Crítica Cinéfila: The Exorcist - Believer

Desde la muerte de su esposa embarazada en un terremoto en Haití hace 12 años, Victor Fielding ha criado solo a su hija Angela. Pero cuando Angela y su amiga Katherine desaparecen en el bosque, solo para regresar tres días después sin recordar lo que les sucedió, se desencadena una cadena de eventos que obligarán a Victor a confrontar el mal y, en su terror y desesperación, busca a la única persona viva que ha presenciado algo así antes: Chris MacNeil.

Advertencia: esta crítica contiene spoiler relacionado a The Exorcist: Believer

El mayor acto diabólico que ha ocurrido sobre esta cinéfila fue el autoconvencimiento de que una secuela de “El Exorcista” en 2023 podría realmente aprovechar su potencial. Claro, la trilogía ultradesechable de películas de “Halloween” de David Gordon Green no inspiró muchas esperanzas de que le iría mejor con una franquicia de terror aún más sagrada; por el contrario, sugirió que el ex favorito de las películas indies estaba empeñado en destruir hasta el último rastro de la promesa que alguna vez mostró en la industria cinematográfica. Y claro, el vertiginoso acuerdo de distribución de 400 millones de dólares que poseyó a Green para resucitar este clásico siempre iba a ser una bendición a medias, o quizás más bien una terrible maldición, para una película convencional cuyo atractivo en el mercado se basa en nuestros recuerdos colectivos de un preadolescente, como la imagen de una niña penetrándose un crucifijo mientras gritaba: "¡Deja que Jesús te folle!" 

Pero el hecho de que vivamos en una época de histeria derechista y pánico moral renovado parecía como si pudiera ser (debería ser) una invitación a canalizar el espíritu de William Friedkin y hacer algo que pareciera incluso una fracción tan transgresora como lo hizo la original de 1973. Después de todo, la propiedad pertenece a un subgénero que inherentemente reafirma el dogma cristiano y, por lo tanto, se le concede un permiso especial para traspasar los límites de lo que el público que asiste a la iglesia está dispuesto a soportar.

A pesar de la controversia que el clásico de Friedkin provocó entre el grupo puritano, “El Exorcista” es, en última instancia, tan “basada en la fe” como cualquiera de las películas que se pueden ver anunciadas hoy en Fox News, pero aún así menos terrorífica que cualquier otro clásico de terror, y esperaba que devolver la serie a sus raíces le permitiera a Green tener la oportunidad de reimaginar "Pazuzu" (el demonio que poseyo a la inocente Regan) para una generación de padres estadounidenses que han sido condicionados a temer a un millón de hombres en un país cuyas leyes y clima político reaccionario representan una amenaza mucho más directa para sus hijos. 

Mi fe estaba profundamente equivocada, no sólo porque “The Exorcist: Believer” es una película hiperconservadora que pasa todo su tiempo torturando a su personaje principal por priorizar el bienestar de su esposa sobre la seguridad de su feto (una elección que no se nos revela hasta el final), sino también porque lo único que esta infernal sesión de espiritismo realmente considera sagrada es su propia propiedad intelectual. Una película execrable que casi no se redime con nada más que la bien modulada actuación principal de Leslie Odom Jr. y la sensación ambiental de inquietud que Green proyecta durante la primera mitad de la historia, "Believer" es tan creativamente cobarde y desprovista de sus propias ideas que todo su concepto de sacrilegio se limita a poner en peligro el legado de su franquicia. 

Quizás ese no sería un punto conflictivo si “Believer” no hiciera también un trabajo tan perezoso al exhumar el legado de su franquicia. De hecho, es difícil pensar en algo más condenatorio en cualquier película reciente que la escena en la que los demonios dentro de los preadolescentes poseídos de Green intentan demostrar su impiedad repitiendo exactamente la misma línea de diálogo que irritó al público hace 50 años. Si se hace un esfuerzo nominal para dar a entender que estamos tratando con el mismo demonio que una vez hizo que Linda Blair se sintiera mal durante un largo tiempo, eso en realidad hace que al final resulta aún más vergonzoso: el mal nunca descansa y, sin embargo, medio siglo de tiempo de preparación todavía no fue suficiente para que a este príncipe de las tinieblas se le ocurra algún truco nuevo.

Supongo que eso es de esperarse en un momento en el que estas secuelas se sienten legalmente obligadas a ofrecer más de lo mismo. Basado en una historia atribuida a Green, Scott Teems y Danny McBride, el guión de Green y Peter Sattler reproduce los detalles exitosos de El Exorcista desde el principio, ya que hace eco al llevarnos a un país sofocante y "exótico" lejos de donde se desarrollará la mayor parte de la acción. En lugar de Irak, “Believer” se abre en Haití, y en lugar de un prólogo ambientador impregnado de una atmósfera misteriosa, comienza con un sobresalto barato.

Por supuesto, lo más aterrador de esta secuencia inicial no es la pelea de perros en las calles de Puerto Príncipe, sino más bien el hecho de que alguien pensó que era una buena idea utilizar con ligereza el terremoto de 2010 que mató alrededor de 316,000 personas como contexto de la elección que el turista estadounidense Victor Fielding (Odom) se ve obligado a hacer entre su esposa demasiado embarazada para viajar y el feto que parecía que iba a salir literalmente en cualquier momento. 

Corte a: trece años después, cuando Victor es un padre soltero que cría a su hija Angela (Lidya Jewett, impresionantemente comprometida), en un suburbio de Georgia tan maduro para Satanás que Ann Dowd es su vecina de al lado. Ella es muy distinta a Victor, como una enfermera de la sala de emergencias cuyo exceso de entusiasmo disfraza una preocupación genuina en lugar de un motivo oculto relacionado al culto, pero se vuelve difícil notar la diferencia después de que se revela que ella es una ex monja. quien todavía se arrepiente del aborto que tuvo antes de tomar sus votos. 

De todos modos, Victor es tan sobreprotector con Angela como cabría esperar, por lo que es un momento decisivo cuando acepta dejar que su hija vaya a casa de su amiga Katherine (Olivia O'Neill) después de la escuela. Ángela le dice que van a hacer la tarea juntas, pero solo porque su padre probablemente diría que no si ella le contara sus planes reales para la tarde: caminar hacia el bosque espeluznante en las afueras de la escuela, adentrarse en una pesadilla hundida de algún tipo y abrir accidentalmente un portal al infierno en un esfuerzo equivocado por comunicarse con la madre de Ángela. Los detalles de sus travesuras se describen a grandes rasgos porque la primera mitad de la película está impulsada por el misterio de lo que realmente les pasó a esas chicas y por qué desaparecieron durante tres días enteros (como Jesús, vaya sorpresa) antes de reaparecer en una granja al azar a unas 30 millas de distancia. 

Por supuesto, no es un gran misterio para nosotros, porque sabemos que esta película se llama "El Exorcista", incluso si todavía tenemos que descubrir que, en ningún momento presentará a un exorcista real. "Believer" opta en cambio por una coalición multirreligiosa de aficionados que incluye a un sacerdote local inútil, una espiritista interpretada por el actriz Okwui Okpokwasili, y los padres evangélicos de Katherine, cuya fe sacudida es reemplazada por el tipo de confianza divina única en cristianos blancos de clase media alta en un país que cada día se vuelve menos secular.

Una escena tibia en la que la recién poseída Katherine asiste a los servicios del domingo por la mañana personifica lo terrorífica que pudo haber sido esta película, pero "Believer" de todos modos prefiere malgastar ese momento con un breve tramo en el que los padres de las niñas luchan por encontrarle sentido a lo que les pasa a sus hijas. Odom hace un buen trabajo interpretando la confusión desgarradora; su rostro hace palpable el miedo de no poder comprender o proteger a su hija (ya sea que estén habitados por Satanás o simplemente atravesando la pubertad), y Green aprovecha ese miedo en la secuencia directa pero efectiva en la que Víctor se da cuenta de que el horror es proveniente del interior de la casa. 

Por desgracia, cualquier indicio de profundidad o textura se pierde más rápido una vez que todos están de acuerdo en que Angela y Katherine están poseídas, un diagnóstico que no deja mucho lugar para el escepticismo, pero sí escenas de diálogo llamativas sobre lo difícil que es para Víctor aceptar cosas fuera de su sistema de creencias, después de que las niñas empiezan a tener brotes y a oler mal, dos cosas que nunca les pasarían a niños de 13 años bajo ninguna otra circunstancia... aparentemente. No ayuda que el diablo sea presentado como poco más que un troll del nivel de Deadpool que piensa que es gracioso saber que está en una película de “El Exorcista”. Su movimiento característico es simplemente recordarle a la gente sus compromisos morales más inquietantes, como si no pensaran en ellos todos los días de sus vidas; como si Víctor se hubiera olvidado por completo de la vez que vio a su esposa muy embarazada morir aplastada en un terremoto hasta que un demonio tuvo el descaro de recordarlo por él.

Y entonces Víctor hace lo que aparentemente cualquier padre haría en esta situación: toca a la puerta de la veterana de “El Exorcista”, Ellen Burstyn, en su casa de la playa que ella aparentemente compró con su parte de esos $400 millones, y le pide consejo. La aparición de Burstyn es discreta e hilarante por la desconexión entre la temblorosa seriedad de la voz de la actriz y la energía de su personaje. Green intenta reconciliar esas vibraciones conflictivas alejando a Chris MacNeil de la hija que casi pierde en la película original (lo que se convierte en otra oportunidad más para avergonzar a Víctor por el pecado que cometió durante el prólogo), pero ni siquiera la fuerza combinada del Cielo y el Infierno sería lo suficientemente poderoso como para salvar a “Believer” de desinflarse por completo una vez que llegue al pasado. 

Todo lo que queda en ese punto es el exorcismo en sí, filmado con toda la tensión de un sermón del domingo por la mañana mientras se desarrolla un dilema moral que una vez más obliga a los padres de la película a tomar una decisión de vida o muerte sobre sus hijos, como si estuviera poniendo a prueba a Víctor para ver si ha aprendido a no intervenir en el plan de Dios. “Ten fe”, le dice Chris a él (y creo que a la audiencia también). Para cuando “The Exorcist: Believer” llega a su apropiada y mediocre escena final, se vuelve casi imposible argumentar que tener mala fe en las secuelas es mejor que simplemente dar una nueva oportunidad. Creo que ni en esta vuelta Green tendría la oportunidad de salvar su propio renombre y volver a su antiguo género.

Crítica Cinéfila: Glass Onion - A Knives Out Mystery

Cuando el multimillonario Miles Bron (Edward Norton) invita a algunos de sus allegados a una escapada a su isla griega privada, pronto queda claro que no todo es perfecto en el paraíso. Y cuando alguien aparece muerto, ¿quién mejor que Benoit Blanc para desentrañar todas las capas del misterio?

Es increíble que lo que comenzó como el pensamiento ocioso de continuar las aventuras del detective Benoit Blanc, el "detective más grande del mundo", haya resultado no solo en el inevitable marcador de posición de la franquicia, sino en una de las películas más emocionantes, divertidas y francamente agradables del año pasado. Con un elenco astuto, cuenta con uno de los guiones más brillantes del año, no solo en términos de diálogos entretenidos que hacen reír a carcajadas e indirectas satíricas sobre la cultura pop, sino también en la meta trama meticulosa de una novela policíaca tradicional que mantiene la mente calculando movimientos de principio a fin. Inusualmente para una presentación reciente de Netflix, apenas se desperdicia un minuto, complaciendo a su audiencia con cada momento y dando en el blanco con cada latido.

El director Rian Johnson fue bastante abierto sobre las influencias originales de Knives Out, y la premisa inmediata de esta secuela sugiere un homenaje al thriller criminal de 1973, "The Last of Sheila", la inverosímil y algo psicodélica creación de los guionistas Stephen Sondheim y Anthony Perkins. Glass Onion, sin embargo, simplemente se burla de esa referencia; después de zarpar, se convierte en su propia bestia, estableciendo un ritmo cinético frenético que nunca se detiene. Estos son los alienígenas de Knives Out-universe, una repetición exponencial de un gran concepto que ahora conoce a su personaje principal de adentro hacia afuera y está pensando en grande cuando se trata de encontrar un desafío cerebral que sea digno de él.

Aquí, el anfitrión es Miles Bron, el multimillonario dueño de la compañía Alpha, y los amigos que se reúnen para navegar a su isla son un grupo dispar. Está Claire Debella (Kathryn Hahn), una política que se postula como candidata independiente después de perder a sus seguidores demócratas; Lionel Toussaint (Leslie Odom Jr), un renombrado científico; Birdie Jay (Kate Hudson), una ex modelo con su propia línea de ropa; y Duke (Dave Bautista), un YouTuber de los derechos de los hombres, que llega con su novia Whiskey (Madelyn Cline). Mientras esperan en el muelle, todos se sorprenden cuando el detective de celebridades Blanc (Daniel Craig) muestra su rostro enmascarado, pero se sorprenden aún más al ver a Andi Brown (Janelle Monáe), la ex socia comercial de Bron, con quien no hay más que mala sangre después de un amargo caso judicial.

Habiendo enviado sofisticadas cajas de rompecabezas (diseñadas por un aprendiz de Ricky Jay, aparentemente), Bron saluda a sus invitados cuando llegan a la orilla. Las esculturas de Banksy los esperan en la arena, y Bron está rasgueando distraídamente "Blackbird" en la guitarra en la que afirma que McCartney la escribió. Cada 60 minutos escuchamos el "dong por hora", escrito especialmente para Bron por Philip Glass, y casi todo sobre su ridículo escondite se comercializa y mercantiliza: "Esta gente rica es rara", como comenta un personaje. Y es que el diseño de producción de esta película anivela esa riqueza que Bron parece tener, con unos espectaculares salones y unos exteriores que parecen haber salido de una revista de espacios paradisiacos.

Bron ha reunido a estas personas aparentemente aleatorias para un juego de misterio y asesinatos de fin de semana que los verá investigar su asesinato. Pero dado que todos los invitados tienen una buena razón para verlo muerto (todos son, como revela Andi, adictos a las "tetas doradas" de Bron), ¿se jugará el juego de verdad? El juego de adivinanzas comienza ahora, y los giros y vueltas que siguen hacen que Glass Onion sea casi imposible de revisar sin spoilers; pero, lo que es más importante, nunca se desvía demasiado por delante de su audiencia.

La clave de esto es un sentido del humor amplificado que permite que Blanc florezca de una manera que Knives Out anterior no habría permitido: ahora que el personaje está establecido, Craig se divierte muchísimo con él, llevando la caricatura sureña al límite y luego explotándolo en los primeros 40 minutos en un espectacular paso en falso. Siguiendo su ejemplo, todos los personajes pueden enviarse a sí mismos, entre ellos Birdie, ex estrella de portada de The Face y una twittera tan imprudente que su asistente tiene que esconder su teléfono. Duke, con sus calzoncillos cortos con pistolera, es una maravillosa y igualmente valiente pieza de autoburla, y un Norton alto en su carrera (¿dónde ha estado exactamente este fantástico actor todos estos años?), es solo el cherry en la punta del pastel.

Esto deja dos destacados: Craig, ahora libre de Bond, finalmente ha logrado la comedia, revelando profundidades previamente inexploradas (una escena en la que el inexpresivo Blanc se esconde detrás y entre las nalgas de una estatua de bronce es una mini-obra maestra de la comedia muda). Pero el premio de la segunda versión de Knives Out es para la simplemente fantástica Monáe, quien presenta una de las mejores y más intuitivamente perfectas actuaciones del 2022. El final explosivo puede ser un poco desordenado, pero Glass Onion no es solo un jugueteo contagiosamente alegre que distorsiona la pompa satisfecha y la estupidez literal de un mundo que se ha vuelto verdaderamente loco. Es igualmente un autoanálisis de cómo, otorgando un poquito de poder y riqueza, el ser humano no se sacia de este hasta autodestruirse.

Crítica Cinéfila: One Night in Miami

A raíz de la victoria de Cassius Clay frente a Sonny Liston en 1964, el boxeador se reúne con el líder activista Malcolm X, el cantante Sam Cooke y el deportista Jim Brown en la habitación de un motel. Allí intercambiarán opiniones sobre la segregación de la población negra en el sur del país.

Después de lograr varios años de créditos como directora de televisión, Regina King aborda su primer largometraje en One Night in Miami, como era de esperar, persuadiendo las actuaciones de sangre de sus carismáticos protagonistas. Si bien la película no enmascara por completo los orígenes teatrales de su núcleo de un solo escenario, esta es una hábil adaptación del drama de Kemp Powers de 2013 sobre una reunión en la habitación de un hotel de cuatro amigos famosos en la noche de 1964 justo después de que Cassius Clay se llevara el título mundial de boxeo. Entretenida e iluminadora, la producción de Amazon traza una línea entre un momento crucial en el movimiento de derechos civiles y el ajuste de cuentas raciales de Estados Unidos.

La mayor parte del drama aún se desarrolla, como sucedió en la obra, en una habitación del Hampton House Motel & Villas ocupada por Malcolm X (Kingsley Ben-Adir), donde se une después de la pelea el triunfante Clay (Eli Goree), el popular músico Sam Cooke (Leslie Odom Jr.) y el jugador estrella de la NFL Jim Brown (Aldis Hodge). Pero King y el escritor evitan que la conversación se vuelva estática tomando decisiones inteligentes, que van más allá de simplemente llevar la acción al techo del motel, por ejemplo. El guión de Powers abre hábilmente el material, comenzando con una escena reveladora de cada protagonista que sugiere dónde se encuentra cada uno de los hombres en su experiencia personal de la lucha negra.

Clay se presenta en una pelea sin título en 1963 contra Henry Cooper en Londres, donde su auto-adulación se muestra gloriosa. No obstante, tiene mucho que demostrar para cuando se enfrente a Sonny Liston (Aaron D. Alexander) al año siguiente en un enfrentamiento que pocos esperaban que ganara. En escenas en su hotel antes de la pelea con su entrenador (Michael Imperioli) y su esquinero (Lawrence Gillard Jr.), Cassius hace caso omiso de las advertencias que objetan que su dinero se canalice a causas de la Nación del Islam, el resultado de su estrecha asociación con el mentor político y espiritual Malcolm X.

Las primeras escenas con Malcolm muestran su desilusión con la Nación del Islam y la ética de su líder, Elijah Muhammad (Jerome Wilson), mientras Malcolm y su esposa Betty Shabazz (Joaquina Kalukango) planean su deserción del movimiento religioso incluso mientras él se prepara para marcar el comienzo para Cassius.

Cooke ha logrado un éxito cruzado con éxitos como "You Send Me". Pero un concierto humillante en Copacabana muestra los límites de aceptación de los artistas negros cuando a su banda se le prohíbe tocar en el escenario y el público blanco ni le hace caso durante su acto, incluso mientras él complace con la canción "Tammy". Sam, sin embargo, se niega a ser excluido de los lujosos establecimientos blancos, eligiendo quedarse con su esposa Barbara (Nicolette Robinson) en el lujoso Fontainebleau en Miami en lugar de reunirse con sus amigos en alojamientos más modestos para los negros.

Brown es visto por primera vez conduciendo su Cadillac para visitar la casa del Sr. Carlton (Beau Bridges) en su lugar de nacimiento en Georgia, la isla St. Simons. Después de un afectuoso saludo, efusivas felicitaciones por sus glorias futbolísticas, un hospitalario vaso de limonada en el porche y la garantía de que los lazos entre sus respectivas familias se remontan a mucho tiempo atrás, lo que significa que ningún favor es demasiado grande para pedir, Jim recibe un rudo despertar cuando el hombre blanco deja caer casualmente la palabra Nigger para recordarle que no es bienvenido dentro de la casa. La sonrisa cordial en el rostro de Bridges martilla la galleta a dos manos de tales actitudes.

Todo este trabajo preliminar transmite rápidamente la mentalidad conflictiva de cada uno de los hombres mientras se reúnen para lo que tres de ellos creen que será una noche de fiesta después de la victoria de Clay. Pero Malcolm tiene la intención de aprovechar la ocasión para dar la noticia de la aceptación del Islam por parte del boxeador, una transición que eventualmente lo vería cambiar su nombre a Muhammad Ali, mientras que también se apoya en Cooke y Brown para poner su fama detrás del movimiento.

Es discutible si estos cuatro tipos de personalidades contrastantes realmente pasaron la noche discutiendo sus puntos de vista sobre política y raza. Pero Powers presenta un caso convincente a favor de un debate orgánico en el que lo que está en juego es personal para cada uno de los participantes y los temas no menos relevantes hoy.

De los cuatro, Clay es el que más se arriesga, pero la actuación eufórica de Goree está flotando en una nube, tanto por su victoria como por las oportunidades futuras que sabe que le corresponden. Como el verdadero Ali, el inmenso encanto de Goree hace que la auto-adoración de este magnífico hombre sea completamente contagiosa, nunca desagradable, y las incertidumbres que surgen cuando Cassius comienza a revelar dudas sobre su conversión religiosa le dan una conmovedora vulnerabilidad al papel.

Brown no es menos imponente físicamente que Clay, pero es un hombre mucho más reflexivo, un pensador más maduro. Inicialmente, está descontento por la falta de mujeres y alcohol. Pero gradualmente se involucra en el diálogo de Malcolm, especialmente una vez que se afloja con unos tragos del frasco de licor que Sam guarda en su estuche de guitarra. Hodge, que mostró un dominio tan inquietante como el prisionero en Clemency, vuelve a comunicar profundidades simplemente con sus ojos y su fuerza enroscada. A pesar de hacer su parte invirtiendo dinero en negocios negros, Jim no es ajeno a las acusaciones de Malcolm de que deberían estar haciendo más por la causa. Habiendo filmado su primer papel en una película, considera a Hollywood como un camino para salir de la fecha de vencimiento de la carrera de la NFL, y argumenta que Sam es el más libre de ellos.

Es sobre Sam que Malcolm cae más duro. En su mejor papel desde que se abrió paso como Aaron Burr en el elenco original de Hamilton, el magnético Odom clava las cristalinas voces gospel-soul de Cooke, con sus suaves vuelos de dulce falsete. Pero también golpea el estómago de un hombre que ha encontrado una manera sin remordimientos de coexistir con prejuicios arraigados a través del talento, la determinación y el impulso emprendedor. Sam cree que la política es mala para los negocios, pero su revelación de que está trabajando en algo nuevo y más significativo florece en una de las escenas de recapitulación que nuevamente amplían el alcance de la obra, donde estrena el himno de los derechos civiles "Change is Gonna Come "en el programa de Carson (Odom también co-escribió e interpreta la hermosa canción original de créditos finales "Speak Now").

Haciendo vívidas impresiones en papeles secundarios, Lance Reddick y Christian Magby representan a la rigurosa línea dura y al joven acólito deslumbrado, respectivamente, como guardaespaldas de la hermandad musulmana de Malcolm. Y Jeremy Pope tiene un cameo extendido fabulosamente extravagante como Jackie Wilson en un flashback de un concierto en Boston donde abre para Sam.

Sin embargo, la actuación imponente que centra el trabajo del conjunto es el Malcolm silenciosamente apasionado y enfocado del actor británico Ben-Adir. Si bien no es reacio a hablar mal con sus amigos desde una elevada tribuna, nunca hay un momento en el que no estés convencido de que este es un hombre íntegro que está 100 por ciento detrás de sus palabras. Él cree que la situación es demasiado grave para que nadie se mantenga a salvo en la valla mientras expresa un sentimiento urgente que conectará demasiado dolorosamente con muchos afroamericanos de hoy. 

Las miradas de aprensión que Malcolm lanza a los hombres blancos sospechosos que acechan en el estacionamiento del hotel, así como una breve escena que luego muestra la casa de su familia siendo bombardeada, sugieren un pavor fatalista que se ha convertido en su compañero constante. Esa conciencia resuena con fuerza dado el conocimiento de que sería asesinado solo un año después.

Uno podría señalar que el diseño de la producción de época es demasiado elegante y poco habitado; cuando Sam dice de la habitación del hotel Hampton es un maldito basurero, su desdén se ve levemente socavado por el hecho de que casi podría pasar por un diseño moderno de mediados de siglo. Pero este es un esfuerzo de aspecto elegante, con una cinematografía de pantalla ancha de Tami Reiker y una edición contundente de Tariq Anwar que ayuda a mantener el interés visual. King también hace un uso juicioso de la fresca y llamativa partitura para piano de Terence Blanchard.

Hasta cierto punto, One Night in Miami sigue siendo un teatro filmado de alta calidad. Pero la convicción y el sentimiento conmovedor que le aportan elevan el material, convirtiéndolo en un debut prometedor. Espero que King, una de las actrices de pantalla más consistentemente excelentes, continúe extendiendo sus alas en esta dirección.