y el silencio rotundo entre el tic tac, envuelven cada escena con una sensación claustrofóbica y tensa, que grita los abusos humanos que se daban en esa época (Inglaterra, siglo XIX) relacionados exclusivamente al género, las clases socioeconómicas y la raza, aspectos que aún son tema popular, dos siglos después. Los planos lineales y simétricos del cinematógrafo Ari Wegner otorgaron ese aire de desesperación y suspenso en cada una de las acciones de sus personajes principales. La idea de mantener una misma secuencia de planos da la sensación de ansiedad a lo largo de cada una de las acciones repetitivas de sus personajes. El único que demostró buscar su propio escape fue el de Lady Macbeth/Katherine.

La actuación de Florence Pugh como esta joven es para dejar a cualquiera con la boca abierta, por tener el cuidado de no delatar ninguna de sus intenciones en sus acciones. La naturaleza con la que interpretó el personaje y la gesticulación que le otorgó la convierten en una actriz comparable con otras que tienen el mismo talento y con un poco más de experiencia.

Esta no es una película sobre empoderamiento femenino. Más bien diría que es una historia sobre cómo una mujer decide ser contraria a todo lo que la sociedad ha establecido y cambia las reglas a su manera, al punto de afectar a todo aquel que la rodee, con tal de conseguir lo que ella desea.

Crónicas de California: 5 datos cinéfilos sobre Burbank

Cuando llegan a una nueva ciudad, de mudanza o de paso, ¿cuál es el primer lugar que visitan? Al llegar a un nuevo lugar debería haber un mínimo interés por aprender cosas nuevas, y no me refiero a saber dónde está el supermercado o el banco, sino de su historia o de lo que la hace especial. 

Al llegar a California, sabía que conocer sería una experiencia diaria, pero ni me imaginaba lo que iba a conocer en Burbank, la ciudad donde vivo. Está ubicada a unas cuantas millas del Downtown de Los Ángeles y Hollywood, y es una ciudad con un interesante antecedente relacionado al cine. ¿Quién se lo imaginaría? Por esta razón les contaré de 5 datos cinéfilos que (para mi) son muy importantes conocer si visitan Burbank.

Ps.: si vienen a esta ciudad, deben ir al Gordon R. Howard Museum, que narra la historia de Burbank y sus orígenes en la industria del cine.

La casa de famosos estudios de cine y televisión

Si creyeron que todo el tema de "rodajes y castings" se concentra en Hollywood, les informo que no es así. En Burbank nace Warner Bros, Sony Pictures, Universal Studios, The Walt Disney Company, NBC y TBS. También ha recibido productoras que estaban ubicadas en otros estados y ciudades de Los Ángeles, como Cartoon Network, 20th Century Fox y Nickelodeon. Según fuentes del New York Film Academy, miles de personas vienen a esta ciudad todo el año, en busca de encontrar oportunidades de trabajo dentro de las producciones que se realizan aquí.

Antes de ser la famosa actriz, Debbie Reynolds fue Miss Burbank

No nació en esta ciudad, pero sí fue parte de ella cuando, en el 1948, se animó a participar en el certamen de belleza Miss Burbank, solo porque quería la blusa y la bufanda que daban por inscribirse. Sin embargo, al público y al jurado le encantó su personalidad y su interpretación de "I'm a Square in the Social Circle" en la prueba de talentos. Lo que inició como un relajo, terminó concediéndole la corona del certamen, un viaje a New York con todo incluido y un contrato de 7 años con Warner Bros.

El nacimiento de los clásicos del cine de animación

Como dije, muchas productoras nacen aquí, pero una de la que más sobresale es Walt Disney Studios. Después de su fundación oficial en esta ciudad en 1940, nacen muchos de los personajes y las historias que son parte de nuestra niñez, como Blancanieves y los siete enanitos, Pinocho, Dumbo, Bambi, La Sirenita, Cenicienta, Alicia en el país de las Maravillas y otros. Sus producciones se hicieron famosas entre el público y envidiadas por los demás estudios gracias a la creatividad en la producción de los guiones y el elemento de la "Multiplane camera" para darle movimiento y tridimensionalidad a los dibujos.

Escenarios de clásicos y taquilleras

Cientos de películas se han filmado en esta ciudad. Quienes gusten visitarla, seguro querrán visitar los lugares donde se grabaron Casablanca, Bonnie and Clyde, Mary Poppins, Back to the future, Memento, The Princess Diaries, The Hangover: part II, Jurassic Park y La la land. También, algunas series como Cold Case, The Gilmore Girls, ER y Desperate Housewives fueron y son filmadas en Burbank. 

No viven famosos, pero sí los de Backstage

Debido a la cercanía que se tiene con los estudios, este es el Beverly Hills de los empleados que trabajan en las producciones cinematográficas y televisivas de Los Ángeles, lo cual hace de esta área una de las más vigiladas y seguras del estado de California. Aún no me he topado con ningún director o productor...

Burbank es la verdadera ciudad del cine. Aquí hay cultura cinematográfica, hay ambiciones por crear nuevas historias y hay oportunidades. No... esto no quiere decir que ya tengo trabajo.

¿Cómo estudiar una película?

Una película no basta con verla. Es necesario analizarla con un ojo crítico con el fin de estudiar cada detalle, comprenderla mejor. Y para esto no hay que ser un experto en la materia.

Este post te describirá lo que necesitas entender cuando veas una película de manera crítica.

7 pasos para estudiar una película

Paso 1: Percepción, ¿cuál es la idea principal de la película? 

No hablamos de la sinopsis, sino del mensaje en sí. El Renacido habla sobre la venganza, El Diario de Noah sobre revivir un amor sin importar las circunstancias, La Gran Apuesta sobre la crisis financiera de 2008. Todas las películas, por más complejas que sean deben de tenerlo. Así que la próxima vez que vayas al cine, lo primero que te preguntarás es cuál fue el mensaje principal: ¿de qué realmente trató?

Paso 2: Personajes, ¿cómo lo hicieron?

A veces encontramos películas con excelentes historias, pero personajes vacíos. Identifica todos los individuos y su función. ¿El principal cumplió con su objetivo? ¿El antagonista recibió una lección? ¿Cada personaje tuvo un desenlace oportuno? ¿Algún personaje que pudo no existir y la película seguía su curso normal? 

Paso 3: Diálogos, ¿qué es lo que dicen?

Otras veces no es el personaje quien daña la historia, sino lo que este dice. El truco en los diálogos es que lo que se diga no sea algo obvio, redundante ni ilógico. Cada palabra debe complementar y tratar de superar la imagen. Algunas películas, como Las Ventajas de ser Invisible y La Habitación trascienden por las frases de sus personajes, fortaleciendo el mensaje y género de la película. 

Existe la carrera de dialoguista. Esto también es un arte.

Paso 4: Cinematografía, ¿cómo se ve?

La fotografía juega un papel muy importante en una película, y para cada género hay un tipo de fotografía. ¿Cuáles planos se utilizaron? ¿Que color tenía? ¿Cómo fueron los movimientos? La historia puede ser muy buena, pero su popularidad puede morir por no darle al espectador una buena imagen. 

Paso 5: Sentimientos, ¿cómo te sentiste?

Los sentimientos son los que te dicen si te llegó el mensaje, si cumplió su objetivo. Si sales asustado o si sales llorando. La idea es que el espectador se sensibilice con el mensaje. Películas como Los Miserables, Sinister y Matrix cumplen con el objetivo de sus respectivos géneros.

Paso 6: Edición, ¿qué te asombró?

Para entender la edición de una película no hay que ser un experto. La edición se encarga de colocar cada fragmento con el sonido, efecto y transición ideal. La clave aquí es el juego que se crea con las imágenes y audio. Es importante destacar historias como Whiplash y Mad Max, dos películas totalmente diferentes con una edición que han sido galardonadas en los premios de la Academia. 

Paso 7: Aporte social, ¿la recordarás?

Por más ficticia que sea una historia, siempre trata aspectos de la sociedad que son los que conectan con el público. ¿Te ha influido en algo la película? ¿Te ha enseñado algo? ¿Te has reflejado en ella?

Entendiendo cada uno de estos pasos, cualquier persona, incluso el menos cinéfilo, puede decir si una película es muy buena o muy mala.

Para conocer más: Guía didáctica para analizar una película

Giros: te sorprenden o te desilusionan

Dependiendo del género que desarrolle, cada historia tiene sus propios parámetros narrativos, pero siempre hay un detalle que hace que una película se diferencie de otra y que el ritmo y la dirección de la historia cambien. Eso es gracias a los puntos de giro.

¿Qué es un giro en una película?

Mejor conocido como punto de giro, es la escena clave que determinará el curso de la historia. Se caracteriza por dar un ritmo distinto a la trama. En algunas películas, el punto de giro es presentado en el teaser del film, y a veces este es confundido con el conflicto.

La gran diferencia es que a partir del punto de giro, NO hay vuelta atrás: este ocurre para cambiar la vida de nuestro protagonista.

Como bien lo expresa el guionista y escritor Syd Field, el punto de giro ocurre en una página y momento exactos dentro del guión. El establece que un guión estándar posee dos puntos de giro y están pautados para el instante antes del segundo y tercer acto.

El Paradigma de Syd Field, descrito en el libro El Libro del Guión (1984).

Pero como todo lo demás en el cine, cada quien lo adapta a su parecer, preferencia o creatividad. También podrá variar por el género (pues cada cual tiene un ritmo narrativo) y el tipo de conflicto.

¿Cómo entender que ha ocurrido un punto de giro? 

Vean este ejemplo: La película Psicosis, del cineasta Alfred Hitchcock, narra como la señorita Marion Crane se hospeda en el Bates Motel, escondiéndose tras haberle robado a su jefe 40,000 dólares (UNO DE LOS CONFLICTOS); allí conoce al extraño Norman Bates, dueño del motel que vive con su madre en una casa cercana. Mientras Marion se estaba duchando, alguien entro a su habitación y la mató, dejando al público con la certeza de que había sido la madre de Norman. Esta corta y muy galardonada escena es el primer punto de giro de la historia, porque cambia la vida del protagonista... o lo desaparece. 

A lo largo de la historia y continuando el conflicto principal (la desaparición de Marion), su hermana y un investigador siguen sus rastros hasta el Bates Motel. Y de repente ocurre el segundo punto de giro: no fue la madre de Norman quien mato a Marion, pues ella estuvo todo el tiempo sentada en su silla MUERTA. Fue Norman disfrazado de su madre quien mató a Marion.

Psicosis (1960): escena del segundo punto de giro, cadaver de la madre de Norman

La clave del punto de giro está en que su cambio no pase desapercibido. No valdría la pena incluirlo en una historia si no va a afectar de manera notoría la vida del protagonista o de toda la trama. Sino, ¿para qué existe entonces?

Por otro lado, el punto de giro también debe provocar una impresión en el espectador. Hitchcock logró una escena muy recordada e impresionante, pues nadie esperaba que mataran a la protagonista en los primeros minutos de la película y que quien supuestamente la mató realmente tenía algunos años muerta.

Pero, a diferencia de la mente creativa de Hitchcock, hay otras poco creativas...

En esta sección, entra la película They're watching: mi humilde sugerencia, no la vean. El final es muy desilusionante.

Es un falso documental que se centra en la producción de un programa de televisión que graba la reestructuración de una casa en Moldava. Durante entrevistas a la propietaria y restauradora de la casa, los jóvenes conocen las creencias de los habitantes del pueblo sobre las brujas y la hechicería. Cuando pensábamos que el equipo moriría por los creyentes, resulta que sí existía una bruja y era la dueña de la casa (Punto de giro), quien tenía todo tramado desde que presenció como su esposo se acostaba con la productora. Al final, la bruja mata a todo el mundo y deja vivo a una sola persona de la producción, para que él se encargara de reproducir toda la masacre grabada. Lo sé, horrible.

Última escena de They´re Watching (2016)

Consejo para los futuros guionistas

Todo aspecto narrativo debe ser pensado de manera individual. Así como debe desarrollarse el personaje, el conflicto y la trama con particularidad y cuidado, así mismo debe desarrollarse el punto de giro. Es necesario que se le de mucha importancia a lo que narrará este elemento cinematográfico, porque de este dependerá que el final de tu historia sea exitoso o desastroso.

Aquí les dejo otros puntos de giro:

El Sexto Sentido - Terror (1999): El Dr. Malcolm Crowe es otro de los fantasmas que puede ver Cole

Los Otros - Suspenso (2001): Grace y sus hijos son en realidad los fantasmas de la casa.

Harry Potter y las Reliquias de la Muerte - Fantasía (2010): Harry es uno de los horrocruxes de Voldemort.

La Purga - Terror (2013): Después de entrar a su casa para rescatarlos de los intrusos, los vecinos de la familia Sandin confiesan que su principal plan era matarlos.

The Best of Me - Drama (2014): El corazón que recibe el hijo de Amanda era de Dawson, quien fue asesinado por su padre.

7500 - Terror (2015): Todas las personas del avión mueren por un supuesto escape de gas.

El Niño (2016): El muñeco no estaba encantado por el fantasma de Brahms, él siempre estuvo escondido en la casa, manipulando el muñeco.

Escena de El Sexto Sentido (1999)

Más sobre los Puntos de Giro:

• El truco definitivo para comprender los Puntos de Giro
• Los 30 Giros más sorprendentes de la historia del Cine

Documental vs. Ficción

El documental vino primero que la ficción, pero hay que admitir que gran parte del público prefiere una película ficticia basada en hechos reales a una historia documentada.

Nanuk el esquimal (1921) fue un éxito, es un buen documental entre los muchos que se han hecho a lo largo de la historia. Y si es por comparar, en la ficción ocurre igual; la gran diferencia es que la esta última vende más.

Quizás sea la comercialización, el tema o la producción en sí, pero por alguna razón la ficción es más valorada. Tanto así que de las 24 categorías de los Premios Oscars, 22 están destinadas para las películas ficticias. ¿Un poco injusto? No soy la más calificada para responder esa pregunta.

Lo que sí puedo afirmar es que, sin importar lo que haga a una mejor que la otra, cada cual tiene su toque.

Documental

Ya habíamos hablado de esto, son dos tipos de cinematografías distintas (no estoy hablando de la fotografía). El documental se encarga de narrar un suceso, hecho o historia sin dramatizarla ni transformarla. Este no es orientado en base a un guión; está basado en una escaleta que se construye después de recolectar los materiales (audio, imágenes, vídeos) que servirán para la producción del documental, y de acuerdo a estos documentos, el director se dará cuenta cuál es el enfoque que le quiere dar, creando el guión técnico.

Para quienes no lo sabían, este surgió primero que la ficción. En sus orígenes, el cinematógrafo se utilizaba para mostrar cotidianidades de la vida, como alimentar al bebé, reunirse con los amigos o la llegada del tren. Más tarde, se produjeron documentales como Nanuk el Esquimal, El Hombre con la Cámara, Moana, entre otros títulos.

Entre los más recientes, recomiendo:

What happened, Miss Simone? (2015)

Freeheld (2007)

Ficción

Antes, ficción y ciencia ficción tampoco es lo mismo. Ficción es un tipo de película, ciencia ficción es un género de fantasía.

La ficción se encarga de narrar un relato basado en un hecho real o inventado por el productor. Está orientado por un guión que da las pautas de lo que ocurrirá en cada escena y lo que dirá y hará cada personaje. A diferencia del documental, el guión se realiza meses antes del rodaje y es el que indica el enfoque, el género y la ambientación. En desventaja, para realizar una película ficticia se deben crear los escenarios y contratar actores.

La ficción surge en respuesta a un público más interesado por el cine, con el fin de entretenerles, hacerles reír, asustarlos o mostrarles un hecho que aconteció.

Entre los clásicos, les recomiendo:

Ciudadano Kane (1941) 

Ladrones de Bicicletas (1948)

Las historias de Stephen King en el cine

Los seguidores de novelistas son igual que los amantes de cerveentre uando te acostumbras a un autor, ese es le que siempre buscas: ya sea por su estilo, su forma de contar la historia o por su variedad.

En el caso de libros de ficción, Stephen King es uno de ellos... y al parecer en el cine también.

Por si no lo sabías...

Stephen King (68 años) es un autor estadounidense que al ingresar a la Universidad de Maine (Orono), inició su actividad literaria publicando diversos relatos en la revista universitaria ''The Maine Campus''. Además, participó activamente en la vida política estudiantil, llegando a ser miembro del Students Senate e implicándose en el movimiento antimilitar del Orono Campus contra la guerra de Vietnam. Ocupa la posición 20 de "Best Sellers Fiction Authors", con un estimado de 350 millones de libros vendidos, destacándose con las obras It, The Shining, The Stand, Bag Of Bones, Needful Things.

"La vigencia de la obra de King es perceptible en diversas adaptaciones cinematográficas y otras obras literarias". -Periódico mexicano Informador

Dato curioso: De 10 personas, ocho nunca han leído un libro de Stephen King, pero conocen películas basadas en sus novelas.

Con más de 100 libros publicados, se han adaptado 58 películas y 26 series y películas de televisión basadas en sus relatos.

No obstante, las obras de King tienen la singularidad (o por lo menos la gran mayoría) de tratar en fondo al antagonista de la historia, dándole la oportunidad al lector, y en el caso del cine, al espectador, de ver "las dos caras de la moneda". Entre suspenso, comedia y drama, el giro narrativo de sus historias han trascendido en el cine desde el momento en que Brian De Palma, adaptó por primera vez una obra de King a la gran pantalla.

Ranking de 5 películas icónicas basadas en obras de Stephen King

Este ranking es basado en una encuesta realizada a 50 personas entre los 15 y 40 años.

Puesto #5: It

Los globos, las caras pintadas y las risas extrañas: los payasos siempre han sido la parte menos preferida de un circo o un cumpleaños en muchos niños, y este en particular da demasiadas razones para quererlo muerto.

La historia narra como siete amigos se ven obligados a recordar su niñez afectada por un payaso, que con sus globos ha regresado a su ciudad de origen. It, como le llamaban de niños, se aparecía en los lugares inimaginables y les hacía vivir sus peores pesadillas. Los niños se prometieron a ellos mismos que si "It" regresaba, ellos también.

Similitud principal entre el libro y la película: Contada en dos tiempos paralelos.

Publicado en 1986, con 1,138 páginas
Primera adaptación en 1990

Puesto #4: Cadena Perpetua (The Shawshank Redemption) 

Para los fanáticos de películas sobre cárceles, esta es recomendada por múltiples razones.

El banquero Andy Dufresne es hallado culpable, por el asesinato de su esposa y el amante de ella, un caso que el decía ser inocente, y lo sentencian a dos cadenas perpetuas. Al llegar a la carcel de  Shawshank, donde descubre la dura vida de los presos y la injusticia de los policías, inicia una amistad con Red, el capo del contrabando de la prisión, y le solicita un martillo y un poster de Rita Hayworth, que durante 16 años fueron parte de su plan para cabar un tunel y escapar de la carcel. Nominada a los Oscars y Golden Globe en distintas categorías, es una de las historias preferidas de muchos espectadores del cine de drama.

Similitud principal entre el libro y la película: La voz narradora es la de Red.

Publicado en 1982, con 107 páginas
Adaptado en 1994, con una recaudación de más de US$58 MM

Puesto #3: Miseria (Misery)

Si buscamos la lista de los asesinos más reconocidos del cine, Annie es una de ellos. Y no solo por el hecho de ser mujer es que hace la diferencia.

Harto de Misery, el personaje de las novelas románticas que lo han llevado a la fama, el escritor Paul Sheldon decide matarla en su última novela. Pero tras sufrir un accidente de tráfico, es "rescatado" por Annie, una enfermera que dice ser su fan #1, principalmente por el personaje de Misery. Cuando Annie se entera de que el personaje muere, lo obliga a escribir un nuevo libro donde lo reviva, manteniéndolo incomunicado de sus familiares y amistades, encerrado en una habitación con las dos piernas rotas. La interpretación de Kathy Bates como Annie le otorgó el Oscar y el Golden Globe a mejor actriz en el año 1991.

Similitud principal: Un martillo, una maquina de escribir y el cerdo de metal asesino.

Publicado en 1987, con 320 páginas
Adaptado en 1990, con una recaudación de US$61.3 MM

Puesto #2: El Resplandor (The Shining)

Here comes Johnny!! ¿Gemelas ensangrentadas? ¿Una máquina de escribir que solo obliga a escribir lo mismo? ¿Un niño que ve el "resplandor"? Si ya has visto esta película, te darás cuenta que aún faltan cosas anormales por mencionar.

Jack Torrance es contratado para guardia de invierno para vigilar un hotel que cerrará durante toda la temporada. Durante su estadía junto a su familia, todos comenzarán a ver los fantasmas de personas que estuvieron en el hotel y de la antigua familia asesinada por el esposo que se volvió loco por el encierro. 

Similitud principal: Escena del baño cuando Jack trata de matar a su esposa e hijo con un hacha.

Publicado en 1977, con 599 páginas
Adaptado en 1980, con una recaudación de US$44.4 MM

Puesto #1: Carrie

Detengámonos por un momento en esta última: tres adaptaciones, una secuela y un musical en Broadway... además de las emblemáticas miradas asesinas de la protagonista y su interesante manera de asesinar durante su trance, Carrie debe ser, no solo el personaje más interesante de King, sino también su obra más reconocida, o por lo menos desde mi punto de vista.

Carrie, una adolescente de 16 años, introvertida y marginada debido a los consejos y fanatismo religioso de su madre, descubre que tiene poderes telequinéticos, los cuales utiliza para vengarse de todo aquel que le hizo daño en algún momento. Sissy Spacek (Carrie) y Piper Laurie (la madre de Carrie) estuvieron nominadas a los Oscars de 1977 por su rol en esta película. 

Similitud principal: La sangre de cerdo derramada sobre Carrie que desata su sed de venganza.

Publicado en 1974, con 199 páginas
Adaptado en 1976, con una recaudación de US$33.8 MM

Puede ser suspenso, humor negro, drama o ciencia ficción...

... King siempre será el preferido de muchos cineastas. Directores como Kubrick y Carpenter han sido "cautivados" por las ocurrencias de sus obras, inspirando el cine, la televisión y hasta los comics a un estilo particular de contar historias.

Preparando un guión, parte I: La premisa

Según distintos cineastas y críticos reconocidos, tanto en República Dominicana como en otros países de América Latina, el guión cinematográfico representa una de las principales debilidades de la industria filmica latina. Es lamentable que, a pesar de los avances tecnológicos para la producción y post-producción de un filme, las historias no presentan un desarrollo similar, y se debe a que los "guionistas" (y la comilla se debe a que muchos de ellos no son certificados) no conocen los pasos, las etapas y los elementos que titulan un guión como tal.

Creo que una de las ventajas de hacer una tesis sobre análisis de guión es conocer todos estos detalles y tener una capacidad básica para poder crear uno. Por lo que hablaremos de cómo "cocinar" un guión. Ingredientes: una historia, personajes, un conflicto, tres actos y por lo menos, un género cinematográfico.

Para todo esto, se debe tener muy claro un aspecto, que ya se había tratado en una de las notas anteriores: la idea a narrar.

Después de concebir esa idea, lo siguiente es obtener la premisa. En el mundo del periodismo, la premisa actúa como el precedente que introduce una noticia, reportaje u otro género periodístico informativo. En el caso del cine, es la historia en una sola frase. ¿Diferente? Realmente no. Al igual que en una noticia, es dar la idea principal en una sola oración.

¿Complicado? Hagamos la prueba.

"Un hombre trata de recordarle a su esposa su historia de amor". Esa es la premisa de The Notebook. Más tarde, cuando se inicie la redacción más profunda, con el argumento, se sabrán los detalles, pero al momento de crearla lo importante es tener claro cuál es el mensaje principal de la historia, cuál es la idea clave de la trama.

Aspectos a tomar en cuenta de una premisa

John Truby, otro genio de la escritura de guión, indica en su libro Anatomía del guión que para escribir una premisa:

1. Lo escrito no puede ser algo tradicional, debe causar un cambio, tanto en la vida de quien lo escribe como en el espectador que vaya a ver la película ya producida.
2. Pero a su vez, debe tener algo de realismo, hasta lo más ficticio tiene algo que se relaciona a lo real. ¿Cómo se logra? Investiga sobre lo que cuentas.
3. Dale retos a los personajes para que tenga una razón de ser, y dale obstáculos, para que no los consiga tan fácil. La vida no es tan simple.
4. Descubrir la lógica interna que tendrá la historia; cómo esta estará organizada a lo largo de la trama.
5. Buscar el personaje ideal (ya después conoceremos los tipos de personajes).
6. Darle sentido de ser al conflicto principal de la historia. Defínelo y dale forma.
7. ¿Cuál es la causa de que ocurre lo que ocurre? ¿Qué pasará si continúa así?
8. Decidir qué cambio tendrá el personaje.
9. ¿Cuál decisión tomará tu protagonista?
10. Evaluar si le gustará al público: Lee tu premisa a (por lo menos) 10 personas. Si te preguntan cómo sigue, dale al siguiente paso: El argumento.

Continuará...

Mi Top 10 de las mejores historias cinematográficas del Siglo XXI

Además de las nuevas tecnologías y la creencia del fin del mundo, la llegada del siglo XXI significó un cambio en la producción cinematográfica.

3D, cine digital, nuevas leyes de cine en América Latina: el nuevo siglo le asentaba bien al séptimo arte. Así mismo, nuevas ideas y nuevas historias se aproximaron a la mente creadora de muchos guionistas y directores.

Para continuar con el tema de las ideas, les traigo mi Top 10 de las mejores ideas cinematográficas de la generación XXI.

El Viaje de Chihiro (2001)

La idea de una niña que queda atrapada en una tierra mística, repleta de espíritus, dioses y criaturas mitológicas no es una simple historia infantil. El Viaje de Chihiro cuenta la historia de cómo una niña de diez años se enfrenta a una serie de criaturas espirituales, con tal de recuperar a sus padres, quienes han sido convertidos en cerdos por dejarse llevar de la gula y glotonería, como lo plantea Yubaba, la antagonista de la historia. Para salvarlos, debe trabajar en una casa de baños termales, mientras su amigo Haku encuentra la manera de ayudarla a recuperar sus padres y regresar al mundo terrenal. 

No es sólo por el hecho de que es una historia animada y la historia es interesante, sino cómo transmiten las creencias asiáticas en lo místico y espiritual.

Las Horas (2002) 

Narra la conexión que tienen tres mujeres en tres épocas distintas con un mismo tema, la novela de Mrs. Dalloway. Por un lado cuenta la historia de Virginia Woolf en los años 20, cuando fue diagnosticada de problemas psiquiátricos, mientras escribía la novela Mrs. Dalloway. Por otro lado, en los años 50, una madre y esposa infeliz lee la novela de Woolf trata de encontrar su propia felicidad decidiendo su propio destino: suicidio o abandonar a su esposo. Y ya en el siglo XXI, una editora homosexual quien representa al personaje de la señora Dalloway en la modernidad, trata de ayudar a un amigo que sufre de SIDA.

La conexión que tienen las tres historias entre sí más el concepto sobre la homosexualidad de los inicios del 2000 hacen de esta trama una muy buena idea cinematográfica.

El Efecto Mariposa (2004)

Un joven con problemas serios de memoria descubre que al leer sus antiguos diarios puede regresar al pasado. Pero cuando cambia mínimos detalles de su pasado, se da cuenta que su presente es alterado fuertemente, por lo que se encontrará en un juego entre el pasado y el futuro para encontrar el presente adecuado para él, su familia y sus amigos de infancia. 

La idea y cuestionante de “qué harías si podrías regresar al pasado y cambiar algo de él” es lo que crea el conflicto de esta historia que plantea la moraleja de “lo que sea que hagas en tu pasado puede ser la principal causa de tu futuro”

El Laberinto del Fauno (2006) 

Después de la guerra española de los años 40, Ofelia se muda junto a su madre a un pueblo donde ha sido trasladado su padrastro, un capitán asignado a acabar con los grupos guerrilleros del monte. Al llegar a su nuevo hogar, la niña descubre un laberinto y conoce a un fauno que le dice que ella es una princesa y, para demostrar que todavía no ha perdido su esencia de realeza, debe pasar tres pruebas.

Es una idea con dos historias paralelas: una real y otra fantasiosa, dándole al espectador la oportunidad de envolverse y creerse ambas situaciones. El punto a favor es que ambas historias no se confunden, pero si se entremezclan con cada movimiento del personaje principal.

El curioso caso de Benjamin Button (2008) 

Recién terminada la Segunda Guerra Mundial, un recién nacido nace con el cuerpo de un hombre de 80 años. Quienes se hacen cargo de él se dan cuenta que, con el pasar de los años, se iba rejuveneciendo. Mientras, Benjamin inicia una relación con Daisy, hasta el final de sus días, terminando con los problemas de salud de una persona mayor en el cuerpo de un recién nacido.

La historia, como su nombre mismo lo dice, es curiosa, no sólo por el simple hecho de que es una persona que nace "al revés", sino que, a pesar de sus dificultades físicas, el personaje demuestra su fuerza interna y su disposición por ser joven en el cuerpo de un viejo (en los primeros años de infancia), sin dejar de mencionar las historias paralelas que existían, sin salirse del hilo conductor de la historia principal.

Inception (2010)

Narra la historia de Dom Cobb, un ladrón hábil, quien se caracteriza por robar los secretos más valiosos de las personas, encontrándolos en el subconsciente durante el estado de sueño, el momento en que se dice que la mente está más vulnerable. Cuando Cobb es indicado para hacer un último trabajo, se enfrentará a un enemigo que conoce cada movimiento y planificación de él.

Existen muchas historias sobre policías y ladrones, pero esta es única en su especie. No sólo por la capacidad de ingresar a la mente de cualquier persona, sino por los saltos de la historia entre una mente y otra. Importante recordar la vulnerabilidad del personaje principal cuando sus pensamientos y sus secretos del subconsciente se involucran en sus invasiones a los sueños ajeno, dejando al descubierto cómo tu mayor habilidad puede ser tu mayor temor. También, el final, dejando a la audiencia que indique su propio final: Cobb se queda o no atrapado en el sueño.

Looper (2012)

Los loopers son asesinos a sueldo, encargados de matar a los criminales del futuro, los cuales son enviados por una máquina del tiempo, tapándoles el rostro y con kilos de oro, como paga por la eliminación del cuerpo del asesinado. El nudo de la historia ocurre cuando Joe, el protagonista deja escapar a su víctima, quien resulta ser él mismo 30 años más viejo. Deberá encontrarlo y eliminarlo antes que los otros loopers lo asesinen a él.

¿Qué harías si debes elegir entre asesinarte o asesinar a quien fue el creador del sistema implementado en el futuro? Esa es la interrogante principal que deja la historia. Entrelazando el pasado y el presente, tiene la capacidad de provocar todo tipo de emociones y dudas sobre uno mismo y el futuro de la humanidad.

Mama (2013)

Dos niñas, desaparecidas desde hace años, son encontradas en una cabaña alejada de la carretera. Cuando son entregadas al hermano del padre de las niñas, el nuevo hogar es fastidiado por el espectro de una figura que se hace llamar Mama.

Lo interesante de esta historia, además del terrorífico personaje de Mama, es el antecedente de esta. No sólo es el fantasma de una mujer con síndrome de Dawn, sino que su resentimiento es porque le quitaron su bebé, y al encontrar estas dos niñas, que se encontraban en peligro cuando el fantasma aparece, las protege aún cuando ya ella no debe protegerlas. Esta historia plasma la necesidad de protección que tienen las madres hacia sus hijos, sin importar si tiene o no una disfunción física, genética o psicológica.

Gone Girl (2014)

El día de aniversario de su boda, Nick Dunne reporta su esposa Amy como desaparecida. Después de que él descubre una serie de pistas que lo llevan al paradero de su esposa, comienza a presentar una conducta extraña frente a la prensa y su comunidad, convirtiéndolo en sospechoso. Sin embargo, lo que nadie se imagina es que la desaparición de Amy es parte de su plan de venganza contra su esposo.

Otro nombre para esta película podría ser "cómo hacer creer que tu esposo te mató en menos de 3 días". El personaje de la mujer que siempre es planteado como el más inofensivo, el más débil, el más "menos" en la mayoría de las películas dramáticas, aquí se muestra como un personaje fuerte y atrevido, el generador del conflicto y el que controla el desenlace de la historia. Además de los puntos de giro, la idea de hacer creer es organizada en cada detalle, y esta se va desarrollando y evolucionando gracias a distintos elementos de la trama: entre ellos, el diario de Amy que incrimina a Nick de su desaparición. Por supuesto, parte de su plan. El otro mensaje de la historia: nunca descuiden su relación amorosa, porque no saben lo que esté ocurriendo en la mente de tu pareja para resolver sus "problemas amorosos".

Relatos Salvajes (2014)

 

La historia presenta seis relatos de personajes que se verán empujados a perder la paciencia y el control.

Es una respuesta a lo que sucede cuando, simplemente, la sociedad nos saca de nuestras casillas. Con una estructura ideal y clara, son historias que se unen por un mismo tema: la venganza. Cada personaje demuestra como la sociedad lo lleva a resolver los problemas que le ha provocado con violencia. Además del humor negro de cada trama, el salvajismo puede ser visto como el entretenimiento principal de cada mini historia, planteando la fina línea entre lo civilizado y lo salvaje cuando una persona pierde la paciencia.

Esta lista está en un orden cronológico, no de preferencia ni de trascendencia en el cine. La mayoría de estas películas fueron nominadas y premiadas por su producción; sin embargo, el hecho de haber sido reconocidas no significa que hayan sido una buena historia cinematográfica.

¿Y tú? Para ti, ¿cuáles son las mejores historias del cine del siglo XXI?