Crítica Cinéfila: Furiosa - A Mad Max Saga

Al caer el mundo, la joven Furiosa es arrebatada del 'Lugar Verde de Muchas Madres' y cae en manos de una horda de motoristas liderada por el Señor de la Guerra, Dementus. Arrasando el Páramo, se topan con la Ciudadela, presidida por Inmortal Joe. Mientras los dos tiranos luchan por el dominio, Furiosa debe sobrevivir a muchas pruebas mientras reúne los medios para encontrar el camino de vuelta a casa. 

No se puede deshacer el mundo. La Imperator Furiosa de Charlize Theron aprendió esa lección de la manera más difícil cuando se llevó a las preciosas novias de guerra de Immortan Joe y atravesó a toda velocidad el desierto hacia el Edén matriarcal del que fue robada cuando era niña. Ella y su variopinto grupo de aliados reacios condujeron hasta donde les permitían las carreteras del Valhalla, sólo para descubrir que el Lugar Verde de Muchas Madres no estaba más allá del pantano inhabitable por el que habían pasado para llegar allí; era el pantano inhabitable por el que habían pasado. Cualquier esperanza vaga pero eterna que Furiosa todavía mantuviera para el futuro tendría que ser sembrada en el mismo Yermo estéril que había absorbido toda su vida; al negarle dos veces la utopía que le habían prometido, Furiosa tendría que regresar a la Ciudadela de la que acababa de escapar y reclamarla para sí misma. No hay vuelta atrás, pero a veces sólo se puede encontrar el camino hacia delante mirando por el retrovisor.

Y por eso es lógico que el loco empedernido George Miller haya seguido la película de acción más espectacular del siglo XXI no con una secuela que continúe donde lo dejó “Mad Max: Fury Road” (aunque espera hacer una de esas algún día), sino más bien con una precuela que allana el camino hasta donde empezó. Del mismo modo, también es lógico que Miller no haya intentado superar el caos orgiástico que llevó su franquicia Ozploitation al siglo XXI, brillante y cromada: el tipo puede estar loco, pero no está loco. Tampoco está dispuesto a conformarse con rendimientos decrecientes. En lugar de alcanzar (y no lograr superar) el listón increíblemente alto que se había fijado, Miller ha decidido hacer algo aún más loco y gratificante: ha creado una saga de venganza sinfónica, de cinco partes y que abarca décadas, tan inmensa y autosuficiente, negándose a que sea vista como la mera extensión de otra película, aunque logra profundizar el impacto de “Fury Road” en cada paso.

Por el contrario, " Furiosa: A Mad Max Saga " no parece una obertura para la carnicería vehicular de "Fury Road", sino que retroactivamente hace que "Fury Road" parezca una coda de la historia épica que Miller cuenta aquí. Si esa obra maestra magníficamente inteligente siempre ha parecido la obra de un artista visionario que se estaba purgando de cada idea frustrada que nunca le habían permitido filmar, este éxito de taquilla de verano igualmente extático desentierra las raíces de la catarsis de Miller con la misma precisión y mucho vigor creativo. ¿Proporciona “Furiosa” el tipo de shock sistémico que hizo que su predecesora pareciera una reprimenda tan violenta al Hollywood de la era de los superhéroes? No lo creo, aunque sus dos escenarios auténticos eclipsan los momentos más eléctricos de “Fury Road”, al mismo tiempo que los repiten de maneras nuevas y fantásticas. Pero la decisión de Miller de cambiar de marcha finalmente demuestra ser la mayor fortaleza de su precuela. 

Evitando las mismas trampas que han hecho que muchas franquicias recientes parezcan menos de lo mismo (en parte porque fue escrita en su totalidad antes de que se filmara “Fury Road”), “Furiosa” no intenta revertir la situación. Diseña una de las experiencias cinematográficas más propulsoras jamás concebidas mientras recorre Wasteland en busca de la emoción que se necesitará para alimentarla. Mientras que “Fury Road” fue impulsada por la búsqueda de esperanza, “Furiosa” es una película gloriosa sobre por qué la necesitas en primer lugar. Miller no es sutil al respecto. No necesita serlo; una fábula post-apocalíptica cuyos nombres de personajes son más expresivos que los guiones completos de algunas películas (los nuevos favoritos como “Piss Boy” y “The Octoboss” se unen a clásicos que regresan como “Rictus Erectus” y “The People Eater”), “Furiosa” es menos interesado en la ambigüedad de sus matices que en lo épico de sus detalles, y la atención que le presta a este último es tan palpablemente amoroso que no puedes evitar sentir que este mundo en ruinas todavía tiene historias que vale la pena contar. 

Comienza con una pregunta sencilla: “Mientras el mundo se derrumba a nuestro alrededor, ¿cómo debemos afrontar sus crueldades?” Antes de que “Furiosa” termine con el primero de sus cinco capítulos distintos, comenzará a ofrecer dos respuestas competitivas a esa pregunta. Uno está enterrado dentro de la joven Furiosa (Alyla Browne, su actuación tan feroz e hipercapaz que podrías olvidar que su papel se reestructurará una hora más tarde). Secuestrada de su idílico hogar como un mapa humano que sus captores pretenden vender al señor de la guerra más cercano (siempre que puedan superar a la madre de la niña, que carga rifles, a través del desierto en una silenciosa persecución de día y noche que sería la secuencia más genial en casi cualquier otra película), Furiosa recibe instrucciones de nunca revelar la ubicación del Lugar Verde de donde vino. En cambio, le dan su propia semilla para plantar en otro lugar, aunque no entenderá todas las implicaciones de ese gesto hasta la mitad de la siguiente película, cuando se da cuenta de la diferencia entre un hogar y un recuerdo. 

El señor de la guerra que deja huérfana a Furiosa y la adopta como navegante de su horda ambulante de motocicletas (un “congreso de destrucción”) es una figura trágica que ha perdido la capacidad de apreciar esa distinción. Su nombre es Dementus (interpretado por Chris Hemsworth en una actuación vertiginosa y espectacular que sugiere cómo sería si Shakespeare escribiera una comedia ambientada en un mitin de Monster Truck). Despiadado pero teatral, Dementus solo da miedo porque sabes que tomará cualquier cosa y todo lo que pueda para evitar pensar en lo que ha perdido. Habría sido fácil para Miller y su coguionista Nico Lathouris imaginar al principal antagonista de esta precuela como un simple subjefe del malo de “Fury Road”, Immortan Joe, pero “Furiosa” va en la dirección opuesta al convertir a Dementus en el personaje principal más locuaz en la historia de esta franquicia; al enfatizar su humanidad descarriada en un páramo de traficantes de poder endogámicos. Menos motivado para gobernar que para construir, Dementus comparte el impulso de Furiosa por la creación, con la única diferencia de su tonta creencia de que algo útil podría surgir de un mundo sembrado de odio. 

Pero las ambiciones de Dementus, por oportunistas que sean, invariablemente conducirán a su amada horda a la inexpugnable Ciudadela donde Immortan Joe (Lachy Hulme, reemplazando sin problemas al difunto Hugh Keays-Byrne), sus hijos adultos y sus War Boys, aturdidos por el nitruro, reinan de forma suprema. Así que Dementus tendrá que conformarse con el control de Gas Town, un trato que consigue ofreciendo a Furiosa como la próxima de las muchas esposas de Immortan Joe. Furiosa tiene otras ideas. Se disfraza como un War Boy mudo en la primera oportunidad que tiene, y luego espera el momento oportuno durante la mayor parte de una década hasta que se transforma en Anya Taylor-Joy y se aprovecha la oportunidad para esconderse en un War Rig que podría llevarla lejos de la Ciudadela. El conductor de esa enorme bestia de metal es un guerrero de la carretera llamado Praetorian Jack (Tom Burke, la fuga de “The Souvenir”), y Furiosa siente que él es capaz de ser lo suficientemente amable como para ayudarla a guiarla en la dirección correcta. 

O tal vez sea suficiente para ella saber que él es capaz de ejercer suficiente violencia para ayudarla a sobrevivir a los Mortificadores voladores que patrullan Fury Road en busca de puntos vulnerables en la cadena de suministro de Immortan Joe, y luego se lanzan en paracaídas sobre ellos desde arriba en motocicletas aéreas que le permiten a Miller eleva la acción incluso más alto de lo que los War Boys de salto con pértiga pudieron llevarla en la película anterior. En cualquier caso, una amistad concisa se forja en una erupción operística de acero oxidado, y el vínculo silencioso que se forma entre Furiosa y Praetorian Jack jugará un papel crucial en la guerra que está a punto de estallar entre Dementus e Immortan Joe.

Esta configuración ofrece muchas oportunidades para los fanáticos de buscarle lógica y justificación narrativa a las precuelas y secuelas, pero Miller no analiza el lindo encuentro entre Furiosa y su "boom stick" de doble acción, e incluso la inevitable revelación de cómo pierde su brazo izquierdo se maneja con refrescante naturalidad. Llamar la atención indebida sobre tales detalles en medio de una carrera de vida o muerte a través de las dunas de arena alteraría el ritmo de una película que se desarrolla con la precisión de una sinfonía (a menudo me recordaba a Park Chan-wook en ese sentido), especialmente cuando “Furiosa” se convierte en una saga de venganza maximalista; su violencia es tan inexplicable que incluso sus momentos de descanso tienden a vibrar en la pantalla con el estremecimiento de 1,000 motores acelerados a la vez.

Cada faceta de “Furiosa” –no sólo el inmaculado diseño de sonido de Rob Mackenzie y la estruendosa partitura de Tom Holkenberg, sino también el diálogo mínimo que se intercala entre ellos– está orientada al propósito compartido de crear una armonía con la fuerza del diesel entre las personas y la maquinaria del Wasteland, de modo que el enorme rugido del carro de Dementus o el ronroneo gutural de “Valiant” de Praetorian Jack se vuelven más expresivos que cualquier cosa que estos personajes pudieran decir. Ninguna película tan cacofónica ha sonado más. 

El virtuosismo del enfoque de Miller es tan sorprendente que es posible que ni siquiera notes lo poco que Furiosa habla; como Charlize Theron, Taylor-Joy transmite tanta fuerza y ​​desesperación solo a través del blanco de sus ojos que las palabras solo le arrebatarían la pureza incomparable de su propósito. Esa intensidad naciente coincide tan perfectamente con el modelo establecido para el personaje que el parecido creíble de Taylor-Joy con Theron es solo la guinda del pastel, y la ex actriz merece sus propios elogios por la intencionalidad con la que enciende la llama que enciende la actuación Taylor-Joy. En sus manos, Furiosa renace como el raro personaje cinematográfico que se ha vuelto icónico dos veces en dos formas distintas (pero inseparables), y las generaciones futuras quedarán asombradas por el hecho de que “Fury Road” fue lo primero. 

Si no fuera por sus velocidades y períodos de tiempo completamente diferentes, "Furiosa" y su secuela podrían parecer una sola película cortada en dos. Pero permite a Miller trabajar un poco más en el evidente CGI aquí que en el pasado. Tal como están las cosas, su relación se parece más a la que existe entre “Before Sunrise” y “Before Sunset”, una promesa ingenua y serpenteante para el futuro que da paso a una carrera tremendamente urgente para recuperar el presente. 

En ciertas coyunturas, la amplitud de “Furiosa” puede parecer perjudicial, ya que Miller ocasionalmente acelera los desarrollos masivos de la trama como si fueran errores menores; la mentoría y cambio de vida que Praetorian Jack ofrece a Furiosa se resuelve en el lapso de un solo desvanecimiento, mientras que el tan esperado enfrentamiento entre Dementus e Immortan Joe es avanzado con la ayuda de una narración rápida. Lo más atroz de todo es cómo las brechas de tiempo dificultan el seguimiento de las respectivas relaciones de Dementus e Immortan Joe con Furiosa, tal como son.

Sin embargo, en su mayor parte, el hecho de que tales omisiones puedan malinterpretarse como descuidos es un testimonio de la riqueza de la historia de esta franquicia, del mismo modo que la negativa de Miller a distraerse del enfoque decidido de su heroína beneficia en última instancia a una película que ve el caos como la mayor oportunidad de Furiosa de buscar un hogar, y no (como Dementus podría concebirlo) como un hogar en sí mismo. No es de extrañar que el maníaco señor de la guerra ni siquiera pueda comprender lo que Furiosa está tratando de encontrar. “¿Adónde vas tan llena de esperanza?” él la llama, sonriendo con una amargura que él confunde con sabiduría. El chico apenas puede contenerse después de que Furiosa pierde el mismo brazo en el que se había tatuado un mapa estelar del Lugar Verde de Muchas Madres. Lo que Dementus no sabe, y tal vez tenga que aprender de la manera más difícil, es que su cinismo maníaco efectivamente guiará a Furiosa hacia el único hogar que podrá encontrar. 

Su búsqueda para vengar la muerte de su madre es lo que impulsa esta historia, pero no es eso lo que hace que valga la pena contarla. "Furiosa" obtiene su inestimable potencia de cómo obliga a su heroína a observar a la horda de motocicletas de Dementus dar vueltas en círculos durante 15 años, matándose a sí mismos y a muchos otros en un intento inútil de controlar una parte de un páramo irradiado que ya sabemos que no lo harán o podrían mantener. Cada nueva indignidad la acerca a aceptar que no ir a ninguna parte con esperanza es mejor que ir a ninguna parte sin ella.

¿Cómo enfrentamos las crueldades del mundo? Negándonos a convertirnos en crueldades nosotros mismos. Una precuela tan ardiente internamente puede parecer una introducción extraña a una película que escupe fuego en todas direcciones, pero no te preocupes: George Miller todavía tiene lo necesario para hacerla épica. 

Crítica Cinéfila: Thor - Love and Thunder

El Dios del Trueno (Chris Hemsworth) emprende un viaje que no se parece en nada a lo que se ha enfrentado hasta ahora: una búsqueda de la paz interior. Pero el retiro de Thor se ve interrumpido por un asesino galáctico conocido como Gorr el Carnicero de Dioses (Christian Bale), que busca la extinción de los dioses. Para hacer frente a la amenaza, Thor solicita la ayuda del Rey Valkiria (Tessa Thompson), de Korg (Taika Waititi) y de su ex novia Jane Foster (Natalie Portman) que, para sorpresa de Thor, empuña inexplicablemente su martillo mágico, Mjolnir, como la Poderosa Thor.

Taika Waititi revitalizó el sub-universo de Thor Odinson de Marvel en 2017 con "Thor: Ragnarok" apoyándose en la comedia irreverente, reflejando la alegría y el pop-cultura que había funcionado para las películas de Guardianes de la Galaxia. Lamentablemente, esta fue una fórmula menos gratificante en "Thor: Love and Thunder"; aquí Waititi empuja a los sabios Dioses a exageraciones cómicas, apagando cualquier emoción, grandeza mítica o sensación de peligro que la última ronda de desafíos de memoria del Dios del Trueno pueda esperar generar. Chris Hemsworth sigue dando una gran visual muscular, pero lo que está en juego nunca adquiere mucha urgencia en una película demasiado ocupada siendo bromeante  e infantil para contar una historia apasionante.

Es probable que los fieles de Marvel defiendan este espíritu travieso que ha sido la marca registrada de Waititi. La banda sonora también se ajusta a ese modo, con éxitos de Guns N' Roses mezclados en la composición de Michael Giacchino. Pero, ¿es demasiado pedir algo que no se sienta como un imitación del tono de la última entrega?

La casa de Thor, New Asgard, se ha convertido en un parque de atracciones y destino de cruceros que ofrece paseos en barco vikingo, verdadero hidromiel asgardiano y recreaciones de la tradición mitológica, con caras famosas en cameos. Así que también lanzan a la audiencia a un nuevo Disneyland. La sensación de película infantil de este episodio sería evidente incluso sin que los niños de este patio de recreo nórdico monetizado miraran a través de las ventanas con los ojos abiertos mientras Thor y sus aliados luchan contra monstruos de sombra conjurados por el villano Gorr, el asesino de Dioses.

Con un aspecto delgado y mezquino, palidez zombi y brillantes ojos de demonio debajo de su tenue capucha blanca, Christian Bale aporta mucha intensidad malévola a ese papel, como el hombre de fe que una vez fue, a quien le robaron a su amada hija cuando los dioses abandonaron su planeta reseco. Pero su extensa historia de fondo en los cómics de Marvel se reduce tanto aquí que Gorr se convierte en otro loco con rencor, usando la necroespada de la que deriva su poder para matar a las deidades, como su nombre indica. En una película cuyo objetivo principal es divertido, Gorr es un personaje sombrío que hace a cualquiera perder la brujería descaradamente exagerada de la Hela de Cate Blanchett.

 

Thor tampoco tiene un compañero de entrenamiento verbal al nivel de Hulk/Bruce Banner de Mark Ruffalo. En su lugar, se ha reunido con su ex amor Jane Foster (Natalie Portman), que ya demostró ser un ajuste incómodo para el ambiente de Marvel en las primeras películas de Thor. Ahora está de vuelta, luchando contra el cáncer en la etapa 4, pero posponiendo lo inevitable a la manera vikinga, empuñando Mjollnir, el martillo del dios del trueno. Se la llama The Mighty Thor y se absuelve bien en la batalla, incluso si lucha por encontrar un eslogan digno. Portman no es del todo natural con la comedia, pero sobre todo parece una réplica femenina del personaje peculiar de Hemsworth hasta una abrupta sacudida en el patetismo cuando Thor declara que no puede soportar perder su amor de nuevo.

Esta es una película llena de cambios entrecortados, tanto en la narrativa como en los efectos visuales. Los entornos CGI son tan expansivos, y tan estridentemente coloridos, que casi se ven animados, y los saltos a los verdes campos de Asgard o a las estériles habitaciones del hospital donde Jane está siendo tratada dan la impresión de haber sido arrojada a una película diferente.

Thor y Jane, o Thor y Mighty Thor, si desean ser confusamente técnico, deben detener la amenaza galáctica de Gorr antes de que arrase a todos los dioses y llegue al Altar de la Eternidad, donde se concederá su deseo de omnipotencia o vida eterna o algo así. Su misión se vuelve más apremiante por el hecho de que Gorr haya secuestrado a todos los niños de Asgard, que están prisioneros en una enorme jaula con pinchos.

Los buenos tienen la ayuda de la reina Valquiria (Tessa Thompson), ahora gobernante benévola de New Asgard, pero sigue siendo una guerrera intrépida; y el amigo de piedra de Thor, Korg (Waititi), cuyo comentario tonto se enmarca como la hora de los cuentos infantiles, lo que se suma a la sensación general de aventura. Se apoderan de un barco de parque temático para sus viajes espaciales, tirados por dos cabras gigantes que gritan, que son divertidas durante un minuto. Hacen una parada en el Templo Dorado de los Dioses para solicitar la ayuda del vanidoso Zeus (Russell Crowe). Eso demuestra ser un busto, aunque permite reconocimientos descarados de la dotación aparentemente impresionante de Thor cuando Zeus lo desnuda, y anotan una arma necesaria con el rayo dorado de Zeus.

Waititi, el director de fotografía Barry Idoine y el equipo de efectos cambian el esquema visual constante, de los coloridos planos de Thor y sus aliados, al blanco y negro una vez que la audiencia llega al reino de sombras de Gorr, y el brillo casi cegadora de la representación de la Eternidad como un cielo de nubes bajas reflejadas en aguas poco profundas. Sin embargo, en su mayor parte, esta es una película desordenada que hace pausas para el drama, el romance o la comedia entre decorados de acción escenificados caóticos. El más energizado de ellos implica que a los niños secuestrados se les concede el poder de Thor durante el día y se enfrenten a los monstruos de sombra de Gorr. Pero incluso aquí, el enfoque cambia demasiado inquieto como para saborear su momento de gloria.

Más que la mayoría de las películas recientes del UCM, el guion de Waititi y Jennifer Kaytin Robinson muestra una crisis de imaginación, con demasiada frecuencia confiando en risas fáciles de referencias interculturales (Korg sigue equivocando el nombre de Jane, llamándola Jane Fonda o Jodie Foster) o referencias pop (Enya, Abba) en lugar de hacer algo interesante con los personajes o construir gravedad real en su situación. Incluso la inclusión de personajes queer (Valkyrie anhelando el amor de su hermana guerrera perdida, o Korg revelando que su especie se aparea con otros machos para hacer monstruos rocosos bebés) parece más una representación complaciente que cualquier cosa vitalmente basada en la narración.

Claro, los fans seguro están encantados de ver a Chris Pratt y a la tripulación de Guardianes de la Galaxia aparecer en una batalla temprana, además de que hay algunos interludios ligeramente conmovedores entre Hemsworth y Portman a medida que la salud de Jane se vea más comprometida con cada giro del martillo. Pero hasta un final sentimental que parece diseñado en torno a "Sweet Child O' Mine", la película se siente demasiada ligera, frívola, olvidable al instante, que no provoca ni amor ni truenos.

Crítica Cinéfila: MIB International

Los Hombres de Negro siempre han protegido la Tierra de la escoria del universo. En esta nueva aventura, se enfrentarán a su mayor amenaza hasta la fecha: un topo en la organización MIB.

Aquí vienen los Hombres de Negro, pero no los que recuerdas. "Men in Black: International" de Gary Gray, una secuela de la exitosa franquicia sobre burócratas humanos que gestionan los servicios de inmigración interestelar en la Tierra, tiene un elenco y un estilo completamente nuevo, pero sin ninguna novedad en sus ideas.

La adaptación original de Barry Sonnenfeld en 1997 de la serie de Malibu Comics "Hombres de negro" fue uno de los éxitos de taquilla más inesperados de los años noventa. La mitad de la película fue una exposición directa pero divertida, por lo que a nadie le importó. Excéntrico e inteligente, negándose firmemente a participar en una secuencia de acción cada vez que una conversación extraña lo haría, la película era un raro faro de ingenio en un terreno baldío de espectáculos sin escrúpulos.

Pero después de dos secuelas, la franquicia "Men in Black" nunca evolucionó del todo. Lo que comenzó como una metáfora puntiaguda para Estados Unidos como un crisol de culturas dispares se convirtió en un vehículo estrella débil para Will Smith y Tommy Lee Jones, y luego un vehículo estrella mediocre para Will Smith y Josh Brolin (interpretando una versión más joven de Tommy Lee). El suministro aparentemente ilimitado de material atemporal y tópico que fue objeto de burlas en la película original se agotó. Casi inmediatamente.

Y así una vez más regresamos por "Men in Black: International", una nueva entrada más ligera que el aire en la serie. Tessa Thompson y Chris Hemsworth, reunidos después de "Thor: Ragnarok" y "Avengers: Endgame", son los Agentes M y H, y tendrán que superar sus personalidades en conflicto para encontrar un misterioso dispositivo alienígena que podría amenazar con el universo.

Se acabó el comentario social, ya sabes, "el punto", y en su lugar se encuentra la súper aventura de espionaje de ciencia ficción trotamundos, vacía pero entretenida, y transmitida casi exclusivamente por los encantos multimillonarios y atrayentes de sus estrellas.

Thompson interpreta a Molly, a quien los Hombres de Negro borraron los recuerdos de su familia después de un encuentro extraño con un alienígena, pero no de ella, por lo que ha pasado toda su vida tratando de encontrar al MIB. No para exponerlos, sino para alistarse. Después de burlar a la organización e impresionar a la Agente O (Emma Thompson), Molly es contratada en forma probatoria y estacionada en Inglaterra como Agente M. Su nuevo compañero es H (Hemsworth), quien salvó el mundo hace unos años y desde entonces ha estado aprovechando los caprichos de ese único éxito. H es irresponsable y un poco inepto, pero es un infierno de animales de fiesta, así que cuando un dignatario alienígena visitante viene a la Tierra en busca de pasar un buen rato, el MIB le da el puesto de chaperón.

Cuando unos asesinos matan al alienígena que debía proteger, y justo antes de morir le da a M una misteriosa caja de rompecabezas y una advertencia de que MIB podría estar en peligro, M y H se encuentran solos, viajando por el mundo y entrando en una secuencia de acción emocionante tras otra, en un lugar atractivo tras otro.

En caso de que no estuviera claro, Hemsworth interpreta la versión de James Bond de "Men in Black". Es apuesto y encantador, y bueno en un rasguño, pero es terrible con el protocolo, demasiado ansioso por recurrir a la violencia y un coqueteo sin esperanzas. Mientras tanto, M tiene su momento de novata, pero rápidamente se encuentra escalando caras escarpadas mientras se viste como Ethan Hunt, y luego se enfrenta a Rebecca Ferguson, jugando con una versión de realidad alternativa de Ilsa Faust.

La estética realmente encaja. "Men in Black" siempre parecía haber comprado sus sets de segunda mano en un Trift Shop de películas, y los héroes siempre eran demasiado geniales para tomar en serio la acción. "International" toma el diseño de producción del original "Men in Black" y lo lanza sobre un thriller de espías matinal de la vieja escuela. El director de fotografía Stuart Dryburgh ("Ben is Back") le da a la película una estética de viaje brillante y seductora, y el compositor Chris Bacon ("Sherlock Gnomes") le da a Danny Elfman la versión original de "Men in Black".

Una cosa es segura: Gary Gray sabe cómo hacer éxitos de taquilla afables y efectivos. Lo hizo antes con "The Italian Job" y "The Fate of the Furious", y lo está haciendo de nuevo ahora. "Men in Black: International" es casi un simpático enfrentamiento, como si el deslumbrante reparto y la ágil dirección te desafiaran a encontrar un defecto. Este es un entretenimiento de ciencia ficción sencillo y encantador para (casi) toda la familia. ¿Qué más podrías querer?

Sin embargo, y a pesar de que Gary Gray puede aportar aún más a una película cuando lo desee, y el director de "Straight Outta Compton" parece haberse resistido al impulso en esta ocasión. Thompson y Hemsworth son eléctricos, pero no tienen nada significativo que decirse, y la trama de la película sobre superarmas y topos en el MIB es bien anticuado, hasta el punto de que es casi totalmente irrelevante para el día de hoy.

En un mundo donde los problemas de inmigración están a la vanguardia del panorama político, lo que más se puede decir de MIB sobre el tema, que es, de nuevo, la premisa fundamental de toda la franquicia, es que a veces los extranjeros son buenos y algunas veces son malos. Y cuando son malos, es bueno que los buenos tengan armas de energía gigantes. Aparentemente. No parece haber sido pensado muy bien. La película carece de ambición o profundidad, pero es divertida y abundante, lo que demuestra que Tessa Thompson y Chris Hemsworth son dos de las estrellas de cine más agradables de la galaxia.

Puedes lanzar "Thompsworth" en una película educativa sobre el aserrín, y todavía encontrarán la manera de hacerlo fabuloso. Póngalos en una película con un diseño de producción elegante, acción divertida y un guión altamente convencional, y obtendrán un tratamiento de verano verdaderamente agradable, aunque superficial.

Bad Times at the El Royale

Siete desconocidos, cada uno con un secreto, se reúnen en el hotel El Royale, en el lago Tahoe, un sitio ruinoso con un oscuro pasado. En el transcurso de una fatídica noche, todos tendrán una última oportunidad de redención... antes de que todo se vaya al infierno. (FILMAFFINITY)

Un sacerdote, un vendedor y un cantante de reserva entran al vestíbulo de un motel vacío. Esta introducción puede significar tres cosas: es un chiste, es noir o pasará un homicidio. En los primeros minutos es muy obvio que esta es una película realizada por Drew Goddard, quien vuelve a ponerse la gorra de director con Bad Times at the El Royale, una película sobre secretos que lo único que intimida es la duración en pantalla. Con su famoso elenco, su diseño deslumbrante y su atractiva cinematografía, la trama presenta una historia larga pero completa.

El Royale es un hotel deteriorado que se encuentra en la misma frontera entre California y Nevada. Hace 10 años era el escenario de fiestas, turistas, y personas de la élite, ahora es solo un motel de paso para personas que quieren ocultar sus sucios juegos. De repente se convierte en un campo de batalla de mala muerte cuando siete extraños (un padre, una cantante de soul, un vendedor ambulante, dos hermanas, el gerente y el misterioso Billy Lee) que se reúnen en una fatídica noche para una última oportunidad de redención antes de que todo salga mal.

La película se extiende debido a la estructura de capítulos que su guionista desarrolló para darle una oportunidad a cada personaje de presentar su su historia, su personalidad y a lo que se dedica. A medida que avanza, ya se conocen sus secretos, pero no de cada uno, pues los capítulos no se introducen al mismo tiempo sino a lo largo de la película. El formato resulta interesante, dejando algunos buenos secretos para el final, pero falla en algunas ocasiones sobretodo por la longitud de cada backstory.

Ahora, los personajes demuestran que este formato no resulta una completa pérdida de tiempo, pues las actuaciones magníficas del elenco en conjunto convierten esta película en una historia fácil de seguir y difícil de aburrir. Cada uno de los actores de esta película rompió el estilo que ya había establecido en sus actuaciones anteriores y otorgó una personificación divertida, inesperada y profunda. Otro aspecto interesante del guión es cómo conecta los capítulos con el momento en que cada personaje se involucró en el conflicto principal. A pesar de que cada uno está allí por razones diferentes, una sola razón (la niña "secuestrada" en la habitación siete *Spoiler!*) es lo que los va a ir atando en este lío mayor.

El estilo cinematográfico, destacando los colores de la escenografía, y el punto más curioso de la trama como la línea que divide California y Nevada, se va acercando más al estilo noir, que en todo momento logra mantenerse gracias a ser una historia de época, a la estructura de episodios y la cinematografía tan cortante casi coreografeada al compás de la musicalización. La banda sonora es todo, pero a la vez complementa cada elemento.

Pero regresemos a un aspecto importante: la producción de diseño. No solamente resaltada en los distintos sets y las habitaciones, sino también en la vestimenta de los actores y cada minúsculo detalle de cada lugar. Este departamento respondió con altura al guión, y por poco lo opacó junto con la fotografía de Seamus McGarvey (Anna Karenina, The Avengers, The Greatest Showman).

Las muertes son impredecibles. Los personajes son indecifrables. Cada detalle cuenta. Habrá tenido 20 minutos de más, pero es una historia que sabe aprovechar su contenido, lo explota y le entrega a la audiencia siete protagonistas con metas personales que le podrían provocar la muerte al de al lado. Quizás las leyes federales de un estado y el otro los protejan.

Thor: Ragnarok

Thor está encerrado en otro lado del Universo sin su martillo y se encuentra a sí mismo en una carrera en contra del tiempo para volver a Asgard y parar el Ragnarok -la destrucción de su hogar al final de la civilización asgardiana- que se encuentra en manos de una poderosa amenaza, la despiadada Hela. Pero primero debe sobrevivir a una competición letal de gladiadores que le enfrentará a su aliado y compañero de Los Vengadores: el increíble Hulk (Sensacine)

Por tercera ocasión, el Dios del Trueno se enfrenta a una situación de vida o muerte, en este caso en particular, que pone en peligro a la población de Asgard. Según Thor, ya había tenido una serie de sueños donde revelaban la profecía de Ragnarok, que explica que su civilización se arruinaría en llamas si Sutur unía su corona a la eterna llama que existe en la ciudad. Una vez que derrota Sutur, Thor regresa a Asgard y descubre que su padre ha sido envíado a la Tierra y su hermano adoptivo Loki se ha disfrazado de Odín para poder gobernar su pueblo.

Pero al llegar junto a su padre, se enteran de que su hermana Hela planea regresar a vengar su exilio y tomar el trono, destruyendo el famoso martillo de Thor y desviando el camino de los hermanos, quienes cuando eran transportados de regreso a Asgard, fueron atacados por Hela y terminaron aterrizando en Sakaar. Allí Thor tratará de escapar a su líder, participando en una competencia de pelea entre luchadores; uno de ellos, el poderoso Hulk.

Esto es tan solo los primeros 30 minutos de trama de esta película, que ya estaban cargados de mucha tensión y momentos graciosos. Y así fue evolucionando el resto de la película, que se caracterizó por su tono burlesco, mientras transcurrían las mejores escenas de batallas que había visto desde Avengers. 

En esta tercera entrega, los guionistas decidieron volverse locos y dejar que la historia fluyese como no lo había logrado perfectamente las primeras películas de Thor. Quizás por el hecho de que la audiencia ya estaba totalmente empapada de los términos, los personajes, la fantasía y las criaturas, hizo que fuese más fácil digerir todo lo que ocurría y dejarse llevar por la trama, que se entiende y se conecta con el resto de los sucesos que han ocurrido en otros universos de Marvel, pero que se relacionan a estos personajes.

Chris Hemsworth (como siempre) excede las expectativas y otorga una actuación exquisita; sin embargo, en esta historia variaron totalmente su personalidad. En los primeros filmes, vimos a Thor como un personaje más arrogante, impulsivo y reservado; sigue siendo arrogante, pero de una manera más seductora y menos por el hecho de demostrar que es el mejor. Además Thor tuvo muchas escenas de comedia, y casi terminó convirtiéndose en una comedia con acción, que viceversa. Quizás a muchos les guste este detalle, pero a mi me pareció excesivo e innecesario en algunas ocasiones. Lo mismo ocurre con Loki y Hulk, que ambos se han ganado la fama de ser personajes rudos y sombríos, principalmente Hulk; pero ahora se ven más tontos. No obstante, no dejan de ser un punto muy importante para la historia.

Otras importantes apariciones en la película son Doctor Strange, Odín y Heimdall. Y por supuesto Stan Lee.

Sin embargo, la historia crea un buen arco y evolución al personaje de Thor que demuestran: 1) el martillo era solo un accesorio, y es verdaderamente el Dios del trueno, y 2) tiene más voz verdadera de liderazgo y de toma de decisiones, como Odín siempre quiso.

Hela, interpretado por Cate Blanchett, es uno de los personajes más completos que he conocido de Marvel, ya que se entiende perfectamente cuál es su verdadera razón de ser la antagonista, cuál es su pasado y tiene un verdadero deseo de gobernar el trono de Asgard que no es solo por querer liderarlo, sino por "convertirlo nueva vez en lo que alguna vez fue".

La fotografía, la musicalización y el diseño de producción de los escenarios no decepcionan y son uno de los principales atractivos de la trama, junto con el juego de efectos especiales, que ahora más que nunca Marvel ha fortalecido para hacerlos más creíbles. Y sí que me los creí. Una de las mejores escenas es, sin duda, la batalla entre Hulk y Thor en Sakaar.

Thor Ragnarok es, sin duda, la mejor película de la trilogía de este personaje, y una de las más entretenidas que ha creado este universo de superhéroes, gracias a que no dejan ningún detalle abandonado y se guían de lo que ya nos han contado, pero con más humor, nuevos personajes interesantes y un futuro comprometedor por delante.