Crítica Cinéfila: El Agente Secreto

En 1977, durante la dictadura militar brasileña, Marcelo, un profesor que huye de un pasado turbulento, regresa huyendo a la ciudad de Recife, donde espera construir una nueva vida y reencontrarse con su hijo. Pero pronto se da cuenta de que la ciudad está lejos de ser el refugio que busca, que las fuerzas gubernamentales le persiguen y las amenazas de muerte se ciernen sobre él.

Los créditos iniciales de "El agente secreto", del director Kleber Mendonça Filho, sitúan la escena en Brasil, en 1977, y añaden: "un período de grandes travesuras". Y esa podría ser una descripción breve y apropiada de la película en sí: una travesía traviesa que incluye identidades secretas, policías corruptos, intrigas intrincadas, frivolidades carnavalescas, una pierna amputada en el estómago de un tiburón, acción brutal y sangrienta, un estilo cinematográfico de los años 70 deliberadamente estridente y un toque de reflexión y emoción a lo largo de casi dos horas y media.

¿Tiene todo sentido? No. "El agente secreto" es un caos —no literalmente, ya que, como casi todas las películas de Filho, se desarrolla en Recife, su ciudad natal, en Brasil— y la cohesión y la coherencia no son una prioridad. Pero su desorden forma parte de su encanto y de su esencia; una película que se tomara a sí misma más en serio que esta no permitiría que un tiroteo culminante se convirtiera en una salpicadura de gran guiño casi caricaturesca.

El director se inspira en sus recuerdos de Recife a finales de los 70, en el trabajo de su madre como historiadora oral y en el estilo de cierto cine de la época, con colores vívidos y sobresaturados. No hay nada sutil en la forma en que está filmada "El Agente Secreto", con una película brillante que grita "años 70" antes de que uno siquiera sepa de qué trata.  

De lo que se trata, sin embargo, es de Marcelo (Wagner Moura), un investigador tecnológico que llega a Recife durante la agitada semana de Carnaval. Marcelo huye de algo, pero no sabemos qué, mientras se aloja en un edificio anodino lleno de personajes pintorescos (incluido un gato con dos caras) y supervisado por una anciana que parece albergar muchos secretos. Pero, sobre todo al principio, la historia de Marcelo es solo una de varias líneas narrativas que se mantienen tercamente independientes entre sí: los policías corruptos, sus jefes aún más corruptos, la pierna humana encontrada en el estómago de un tiburón, los dos tipos que parecen ser muy buenos deshaciéndose de otros cuerpos...

Todo empieza a complicarse cuando esos expertos en eliminación son contratados por un poderoso empresario, al que Marcelo se había opuesto cuando intentó cerrar un instituto de investigación años antes. Pero Recife, durante el Carnaval, no es el lugar más fácil para encontrar a alguien, y la vibrante banda sonora brasileña intensifica el ambiente festivo, excepto cuando la música de Tomaz Alves Souza y Mateus Alves aparece para dotar a la película de un siniestro presentimiento.

Pero apenas se instala en el ambiente de thriller de los 70, aparecen un par de jóvenes con iPhones y computadoras Apple para escuchar grabaciones de Marcelo y otros en su época. Es un cambio discordante que parece ocurrir aproximadamente una hora después de comenzar la película, y luego las mujeres desaparecen durante otro largo rato; si bien parecen adiciones extrañas y superfluas a la narrativa, con el tiempo demuestran no ser del todo ajenas.

Por cierto, no hay verdaderos agentes secretos en "El agente secreto". A Marcelo, si ese es su verdadero nombre (no lo es), le dan un trabajo en una oficina que finge ser una estación de policía pero no lo es, mientras que un Udo Kier masticador de escenario aparece para mostrar todas sus cicatrices y la gente murmura conspirativamente a Marcelo, "es juego sucio al más alto nivel" mientras la banda sonora se vuelve más melodramática.

Hay flashbacks, una extraña secuencia de fantasía que involucra a esa pierna amputada corriendo desenfrenada en un parque lleno de gente teniendo sexo, y un tiroteo frenético que se deleita con alegría en mostrar exactamente lo que las balas hacen en la carne, al menos en un estilo propio de una película de acción y un sueño febril. Para un director que se dio a conocer con la intrincada y brillantemente discreta "Neighboring Sounds" en 2012, "The Secret Agent" es inesperadamente salvaje y florida; aunque, para ser justos, Filho iba en esa dirección con su última película narrativa, el febril western de 2019 "Bacurau". (Su última película en Cannes, sin embargo, fue el documental de 2023 "Pictures of Ghosts", un homenaje mucho más comedido a los cines de su barrio natal, uno de los cuales sirve como escenario crucial en "The Secret Agent").

El final trae de vuelta a uno de los investigadores modernos y le da a Moura algo nuevo que hacer. Pretende ser una coda más reflexiva y emotiva, y casi lo consigue. Pero, al llegar solo media hora después de una masacre desenfrenada y un lío sexual en un parque con una pierna amputada, es difícil encontrar el camino hacia la reflexión y la emoción. 1977 fue, al parecer, una época de demasiadas travesuras como para lograr ese cambio de tono.  

Crítica Cinéfila: The Woman in the Window

La Dra. Anna Fox, que sufre de agorafobia, pasa sus días encerrada en su casa de Nueva York, bebiendo vino mientras ve viejas películas y espía a sus vecinos. Un día, mientras mira por la ventana, ve algo que sucede enfrente de su casa, en el hogar de los Russell, una familia que acaba de llegar al barrio.

Como todo actual ser humano en medio de la pandemia, el personaje de Amy Adams en The Woman in the Window pasa casi todas sus horas de vigilia en bata y pijama, con vino en mano y siguiéndole los pasos a todos sus vecinos (nivel Rear Window the Hitchcock). El thriller, una diversión neogótica con una fuerte actuación central, no tiene nada que ver con el coronavirus, pero en el largo y retorcido año y medio desde su fecha de lanzamiento original, la protagonista confinada en casa se ha vuelto mucho más comprensible para el público. La historia que la rodea es otro asunto.

Basada en una novela súper popular de 2018, la película dirigida por Joe Wright se vio envuelta en la adquisición del estudio por parte de Disney y se sometió a reescrituras y nuevas filmaciones después de decepcionantes proyecciones de prueba. El cierre de COVID-19 causó más retrasos y, en el ínterin, las revelaciones han dañado la influencia del productor Scott Rudin.

La producción final de Fox 2000 llega a Netflix como una película atractiva y ligeramente complicada con un elenco de primera y suficientes pistas falsas para abastecer a la audiencia. No hay duda de que es rico en atmósfera, gracias a las astutas elecciones de Wright, el excelente trabajo del director de fotografía Bruno Delbonnel y las destacadas contribuciones del equipo de diseño de Kevin Thompson; la espaciosa casa de piedra rojiza de varios pisos donde se desarrolla la acción es el segundo personaje central.

La mujer que está dando vueltas por esa casa vieja y sutilmente bruñida es Anna Fox (Amy Adams), que ha estado afectada por el trastorno de ansiedad extrema de la agorafobia durante casi un año. Comparte la casa con su gato educado y recientemente comenzó a alquilar el apartamento del sótano. Le entregan los alimentos y los medicamentos, y su psiquiatra hace visitas a domicilio. Hay una ventaja beligerante en sus intercambios médico-paciente, una combatividad profesional: Anna es psicóloga infantil y conoce las formas de manipulación y ruleta psicofarmacológica. Hay notas más cálidas de contención en sus conversaciones diarias con Ed (Anthony Mackie), el esposo del que está separada mientras que su hija de 8 años (Mariah Bozeman) está con él.

Por lo menos, la fricción entre Anna y su psiquiatra establece el tono para que toda la ira y el disgusto fuera de lo común pronto surgen como una nube tóxica de otras figuras en su órbita. Es una órbita fuera de lugar, sin duda, como se señaló en los primeros segundos de la película: su inquilino, David (Wyatt Russell), parece que no puede pronunciar una palabra que no suene amenazante; los Russell, los nuevos vecinos de la casa directamente al otro lado de la calle, y el tema de mucho interés a través de las cortinas de Anna, demuestran un espectro de trastornos de la personalidad.

El hijo adolescente de la familia, Ethan (Fred Hechinger), es el primero en presentarse, portando la ofrenda de una vela perfumada y los llorosos e incómodos signos de fragilidad emocional. Esto desencadena un sentido de propósito en la terapeuta desempleada, quien después de un par de encuentros con el temperamental padre de Ethan, Alistair (Gary Oldman), está seguro de que el joven de 15 años es un niño abusado.

El encuentro más largo de Anna con cualquiera de los Russell es una noche improvisada de vino y conversación semi-confesional con la madre de Ethan, Jane (Julianne Moore). Hay una fascinante mezcla de calidez y cautela en la secuencia nerviosa, y Adams y Moore navegan magistralmente por las finas líneas entre lo que se divulga y lo que estas dos extrañas retienen.

Pronto, Anna está canalizando a Jimmy Stewart en Rear Window, instalada en la sombra y apuntando el lente de su cámara a la casa de los Russell. Ella vislumbra el conflicto familiar, cada ventana enmarca un fragmento de drama doméstico. La película, al igual que la novela en la que se basa, abunda en referencias a Hitchcock y otros viejos misterios y noirs que Anna mira incesantemente. En algunos de los elementos visuales más fuertes, Wright y Delbonnel colocan a Anna dormida, desmayada por el vino y la receta, en una perspectiva sesgada contra la pantalla en blanco y negro de su televisor, como si ella y los personajes de décadas de antigüedad, con diversos objetivos, sufrimiento, luz de gas - están entrando en los sueños del otro.

Su pesadilla se profundiza: ella escucha un grito desde la casa de los Russell. Más tarde, ve a Jane apuñalada y tropezando, pero no puede convencer a nadie de que fue testigo de un asesinato, o incluso de que alguna vez conoció a la mujer. Anna es una borracha, después de todo, y las alucinaciones se encuentran entre los posibles efectos secundarios de sus muchos medicamentos. Además de eso, le presentan a la "real" Jane (Jennifer Jason Leigh), que podría ser la mujer casada más infeliz del mundo, pero en cualquier caso es una figura tan sospechosamente rígida, todo lo contrario al personaje de Moore.

Al comprimir el material original, el guión (con reescrituras supuestamente manejadas por Tony Gilroy) solo acentúa una delgadez de la historia. Una obra de legibilidad de bocadillos pero de poca sustancia, la novela está sazonada con una desorientación hábil que no puede ocultar cuán ultrabásico es su psicología central. La película, que aumenta un poco la violencia, termina con una nota ligeramente diferente pero no menos deseosa, y nunca coincide con el matiz e intensidad de la actuación de Adams, con su cautela, prevaricación y emoción desnuda totalmente viva e impredecible.

Wright presenta la primera de dos grandes revelaciones de una manera teatral y muy estilizada. Como medio de transmitir la perspectiva de Anna, este enfoque funciona, pero no trasciende el factor de locura que plaga el drama. A lo largo de la narrativa, Anna está rodeada por una colección de personajes tan desagradables, y en el momento en que se ve obligada a enfrentar una verdad no deseada, está literalmente rodeada de ellos. Se siente como una pandilla. La única excepción es el detective de la policía de Nueva York de ojos tristes de Brian Tyree Henry, quizás la única persona "normal" en la historia, y ciertamente el único adulto con una pizca de compasión. Como su compañera, Jeanine Serralles no arroja más que acusaciones contra Anna.

La idea de una mujer aparentemente desquiciada que lucha por ser creída sigue siendo un arquetipo dramático viable, por razones dolorosamente obvias: las realidades persistentes de la condescendencia y la demonización, para empezar. Rosemary's Baby, una película más reciente que los clásicos amados de Anna, es otra piedra de toque obvia para su historia. También gira en torno a una mujer que lucha por ser tomada en serio mientras vive en una fabulosa propiedad centenaria de Manhattan. La casa de piedra rojiza de Anna es, en cierto sentido, una variación vertical de la amplia extensión del apartamento de Rosemary. Pero esa historia de terror de 1968 se basó en algo más que pisos de madera finamente elaborados y cambios de dispositivo de trama. Eficazmente temperamental pero ofreciendo frustraciones más profundas, The Woman in the Window subestima a su heroína en más de un sentido.

Crítica Cinéfila: Motherless Brooklyn

Nueva York. Años 50. Lionel Essrog es un solitario detective privado, afectado por el Síndrome de Tourette, que se aventura a intentar resolver el asesinato de su mentor y único amigo, Frank Minna.

Después de ver una película con un misterio extendido por dos horas y media, la melancolía me invade: podría ser por tratarse de una historia ambiciosa con asesinatos, chantaje y corrupción en un Nueva York de mediados de siglo para competir con "Chinatown" en su complejidad, elegancia y atractivo de ese cerebro, pero también podría ser por el viaje visual y musical tan regocijante que fluye con la misma facilidad lograda en la novela de Jonathan Lethem.

"Brooklyn", en este caso, es el apodo de Lionel Essrog, también conocido como "Freakshow", un hombre con síndrome de Tourette cuyos tics espontáneos y arrebatos verbales de mal color pueden resultar vergonzosos en público, pero le sirven bien en el empleo para un profesional detective llamado Frank Minna (Bruce Willis). Para un actor como Norton, que ha hecho una carrera de papeles importantes: el esquizofrénico tartamudeo de "Primal Fear", o el hombre interno que finge el autismo para lograr un atraco en "The Score" - Lionel representa a ambos: un nuevo desafío enorme y una variación increíblemente única del arquetipo de ojo privado que de otro modo estaría desgastado. 

En lugar de seguir el modelo del libro, que tiene lugar en 1999, Norton toma el personaje y lo traslada de vuelta alrededor de medio siglo, a la década de 1950, donde el colorido Lionel de Norton es libre de investigar otro personaje más grande: Moses Randolph, un seudónimo poco disfrazado para Robert Moses, el "maestro de obras" de la moderna Nueva York, que arrasó barrios enteros para dar paso a los puentes y autopistas que sirven a la ciudad hoy. Moses era un visionario, pero su desdén por las minorías y los pobres se mezcló con el mismísimo concreto de sus logros: la infraestructura como una forma de racismo.

Por el aspecto de las cosas, "Motherless Brooklyn" toma prestado tanto de la asombrosa de exposición de Robert Caro de Moses en "The Power Broker" como de la novela de Lethem. En un conjunto que también incluye a actores pesados ​​como Willem Dafoe y Cherry Jones, Norton aterriza a Alec Baldwin como el planificador de la ciudad. Baldwin puede jugar a este tipo de magnates mientras duerme, y aunque el hecho de que lo haga con Donald Trump en "Saturday Night Live" puede hacer que algunos crean que es a quien está canalizando aquí, Norton se ha esforzado por hacer esto sobre Moses.

Metiendo un mensaje junto con más trama de la que la película puede manejar, Norton tiene como objetivo educar al público sobre las prácticas deplorables que sustentan la ciudad que damos por sentado hoy. El truco, por supuesto, es resumirlo en una historia de detectives convincente, que debe haber sido un dolor de cabeza logístico increíble, confiando en ubicaciones reales de Nueva York, desde Washington Square Park hasta Penn Station, tal como se veía en ese momento. Para mantener nuestro interés, se apoya en la invención de Lethem del excéntrico nervioso que ve un hilo suelto y no lo suelta hasta que se deshilacha todo el suéter: una metáfora de la forma en qué funciona la mente de Lionel.

"Me hace decir cosas graciosas, pero no estoy tratando de ser gracioso", explica Lionel, describiendo su aflicción sobre su síndrome que para ese entonces muy pocos entendían. Pero también es un obsesivo y capaz de memorizar hechos y conversaciones literalmente, una especie de computadora humana con fallas que dice cosas como "tócalo" y "tetas". Sacks probablemente sería el primero en observar que, si bien Norton ha clavado la condición física de la condición, su rendimiento no es tanto sensible ya que es narrativamente conveniente y convincente.

Los gestos de Lionel podrían haberse vuelto desagradables a toda prisa, pero Norton calibra la actuación para que el personaje permanezca impredecible sin volverse insoportable. Podemos ver a Lionel tratando de luchar contra sus interrupciones espontáneas para que se sometan. ¿Tal personaje realmente habría sido tan fácilmente aceptado en la década de 1950? Es difícil de decir, pero Norton lo hace encantador al mantener los arrebatos ingeniosos y oportunos, y porque la personalidad subyacente de Lionel es todo menos dura. Es más un caballero, lo que explica cómo termina acercándose a Laura Rose (Gugu Mbatha-Raw), la activista que tiene la llave del caso.

Laura vive en Harlem, encima de un club nocturno que marca la pauta para el sedoso puntaje de jazz de la película, pero pasa sus días luchando contra la discriminación racial en el centro, enfrentándose a hombres como Moses. 

En el libro, Lionel es uno de los pocos huérfanos (por eso le llaman Motherless Brooklyn) a quien Frank toma bajo su protección, preparando a estos niños para que hagan su trabajo sucio. Aquí, Frank es más un mentor benévolo, pero aún lo suficientemente sombrío como para ir a dispararse en un callejón lateral después de reunirse con un grupo de matones. Antes de que Frank muriera, dijo la palabra "Formosa" y algo sobre una "niña de color" que podría ser la clave para descubrir quién lo mató.

Es el trabajo de Lionel resolver casos, pero por alguna razón, nadie más que él parece tan interesado en resolver este. La esposa de Frank (Leslie Mann) deja su agencia de detectives en manos de Tony (Bobby Cannavale), y aunque el lugar parece estar demasiado ocupado, ¿qué pasa con Gil (Ethan Suplee) y Danny (Dallas Roberts) o con Lionel termina investigando lo que le pasó a Frank más o menos por su cuenta?

En comparación con las relativamente sencillas Guerras del Agua de California que inspiraron "Chinatown", la corrupción en el corazón de "Motherless Brooklyn" no se trata solo de dinero. Los misterios de las opciones de infraestructura de Nueva York son una lección de historia densa y parlante, y una audiencia que necesitará tiempo para digerir. Ese legado incluye historias sobre cómo Moses ordenó que se construyeran puentes a poca altura sobre la ruta verde que conducía a Long Island, con la intención de mantener alejadas a las minorías que solo podían permitirse viajar en autobús, y estrategias cobardes usadas en nombre de la "limpieza de barrios bajos" para engañar a las familias de bajos ingresos fuera de sus hogares. A pesar de toda su audacia, incluso el libro de Lethem no se atrevió a ir allí. Al final tocan teclas que nadie más se atrevía a tocar.

Motherless Brooklyn es la opera prima de Edward Norton como guionista, y su segunda película como director. Y a diferencia de muchos otros que se balancean entre los roles con debilidad, aquí lo hace con mucha altura, donde no solo es necesario resaltar la elegancia de las escenas y la increíble actuación de todo un elenco, sino también el mensaje tan bien llevado sobre el maltrato de los políticos hacia las minorías y trabajadores.

Bad Times at the El Royale

Siete desconocidos, cada uno con un secreto, se reúnen en el hotel El Royale, en el lago Tahoe, un sitio ruinoso con un oscuro pasado. En el transcurso de una fatídica noche, todos tendrán una última oportunidad de redención... antes de que todo se vaya al infierno. (FILMAFFINITY)

Un sacerdote, un vendedor y un cantante de reserva entran al vestíbulo de un motel vacío. Esta introducción puede significar tres cosas: es un chiste, es noir o pasará un homicidio. En los primeros minutos es muy obvio que esta es una película realizada por Drew Goddard, quien vuelve a ponerse la gorra de director con Bad Times at the El Royale, una película sobre secretos que lo único que intimida es la duración en pantalla. Con su famoso elenco, su diseño deslumbrante y su atractiva cinematografía, la trama presenta una historia larga pero completa.

El Royale es un hotel deteriorado que se encuentra en la misma frontera entre California y Nevada. Hace 10 años era el escenario de fiestas, turistas, y personas de la élite, ahora es solo un motel de paso para personas que quieren ocultar sus sucios juegos. De repente se convierte en un campo de batalla de mala muerte cuando siete extraños (un padre, una cantante de soul, un vendedor ambulante, dos hermanas, el gerente y el misterioso Billy Lee) que se reúnen en una fatídica noche para una última oportunidad de redención antes de que todo salga mal.

La película se extiende debido a la estructura de capítulos que su guionista desarrolló para darle una oportunidad a cada personaje de presentar su su historia, su personalidad y a lo que se dedica. A medida que avanza, ya se conocen sus secretos, pero no de cada uno, pues los capítulos no se introducen al mismo tiempo sino a lo largo de la película. El formato resulta interesante, dejando algunos buenos secretos para el final, pero falla en algunas ocasiones sobretodo por la longitud de cada backstory.

Ahora, los personajes demuestran que este formato no resulta una completa pérdida de tiempo, pues las actuaciones magníficas del elenco en conjunto convierten esta película en una historia fácil de seguir y difícil de aburrir. Cada uno de los actores de esta película rompió el estilo que ya había establecido en sus actuaciones anteriores y otorgó una personificación divertida, inesperada y profunda. Otro aspecto interesante del guión es cómo conecta los capítulos con el momento en que cada personaje se involucró en el conflicto principal. A pesar de que cada uno está allí por razones diferentes, una sola razón (la niña "secuestrada" en la habitación siete *Spoiler!*) es lo que los va a ir atando en este lío mayor.

El estilo cinematográfico, destacando los colores de la escenografía, y el punto más curioso de la trama como la línea que divide California y Nevada, se va acercando más al estilo noir, que en todo momento logra mantenerse gracias a ser una historia de época, a la estructura de episodios y la cinematografía tan cortante casi coreografeada al compás de la musicalización. La banda sonora es todo, pero a la vez complementa cada elemento.

Pero regresemos a un aspecto importante: la producción de diseño. No solamente resaltada en los distintos sets y las habitaciones, sino también en la vestimenta de los actores y cada minúsculo detalle de cada lugar. Este departamento respondió con altura al guión, y por poco lo opacó junto con la fotografía de Seamus McGarvey (Anna Karenina, The Avengers, The Greatest Showman).

Las muertes son impredecibles. Los personajes son indecifrables. Cada detalle cuenta. Habrá tenido 20 minutos de más, pero es una historia que sabe aprovechar su contenido, lo explota y le entrega a la audiencia siete protagonistas con metas personales que le podrían provocar la muerte al de al lado. Quizás las leyes federales de un estado y el otro los protejan.

Terminal

A dos sicarios se les encomienda una siniestra misión. En el camino se encontrarán con una mujer que convertirá la tarea a realizar en algo todavía más difícil de lo que esperaban. (FILMAFFINITY)

¿Se puede revivir el cine Noir en el año 2018? Buen intento, Vaughn Stein, pero no te salió tan bien como seguro esperabas.

Terminal son dos tramas: Una historia trata sobre un profesor que ha sido diagnosticado con cáncer terminal y ahora sufre de un comportamiento suicida en el que constantemente busca la manera de acabar con su vida. Una noche va hacia un café y conoce a una camarera bastante curiosa que le da ideas de las diferentes maneras en que podría suicidarse rápidamente. La otra historia trata sobre dos asesinos por encargo, quienes aceptan una misión de un misterioso mensajero que les promete una paga irresistible. No obstante, cuando se encuentran con quien le dará la información sobre la misión, terminan poniéndose uno contra el otro, y cada uno debe de tomar la decisión de matar a su compañero antes de que este acabe con su vida.

Stein revive un estilo narrativo y visual muy clásico del cine negro: hombres completamente inmorales, quienes son manipulados por una mujer, su sexualidad y/o el dinero que les prometen. No obstante, el director mezcló demasiados elementos y le agregó demasiadas subtramas a la película que solo la hacían incomprendible en cada secuencia que pasaba. Como una historia no conectaba con la otra, parecía que estaba contando dos películas diferentes, y ya cuando al final se revela por qué se estaban contando al mismo tiempo, la revelación llega demasiado tarde cuando quizás a nadie le interesa y en ningún momento se dio algún indicio que se le pudiese relacionar. 

Los personajes, a pesar de tener personalidad, complejidades y actitud, llevan historias muy personales y antagonísticas, por lo que nunca se está votando por nadie. Muy por el contrario, nadie es héroe y nadie es bueno. No hay forma de de apostar a ninguno, y solo se está deseando de que todos mueran. Les falta alma, corazón y alguna debilidad humana que le pueda decir a la audiencia, "soy empático".

Por otro lado, la selección musical y la fotografía sí se acercan a la temática y tonalidad del cine noir, dándole un toque vintage, sexual y tenso, tanto en los colores fuertes de la imágen, como en la especificación de sus tonalidades para representar por cual capítulo de la vida de los personajes iba la historia.

A pesar de que el argumento no tiene ningún sentido y no se está contando una historia, sino que la historia está pasando, el personaje de Margot Robbie es increíble; como siempre, la actriz no decepciona con toda la actitud y personalidad que le da a su villana. Sin embargo, es demasiada personalidad para una trama con demasiados giros inesperados y vacíos sin solución.

Stein lo intentó, pero no logró revivir las delicias del cine noir. Ni siquiera con el ambicioso elenco. Ni siquiera con el concepto que se propuso.