Crítica Cinéfila: A House of Dynamite

Cuando un misil de origen no identificado es lanzado desde mitad del océano Pacífico en dirección a Estados Unidos, la Casa Blanca comienza una carrera contrarreloj para determinar quién es el responsable y cómo actuar en respuesta.

Ocho años después de su último largometraje, Kathryn Bigelow regresa con un thriller implacable, tan controlado, dinámico e inquietantemente envolvente que al terminarlo uno se pregunta si el mundo seguirá en pie. Si bien se trata menos de una película bélica que de un drama sobre la amenaza de la guerra, "A House of Dynamite" guarda una estrecha relación con las impactantes obras posteriores de la directora, como "The Hurt Locker" y "Zero Dark Thirty". Bigelow reúne a un elenco tan nutrido de actores de primer nivel, algunos de ellos en pantalla solo en una o dos escenas breves, pero todos dejando una huella imborrable en la historia. El extenso reparto no tiene ningún punto débil.

La gente suele recurrir a los mismos adjetivos para describir las mejores obras de la directora: cruda, descarnada, implacable, intensa y con una atención casi documental hasta al más mínimo detalle. Su potente nueva película para Netflix mezcla todas esas características, pero además es inteligente, emotiva, ingeniosamente construida y rigurosamente concisa en su narrativa. Gran parte del mérito recae, obviamente, en el incisivo guion de Noah Oppenheim, pero el impacto no sería el mismo sin la precisión quirúrgica de Bigelow.

Sin muchos preámbulos, la película nos sumerge en los tensos 20 minutos previos al posible impacto de un misil nuclear de origen desconocido, que avanza lentamente, sorteando barreras de monitores de seguimiento, hacia una importante ciudad estadounidense. La capacidad del país que lanzó el misil para evadir la detección temprana por satélite sugiere la posible preparación de un ataque múltiple meticulosamente planeado. La trama captura esos 20 minutos —con una diferencia de apenas unos minutos al principio y al final— desde varias perspectivas, mostrando las respuestas desde los más altos niveles en la Sala de Situación de la Casa Blanca y las oficinas del Comando Estratégico hasta las dispersas bases de defensa, pasando por caravanas de vehículos y helicópteros. La visión del procedimiento de crisis y las decisiones instantáneas que se requieren de grandes equipos de personas es fascinante.

Como proeza de montaje y cinematografía trepidantes, la película es un auténtico espectáculo. El montaje arrítmico de Kirk Baxter se basa en cambios vertiginosos que, junto con la atenta y constante cámara en mano de Barry Ackroyd, permiten a Bigelow redirigir nuestra atención con maestría. Aunque a menudo recuerda a series de televisión de ritmo acelerado y montaje rápido, su estética resulta fresca. El director de fotografía británico Ackroyd, que filmó "The Hurt Locker" y "Detroit" para Bigelow, así como varias películas de Paul Greengrass, incluyendo "United 93" y "Captain Phillips", es un maestro del lenguaje visual que pone los nervios de punta. La tensión palpable se mantiene también gracias a la dinámica partitura de Volker Bertelmann, que comienza con ominosos gemidos estremecedores y va cambiando de forma a lo largo de toda la obra.

La película comienza con un contexto útil: al final de la Guerra Fría, las potencias mundiales llegaron al consenso de que el planeta estaría mejor con menos armas nucleares. Pero esa era ha terminado, al igual que la ingenua idea de que cualquier simulacro de ataque nuclear sería de alguna utilidad. Varias naciones poseen ahora arsenales nucleares con capacidad de aniquilación, y sin embargo, a pesar de que la amenaza sigue aumentando, la preocupación pública se ha estancado. 

La primera parte comienza en el 49º Batallón de Defensa Antimisiles en Fort Greely, Alaska, una base militar donde un equipo bajo el mando del Mayor Daniel González (Anthony Ramos) es responsable de detectar las amenazas entrantes y destruirlas con misiles interceptores terrestres. La escena cambia a Washington D.C. mientras la ciudad despierta. La capitana Olivia Walker (Rebecca Ferguson) es un punto de comunicación lúcido con altos mandos militares como el general Anthony Brady (Tracy Letts), inicialmente deseoso de charlar sobre el partido de béisbol de la noche anterior hasta que la gravedad de la situación se hace evidente, y el secretario de Defensa civil Reid Baker (Jared Harris).

El guion de Oppenheim evita cuidadosamente que las escenas de la vida personal de los personajes se vuelvan melodramáticas y sentimentales. Sin embargo, aumenta la tensión dramática al saber que Walker tiene un hijo con fiebre preocupante en casa con su padre, que se preocupa lo suficiente como para animar a un colega (Malachi Beasley) que planea proponerle matrimonio a su novia esa noche, o que Baker aún está afectado por la muerte de su esposa y lucha por acercarse a su hija (Kaitlyn Dever).

Se trata de una obra coral sin papeles protagonistas, pero entre los personajes clave se encuentran el subasesor de seguridad nacional Jake Baerington (Gabriel Basso), cuya esposa embarazada trabaja en el Pentágono; la funcionaria de FEMA Cathy Rogers (Moses Ingram), que se resiste a ser incluida en la lista de evacuación prioritaria; y el teniente comandante Robert Reeves (Jonah Hauer-King), que asesora al presidente sobre estrategias de represalia. Observar cómo el miedo se refleja en los rostros de estos funcionarios disciplinados y altamente capacitados, o escuchar a un joven oficial militar llamar a su madre, resulta cada vez más desgarrador.

Idris Elba encabeza el reparto como presidente, pero si bien tiene autoridad absoluta sobre el uso de armas nucleares, no es más importante que cualquier otro personaje principal. En la primera toma, está fuera de la sede y solo se le oye por teléfono; la pantalla del panel de comunicaciones permanece en negro. Mucho después, lo vemos jugando al baloncesto y charlando cordialmente con un equipo femenino de baloncesto escolar antes de ser evacuado apresuradamente al llegar la noticia de la crisis. El presidente también llama a la Primera Dama (Renée Elise Goldsberry), en Kenia, como parte de un programa de conservación de elefantes (parece haber una alusión implícita a los Obama, empezando por la escena del baloncesto). La película no idealiza al presidente como un hombre de certezas inquebrantables. Las dudas que comparte con Reeves sobre las decisiones que debe tomar resultan conmovedoras. Sin condenarlo ni elogiarlo, el guion deja entrever con ironía que el encanto relajado del presidente es tan importante como su experiencia y autoridad. En un momento divertido, el jefe de su equipo de seguridad (Brian Tee) le dice a un colega: «Es mi tercero y todos son unos narcisistas crónicamente impuntuales. Al menos este lee el periódico».

Si hay momentos como ese que sugieren que Bigelow introduce breves respiros a la ansiedad, no es así. Manteniendo múltiples frentes abiertos mientras el tiempo se agota rápidamente, nos brinda un acceso íntimo a personas que se enfrentan a opciones cada vez más escasas, especialmente cuando las contramedidas fallan. «No hay plan B», dice el almirante Mark Miller (Jason Clarke), alto funcionario de la Sala de Crisis.

La franqueza con la que la película muestra la escasa probabilidad de destruir un misil nuclear entrante («Es como intentar darle a una bala con otra bala») resulta profundamente inquietante. Y una escena casi incidental, en la que la experta en Corea del Norte de la NSA (Greta Lee) observa una recreación de la Batalla de Gettysburg con su hijo en un día libre, parece un reconocimiento sardónico de que la guerra para Estados Unidos es una demostración de fuerza bruta con poca visión a largo plazo.

Bigelow agrupa "A House of Dynamite" con "The Hurt Locker" y "Zero Dark Thirty" como un “tríptico no oficial”, ya que las tres películas tratan sobre operaciones militares y de inteligencia. Con una cohesión temática y una negativa a suavizar las situaciones de máxima tensión, todas ellas dentro del ámbito de lo posible, el director nos presenta una inquietante realidad de "podría suceder", mostrando a personas capaces haciendo lo mejor que pueden en situaciones extremas, pero sin ofrecer falsas garantías de que todo saldrá bien. Con un final que invita a la reflexión —y una imagen—, se trata de un thriller trepidante y una llamada de atención contra la complacencia.

Crítica Cinéfila: Gladiator II

Años después de la muerte del admirado héroe Maximus, un esclavo convertido en Gladiador se ve forzado a entrar en el Coliseo tras ser testigo de la conquista de su hogar por parte de los tiránicos emperadores que dirigen Roma con puño de hierro. Con un corazón desbordante de furia y el futuro del imperio en juego, este debe rememorar su pasado en busca de la fuerza y el honor que devuelvan al pueblo la gloria perdida de Roma.

Sir Ridley Scott no hizo su primer largometraje ("The Duellists", de 1977) hasta que tenía 40 años. El director, que cumplirá 87 años este mes, no ha perdido el tiempo seguir añadiendo títulos a su filmografía con una notable selección de películas emblemáticas, entre las que se incluyen "Blade Runner", "Alien", "Thelma y Louise" y muchas más.

Después de "Napoleon", se lanzó a otro proyecto épico con una secuela 24 años después de que Gladiator (2000) se convirtiera en su única película ganadora del Oscar a la mejor película. Scott generalmente se ha resistido a seguir el camino de las secuelas de sus películas, con "Prometheus" (2012) y "Alien: Covenant" (2017) como excepciones, aunque esas dos películas que completan su llamada trilogía Alien llegaron respectivamente 33 y 38 años después de su éxito de 1979. Entretanto, dejó que otros, incluido James Cameron, se encargaran de las secuelas antes de volver a visitar ese mundo en particular.

El regreso al Imperio Romano en "Gladiator II" necesitaba un cuarto de siglo para llegar a la pantalla, hacerlo bien y no decepcionar al creciente grupo de fanáticos de la primera, y al mismo tiempo que se forjaba su propia razón de ser, además de ganar un montón de dinero. Todo esto sin mencionar que hacer una secuela de un espectáculo muy querido que ganó el Oscar a la Mejor Película y recaudó casi 500 millones de dólares en todo el mundo en su momento es un desafío para cualquiera, y mucho menos para un cineasta en el punto de vida de Scott. Demuestra, como siempre, que la edad es solo un número con este fascinante regreso a uno de los géneros de Hollywood largamente apreciados pero generalmente abandonados . Esta es la película que se inventó para mostrar en IMAX.

Es importante destacar que Scott, que parece prosperar con secuencias de batallas gigantescas, sabe que las emociones visuales no son suficientes, hay que tener una historia convincente. Y tiene una con el viaje de Hanno (Paul Mescal), un joven, a la deriva y enojado, bárbaro que lucha contra el ejército romano pero que finalmente es esclavizado y convertido en Gladiador como una atracción estrella para alimentar las necesidades de entretenimiento del público sediento de sangre liderado por los repulsivos emperadores gemelos Caracalla y Geta (Fred Hechinger y Joseph Quinn). La multitud exige más violencia enfermiza que nunca, y los líderes romanos se la entregan. En muchos sentidos, este colapso social es tan pertinente como siempre para el mundo en el que "Gladiator II" se desarrolla.

En cuanto al tiempo, han transcurrido 16 años después de la brutal muerte de Maximus (interpretado en la por Russell Crowe, que ganó el Oscar al mejor actor), que, por supuesto, era un líder del ejército romano que luchaba contra los bárbaros. Maximus se convirtió en gladiador, pero no se opuso al emperador. Eso lo convirtió en un polo opuesto a nuestro nuevo protagonista, Hanno, que se parece más a la frustración de una generación más joven que al orden de cosas que definió a Maximus. La venganza para él es personal.

Todo comienza en Numidia, donde Hanno ha vivido la mayor parte de su vida, solo para ser interrumpido cuando el ejército romano aparece preparado para el primer combate de espadas espectacular y la muerte de su esposa a manos del general Acacio (Pedro Pascal), quien dirigió el ejercito romano.

Capturado y transportado a Roma, sabemos que este es un hombre que estará dispuesto a igualar el puntaje y arrojado a los lobos, por así decirlo. Comenzará con Acacio, que está casado con Lucilla (Connie Nielsen), la hija del difunto emperador Marco Aurelio y cuyo hermano Cómodo y amante Maximus fueron asesinados al final de Gladiador. Ella es astuta en medio de toda la locura que ha envuelto al Imperio Romano, no solo el vínculo con su pasado sino quizás su futuro. Puede ser divertido para los espectadores en las gradas verlo, pero lo es mucho más para Hanno, quien es llevado al establo de gladiadores dirigido por el astuto ex esclavo Macrinus (Denzel Washington), un amo que ha surgido de la nada para convertirse en un exitoso hombre de negocios y astuto emprendedor, no como emperador o político, sino incluso mejor como un personaje antagónico que anhela el control del juego. Él satisface las necesidades de Lucilla, pero también ve a Hanno como una atracción estrella emergente en su establo para ser manipulada. Washington está soberbio, claramente se lo está pasando genial como este complejo villano que busca poder a cualquier precio.

La trama, tal como la ideó el guionista David Scarpa, contiene algunos giros que se adentran en el melodrama que involucra personajes clave y revelaciones que es mejor dejar que la audiencia descubra, pero se puede adivinar que todo se complica emocionalmente.

Uno no se imaginaba a Mescal siguiendo a Crowe en este ring en particular, pero su musculoso y convincente papel como Hanno es lo máximo, tan feroz en todo el manejo de la espada como humano en su interpretación. Hubo momentos en los que incluso hace referencia a Kirk Douglas de la era de Spartacus. Nielsen, uno de los dos únicos actores que vuelven de la primera película (Derek Jacobi, que repite su papel de Graco, es el otro), está espléndida aquí, un ancla importante para la historia familiar detrás de toda la acción, el pegamento que lo mantiene todo unido. Pascal camina por una línea gris y demuestra su valor no solo en las escenas de acción, sino también como un hombre que intenta equilibrar su papel en esta sociedad y lo que se espera de un general, pero también su propia humanidad. No es un truco fácil. Hechinger y Quinn son invaluables como los emperadores gemelos locos que se comen cualquier escenario que puedan encontrar.

Y hablando de escenografía, Scott tiene un equipo de primera en esta película, con algunos artesanos de confianza trabajando con él nuevamente desde Gladiator (2000), incluyendo al diseñador de producción nominado al Oscar Arthur Max y al director de fotografía John Mathieson y a la diseñadora de vestuario ganadora del Oscar Janty Yates, todos nuevamente en el equipo. Un agradecimiento a los equipos de efectos visuales especiales y al compositor Harry Gregson-Williams por su conmovedora banda sonora.

Gladiator es una película difícil de igualar, pero Sir Ridley Scott demuestra ser un maestro en la creación de una orgía romana de excitación que resulta ser una digna sucesora en todos los sentidos.

Crítica Cinéfila: 1917

En lo más crudo de la Primera Guerra Mundial, dos jóvenes soldados británicos, Schofield (George MacKay) y Blake (Dean-Charles Chapman) reciben una misión aparentemente imposible. En una carrera contrarreloj, deberán atravesar el territorio enemigo para entregar un mensaje que evitará un mortífero ataque contra cientos de soldados, entre ellos el propio hermano de Blake.

La Primera Guerra Mundial terminó hace un siglo y un año, y ahora no puede quedar nadie que lo recuerde. La mayoría de la población actual del mundo probablemente no tiene idea de por qué se peleó y cómo eran las condiciones. Sin embargo, el cine no ha permitido que esta época y este importante hecho histórico de la humanidad no pasen por desconocido para nadie, trayéndolo a la vida con películas ficticias tan conocidas como The Great Dictator, Lawrence of Arabia y Tolkien, o documentales informativos como They Shall Not Grow Old y The Great War. 

A la velocidad de las nuevas tecnologías que hoy se adaptan al cine, ya no solo se trata de la historia, sino también de cómo se cuenta. 1917  no tiene interés en abordar las circunstancias que provocaron la guerra, es más inicia con ella bien avanzada; pero se dedica apasionadamente a describir las condiciones de sus soldados en términos visuales que llevan a la audiencia con la mano en el pecho en compañía de sus dos solddados protagonistas, que de casualidad pareciese que andan volando para darnos una buena visión de la realidad, aunque ocasionalmente dejan de aletear, cayendo en un infierno sangriento y fangoso.

Schofield (George MacKay) y Blake (Dean-Charles Chapman) son dos soldados atrapados con otros 1,600 soldados británicos en las trincheras de la línea Hindenburg el 6 de abril de 1917. Para su mala suerte, son enviados a entregar una carta del general Erinmore (Colin Firth). La misiva, que se entregará personalmente al coronel Mackenzie (Benedict Cumberbatch), comandante del segundo batallón, contiene órdenes de no proceder con un avance planeado desde el frente debido a la inteligencia que confirma que es una trampa enemiga. El viaje implica una caminata de alto riesgo durante la noche a través de un terreno ocupado recientemente por los alemanes, lo que significa que  las trampas explosivas y otros peligros ciertamente acechan en el camino. 

Schofield es un muchacho serio, de complexión clara y alto, del tipo que a menudo se asocia con los jóvenes ingleses de la época, mientras que Blake es más bajo y de cabello negro. En el camino, los dos hombres encuentran que los alemanes realmente han abandonado sus trincheras, aunque es bastante notable que sus estructuras subterráneas son mucho más ordenadas y mejor construidas que las de sus contrapartes británicas. Ni siquiera 45 minutos después, ocurre una ataque impactante y completamente inesperado, pero la odisea terrible debe continuar, y los personajes del camino harán que la aventura no sea completamente trágica.

Hay unos momentos de triste respiro y, con todo el caos, uno se pregunta fugazmente cómo es posible que tal viaje termine en el destino deseado. Aún así, la manera de contar historias sigue siendo una con el enfoque estético de todo el proyecto, que es mostrar y no contar, y el destino de todos los hombres finalmente está en manos del coronel que los dos viajeros fueron enviados a buscar. 

El objetivo puede implicar tantos riesgos y complicaciones como sus guionistas Sam Mendes y Krysty Wilson-Cairns se han dedicado a desarrollar a lo largo de la película. Pero la simplicidad de la configuración para fines cinematográficos posee un atractivo elemental innegable, y Mendes y su director de fotografía Roger Deakins se han propuesto el desafío de contarlo sin problemas, sin saltos en el tiempo o ediciones visibles, para representar una visión más realista del camino y los retos de nuestros protagonistas.

Sin embargo, logran el efecto de un continuo y singular plano secuencia durante toda la película, efecto visual que ha cautivado al cine en diversas ocasiones (algunas de mis favoritas son Gravity, Children of Men y Birdman) A medida que los hombres atraviesan una distancia considerable sobre un terreno que ofrece pocas comodidades, hay momentos en los que la cámara gira, entra en la oscuridad o pasa de un reino a otro, todo lo cual proporciona momentos para que un interludio termine (o mejor dicho, cantar Corte). Todas las "tomas" de la película están perfectamente conectadas, creando la sensación de que seguimos estos soldados a tiempo real, con Deakins y su equipo utilizando la nueva cámara Alexa Mini LF que proporciona el doble de resolución que el modelo anterior, con movimientos de cámara sobresalientes y la acción de formas extraordinariamente fluidas, elegantes y reveladoras que nunca antes se habían visto. 

Se podría argumentar que la posición de seguir adelante y hacer un simple corte de una perspectiva a otra no disminuiría de manera palpable el impacto del trabajo; ¿A quién le importaría si hicieras cortes juiciosos en lugar de esconderlos en la oscuridad o por algún otro medio? Pero es obvio que se plantearon un desafío y descubrieron una forma de lograrlo, obteniendo un magnífico resultado desde cualquier punto de vista. Aquí, indiscutiblemente, hay una película para ser vista en la pantalla grande como la naturaleza, o al menos los cineastas, pretendían.

A medida que la cámara de Deakins se desliza, se precipita, gira y parece ansiosa por investigar todo el espacio entre el cielo y el infierno, incluso cuando parece que ya han llegado a este último, los salarios incidentales de la guerra están por todas partes. De vez en cuando, surgen recuerdos de otras películas que involucran la vida en trincheras o largos viajes a través de paisajes peligrosos y llenos de muerte:  Paths of Glory,  Saving Private Ryan,  Full Metal Jacket, y A Very Long Engagement. Pero 1917 los supera a todos en términos de inmersión absoluta en un entorno ineludible, dominado por la miseria y la continua amenaza de muerte por muchos medios. Y si bien durante algún tiempo es difícil olvidarse de la complejidad de lo que el cinematógrafo y el director han logrado aquí, en cierto momento comienza a darlo por sentado y se involucra más en los detalles de la finalización del viaje. 

Pero, que la cinematografía no sea lo único que los motive a ir al cine: el guión está inteligentemente construído para que el diálogo entre caminatas extensas sirva como el proyector de la temática de la historia, introduciéndole a la audiencia cómo estos soldados, que han sido elegidos para la misión porque el hermano de Blake es uno de los soldados del Batallón que están tratando de salvar; pero la gran realidad de estos soldados es que están involucrados en esta guerra por la simple razón de que su país los necesita, a pesar de que no saben si tendrán la suerte de regresar con vida a sus hogares. El triste destino fatal de la guerra es uno de los temas que más trata la historia, con la cobertura de elementos visuales como los restos de soldados, ya sea británicos, franceses o alemanes, los terrenos destruidos y animales asesinados en el proceso, la constante angustia de si sobrevivirán y podrán volver a ver a sus seres queridos. Es una película que, tendrá una increíble fotografía, pero se preocupa por crear suficiente empatía con sus personajes y seguirlos hasta lugares de mala muerte.

A medida que los protagonistas se dirigen a su peligrosa misión, la justicia del día de primavera es superada por el barro y los cielos nublados, y acompañada por una música que enfatiza laboriosamente lo siniestro; la composición de Thomas Newman incrementa drásticamente en poco tiempo, así como el paisaje se transforma en un terreno árido y sin vida, adornado con alambre de púas.

A pesar de la gran complejidad de la técnica de narración de cuentos, el cuento en sí, escrito por Mendes y Wilson-Cairns es muy simple y satisfactorio, dependiendo de si no se evitará una masacre inevitable. Y todo viene previsiblemente envuelto en el inevitable lamento humanista sobre el trágico desperdicio, los millones de vidas perdidas, la destrucción innecesaria y el mal uso de la iniciativa creativa e industrial. 

¿Cuántas películas se tratan sobre la 1ra Guerra Mundial? El número es más específico que la cantidad de películas de las demás guerras, y muchos dirán que ya casi no quedan historias que contar, pero a lo largo del tiempo la industria del cine sigue rebuscando en el librito negro de la historia humana, aún enfocados en qué trata, pero también en su perspectiva y cómo se presenta en pantalla. En el caso de 1917, la película está tocando principalmente notas familiares en términos de historia y tema, expresando una visión concisa, enfocada y expertamente manejada con la cual hay poco que objetar, y el estilo extraordinario representa el fruto de un sueño largamente imaginado por parte de muchos directores y cinematógrafos. De ahora en adelante, cuando la discusión se centre en grandes obras de cinematografía y funcionamiento de cámaras,  1917  siempre tendrá que estar en lo más alto de la lista.

El Instante Más Oscuro (Darkest Hour)

Drama ambientado en 1940, cuando Winston Churchill (Gary Oldman) se convierte en primer ministro británico en un momento realmente crucial de la Segunda Guerra Mundial, pues los nazis avanzan imparables conquistando prácticamente la totalidad del continente europeo y amenzando con una invasión a Inglaterra. Churchill deberá entonces explorar la posibilidad de un tratado de paz con Alemania, o ser fiel a sus ideales y luchar por la liberación de Europa. (FILMAFFINITY)

A estas alturas, los relatos de la Segunda Guerra Mundial siguen sorprendiendo al público, otorgando siempre detalles novedosos que complementarán a las demás películas relacionadas al tema. En medio del estreno de la segunda temporada de The Crown y la película Dunkirk, Darkest Hour se presenta en el momento indicado para profundizar en el rol que cumplió Winston Churchill durante la Segunda Guerra Mundial y como sus decisiones afectaron de manera positiva a una nación completa.

Churchill no suponía ser el siguiente Primer Ministro, pero era la mejor opción en medio de la crisis política que afectaba a Reino Unido. Su fuerte temperamento ya le había ganado mala fama hasta en el Palacio de Buckingham, pero debía superar estos malentendidos y hacer las paces para evitar lo que todos temían: la invasión de Alemania a Inglaterra. Churchill empleó su conocimiento militar y los tímidos consejos de quienes lo rodeaban para desarrollar discursos lo suficientemente poderosos que impulsaran a toda la nación a no dejarse vencer y ser fieles a los ideales que se habían planteado desde antes de esta guerra.

Lo más impresionante de esta película es la actuación de Gary Oldman como Winston Churchill, a quien encarna tanto de manera intelectual como de manera física. Oldman fue transformado para cada escena, en la que presenta a un Churchill envejecido físicamente, pero con una sabiduría y energía similar a la de un joven de 30 años. De igual manera, sabe retratarlo en la actitud de este personaje, su ironía, su forma de hablar y sus momentos de debilidad. Otorga una presentación escénica digna de cada premio que ha recibido y continuará recibiendo. 

Del mismo modo, Oldman es complementado por un elenco que presenta las fortalezas y debilidades de los personajes que rodeaban a Churchill y cómo representaron un soporte en sus tomas de decisiones.

El guion se narra de una manera ágil y continua, donde no le da momentos de descanso a la audiencia y va aumentando la intensidad y energía de la historia hasta ese último discurso de Churchill que deja sin aliento a cualquier simple mortal. El paso que mantuvo y la tonalidad dramática que se le dio a cada escena son totalmente adecuadas para el tipo de historia que plantea desde el principio. Es interesante la coherencia que siempre le dieron de los discursos, tanto de Churchill como de sus similares, y cómo estos fueron evolucionando a medida que pasaban los días; el hecho de que haya comenzado con un discurso de reproche y haya terminado con un discurso de orgullo patriótico mantiene la idea que se plantea desde un principio.

La fotografía está caracterizada principalmente por tomas a detalles que destacan el increíble trabajo de maquillaje de Gary Oldman, más el trabajo de producción de diseño y los distintos escenarios que estuvieron involucrados en esta época de la guerra, como Dunkirk. Por igual, la musicalización significa un punto importante para mantener el tono de la historia y darle continuidad al hilo dramático de la trama.

Les aconsejaría ver todas las películas relacionadas a la Segunda Guerra Mundial, para educarse mejor sobre este suceso histórico, pero en lo que respecta a Winston Churchill, esta película sabe retratar exactamente la vida y arduo trabajo de Churchill en su momento como Primer Ministro. Sin la actuación de Gary Oldman, más el trabajo en conjunto de los aspectos artísticos y técnicos, esta película no hubiese podido quedar con la limpieza y naturaleza que logró.

Es una película sin desperdicios.