Guión de Cinéfila: "Show me, don't tell me"

De los productores de "escribe lo que sabes" y "escribir es reescribir", ya viene "mostrar, no contar".

Ese es uno de los adagios de escritura más conocidos y citados. También por una buena razón. Este es especialmente importante para los guionistas cuyo trabajo se completa primero en la página pero, en última instancia, se pretende que se vea en una pantalla. Pero, ¿qué significa realmente "muéstrame, no me digas"? 

En pocas palabras, significa que debes mostrar la información, la emoción y el subtexto de su audiencia en las acciones de los personajes en lugar de contárselo a través de una exposición de diálogo; resulta demasiado fácil decirlo que hacerlo. 

Diálogo expositivo
Le ha pasado a todo el mundo. Has estado completamente absorto en lo que sea que estés viendo cuando uno de los personajes dice algo tan descaradamente expositivo sobre algo que acabamos de ver o que vendrá proximamente, tan obviamente escrito, que inmediatamente arruina la magia de la escena. 

Sabes las líneas de las que estoy hablando. Piense en la escena en  Inception  donde Cobb (Leonardo DiCaprio) le explica cómo construir sueños a Ariadne (Elliot Page); ese es un vertedero de exposición verbal.

El problema con los diálogos expositivos como este es que en lugar de  mostrar  el sentimiento o la información en una escena, un personaje se lo dice a la audiencia para que la historia avance más rápido. Es el equivalente cinematográfico del mansplaining. 

Mostrar a través de la acción
La mayoría de las veces, "muéstrame, no me digas" se aplica a la acción. El cine es un medio visual, después de todo; se trata de lo que está en la pantalla. 

Los guiones se componen de dos elementos principales: párrafos de acción y diálogo de personajes. Así que... ¡utilice esos párrafos de acción! En lugar de que un personaje explique algo por el bien de la audiencia, muéstralo mediante la acción. El público preferiría deducir que un personaje odia a su jefe al verla escupir en su café. 

En cualquier historia, el escritor tiene una cantidad infinita de información para transmitir a la audiencia: historias de fondo, personalidades, situaciones de la vida y detalles relevantes para la trama. Y mucha de esa información se puede revelar a través de pequeños detalles visuales en lugar de diálogos o acciones. 

Piensa en Juno MacGuff, interpretada por Elliot Page. ¿Nos enteramos de que era peculiar, ruda e ingeniosa a través de otros personajes que decían: "¡Wow Juno! Eres tan peculiar, rudo e ingenioso"? No. Aprendemos esto a través del diálogo y la acción, claro, pero quizás el método más genial que usó el director Jason Reitman fue el diseño del escenario de la habitación de Juno, como las paredes, las chucherías que se comía y ese teléfono de hamburguesa.

Piense en lo que alguien podría descifrar sobre sulapersonalidad y experiencia de vida de su personajes con tan solo mirar su apartamento o su oficina. Hay un inmenso poder en los pequeños detalles, especialmente cuando se trata de mostrarte y no contarte. 

Ponlo en practica
¿Se pregunta cómo probar su guión para "muéstrame, no me digas"? 

Bueno, ni siquiera se preocupe por mostrar y no contar en su primer borrador. Todos escribimos esas repugnantes líneas expositivas cuando solo estamos tratando de sacar la historia a la página. Es una necesidad para escribir guiones. 

Pero cuando llegues a la etapa de revisión, haz dos pasadas a través de tu guión con mostrar y no contar en mente. 

Primero mire cada línea de diálogo y pregúntese: "¿Esto dice lo obvio? ¿Estoy comunicando algo que se presentaría mejor de otra manera?" Luego, repasa cada escena para ver si tus personajes transmiten la emoción, la información y el subtexto de tu historia a través de sus acciones. 

Tu guión y tu audiencia te lo agradecerán.

Crónicas de California: ¿Qué no hacer cuando eres productor?

Si hace 6 años me hubiesen dicho que la mayoría de mis créditos serían como productora, nunca se lo hubiese creído a nadie. Aunque es una posición que trae muchos méritos y que le da mucho control a quién lo maneja, es a la vez la posición que muchos odian, no solo por las funciones, sino por la persona en que te conviertes.

Los deseos de muerte que muchas personas dentro de un rodaje sienten hacia el productor se deben a muchas razones; la principal es que, por ser una posición que requiere tanta atención y cuidado, su trato hacia otros termina siendo... indeseable. Y no es mentira que nos pasa a todos: a ley de días de rodaje, y tantas personas dependiendo de ti, lo importante no es ser amigable, sino que todo quede como ha sido planeado. Sin embargo, hay una gran diferencia entre perfeccionista diablito andante. Por eso, en base a mis experiencias y lo que he notado de los productores en Hollywood para los que he trabajado, he aquí 5 lecciones de qué no hacer cuando eres productor.

1. No delegar. Mientras producía el teaser de Exorcism 101, habían pasos que me los sabía tan de memoria o los había hecho tantas veces en otras ocasiones, que cuando lo hacía, mi propio equipo me decía: "pero... eso le corresponde a fulanito". Y era verdad, me molestaba delegarle algo a alguien porque entendía que yo lo podía hacer mejor o porque no se lo quería confiar a nadie. Entiende que el productor toma el rumbo del asunto, pero al final del día ningún bote anda en solitario. Además, si le estás pagando a un equipo, usa de él.

2. Abusar del rol. Ahora viene la contraparte de lo anterior. Uno de mis antiguos jefes trabajaba como encargado de producción del proyecto para una serie web. Trabajamos tantas horas de corrido juntos que llegó a un punto en que me contrató como su asistente porque le gustaba cómo manejaba la agenda y la lista de trabajos. Sin embargo, comenzó a incluir tareas que no correspondían, como limpiar el reguero de su oficina o devolver paquetes personales a tiendas; me sentía como la chacha. Recuerda que tus "empleados" tienen cargos específicos, e independientemente que sean tus asistentes, tienes que recordar que no son tus chachas(os).

3. Creerse el centro del universo. Hace un año me contrataron como asistente de producción para una productora mayor de 70 años. La mujer casi nunca me hablaba de trabajo, siempre quería hablar de su vida personal, cosas que quería que le ayudara a hacer o, peor, adivinar lo siguiente que iba a pensar para así hacer lo que ella quería tal y cómo lo quería. Como productora, puedes requerir ciertas necesidades de parte de tu equipo, pero aunque eres Dios en la producción, no lo eres en la vida real. Respeta a tus empleados y trátalos con dignidad, recuerda que ellos también son humanos y que aunque estén trabajando para ti, no quiere decir que son psíquicos y que sabrán lo que estás pensando.

4. Pensar que eres el único que sabe o que tiene buenas ideas. Este es un error constante de una persona muy cercana a mi (y seguro si lo lee, me escribirá): aunque eres la cabeza de la producción, ya por eso no te convertiste en la única persona que procesa y ejecuta dentro de una producción. Esa persona de la que hablo hasta le molesta cuando otros dan sugerencias. Entiendo perfectamente que cuando la agenda va apretada, es difícil aventurarse a ideas de todos, sin embargo (y lo repito como una guagua de frutas andante), una producción se hace con un equipo de personas, y a la hora de resolver problemas, a veces es bueno tener varias ideas de cómo hacerlo.

5. Tratar todas las producciones de la misma manera. Mi jefe actual tiene 40 años trabajando para la industria de cine. Ha estado en más de 25 producciones, incluyendo Total Recall, Pulp Fiction y Speed. Sin embargo, constantemente me dice de resolver situaciones de producción de maneras que ya no son efectivas, y se molesta cuando le explico que eso no aplica para el formato en que trabajamos ahora, pues dice que "a estas alturas, él no está para estar aprendiendo cosas nuevas dentro de producciones que ya ha hecho anteriormente". Les informo que el cine es un arte y cambia dependiendo de lo que vayas a hacer; cada producción tiene una estructura diferente. No quieras aplicar lo mismo que hizo el ganador al Oscar con sus películas, porque esa fórmula no le va a funcionar ni siquiera a él en todas sus historias. Aprende a comenzar de cero en cada etapa.

Finalmente, recuerda que nadie trabaja para ti día completo a menos que pagues ese precio. Nadie es tu esclavo ni mucho menos están supuestos a cumplir tus "necesidades personales". Me molesta cuando escucho productores discutiendo sin ninguna razón o riéndose de su equipo poor decisiones que tomen durante el rodaje. Recuerda que, así como tú no recomiendas a personal que no hizo su trabajo, así el personal habla de ti cuando otros aplican a trabajar contigo.

No te quieras convertir en el indeseable de gratis: no vale la pena. Ni aunque te ganes con eso 25 créditos en producción. 

Ganadores de la 75va entrega de los Golden Globes Awards

La 75va entrega de los Golden Globe fue una buena demostración de lo bien que le fue a la industria del cine en el 2017. Sin embargo, les confieso que me sorprendieron muchos de los galardonados. Quizás porque fue una competencia bastante intensa, o quizás porque tenía mis favoritos y otros les ganaron. Pero eso no deja de significar que todas las nominadas se merecían el galardón. 

Aquí están los galardonados en las distintas categorías:

Aquí los nominados en las distintas categorías


CINE

Mejor película dramática
Three Billboards Outside Ebbing, Missouri

Mejor película comedia o musical
Lady Bird

Mejor director
Guillermo del Toro, The Shape of Water

Mejor actriz en película dramática
Frances McDormand, Three Billboards Outside Ebbing, Missouri

Mejor actriz en comedia o musical
Saoirse Ronan, Lady Bird

Mejor actriz secundaria
Allison Janney, I, Tonya

Mejor actor en película dramática
Gary Oldman, Darkest Hour

Mejor actor en comedia o musical
James Franco, The Disaster Artist

Mejor actor secundario
Sam Rockwell, Three Billboards Outside Ebbing, Missouri

Mejor Banda sonora
The Shape of Water

Mejor canción original
The Greatest Showman – ‘This Is Me’

Mejor guion
Three Billboards Outside Ebbing, Missouri

Mejor película extranjera
In the Fade

Mejor película animada
Coco

TELEVISIÓN

Mejor serie dramática de televisión
The Handmaid's Tale

Mejor serie de televisión en comedia
The Marvelous Mrs Maisel

Mejor miniserie o película para televisión
Big Little Lies

Mejor actriz en televisión dramática
Elisabeth Moss, The Handmaid's Tale

Mejor actriz de televisión en comedia o musical
Rachel Brosnahan, The Marvelous Mrs Maisel

Mejor actriz en miniserie o película de televisión
Nicole Kidman, Big Little Lies

Mejor actriz secundaria en serie de TV, Serie Limitada o Película para TV
Laura Dern, Big Little Lies

Mejor actor en televisión dramática
Sterling K Brown, This Is Us

Mejor actor de televisión en comedia o musical
Aziz Ansari, Master of None

Mejor actor en una miniserie o película de televisión
Ewan McGregor, Fargo

Mejor actor secundario en serie de TV, Serie Limitada o Película para TV
Alexander Skarsgaard, Big Little Lies

Premio Cecil B. DeMille
Oprah Winfrey

Nominados a los Screen Actors Guild Awards 2018

Fuente: Revista E!

¿Sienten cómo se acerca una nueva temporada de alfombras rojas?

Este miércoles, Gabrielle Carteris, Presidenta de los SAG-AFTRA presentó a Olivia Munn y a Niecy Nash en el Pacific Design Center de West Hollywood, donde las actrices anunciaron a los nominados para los SAG Awards 2018. La ceremonia Nº24 de los Annual Screen Actors Guild Awards, presentada por Kristen Bell, se realizará el domingo 21 de enero de 2018.

Históricamente, los SAG Awards hacen la mejor predicción de los nominados a los Oscars.

Aquí están los nominados:

Mejor Actuación Masculina en una Película de TV o Serie Limitada
Alexander Skarsgård, Big Little Lies
Robert De Niro, Wizard of Lies
Geoffrey Rush, Genius
Jeff Daniels, Godless
Benedict Cumberbatch, Sherlock

Mejor Actuación Femenina en una Película de TV o Serie Limitada

Nicole Kidman, Big Little Lies
Laura Dern, Big Little Lies
Reese Witherspoon, Big Little Lies
Susan Sarandon, Feud: Bette and Joan
Jessica Lange, Feud: Bette and Joan

Mejor Actuación Masculina en una Serie de Comedia
Anthony Anderson, black-ish
Aziz Ansari, Master of None
Larry David, Curb Your Enthusiasm
Sean Hayes, Will & Grace
William H. Macy, Shameless
Marc Maron, GLOW

Mejor Actuación Femenina en una Serie de Comedia
Uzo Aduba, Orange Is the New Black
Alison Brie, GLOW
Jane Fonda, Julia Louis-Dreyfus, Veep
Lily Tomlin, Grace and Frankie

Mejor Actuación de un Elenco en una Serie de Comedia
Black-ish
Curb Your Enthusiasm
GLOW
Orange Is the New Black
Veep

Mejor Actuación Masculina en una Serie de Drama
Jason Bateman, Ozark
Sterling K. Brown, This Is Us
Peter Dinklage, Game of Thrones
David Harbour, Stranger Things
Bob Odenkirk, Better Call Saul

Mejor Actuación Femenina en una Serie Femenina
Millie Bobby Brown, Stranger Things
Claire Foy, The Crown
Laura Linney, Ozark
Elisabeth Moss, The Handmaid's Tale
Robin Wright, House of Cards

Mejor Actuación de un Elenco en una Serie de Drama
The Crown
Game of Thrones
The Handmaid's Tale
Stranger Things
This Is Us

Mejor Equipo de Dobles para Serie Dramatica o de Comedia
Game of Thrones
Glow
Homeland
Stranger Things
The Walking Dead

Mejor Actuación Femenina en un Rol de Reparto en una Película
Mary J. Blige, Mudbound
Hong Chau, Downsizing
Holly Hunter, The Big Sick
Allison Janney, I, Tonya
Laurie Metcalf, Lady Bird

Mejor Actuación Masculina en un Rol de Reparto en una Película
Steve Carell, Battle of the Sexes
Willem Dafoe, The Florida Project
Woody Harrelson, Three Billboards Outside Ebbing, Missouri
Richard Jenkins, The Shape of Water
Sam Rockwell, Three Billboards Outside Ebbing, Missouri

Mejor Actuación Femenina en un Rol Principal de una Película
Judi Dench, Victoria & Abdul
Sally Hawkins, The Shape of Water
Frances McDormand, Three Billboards Outside Ebbing, Missouri
Margot Robbie, I, Tonya
Saiorse Ronan, Lady Bird

Mejor Actuación Masculina en un Rol Principal de una Película
Timothée Chalamet, Call Me by Your Name
James Franco, The Disaster Artist
Daniel Kaluuya, Get Out
Gary Oldman, Darkest Hour
Denzel Washington, Roman J. Israel, Esq.

Mejor Actuación como Elenco en una Película
The Big Sick
Get Out
Lady Bird
Mudbound
Three Billboards Outside Ebbing, Missouri

Mejor Equipo de dobles para largometraje
Baby Driver
Dunkirk
Logan
War for the Planet of the Apes
Wonder Woman

Bell hará historia cuando dirija este show en Enero. "Estoy honrada de ser parte de los SAG Awards, y estoy un poco nerviosa por ser una presentadora primeriza. Me complace que estaré en compañía de mis compañeros actores, con muchos con los que he trabajado antes, así que sé que serán cálidos y me apoyarán", le dijo la actriz a E! News este lunes. "Será una noche maravillosa".

Los SAG-AFTA representan a más de 160.000 profesionales en la industria del entretenimiento.

Everything everything: 7 diferencias entre el libro y la película

Madeline es una joven con grandes deseos de conocer el mundo: su único impedimento es una enfermedad llamada SCID que la ata a estar encerrada en su casa, bajo la protección de su madre y una enfermera. Todo cambia cuando conoce a Olly y sus deseos por salir aumentan.

Cada año, la industria del cine decide llevar novelas románticas populares a la pantalla grande, con las expectativas de atraer al público joven a las salas. Pero lo más impresionante de este dato es que todos los años, una novela romántica tiene el mismo patrón: un personaje enfermo se enamora de otro (que puede estar enfermo o no) y decide romper con la conducta que ya había establecido por su salud, para lograr la pizca de felicidad que le hacía falta a su vida. 

En este 2017, le tocó a Everything Everything, una novela de Nicola Yoon, que se centra en la vida de Maddy, quien debido a su enfermedad no conoce el mundo exterior, y parece no querer conocerlo hasta que Olly se muda en la casa de al lado. El amor a primera vista que nace entre ambos la motiva a querer salir, conocer el mundo y estar junto a él.

Como siempre sucede, la adaptación se maneja a un ritmo y un estilo distinto al que plantea el libro. Pero en esta ocasión, las diferencias no solo están en la historia: aunque mantiene el mismo hilo secuencial de la trama original, hay varios aspectos que no terminarán de convencer a la audiencia, si leyó el libro.

Vienen spoilers en 3, 2, 1...

Maddy

Maddy toma clases virtuales de arquitectura, que son supervisadas por un tutor; pero, nunca lo vimos en la película. A parte, según el libro, Maddy no tiene contacto con más nadie, a parte de su madre, su enfermera y su tutor; mientras que en la película, ella está en un grupo de apoyo con personas que tienen la misma enfermedad e incluso es "super amiga" de la hija de su enfermera.

Olly

Nuestro Olly, que vive haciendo volteretas y handstands, es una persona mucho más tranquila en la película. Incluso, las peleas que tiene con su padre (planteadas en el libro), solo ocurren una vez, que es cuando Maddy sale al exterior por primera vez. También, la película nunca presenta el escondite en el techo de Olly que el libro cuenta.

La química entre Maddy y Olly

Mientras que la relación entre Maddy y Olly era auténtica y natural en el libro, la película presenta dos protagonistas con una química nula, que en ocasiones parecían forzadas y sincronizadas con los diálogos más emblemáticos que nos dieron en el libro. Por otro lado, mientras que en el libro se comunicaban a través de un chat parecido a Messenger, en la película se comunican por mensajes de texto a través de los celulares, que eran complementados con la imaginación de Maddy, pues los llevaba a la realidad como si estuviesen uno frente al otro en algunas de sus maquetas. A pesar de que no había tanta química, en la película interactuaban y se encontraban más.

El viaje a Hawaii

Como todo "libro llevado a la película que no toma todas las escenas más importantes", la adaptación cortó momentos del viaje a Hawaii que el libro cuenta, como el reencuentro de Carla y Maddy que sucedía minutos antes de tomar el avión, o el amigo con quien Olly se encuentra en Hawaii. Al parecer la escapada era más corta de lo que el libro planteaba.

La escena de sexo

Según el libro, Maddy parece que estaba preparada para este momento, pues hasta una caja de condones tenía; muy distinto a la película, donde no tienen diálogos, y todo transcurre rápido sin entrar en detalles y sin condones.

Como Maddy se entera de que no tiene SCID (y nunca lo ha tenido)

Uno de los puntos de giro más inesperados de la película es el hecho de que Maddy nunca había estado enferma y que su madre se lo hizo creer porque seguía sufriendo la muerte de su esposo y otro hijo, de modo que (para "proteger a su única hija") le hizo creer que estaba enferma. El libro explica que Maddy recibió un correo electrónico de la doctora que la había atendido en Hawaii, con unos resultados de análisis donde no se veía la existencia de su enfermedad; al enseñárselo a su mamá, ella dijo que la doctora se equivocaba, y todo quedó ahí hasta unos días después que Maddy decidió entrar a la oficina de su mamá y buscar su expediente. No obstante, la película lo plantea todo mucho más rápido: Maddy recibió una llamada de esta doctora y de inmediato fue a la oficina de su mamá, descubriendo que nunca ha sido diagnosticada con SCID. 

El reencuentro de Maddy y Olly

A todos los que leyeron el libro seguro les dolió la separación forzosa de los protagonistas, por voluntad propia de Maddy, quien después de la experiencia en Hawaii sacó su propia conclusión de que no debían estar juntos y dejó de responder los mensajes de Olly. Su reencuentro sucedió semanas después de ella enterarse que no tenía SCID, en una librería de New York. El libro lo simplifica con que Maddy se escondió entre los estantes, en espera de la llegada de Olly y dejó su libro de The Little Prince con una nota; Olly lo encuentra y termina diciendo: "encontré tu libro". Mientras que en la película, Olly ya estaba en la librería cuando Maddy llegó, y el reencuentro fue mucho más intenso (y romántico). Creo que el final de la película es mucho mejor.

Mientras que el libro estaba diseñado con dibujos supuestamente realizados por Maddy, la película parecía un video musical, principalmente por los movimientos de cámara y la constante música que tenían todas las escenas. 

Puntos a favor del libro

-Estaba ilustrado de una manera divertida

-La interacción de Olly y Maddy es más pura

-El blog de Maddy siempre fue parte de la historia

Puntos a favor de la película

-La musicalización es totalmente adecuada con lo que iba ocurriendo a lo largo de la historia

-Llevar las maquetas de Maddy a gran escala fue una buena idea

-El final

Swiss Army Man

Tras una larga temporada aislado en una isla desierta, Hank encuentra compañía en el flatulento cadáver de un joven que el agua ha traído hasta la orilla. Poco a poco, el náufrago y el cadáver desarrollan una hermosa amistad. (FILMAFFINITY)

Esta es la historia más extraña y divertida que he visto en este año.

La trama inicia con Hank (interpretado por Paul Dano), un joven que intenta suicidarse hasta que encuentra el cuerpo de un hombre (interpretado por Daniel Radcliffe). A los pocos minutos, el cadáver se convierte en la salvación de Hank, gracias a los "poderes post mortem" de sus pedos, el agua acumulada en el interior de su cuerpo y una fuerza increíble capaz de romper cualquier cosa que se interponga, aspectos que logran reanimarlo, hacerlo hablar e incluso moverse.

Lo sé. Suena fantasioso, pero a medida que avanza, deja de ser absurda y se convierte en una entretenida historia sobre la amistad incondicional, con un increíble pero muy adecuado mensaje de como la globalización y digitalización del mundo actual le han restado tanta importancia a los detalles de la humanidad, como los sentimientos, los estados de ánimos o el simple hecho de que todos nos tiramos pedos.

La química entre Daniel Radcliffe y Paul Dano entonó a la perfección tanto en el guión como en el hilo de la historia.

En cuanto a la parte técnica, me llamó la atención el interesante montaje, bien acorde con la narrativa de la trama, más el complemento perfecto de una musicalización acapella muy original, tanto que si las comparo con las bandas sonoras que estuvieron nominadas en esta pasada temporada de premios, creo que debió ser igualmente considerada.

Mientras se reproducía esta película en los Sundance 2016, la mitad de su audiencia no aguantó y salió de la sala; este hecho es una demostración de que no todas las películas son para todo público. Pero, del mismo modo, no todos los públicos respetan las buenas ideas que son plasmadas en películas.

Aunque no les haya gustado su humor exagerado y sexualizado, ganó mejor dirección y muy bien merecido el premio. Esta historia es genial, interesante, enferma, independiente y MUY distinta a todas las ideas que el cine actual nos quiere contar.

Lion

Saroo Brierley es un niño que con tan sólo cinco años se perdió en las calles de Calcuta, a miles de kilómetros de casa. Tras un largo viaje acabó siendo adoptado por una pareja australiana. Veinticinco años después, con la única ayuda de Google Earth, Saroo intentará encontrar a su familia biológica. (FILMAFFINITY)

Garth Davis fue muy inteligente al realizar esta película. De manera ingeniosa, se propuso a tocar los sentimientos de su audiencia con un solo elemento: el niño Saroo, interpretado por Sunny Pawar, quien en esta trama representa el 50% de su esencia narrativa. Y lo logró muy bien (aún no puedo ver el rostro de ese niño sin tener ganas de llorar). A través de su inocencia y melancolía, le muestra al espectador la cruda realidad de la situación en India; los niños abandonados a su suerte, la pedofilia en cada rincón, la pobreza inacabable y las tradiciones más antiguas que un pueblo mantiene a pesar de las precariedades son algunos de los aspectos que este pequeño nos cuenta sin siquiera decir una palabra. Como su primer papel en una película, debo reconocer que tiene mucho talento y que si le saca provecho como su compañero de reparto, Dev Patel (que comenzó a una edad similar), llegará aún más lejos.

Por otro lado, está el resto del elenco que, sin duda, complementa a la perfección esta historia; al igual que el equipo de producción (específicamente maquillaje y vestuario), que se encargaron de llevar a detalle la reencarnación de los personajes de la vida real que cada uno representa.

No es que la película sea perfecta: tiene sus momentos débiles, pero cada uno de ellos son fundamentales para entender en su totalidad la trama. Al ser una historia basada en hechos reales, sabemos el final (otra "desventaja" para esta historia), pero eso no le quita la atmósfera de sentimientos que nos provocará en cada momento, cuando la musicalización y la fotografía produzcan una sinfonía tan perfecta que les pondrá la piel de gallina, ya sea por sus tomas a detalle o incluso por ese momento tan esperado que desde el principio de la historia anhelamos ver.

En memoria de Guddu, hermano mayor de Saroo, quien murió arrollado por un tren mientras lo buscaba, un día después de que su hermano se extraviara.

Fences

En los años 50, un padre afroamericano lucha contra los prejuicios raciales mientras trata de sacar adelante a su familia en una serie de eventos fundamentales en su vida para él y para los suyos. Denzel Washington lleva al cine una obra de teatro que ya interpretó en Broadway. (FILMAFFINITY)

Una vez más (y sin desperdicios), la época de los 50 vuelve a ser protagonista de una historia sobre frustraciones de la comunidad afroamericana... aunque las diferencias raciales no es el principal conflicto de esta historia.

El nombre Fences es una metáfora de la protección que un padre siempre quiere y debe darle a su familia, ligando las creencias religiosas y los pensamientos sociales, y dando a entender que "mientras el diablo ande suelto" (y traiga todos sus problemas), la cerca o fence será lo único que lo mantendrá del otro lado.

En esta trama, Denzel Washington es Troy Maxson, un señor frustrado, con acomplejidades debido a metas sin cumplir y un antecedente muy violento, lo cual lo llevarán a cometer grandes errores que afectarán su futuro con su esposa y sus hijos. Otro reto bien logrado por este actor, que de manera interesante envuelve a su espectador y lo convence de las locuras y anécdotas de su personaje. Con su lenguaje no verbal, sus musarañas y manoteo, Denzel nos enseña el gran sufrimiento del protagonista y cómo toma sus decisiones, aún si estas afectan a quienes lo rodean.

Viola Davis es otra actriz que no se queda atrás. Quizás su personaje tiene un parecido a otros que ya ha interpretado, como en Doubt y The Help, pero este es más protagónico y más inquietante. Su capacidad actoral impecable y los sentimientos que le agrega a cada escena y cada momento nos recuerdan por qué debemos adorarla.

Otro gran fuerte de esta historia son los diálogos, que (para buena o mala suerte del espectador) son extensos y son los que darán sentido a toda la trama. Aquí no hay musicalización ni flashbacks; son los diálogos los que se encargarán de contar toda la historia, narrando el pasado y presente de nuestros personajes, su sentir y sus inquietudes, los que se encargarán de robar la atención de la audiencia por unos largos ratos. Sí, parecerá una obra de teatro por su longitud, pero es en realidad la esencia de toda la película.

Denzel Washington tiene una trayectoria artística que lo convierte en uno de los grandes de su generación, y no me refiero solamente a su carrera como actor. Tuvo su momento de gloria como cineasta con "Antwone Fisher" y "The Great Debaters", y Fences entra en la lista como la tercera dirigida y actuada por él mismo. Quizás pocas personas reconozcan el trabajazo que logró para esta pieza, pero el estilo en que está contado, su diseño de producción más el elenco completo de toda la película la convertirán en otro logro más que se agrega a su filmografía.

Sing Street

Esta película les hará querer bailar, besar a alguien y volver a la época de la adolescencia para repetir algunas locuras o vivir verdaderas experiencias.

Dublín, años 80. En plena recesión económica, Connor (Ferdia Walsh-Peelo) es un adolescente que debe abandonar la comodidad de la escuela privada en la que estudiaba, viéndose obligado a sobrevivir en la escuela pública del centro de la ciudad, donde el clima es mucho más tenso.​ Al conocer a la misteriosa Raphina (Lucy Boynton), encontrará un rayo de esperanza y, con el objetivo de conquistarla, invita a la joven a ser la estrella en los videoclips de la banda que quiere formar. Juntos se sumergen en las vibrantes tendencias de la música rock de los años 80 y Connor, que ahora decide llamarse Cosmo, se entrega a componer canciones y a grabar videoclips para su recién formada banda como una forma de lucha.​

Les advierto: si el trailer o el plot les hicieron creer que verán una película sobre un grupo de chicos que deciden formar una banda porque el cantante quiere enamorar a una chica, han sido engañados. La historia es mucho más que eso: es sobre la amistad, el amor, la familia, el bullying y los bulliers, los pocos escapes que cada quien tiene de su realidad particular. Trata sobre la vida en sí, lo dura que puede ser y como aprender a no darle mente a las tensiones. Trata sobre encontrar una vocación y un sueño, aun cuando nadie cree en tus capacidades, y siempre hacerlo lo mejor posible, arriesgándolo todo.

La mezcla de la música, la fotografía con esa tonalidad vieja, las líneas tan espontáneas de los personajes y, por supuesto, las letras de las canciones, hacen de Sing Street una película muy entretenida, tocando las teclas adecuadas para complacer su audiencia y llevarlas a un final que nadie espera.

Se enamorarán de Connor, se embriagarán con la lírica y viajarán a un universo donde Sing Street sí existe por 1 hora y 45 minutos.

>>Busquen el playlist de la película en Spotify<<

Fifty Shades Darker (Trailer Completo)

Aun con las controversias que tuvo la primera película (que le trajo desilusión a la mayoría de los espectadores), este trailer muchos de los fanáticos del libro lo esperábamos por minuto...

Olvídense de la soga y agarren una máscara.

The Shallows

Debo comenzar diciendo que, después de esta película, no volveré a la playa por un largo tiempo. 

A diferencia de otros plots sobre películas de "tiburones atacando humanos", The Shallows logra salir más que a flote, no solo por el hecho de romper con los clichés de este tipo de películas, sino también por el espectacular y poderoso personaje protagonista y por el realismo ante la situación de haber sido atacado por un tiburón.

ATENCION: Pasarán un rato difícil agarrándose del asiento, ocultándose bajo su abrigo o improvisando que tienen un nuevo mensaje en el celular. Lo sé. Pasé por eso.

Lo  que comenzaba como un día de surf para Nancy (interpretada por Blake Lively) en una playa solitaria terminó con dos días en vela encima de un islote cuando un enorme tiburón blanco la ataca. 

Debemos reconocer que Nancy cayó en el gancho... ¡¿A quién se le ocurre ir a una playa sola?! Por supuesto, los personajes de películas de terror/víctimas de los antagonistas les fascina exponerse a situaciones como estas y nunca se imaginan que son parte del entretenimiento de terror.

Sin embargo, este "terror" es distinto. No se basa únicamente en los ataques del tiburón o del tamaño que este tiene (que es bastante impresionante y aterrador), sino de cómo esta mujer puede ser suficiente para este depredador y las circunstancias de su vida que la ponen en este lugar, como la depresión y el luto que Nancy enfrenta por la muerte de su madre (se supone que esta playa era su escape de su realidad y un acercamiento espiritual con su madre). También se trata de buscar las alternativas de supervivencia, de explorar los efectos físicos de esa mordida, que no es para nada superficial, y el empoderamiento de la protagonista para salir adelante, aun cuando todo parecía perdido.

Dirán que siempre repito esto, pero la fotografía estuvo increíble. La manera en que retrataban el sufrimiento de Nancy, la belleza marina y la generalidad de la belleza tropical mexicana, hizo que en más de un momento se me olvidara que era una película de terror lo que estaba viendo. 

Y por supuesto, estaba Nancy. Lo que parecía un reto para este personaje, significó una interpretación espectacular de parte de Blake Lively. Creo que es la primera vez que la veo fuera de su zona de confort, demostrando de una manera bastante dramática, la fuerza interna e inteligencia de su personaje. Además, demuestra que se puede conseguir una historia bien contada sin muchos diálogos de por medio; pero claro, ¿con quién iba a hablar ella a parte de Steven Seagull?

En resumen, la película entretiene bastante y te deja con ese sabor salado del agua de playa que quizás, igual que yo, no querrás sentirlo por un largo tiempo.

11 verdades que todo fanático del terror entenderá

Si te identificas, eres un auténtico fanático de este género popular.

Ver trailer de terror a mitad de la noche es parte de tu rutina

Hay mayor emoción viéndolos a horas de la madrugada, principalmente a las 3 de la mañana.

Indecisión de donde ver una película de terror

Decidir si verla en el cine o verla por internet puede ser más complicado de lo que parece. Si es el cine, da demasiado miedo; si es la casa, da risa.

Intranquilidad acostumbrada post-película

Eres todo un fanático y toleras cada escena, pero todo lo que viste en 90 minutos se convierten en una noche tormentosa mirando a las esquinas de las paredes, encendiendo las luces y escuchando cada sonido a tu alrededor.

Te enteras de las películas de terror desde mucho antes de la promoción

Estás suscrito a cuentas relacionadas al cine de terror que te mantienen actualizado con lo más nuevo y lo que viene de este género.

Cuando ves tu reflejo en algún objeto, te fijas que hay detrás

Ya estás acostumbrado a siempre ver los personajes muriendo porque nunca se fijaban en quien iba detrás de ellos. Así que cada vez que ves tu reflejo en algún lugar, observas si hay alguien detrás de ti.

Las cabañas en medio de la nada no te motivan

Ir a una cabaña está en la lista de cosas por evitar a toda costa, o ¿no has aprendido lo suficiente con tantas películas?

Tienes más sueños de terror que normales

Los sueños con zombies, lobos, asesinos seriales o monstruos no son pesadillas para ti, sino sueños regulares. Lo anormal sería soñar con "cosas bonitas".

Pocos estrenos te sorprenden

Ya te sabes tantos clichés de las películas de terror, que algunas escenas te las sabes aun sin haberlas visto.

Las noticias sangrientas o violentas no te afectan como a los demás

Al contrario, las buscas cuando lees un periódico o ves las noticias.

Conoces más películas de terror que de otro género

Desde las adaptaciones de Stephen King, todas las versiones de Nosferatu, hasta la saga completa de Saw, Resident Evil, Final Destination y Freddy Krueger.

No es lo mismo Gore, thriller y slasher

Confundirlas es una ofensa para ti: el gore es cine sangriento; el thriller es de misterio y suspenso; el slasher es el que incluye a un psicópata con un hacha o una sierra eléctrica.

Si quieres unirte a algún foro o club online, aquí una lista del TOP 20 de sitios online para fanáticos del terror.

El Conjuro 2

Las mejores películas de terror no son las más sangrientas o las que maten más personajes, sino aquellas que te asusten de verdad y que te provoquen insomnio a las 3 de la madrugada.

Todo el que conoce mis manías, sabe que una de ellas es ver trailers de terror a mitad de la noche. Y esta historia me estremeció aún cuando ya había visto los avances y los clips más de tres veces. Imagínense el terror que sentí mientras estaba en la sala de cine. 

Eso de "Basado en hechos reales" todavía causa piel de gallina en el espectador, principalmente cuando se trata de uno de los casos paranormales más conocidos del siglo XX. Si no hubiesen incluido los efectos especiales, la monja endemoniada y el anciano del sillón hubiesen sido suficiente razón para querer quemar incienso toda la noche dentro de la casa.

En esta ocasión, la historia no solo se enfoca en retratar el caso de la familia Hodgson, sino también conocer más a fondo la pareja Warren y como las premoniciones de Lorraine también afectan el futuro de su trabajo y su esposo Ed. El término exquisito le queda corto para las actuaciones de los actores, principalmente el caso de Madison Wolfe, quien encarnó el personaje atormentado de Janet Hodgson. 

Gracias al trabajo narrativo y cinematográfico que se logró, El Conjuro 2 podría convertirse en una de las mejores películas de terror del cine moderno. 

Dime el tipo de película y te daré el poster

¿Cuántas personas deciden ver una película después de ver el trailer? Es lo más lógico. Te resume la película en segundos, motivándote a que vayas a verla. Te cuenta la historia, el conflicto principal, el género y hasta quién es el protagonista. Básicamente, te anticipa el tipo de película que vas a ver. Sin embargo... ¿qué pasaría si te dijera que todo eso lo puedes saber con el póster?

El póster (afiche o cartelera) es otro tipo de anuncio o promoción de una película. Su publicidad abarca desde los medios impresos hasta la propaganda de calle y las redes sociales. Y tal como los trailers, te da un adelanto de lo que verás en la gran pantalla.

A pesar de la diversidad de los estilos narrativos que ha desarrollado el cine moderno, la gran mayoría de los estrenos anuales tienen mensajes muy similares entre sí. Y, ¿quién los delata? el afiche. Pero no hablamos de monotonía ni repetición, sino de tipo de historia y enfoque principal.

¡Hagamos la prueba!

1. El demonio en la casa

Actualmente, uno de los subgéneros más populares de terror es el demoníaco. En este caso, es común la presencia de niños manipulados por la entidad sobrenatural. Sus afiches presentan a los niños despalda en algún lugar de la casa principalmente en sus habitaciones, frente a algo que represente el demonio.

2. Miradas encontradas

Las miradas encontradas con "ojos de enamorados", envueltos en una caricia particular, es la manera que las películas de romance exhiben su cartelera. Este estilo se enfoca en la presentación de los protagonistas. En la mayoría de las ocasiones, estos personajes tienen un romance imposible que termina con algún evento trágico.

3. Ambiente destruido

Las películas distópicas se enfocan en demostrar lo que supuestamente va a sucederle a la humanidad, por eso presentan en sus afiches ciudades destruidas, selvas y desiertos que están donde antes habían edificios. Otra característica es que los personajes aparecen dentro del ambiente, normalmente recreando una escena o su papel en la película.

4. Retratos

Regularmente, es el tipo de película que narra la historia de un personaje, sin importar del género al que pertenezca. 

5. X vs. Y

Al igual que el anterior, este es un tema que se ha dado a conocer en todos los géneros. Se enfocan en el enfrentamiento de dos personajes, presentando en el póster los dos rivales, uno frente al otro.

6. Ambientes fantasiosos

Para darle promoción a las animaciones creadas, los pósters de películas de fantasía se enfocan en presentar los mundos exóticos y sus personajes o criaturas totalmente irreales que estarán presente a lo largo de la historia. 

A pesar de que el póster sí puede plantear el enfoque y objetivo de la historia, este no puede decir si la historia será buena o mala, pues aunque tenga una fotografía con calidad, la trama puede ser un verdadero fiasco.

Aprende más sobre posters similares aquí.

¿Cómo estudiar una película?

Una película no basta con verla. Es necesario analizarla con un ojo crítico con el fin de estudiar cada detalle, comprenderla mejor. Y para esto no hay que ser un experto en la materia.

Este post te describirá lo que necesitas entender cuando veas una película de manera crítica.

7 pasos para estudiar una película

Paso 1: Percepción, ¿cuál es la idea principal de la película? 

No hablamos de la sinopsis, sino del mensaje en sí. El Renacido habla sobre la venganza, El Diario de Noah sobre revivir un amor sin importar las circunstancias, La Gran Apuesta sobre la crisis financiera de 2008. Todas las películas, por más complejas que sean deben de tenerlo. Así que la próxima vez que vayas al cine, lo primero que te preguntarás es cuál fue el mensaje principal: ¿de qué realmente trató?

Paso 2: Personajes, ¿cómo lo hicieron?

A veces encontramos películas con excelentes historias, pero personajes vacíos. Identifica todos los individuos y su función. ¿El principal cumplió con su objetivo? ¿El antagonista recibió una lección? ¿Cada personaje tuvo un desenlace oportuno? ¿Algún personaje que pudo no existir y la película seguía su curso normal? 

Paso 3: Diálogos, ¿qué es lo que dicen?

Otras veces no es el personaje quien daña la historia, sino lo que este dice. El truco en los diálogos es que lo que se diga no sea algo obvio, redundante ni ilógico. Cada palabra debe complementar y tratar de superar la imagen. Algunas películas, como Las Ventajas de ser Invisible y La Habitación trascienden por las frases de sus personajes, fortaleciendo el mensaje y género de la película. 

Existe la carrera de dialoguista. Esto también es un arte.

Paso 4: Cinematografía, ¿cómo se ve?

La fotografía juega un papel muy importante en una película, y para cada género hay un tipo de fotografía. ¿Cuáles planos se utilizaron? ¿Que color tenía? ¿Cómo fueron los movimientos? La historia puede ser muy buena, pero su popularidad puede morir por no darle al espectador una buena imagen. 

Paso 5: Sentimientos, ¿cómo te sentiste?

Los sentimientos son los que te dicen si te llegó el mensaje, si cumplió su objetivo. Si sales asustado o si sales llorando. La idea es que el espectador se sensibilice con el mensaje. Películas como Los Miserables, Sinister y Matrix cumplen con el objetivo de sus respectivos géneros.

Paso 6: Edición, ¿qué te asombró?

Para entender la edición de una película no hay que ser un experto. La edición se encarga de colocar cada fragmento con el sonido, efecto y transición ideal. La clave aquí es el juego que se crea con las imágenes y audio. Es importante destacar historias como Whiplash y Mad Max, dos películas totalmente diferentes con una edición que han sido galardonadas en los premios de la Academia. 

Paso 7: Aporte social, ¿la recordarás?

Por más ficticia que sea una historia, siempre trata aspectos de la sociedad que son los que conectan con el público. ¿Te ha influido en algo la película? ¿Te ha enseñado algo? ¿Te has reflejado en ella?

Entendiendo cada uno de estos pasos, cualquier persona, incluso el menos cinéfilo, puede decir si una película es muy buena o muy mala.

Para conocer más: Guía didáctica para analizar una película

Giros: te sorprenden o te desilusionan

Dependiendo del género que desarrolle, cada historia tiene sus propios parámetros narrativos, pero siempre hay un detalle que hace que una película se diferencie de otra y que el ritmo y la dirección de la historia cambien. Eso es gracias a los puntos de giro.

¿Qué es un giro en una película?

Mejor conocido como punto de giro, es la escena clave que determinará el curso de la historia. Se caracteriza por dar un ritmo distinto a la trama. En algunas películas, el punto de giro es presentado en el teaser del film, y a veces este es confundido con el conflicto.

La gran diferencia es que a partir del punto de giro, NO hay vuelta atrás: este ocurre para cambiar la vida de nuestro protagonista.

Como bien lo expresa el guionista y escritor Syd Field, el punto de giro ocurre en una página y momento exactos dentro del guión. El establece que un guión estándar posee dos puntos de giro y están pautados para el instante antes del segundo y tercer acto.

El Paradigma de Syd Field, descrito en el libro El Libro del Guión (1984).

Pero como todo lo demás en el cine, cada quien lo adapta a su parecer, preferencia o creatividad. También podrá variar por el género (pues cada cual tiene un ritmo narrativo) y el tipo de conflicto.

¿Cómo entender que ha ocurrido un punto de giro? 

Vean este ejemplo: La película Psicosis, del cineasta Alfred Hitchcock, narra como la señorita Marion Crane se hospeda en el Bates Motel, escondiéndose tras haberle robado a su jefe 40,000 dólares (UNO DE LOS CONFLICTOS); allí conoce al extraño Norman Bates, dueño del motel que vive con su madre en una casa cercana. Mientras Marion se estaba duchando, alguien entro a su habitación y la mató, dejando al público con la certeza de que había sido la madre de Norman. Esta corta y muy galardonada escena es el primer punto de giro de la historia, porque cambia la vida del protagonista... o lo desaparece. 

A lo largo de la historia y continuando el conflicto principal (la desaparición de Marion), su hermana y un investigador siguen sus rastros hasta el Bates Motel. Y de repente ocurre el segundo punto de giro: no fue la madre de Norman quien mato a Marion, pues ella estuvo todo el tiempo sentada en su silla MUERTA. Fue Norman disfrazado de su madre quien mató a Marion.

Psicosis (1960): escena del segundo punto de giro, cadaver de la madre de Norman

La clave del punto de giro está en que su cambio no pase desapercibido. No valdría la pena incluirlo en una historia si no va a afectar de manera notoría la vida del protagonista o de toda la trama. Sino, ¿para qué existe entonces?

Por otro lado, el punto de giro también debe provocar una impresión en el espectador. Hitchcock logró una escena muy recordada e impresionante, pues nadie esperaba que mataran a la protagonista en los primeros minutos de la película y que quien supuestamente la mató realmente tenía algunos años muerta.

Pero, a diferencia de la mente creativa de Hitchcock, hay otras poco creativas...

En esta sección, entra la película They're watching: mi humilde sugerencia, no la vean. El final es muy desilusionante.

Es un falso documental que se centra en la producción de un programa de televisión que graba la reestructuración de una casa en Moldava. Durante entrevistas a la propietaria y restauradora de la casa, los jóvenes conocen las creencias de los habitantes del pueblo sobre las brujas y la hechicería. Cuando pensábamos que el equipo moriría por los creyentes, resulta que sí existía una bruja y era la dueña de la casa (Punto de giro), quien tenía todo tramado desde que presenció como su esposo se acostaba con la productora. Al final, la bruja mata a todo el mundo y deja vivo a una sola persona de la producción, para que él se encargara de reproducir toda la masacre grabada. Lo sé, horrible.

Última escena de They´re Watching (2016)

Consejo para los futuros guionistas

Todo aspecto narrativo debe ser pensado de manera individual. Así como debe desarrollarse el personaje, el conflicto y la trama con particularidad y cuidado, así mismo debe desarrollarse el punto de giro. Es necesario que se le de mucha importancia a lo que narrará este elemento cinematográfico, porque de este dependerá que el final de tu historia sea exitoso o desastroso.

Aquí les dejo otros puntos de giro:

El Sexto Sentido - Terror (1999): El Dr. Malcolm Crowe es otro de los fantasmas que puede ver Cole

Los Otros - Suspenso (2001): Grace y sus hijos son en realidad los fantasmas de la casa.

Harry Potter y las Reliquias de la Muerte - Fantasía (2010): Harry es uno de los horrocruxes de Voldemort.

La Purga - Terror (2013): Después de entrar a su casa para rescatarlos de los intrusos, los vecinos de la familia Sandin confiesan que su principal plan era matarlos.

The Best of Me - Drama (2014): El corazón que recibe el hijo de Amanda era de Dawson, quien fue asesinado por su padre.

7500 - Terror (2015): Todas las personas del avión mueren por un supuesto escape de gas.

El Niño (2016): El muñeco no estaba encantado por el fantasma de Brahms, él siempre estuvo escondido en la casa, manipulando el muñeco.

Escena de El Sexto Sentido (1999)

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