Crítica Cinéfila: May December

Veinte años después de que el mediático romance entre Gracie Atherton-Yu y su joven marido Joe escandalizara al país, con sus hijos a punto de graduarse en el instituto, se va a rodar una película sobre su historia. La actriz Elizabeth Berry pasará un tiempo con la familia para intentar entender mejor a Gracie, a la que va a interpretar, provocando que la dinámica familiar se deshaga bajo la presión de la mirada exterior.

En el montaje experimental que abre “Persona”, un adolescente con el torso desnudo acaricia una pantalla en la que los rostros de dos mujeres se transforman lentamente de un lado a otro. Es fácil imaginar que Todd Haynes se sienta tentado a comenzar su drama de esta manera, pero es que "May December" es más profundo de lo que cualquiera pudiese imaginarse, ya que esta película infinitamente fascinante se centra en la confusión de las líneas entre una estrella de Hollywood (Natalie Portman) y la persona de un crimen real que ella interpretaría, quien fue sorprendida en una relación sexual con un estudiante de séptimo grado a la edad de 36 años. La película quiere saber: ¿Puede interpretar a esta Mary Kay Letourneau?

Haynes, un director embriagador cuya obra entera parece madura para disertaciones sobre estudios cinematográficos, hace películas no sólo para ser vistas, sino para ser analizadas y deconstruidas después de verlas. Desde el remake de Douglas Sirkian de “Far From Heaven” hasta el extraño giro de las clásicas “imágenes de mujeres” proporcionadas por “Carol”, su estilo puede ser frío y distanciador. Pero en "May December" esto no es así. Tan estratificada e infinitamente abierta a la interpretación como cualquiera de sus películas, también es la más generosa y directa, comenzando no con referencias a Ingmar Bergman (aunque vienen más adelante), sino con imágenes maduras de invernadero de mariposas monarcas, subrayadas por una exuberante reelaboración del tema en piano de Michel Legrand de “El intermediario”. El potencial de pasión, transformación y subversión flota en el aire.

Como Gracie Atherton-Yoo, Moore interpreta a una mujer con una conciencia de teflón que, incluso después de más de dos décadas, sigue desviando las críticas públicas. No ayudó que se hiciera una mala película para televisión sobre el escándalo en ese momento, que Haynes muestra de manera divertida en un momento. Ahora abuela (por su primer matrimonio), Gracie espera que una nueva película independiente aporte algunos matices a su historia, lo que no parece especialmente probable, si se consideran “The Staircase” de Netflix y otros ejemplos. Pero no es la primera vez que acepta con optimismo una oferta así.

Gracie le da la bienvenida a Elizabeth Berry (Portman), estrella de una popular serie de televisión llamada “Norah’s Ark”, a la casa de Savannah que comparte con Joe Yoo (Charles Melton), el mucho más joven esposo de Gracie. Joe tenía sólo 13 años cuando se enamoraron. Fueron sorprendidos en el almacén de la tienda de mascotas de Georgia donde trabajaban Gracie y Joe. Siguió un circo mediático y su bebé “nació tras las rejas”, como dijeron los periódicos del corazón.

Haynes y el guionista Samy Burch presentan esa historia de fondo en pedazos, lo que permite al público formarse sus primeras impresiones de Gracie antes de descubrir su crimen. El tono lo es todo en películas como esta, y Haynes hace todo lo posible para evitar el sensacionalismo que hizo que “To Die For” o “Cry-Baby” fueran tan deliciosamente cursis. Una de las estrategias de supervivencia de Gracie y Joe es insistir en que todavía están enamorados, aunque en escenas privadas lo vemos enviando mensajes de texto a otra persona. Claramente hay más en esta relación de lo que parece, y Elizabeth solo puede descubrir una parte de ello en los pocos días que ha organizado para observar a la familia Yoo.

Mientras Elizabeth continúa su investigación para poder interpretar a Gracie en pantalla, tratando de meterse en la piel de Gracie entrevistando a su ex-marido y a quienes mejor la conocen, lo que sigue no es simplemente una deconstrucción cautivadora del proceso de un actor. Es una inmersión profunda en la psicología de todos los involucrados, especialmente de aquellos que se sentirían atraídos por desempeñar ese papel. "Es la complejidad, las áreas morales grises, lo que lo hace muy interesante", dice Elizabeth en una clase de actuación en una escuela secundaria. Dejando pistas que darán sus frutos más adelante, discute de manera inapropiada los matices de filmar escenas de sexo con estos adolescentes. La misma diferencia de edad separa a Gracie de Elizabeth que existía entre la mujer y su víctima. ¿Podrá esta actriz realmente hacer justicia a su historia?

“May December” opera en muchos niveles a la vez, lo cual permite al público especular sobre las motivaciones de Gracie (la razón por la que nos atraen películas como la que se hace sobre ella) incluso mientras vemos a Elizabeth “convertirse” en su personaje. Por la noche, regresa a la casa local que alquila y ve audiciones en vídeo con los actores menores de edad que podrían ser sus coprotagonistas, comentando que «no son lo suficientemente sexy». Sus interacciones con el Joe de la vida real se vuelven cada vez más coquetas, hasta el punto que uno no puede evitar preguntarse si Elizabeth siente que necesita seducirlo para poder comprender a Gracie.

Todos aquí están actuando en todo momento. En un metanivel, Moore también es una actriz que interpreta a una mujer declarada culpable de corromper a un menor, lo que plantea preguntas intrigantes sobre la realidad y la representación (al estilo de “Kate interpreta a Christine”). Reteniendo el juicio moral lo mejor que puede, Haynes mantiene las cosas más emocionales que intelectuales, confiando en que el público lo desempaquetará por sí solo. Aunque Portman tiene aquí el papel más conceptual, Moore debe establecer un punto de referencia para la credibilidad de la Gracie “real”: una mujer que se describe a sí misma como “ingenua”, pero que está muy interesada en cómo será retratada eventualmente, y astutamente manipuladora para conseguirlo a su manera (un gran ejemplo es cómo influye en la elección del vestido de graduación de su hija, o la forma en que le recuerda a Joe: “tú me sedujiste”).

“May December” sugiere una versión ficticia del documental “Subject” del año pasado sobre dónde están ahora y sobre cómo la atención del público puede cambiar las vidas de quienes aparecen en las películas, no siempre para mejor. La transformación más interesante aquí ocurre dentro de Elizabeth, mientras la actriz intenta encontrar su Gracie interior. En un momento, Haynes coloca a Portman y Moore frente a un espejo mientras Gracie realiza los movimientos de aplicarse su propio maquillaje. A mitad de la escena, pasan de mirar directamente al público a verse reflejados en los ojos del otro. Cualquiera que sea la intimidad que establezcan estas dos mujeres, Elizabeth está más interesada en llegar a la verdad de las motivaciones de Gracie; mucho más que en proteger su imagen en pantalla. Ese es el ideal inefable del arte, y que está inevitablemente limitado por la distancia entre una actriz y su punto de inspiración.

Crítica Cinéfila: Thor - Love and Thunder

El Dios del Trueno (Chris Hemsworth) emprende un viaje que no se parece en nada a lo que se ha enfrentado hasta ahora: una búsqueda de la paz interior. Pero el retiro de Thor se ve interrumpido por un asesino galáctico conocido como Gorr el Carnicero de Dioses (Christian Bale), que busca la extinción de los dioses. Para hacer frente a la amenaza, Thor solicita la ayuda del Rey Valkiria (Tessa Thompson), de Korg (Taika Waititi) y de su ex novia Jane Foster (Natalie Portman) que, para sorpresa de Thor, empuña inexplicablemente su martillo mágico, Mjolnir, como la Poderosa Thor.

Taika Waititi revitalizó el sub-universo de Thor Odinson de Marvel en 2017 con "Thor: Ragnarok" apoyándose en la comedia irreverente, reflejando la alegría y el pop-cultura que había funcionado para las películas de Guardianes de la Galaxia. Lamentablemente, esta fue una fórmula menos gratificante en "Thor: Love and Thunder"; aquí Waititi empuja a los sabios Dioses a exageraciones cómicas, apagando cualquier emoción, grandeza mítica o sensación de peligro que la última ronda de desafíos de memoria del Dios del Trueno pueda esperar generar. Chris Hemsworth sigue dando una gran visual muscular, pero lo que está en juego nunca adquiere mucha urgencia en una película demasiado ocupada siendo bromeante  e infantil para contar una historia apasionante.

Es probable que los fieles de Marvel defiendan este espíritu travieso que ha sido la marca registrada de Waititi. La banda sonora también se ajusta a ese modo, con éxitos de Guns N' Roses mezclados en la composición de Michael Giacchino. Pero, ¿es demasiado pedir algo que no se sienta como un imitación del tono de la última entrega?

La casa de Thor, New Asgard, se ha convertido en un parque de atracciones y destino de cruceros que ofrece paseos en barco vikingo, verdadero hidromiel asgardiano y recreaciones de la tradición mitológica, con caras famosas en cameos. Así que también lanzan a la audiencia a un nuevo Disneyland. La sensación de película infantil de este episodio sería evidente incluso sin que los niños de este patio de recreo nórdico monetizado miraran a través de las ventanas con los ojos abiertos mientras Thor y sus aliados luchan contra monstruos de sombra conjurados por el villano Gorr, el asesino de Dioses.

Con un aspecto delgado y mezquino, palidez zombi y brillantes ojos de demonio debajo de su tenue capucha blanca, Christian Bale aporta mucha intensidad malévola a ese papel, como el hombre de fe que una vez fue, a quien le robaron a su amada hija cuando los dioses abandonaron su planeta reseco. Pero su extensa historia de fondo en los cómics de Marvel se reduce tanto aquí que Gorr se convierte en otro loco con rencor, usando la necroespada de la que deriva su poder para matar a las deidades, como su nombre indica. En una película cuyo objetivo principal es divertido, Gorr es un personaje sombrío que hace a cualquiera perder la brujería descaradamente exagerada de la Hela de Cate Blanchett.

 

Thor tampoco tiene un compañero de entrenamiento verbal al nivel de Hulk/Bruce Banner de Mark Ruffalo. En su lugar, se ha reunido con su ex amor Jane Foster (Natalie Portman), que ya demostró ser un ajuste incómodo para el ambiente de Marvel en las primeras películas de Thor. Ahora está de vuelta, luchando contra el cáncer en la etapa 4, pero posponiendo lo inevitable a la manera vikinga, empuñando Mjollnir, el martillo del dios del trueno. Se la llama The Mighty Thor y se absuelve bien en la batalla, incluso si lucha por encontrar un eslogan digno. Portman no es del todo natural con la comedia, pero sobre todo parece una réplica femenina del personaje peculiar de Hemsworth hasta una abrupta sacudida en el patetismo cuando Thor declara que no puede soportar perder su amor de nuevo.

Esta es una película llena de cambios entrecortados, tanto en la narrativa como en los efectos visuales. Los entornos CGI son tan expansivos, y tan estridentemente coloridos, que casi se ven animados, y los saltos a los verdes campos de Asgard o a las estériles habitaciones del hospital donde Jane está siendo tratada dan la impresión de haber sido arrojada a una película diferente.

Thor y Jane, o Thor y Mighty Thor, si desean ser confusamente técnico, deben detener la amenaza galáctica de Gorr antes de que arrase a todos los dioses y llegue al Altar de la Eternidad, donde se concederá su deseo de omnipotencia o vida eterna o algo así. Su misión se vuelve más apremiante por el hecho de que Gorr haya secuestrado a todos los niños de Asgard, que están prisioneros en una enorme jaula con pinchos.

Los buenos tienen la ayuda de la reina Valquiria (Tessa Thompson), ahora gobernante benévola de New Asgard, pero sigue siendo una guerrera intrépida; y el amigo de piedra de Thor, Korg (Waititi), cuyo comentario tonto se enmarca como la hora de los cuentos infantiles, lo que se suma a la sensación general de aventura. Se apoderan de un barco de parque temático para sus viajes espaciales, tirados por dos cabras gigantes que gritan, que son divertidas durante un minuto. Hacen una parada en el Templo Dorado de los Dioses para solicitar la ayuda del vanidoso Zeus (Russell Crowe). Eso demuestra ser un busto, aunque permite reconocimientos descarados de la dotación aparentemente impresionante de Thor cuando Zeus lo desnuda, y anotan una arma necesaria con el rayo dorado de Zeus.

Waititi, el director de fotografía Barry Idoine y el equipo de efectos cambian el esquema visual constante, de los coloridos planos de Thor y sus aliados, al blanco y negro una vez que la audiencia llega al reino de sombras de Gorr, y el brillo casi cegadora de la representación de la Eternidad como un cielo de nubes bajas reflejadas en aguas poco profundas. Sin embargo, en su mayor parte, esta es una película desordenada que hace pausas para el drama, el romance o la comedia entre decorados de acción escenificados caóticos. El más energizado de ellos implica que a los niños secuestrados se les concede el poder de Thor durante el día y se enfrenten a los monstruos de sombra de Gorr. Pero incluso aquí, el enfoque cambia demasiado inquieto como para saborear su momento de gloria.

Más que la mayoría de las películas recientes del UCM, el guion de Waititi y Jennifer Kaytin Robinson muestra una crisis de imaginación, con demasiada frecuencia confiando en risas fáciles de referencias interculturales (Korg sigue equivocando el nombre de Jane, llamándola Jane Fonda o Jodie Foster) o referencias pop (Enya, Abba) en lugar de hacer algo interesante con los personajes o construir gravedad real en su situación. Incluso la inclusión de personajes queer (Valkyrie anhelando el amor de su hermana guerrera perdida, o Korg revelando que su especie se aparea con otros machos para hacer monstruos rocosos bebés) parece más una representación complaciente que cualquier cosa vitalmente basada en la narración.

Claro, los fans seguro están encantados de ver a Chris Pratt y a la tripulación de Guardianes de la Galaxia aparecer en una batalla temprana, además de que hay algunos interludios ligeramente conmovedores entre Hemsworth y Portman a medida que la salud de Jane se vea más comprometida con cada giro del martillo. Pero hasta un final sentimental que parece diseñado en torno a "Sweet Child O' Mine", la película se siente demasiada ligera, frívola, olvidable al instante, que no provoca ni amor ni truenos.

Crítica Cinéfila: Lucy in the Sky

Lucy Cola (Natalie Portman) es una astronauta que regresa a la Tierra tras una experiencia trascendental durante una misión en el espacio, y que comienza a perder su conexión con la realidad en un mundo que de pronto se le hace pequeño.

Hollywood siempre ha encontrado la manera de reinventarse con los géneros y temáticas, sobretodo cuando recibe ayuda de novelas y libros literarios famosos que pueden inspirar y ser adaptadas a la pantalla grande. El subgénero de ciencia ficción de astronautas siempre ha sido uno bien visitado, en especial cuando se enfocan en retratar y/o recrear las sensaciones que se sienten en el espacio, desde la falta de oxígeno y control, hasta los silencios casi insoportables. Pero mostrarlo desde el punto de vista de una persona que se enamora del espacio a un nivel que la Tierra parece diminuta frente a lo que ya vivió, suena a un concepto que, si es bien ejecutado, resulta una película buena. Sin embargo, este no es el caso de Lucy in the Sky.

Evidentemente ambientada en algún momento de la década de 1990,  Lucy Cola (Natalie Portman) como una joven transformada por su experiencia de estar atada al espacio fuera de un transbordador espacial durante una misión. "Solo unos minutos más", suplica cuando es hora de regresar a bordo, y a su regreso a casa, todo lo que quiere es regresar allí. 

Aunque Lucy tiene una familia ultra solidaria esperándola, una vida simple y normal no parece que vaya a hacerlo por ella por más tiempo. Lo primero que hace es inscribirse como candidata para un viaje de regreso, posiblemente en tres años como mínimo. E instantáneamente al darse cuenta de que su dulce, devotamente religioso y generoso esposo Drew (Dan Stevens) ya no le llama tanto, lo segundo que hace es lanzarse a una aventura amorosa con el astronauta Mark (Jon Hamm), quien adula ella adivinando que "apuesto a que nunca llegaste en segundo lugar en nada". Pero su enfoque es y siempre será el espacio. Su mente, cuerpo y perspectiva se han graduado a un nivel superior. Ella proclama que "nunca se sintió tan viva", y es fácil ver por qué.

El guión de Hawley, Brian C. Brown y Elliott DiGuiseppi presenta prometedoramente a la astronauta, inspirándose del caso de la astronauta Lisa Nowak. Lo que diferencia su historia de la de Lucy es que de seguro la astronauta tenía un enfoque verdadero en su vida y una razón de sus acciones. Por más lineal que se haya planteado esta película, llega a un punto en que se vuelve confusa y que es difícil entender por qué la protagonista se clavaría a sí misma un cuchillo tan grueso que no solo afectaría a su familia, sino también a su carrera. Es muy episódica y parece que estuviese narrando brevemente lo que ocurrió en diferentes capítulos, por lo que por momentos se siente como que se han saltado alguna página importante del guión. Está claro que Natalie Portman puede lograr cualquier rol que se le cruce por el camino, pues ningún acento o nivel psicológico es su límite; sin embargo, el tratamiento del personaje no la ayudó. De repente la vemos deambulando en la carretera sin ningún objetivo, y cuando ella finalmente llega a su meta, la única pregunta que le hacemos es ¿por qué?

Drew se presenta como un alma tan decente, cuadrada y afable que odias verlo a un lado tan fácilmente, pero la necesidad de Lucy de seguir adelante es manifiesta. Mark es un tipo tan guapo que parece ser capaz de elegir a cualquiera, y no pasa mucho tiempo hasta que Lucy, la fantasía nacida en el espacio de sí misma como una especie de supermujer, vuelve a la Tierra. Luego parece que la película se dirige al territorio de venganza de Fatal Attraction, con Lucy enfurecida e intentando algún tipo de retribución drástica a la manera de la verdadera astronauta de la NASA, Lisa Nowak. Este tipo de escenario no funcionaría demasiado bien para el público en el clima político actual, historia real o no, y afortunadamente, la imagen va en una dirección algo diferente al final.

Mucho antes de este punto, queda claro que las ambiciones más elevadas de la película, literal y figurativamente, están disminuyendo significativamente en medio de todo el melodrama. Una película que inicialmente parecía apuntar en la dirección de una pieza acompañante femenina al Ad Astra que  llega actualmente, en cambio, se contenta con vivir en el mundo normal de los celos sexuales y la venganza. Es decepcionante después de todos los primeros indicios de que podría tener algo más en mente.

Pero lo más notable es su frecuente alteración de las relaciones de aspecto en función de lo que está tratando de lograr en una escena determinada. Cuando el mundo parece abrirse a Lucy, todo se expande a la pantalla panorámica. Pero cuando las cosas se vuelven íntimas y / o problemáticas, Hawley reduce los procedimientos a lo que parece ser una relación de aspecto de 1.37x1. Esta alternancia puede ocurrir dentro de un minuto o dos. Cuando las proporciones cambian repetida y rápidamente, la maniobra atrae tanta atención sobre sí misma que anula el supuesto propósito. Sin embargo, cuando los cambios se producen de manera más adecuada y con menos frecuencia, se puede decir que su función se siente aún más.

Desde un punto de vista visual, Hawley parece decidido a probar un montón de ideas y ver qué queda. Al principio, sus esfuerzos por enfatizar el aspecto que cambia la vida de la experiencia de Lucy son razonablemente exitosos. Los momentos en los que Lucy parece estar orbitando en la Tierra, casi regresándose al espacio están visualmente ricos y tiene un par de momentos en los que el tiempo parece ir a una velocidad distinta que a la perspectiva en la que se mueve Lucy, muy bien logrados, destacándose como lo más memorable de la historia.

Esta es una película extraña que comienza cósmicamente grande y gradualmente se vuelve más estrecha y más convencional a medida que avanza. Este primer largometraje de Noah Hawley, creador de la serie de televisión Fargo, rebosa de historias originales e ideas visuales que inicialmente se combinan en un efecto silencioso y atractivo, pero el tramo final estalla en un melodrama exagerado que se siente discordante después de todo lo anterior, quedándose como una curiosa pieza "inspirada en hechos reales" que se encuentra entre las grietas de un estudio de carácter distintivo y un ramificado hilo de celos sexuales en el ejército. Parece ser un vuelo corto comercialmente.

Vox Lux

Celeste (Natalie Portman) es una estrella internacional de la música pop que debe confrontar su legado en las horas previas a un gran concierto. (FILMAFFINITY)

Vox Lux cae en la categoría de inicio sorprendente que va decayendo a medida que la película avanza. A pesar de la polémica del tema que presenta y contar con actores de alto calibre, la trama se queda corta en contenido.

La historia inicia en enero de 1999. El primer día de clase después de las vacaciones de navidad se convierte en una masacre cuando un adolescente llega a la escuela con un rifle y asesina a estudiantes y maestros. Con apenas 13 años de edad, Celeste es una de las víctimas que logra sobrevivir al trauma y las heridas. En su recuperación, decide escribir una canción en memoria de aquellos que fallecieron y un manager musical ve talento en ella. Desde ese momento comienza a incursionar en la industria de entretenimiento, hundiendosé aún más en su lado oscuro, y convirtiéndose en adulta mucho antes de tiempo. 18 años después, en 2017, Celeste se ha convertido en una artista muy reconocida y sus canciones se hacen populares al instante. No obstante, un grupo de terroristas se disfrazan con las máscaras de uno de sus videos musicales y atacan a disparos a turistas en una playa. Es allí cuando su pasado vuelve a hacerse de frente, y ahora Celeste con más madurez deberá hacerle frente a los periodistas que quieren comparar el atentado a su vida desenfrenada.

Vox Lux se enfoca en dos temas: cómo la sociedad responde a un mismo tipo de sucesos en diferentes tiempos, y cómo un suceso similar simplemente se moderniza con el pasar de los años. Brady Corbet elige un tipo de suceso en específico que afecta en todas partes del mundo, sobretodo en Estados Unidos, y lo hace con una crudeza que el mismo director advierte a la audiencia evitarla si no pueden tolerar el contenido. El gore de los atentados terroristas y la manera en que Celeste ha tenido que asumir su vida es insensiblemente directa y lo hace con la intención de llamar la atención sobre un aspecto de la sociedad que la gente continuamente ignora, pero que cada día más grita las injusticias del mundo. Las respuestas de Celeste parecerán rebeldía en muchas ocasiones, pero es más bien una metáfora de cómo muchas personas prefieren hacerse ciega a las situaciones y deciden culpar a otros de los problemas.

Sin embargo, y a pesar de tan buena temática, un interesante uso de sus personajes, su potente inicio y su inteligente y metafórico final, el director/guionista se olvida de darle estructura y verdadero contenido al medio de la película. El inicio es doloroso e inesperado (el tiroteo donde Celeste resulta víctima y sobreviviente), no obstante, su vida se convierte en una rutina, y parece que el trauma ha sido superado completamente. Luego cuando crece y sucede un nuevo atentado, se muestra la hostilidad de Celeste no solo con los periodistas y fanáticos, sino también con su propia hermana que la ha estado apoyando durante toda su carrera, su manager que solo busca lo mejor, y la agente que se ha encargado de mantener una "buena imagen" de Celeste. Todo esto sin dejar de mencionar la extraña relación que mantiene con su hija. En resumen, la historia no tiene un verdadero conflicto. Simplemente pasan cosas en su vida, ella reacciona y sigue con su rutina. A la estructura le falta toda la acción y drama que tuvo al principio y final.

Todo esto pudo casi haber sido salvado por la actuación de Natalie Portman, quien nunca decepciona a la hora de tener que realizar personajes de este tipo. Siempre mantuvo una tremenda hostilidad, mientras que de vez en cuando sufre de bipolaridad en respuesta a los ataques de los demás. La manera en que Natalie Portman encarna a Celeste, sin dejar de mencionar los movimientos que adquiere para parecer aún más una verdadera cantante, es tan impresionante que la audiencia se lo podría creer. Sin embargo, la bipolaridad es más constante que su presencia en un escenario, y esto se convierte más en una monotonía y ñoñería que una respuesta a su trauma. Por otro lado, Jude Law, Raffey Cassidy (como Celeste joven y la hija de Celeste), y Stacy Martin (como la hermana de Celeste) son un buen complemento para el personaje de Natalie Portman y saben llenar los zapatos de lo que representan. Pero, el hecho de utilizar los mismos rostros para estos personajes, y solo cambiar a Celeste una vez se hace adulta resulta confuso e inexplicable, sobretodo en el caso de Stacy Martin quien se supone es la hermana mayor, quien termina haciendo ambos papeles (cuando era más joven y el presente 2017), y se ve mucho más joven que Natalie Portman, quien se supone es la hermana menor.

Por otro lado, obviando el hecho de que nunca escucharía este tipo de música en vida real, la producción musical resulta muy interesante, más aún por su origen. El estilo que adquiere Celeste denota un cierto comportamiento de fantasía en busca de querer obviar la realidad, o pintarla de otra manera que no sea exacta a lo que ya presenta. Las coreografías y vestuarios representan una visión distinta de las situaciones de la vida, con un mensaje de doble sentido sobre la verdadera atención que la sociedad le da a los temas de polémica.

Vox Lux resulta ser una buena premisa, que afloja con una trama con estructura pobre pero que trata de superarse con personajes igual de empoderados. Encontrará su audiencia, pero en ese grupo no podré entrar mientras la historia no sea más que una simple rutina de vida de una cantante con ataques de humor.

Annihilation

La expedición número 12, compuesto por cinco mujeres científicas se aventuran en una deshabitada y peligrosa región conocida como Área X, que permanece fuertemente vigilada para evitar que nadie entre ni salga sin un control exhaustivo.

En un futuro no determinado, el Área X es un lugar remoto y escondido declarado zona de desastre ambiental desde hace décadas. La naturaleza salvaje ha conquistado el lugar y su acceso está prohibido. La agencia estatal Southern Reach ha enviado diversas expediciones pero casi siempre han fracasado: todos los miembros de la expedición se suicidaron; otros enloquecieron y acabaron matándose entre sí, y uno de los integrantes de la última expedición regresó convertido en sombras de lo que un día fue.

Ésta es la expedición número doce. El grupo está compuesto por cinco mujeres: una antropóloga, una topógrafa, una física, una psicóloga y una bióloga, que se convertirá en la narradora de la historia. Su misión es cartografiar el terreno y recolectar muestras, anotar todas sus observaciones tanto de su entorno como de sus compañeras. Pronto descubren una gran anomalía geográfica y formas de vida más allá de todo entendimiento. Mientras se enfrentan a una naturaleza tan bella como claustrofóbica, el pasado y los secretos con los que cruzaron la frontera se vuelven cada vez más amenazantes. La región tiene la particularidad de tener unas leyes físicas propias; una vez dentro, no se aplican las leyes de la naturaleza que rigen en el resto del planeta Tierra. La misión de la pequeña expedición es seguir investigándola y saber lo que ocurrió con la Expedición 11.

Está película está basada en la novela homónima de Jeff VanderMeer, y a pesar de que no he leído el libro, es primera vez (en este año) que una adaptación no me deja con preguntas.

Desde el punto de vista narrativo, la historia va contándose desde dos visiones: la interrogación a la bióloga, quien es la única sobreviviente de su grupo y narra que fue lo que ocurrió una vez entraron a la zona X, y la vida personal de la bióloga, narrada a través de sus recuerdos con su esposo. La trama se va intercalando entre ambas visiones, sin confundir sobre el tiempo presente en que se desarrolla la historia, pero a la vez abarcando todo lo importante que la audiencia necesita saber para entender este universo y sus personajes.

Del mismo modo, los personajes cumplen un rol muy importante, al ser los responsables de dictar su propio destino, con personalidades complejas que le agregarán aún más conflicto a la trama. El hecho de que el cast está mayormente compuesto por mujeres, hace que su travesía sea más interesante e intenso. La audiencia no temerá por ellas por el género, sino por las pesadillas que tendrán que vivir y cómo van escapando de muchas de ellas, haciendo sus propios sacrificios. Natalie Portman se roba todo el mérito de las escenas por cada una de las decisiones que toma, pero no le resta importancia a las demás protagonistas que se encargan de descubrir algunos de los secretos de la zona X.

Desde el punto de vista técnico, el aspecto más importante de la película es cómo le da vida a esta area "afectada". Es visualmente hermosa en cada uno de los detalles, desde las bestias antagonistas, los nuevos organismos genéticos que se van formando en el ambiente, hasta la evolución del ecosistema con los nuevos químicos que lo afectan. Cada color y cada enfoque seleccionado tiene su razón de ser desde la visión narrativa, y permite dar esa sensación asombrosa/tenebrosa a lo desconocido. La elección de la fotografía y la musicalización es muy adecuada al tema que estableció la trama desde el principio de la película y logra mantenerla hasta la última escena.

Un detalle importante a resaltar es la última secuencia de la trama, en la que se debe prestar suficiente atención para entender cuál es la verdadera intención del cineasta y la resolución de sus sobrevivientes. En ningún momento lo explica con palabras, mas se deja guiar de los más mínimos elementos que retratan en la escena.

Annihilation es un cine de género tenebroso y hermoso a la vez, es atrevido y emocionante pues logra desarrollar una estructura que rompe con lo establecido en la ciencia ficción, y crea su propio estilo, fórmula y encanto. Nadie se escaparía a su belleza, ni por el hecho de los supuestos horrores que esconde.

Jackie

Película sobre la ex primera dama estadounidense Jacqueline Kennedy, centrada en los días inmediatamente posteriores al asesinato de JFK, en Dallas, el 22 de noviembre del año 1963. (FILMAFFINITY)

Hace 53 años del asesinato de John F. Kennedy y todavía hay incógnitas de este suceso; lo que sí debemos tener claro es que el mayor trauma lo vivió Jackie, cuando tuvo que sostener a su esposo con medio cráneo abierto hasta que el vehículo llegara al hospital. 

La historia es un testimonio de todo lo que sufrió la ex primera dama, desde su propia voz, narrada desde tres perspectivas: Jackie mientras concedía una entrevista al periodista Theodore H. White, los flashbacks de los cuatro días después del asesinato de JFK y el día de grabación del tour alrededor de la Casa Blanca.

Estoy acostumbrada a Natalie Portman: su estilo melodramático se ha ajustado a las exigencias de Hollywood y a los distintos papeles protagónicos que ha obtenido. Pero Jackie es un salto al otro extremo. Este personaje tiene un carácter e inteligencia que quizás desconociamos de la Jacqueline original, un acento muy bien trabajado y los sentimientos adecuados para transmitirnos momentos de tensión y locura. Solo por su lenguaje no verbal y su manera de hablar, espero que se gane el Oscar a Mejor Actriz. 

También está el trabajo cinematográfico, que tenía como primer y principal objetivo exponer el personaje de Jackie y darnos ángulos totalmente impensables por el espectador, como el primerísimo plano del rostro de Jackie ensangrentado con los sesos de Jack (o JFK) o el primer plano del momento en que la segunda bala atravesaba y explotaba media cabeza de Kennedy... 

Por otro lado está el diseño de producción de la época, con una notoria atención a los detalles de aquel suceso. Se nota la investigación que el equipo de diseño hizo para poder llevar a la perfección la vestimenta y los peinados de aquel entonces. 

Por películas como Jackie, Hollywood siempre tendrá guiones para producir, porque ha sacado las mejores tramas de la historia estadounidense y sabe sacar los mejores detalles de cada, aquellos que la audiencia no conoce o no recordaba.