Critica Cinéfila: Civil War

En un futuro cercano donde América está sumida en una cruenta guerra civil, un equipo de periodistas y fotógrafos de guerra emprenderá un viaje por carretera en dirección a Washington DC. Su misión: llegar antes de que las fuerzas rebeldes asalten la Casa Blanca y arrebaten el control al presidente de los Estados Unidos.

Los miembros de la prensa son los buenos, pero también los malos, en la virtuosa “Civil War” de Alex Garland, un impactante relato básico de cómo podría ser una desunificación de Estados Unidos en un futuro cercano. Diseñado como una llamada de atención, el thriller de larga duración, que comienza lentamente y aumenta hasta llegar a una incursión asombrosa en Washington DC, integrando a los espectadores junto a un dedicado equipo de periodistas que se dirigen al Capitolio mientras el país se desmorona a su alrededor. Es la visión distópica más perturbadora hasta ahora del cerebro de ciencia ficción que acabó con todo Londres durante el levantamiento zombie representado en “28 days later”, y una que no puede consumirse fácilmente como entretenimiento. “Civil War”, un shock provocador para el sistema, está diseñado para causar división. Irónicamente, también pretende unir a la gente.

Guiados por la veterana fotógrafa de guerra Lee Smith (Kirsten Dunst), el reducido equipo de periodistas son profesionales totales. Representan una forma preocupante de desapego, esencial para su trabajo pero prácticamente contrahumano, ya que se esfuerzan por no tomar partido, lo que sirve como una acusación en sí mismo. Los medios de comunicación prosperan gracias al conflicto, que vende periódicos e impulsa los índices de audiencia, llegando incluso a fomentar el miedo en torno a la posibilidad de una segunda guerra civil estadounidense. A Garland no le importa cómo sucedió esto. Su guión omite el motivo por el que comenzó el conflicto y ofrece sólo la noción cuestionable de que Texas y California se separaron y posteriormente unieron recursos (llamándose a sí mismos “West Forces”) contra un presidente hambriento de poder durante tres mandatos (Nick Offerman).

Aunque parece otra entrada en el popular género de suspenso post-apocalíptico, no se equivoquen: “Civil War” describe el apocalipsis mismo. El país está en plena crisis, lo que se sugiere más que lo que se describe abiertamente. Los estadounidenses se han vuelto unos contra otros, y las únicas personas a las que se les permite moverse libremente a través de espacios con fuego activo son aquellas que tienen la palabra "PRENSA" escrita en sus chalecos antibalas. Garland establece el caos desde el principio, mientras Lee cubre una escena de mafia donde los civiles reducidos a refugiados en su propio país claman por agua. De repente, una mujer entra corriendo agitando una bandera estadounidense y con una mochila llena de explosivos atada al pecho.

Al igual que la explosión de la cafetería en “Children of Men” de Alfonso Cuarón, la explosión de estilo vérité nos pone nerviosos, aunque el mundo en general nunca podría presenciarlo, si no fuera por Lee, quien toma su cámara y comienza a documentar la carnicería. Segundos antes, había llevado a una joven admiradora, Jessie (la estrella de "Priscilla", Cailee Spaeny), a un lugar seguro, salvando efectivamente la vida de esta aspirante fotógrafa. El objetivo de Jessie es ser fotógrafa de guerra, aunque trabaja con películas en blanco y negro: una joven artista comparada a Lee. La ambiciosa joven se abre camino hacia la próxima misión de Lee, conduciendo con el reportero Joel (Wagner Moura) y el veterano periodista político Sammy (Stephen McKinley Henderson) a DC para entrevistar al presidente: tres generaciones de periodistas con agendas muy diferentes.

Jessie se ve a sí misma en la niña, incluso si ya no se ve en su propio reflejo. En una escena tranquila pero reveladora, el cuarteto llega a una ciudad que parece no haber sido tocada por la guerra. Entran en una tienda, donde Lee se prueba un vestido y se estudia en el espejo. La película es ese espejo, que muestra a Estados Unidos los riesgos de las luchas internas y los costos potenciales de la división. “Civil War” es una historia con moraleja que reutiliza el tipo de imágenes que el público ha visto en zonas de guerra en el extranjero (disidentes colgados de puentes, cadáveres cubiertos de cal apilados en fosas comunes) y las aplica a entornos familiares y totalmente estadounidenses.

Es sorprendente, por decir lo menos. Aún así, Lee ha visto cosas peores en su vida (al principio, mientras se relaja en su baño, recorre una muestra de horrores que ha documentado a lo largo de su carrera, incluido un hombre prendido fuego). Si alguna vez conoció la empatía, Lee ahora parece insensible sin posibilidad de reparación. Cuando Jessie le pregunta a su ídola si retrataría el momento si Jessie estuviera muriendo, Lee le devuelve la mirada fríamente y dice: "¿Qué piensas?".

El público nunca había visto a Dunst así. Parecía ruda en “The Power of the Dog”, pero aquí, cubrir conflictos le ha quitado la esencia. Garland le brinda al personaje varias oportunidades para reconectarse con su humanidad, incluso cuando es en un viaje por carretera tenso y cada vez más brutal mientras empuja al equipo hacia el proverbial corazón de la oscuridad. La mayor parte de la película se desarrolla a plena luz del día, lo que no tiene en absoluto la estética que el público espera de una película de guerra moderna, que normalmente utiliza filtros estratégicos para que todo parezca áspero.

"Civil War” puede desarrollarse en una dimensión paralela (el equipo de Cal-Texan no aclara si los estados azules o rojos están dirigiendo este levantamiento), pero se parece mucho a los Estados Unidos que conocemos. A veces, en medio de la confusión, los personajes no se pueden distinguir entre rebeldes y patriotas, como en una escena en una atracción al aire libre de Winter Wonderland, donde los soldados intentan eliminar a un francotirador. En esa situación, poco importa en qué equipo esté. Más tarde, Jessie Plemons aparece vistiendo un uniforme de camuflaje y gafas de sol en forma de corazón, apuntando con su arma a los periodistas desarmados. “¿Qué clase de estadounidense eres?” exige de cada uno de ellos. En el clima político actual, algunos plantean preguntas similares, con un subtexto igualmente intimidante.

En este punto, la película se ha inclinado hacia el terror en toda regla. De hecho, la recta final parece más sacada de Stephen King (“The Mist” o “The Stand”) que de cualquier película de guerra anterior, mientras el pequeño grupo de periodistas acompaña a las Fuerzas Occidentales en su gran avance en DC. Aunque Garland Mostró a Offerman preparando un discurso como presidente al principio, sembró dudas sobre la sinceridad del hombre al intercalar levantamientos del mundo real con sus palabras. Aún así, seguramente ningún estadounidense quiere ver lo que viene después, mientras las tropas en la sombra de Jessie y Lee intentan abrirse camino hacia la Casa Blanca.

Antes, las batallas eran intensas pero de alguna manera teóricas. Este asedio culminante parece aterrador, aunque tremendamente diferente del tipo de guerra del mundo real presenciado en Ucrania. Al principio, Jessie tendía a congelarse bajo el fuego, pero ahora parece valiente, mientras que Lee sufre ataques de ansiedad porque ya está llegando a su tope. Si vieras botas de combate pisoteando la bandera estadounidense, ¿podrías quedarte quieto y tomar fotografías? Enferma del alma, la reacción de Lee parece prácticamente fuera de lugar, ya que la visión de la democracia derrocada la detiene en seco. Pero sólo por un momento. Incrustados junto a insurrectos a quienes los medios bien pudieron haber inspirado, estos testigos presenciales de la historia están impulsados ​​por un sentido del deber totalmente distorsionado: su único objetivo es conseguir la foto, o la historia, según sea el caso.

Cualquiera que haya visto la película anterior de Garland, una de mis favoritas del 2022, “Men”, sabe que el director no rehuye a llevar las cosas al extremo más nauseabundo. “Civil War” no es diferente. Garland comercializa imágenes desencadenantes, no sólo de crímenes de guerra de los propios creadores de imágenes, actos que están lejos de ser neutrales y casi alentadores que hacen que el 6 de enero parezca leve. Mientras tanto, las ambigüedades que rodean los orígenes del conflicto significan que no hay manera de desactivar lo que estamos viendo. Sin ser vista, “Civil War” ha sido criticada por explotar las tensiones en un año electoral, cuando en realidad pretende ilustrar la inutilidad de los “bandos”. Garland es la última persona que sugiere un abrazo grupal. A medida que avanzan las declaraciones, su poderosa visión nos deja conmocionados, repitiendo efectivamente la pregunta que sofocó los disturbios de Los Ángeles: ¿Podemos llevarnos bien todos?

Crítica Cinéfila: The Northman

 En Islandia, en pleno siglo X, un príncipe nórdico (Skarsgard) busca vengar a toda costa la muerte de su padre.

Ha pasado un tiempo desde que vi una buena batalla cruda repleta de sangre en la que guerreros semidesnudos con pieles de animales que apenas les tapaba lo necesario se lanzaban a los opuestos, empuñando espadas y antorchas encendidas, escudos, hachas y dagas, mientras gritan diálogos. que en su mayoría comienza y termina con gritos de muerte. Todo eso representa un 50% de The Northman, un sueño vikingo que hace que los horrores artesanales que pusieron al director Robert Eggers en el mapa, The Witch and The Lighthouse, parezca películas de Disney. Para usar un término de un canto ritual junto a la chimenea donde Amleth de Alexander Skarsgård borra la línea entre el hombre y la bestia, este es el "berserker" indómito de las leyendas nórdicas.

Navegando el salto de sus películas anteriores de culto instantáneo con un presupuesto modesto, Eggers no tiene miedo. Beneficiándose nuevamente del trabajo exacto y detallado del diseñador de producción Craig Lathrop y la diseñadora de vestuario Linda Muir, el director evoca una atmósfera inmersiva y penetrantemente evocadora que nos catapulta a principios del siglo X, un pasado oscuro y visceralmente violento en el que el salvajismo humano y lo sobrenatural coexisten.

El diálogo romantizado en el guión que Eggers coescribió con el novelista y poeta islandés Sjón (Lamb) a menudo provoca risas, y los acentos escandinavos que salen de la boca de actores como Nicole Kidman, Anya Taylor-Joy y Ethan Hawke corren el riesgo de provocar una recaída traumática nivel House of Gucci. Es una película audazmente loca que amenaza con desviarse hacia una especie de tierra de nadie donde Game of Thrones se encuentra con Monty Python. Y eso es incluso antes de que Björk aparezca como una vidente bruja, vestida con mimbre, conchas marinas y metáforas. Pero la energía merodeadora de The Northman te mantiene como esclavo y el Príncipe Amleth es la máquina asesina y vengativa que Skarsgård nació para interpretar. 

El guión se basa tanto en los mitos nórdicos como en las sagas familiares islandesas, tomando de la leyenda escandinava de Amleth que inspiró el Hamlet de Shakespeare. El prólogo tiene lugar en el ficticio reino insular del Atlántico Norte de Hrafnsey, donde el rey Aurvandil (Hawke), también conocido como War-Raven, llega a casa con mucha fanfarria después de haber ganado una batalla. La herida en su estómago lo impulsa a preparar a Amleth (Oscar Novak), de 10 años, para tomar el trono, a pesar de las objeciones de la reina Gudrún (Kidman) de que su hijo es solo un niño. La iniciación trascendental de Amleth consiste en gatear a cuatro patas bajo tierra con su padre, aullando como lobos. Además, eructar, tirarse pedos, levitar y acceder a visiones perturbadoras a través de la herida de Aurvandil. El sueño de todo niño vikingo supongo.

Tan pronto como Amleth ha jurado vengar a su padre en caso de que muera por la espada de un enemigo, el niño es testigo de su asesinato a manos de su tío Fjölnir (Claes Bang), cuya atracción por la reina ya ha sido objeto de bromas por parte del tonto de la corte chamánica, Heimir (Willem Dafoe).

“Tráiganme la cabeza del niño”, ordena Fjölnir a sus hombres, acompañado por las cuerdas y los tambores de la partitura contundente de Robin Carolan y Sebastian Gainsborough. Pero Amleth, después de ver la matanza de los aldeanos varones, el secuestro de las mujeres y la reina colgada del hombro de Fjölnir y arrastrada gritando, escapa en bote, y jura "rescatar a su madre, matar a su tío y vengar a su padre".

Un par de décadas más tarde, Amleth se ha transformado en un hombre musculoso que aprovecha el espíritu del lobo y del oso, y carga una ira constante dentro de sí. Viaja por la Tierra de la Rus con una manada de asaltantes vikingos que aparentemente nunca encontraron un asentamiento eslavo que no pudieran saquear. Pero la vidente madre tierra de Björk lo reconoce como el príncipe perdido y le recuerda su destino. Al enterarse de que Fjölnir fue expulsado del reino que usurpó y huyó a una comunidad agraria remota en Islandia, Amleth aborda un barco de esclavos que se dirige allí para proporcionar mano de obra.

Anya Taylor-Joy interpreta a una compañera de viaje que reconoce una buena conexión cuando la ve. “Soy Olga del Bosque de Abedul”, dice a modo de presentación, y agrega que mientras él tiene la fuerza para romper los huesos de los hombres, ella tiene la astucia para romperles la mente. Ambos son aceptados en la granja de Fjölnir, donde Olga se gana gradualmente la confianza de Amleth y él revela su plan para asesinar a su tío y salvar a su madre, quien cree que solo está fingiendo amor por su secuestrador por el bien de su hijo pequeño (Elliott Rose).

Las películas de Eggers han compartido una fascinación por las propiedades mágicas de los animales como aliados narrativos: una cabra en The Witch, una gaviota maldita en The Lighthouse. La fauna oculta esta vez son cachorros de lobo y cuervos, el primero que lleva a Amleth a encontrar una enorme espada de los muertos vivientes, conocida como The Night Blade; el último se ocupa con sus picos cuando es torturado y atado al final del juego.

La narración se acelera a medida que Amleth se acerca a su objetivo, causando una carnicería entre los hombres de su tío y provocando el temor de un "espíritu desquiciado" entre ellos. La trama se vuelve más frenética aunque permanece lúcida. 

El reencuentro de Gudrún con el hijo que durante mucho tiempo creyó muerto debería haber sido un momento de gran dramatismo. Pero es difícil no reírse cuando Kidman, con una larga cabellera y luciendo un acento de Natasha Fatale, decide optar un coqueteo incestuoso. Cuando Fjölnir sufre una pérdida dolorosa y grita: "¿Qué mal es esto?" Gudrún le lanza una mirada de muerte con los ojos muy abiertos y le grita: "¡Compórtate!". como si fuera una Austin Powers nórdica.

El romance entre Amleth y Olga tiene tiempo para florecer durante todo esto. También hay un interludio en un caballo volador montado por una valquiria de ojos ardientes (Ineta Sliuzaite). Pero incluso cuando Amleth asegura la continuación de su linaje, su cita mortal con el tío Fjölnir en "las puertas del infierno" permanece. Esa sería la boca de un volcán activo, donde pelean desnudos, como lo haría cualquier guerrero medieval que se respeten. 

La película está filmada por el director de fotografía habitual de Eggers, Jarin Blaschke, con una propulsión inquieta y una sensación de textura para los paisajes dramáticos, con un añadido natural de la lluvia, el viento, la nieve y el hielo, o cubiertos de barro y ceniza. La coreografía de las escenas de combate, tanto la puesta en escena como el rodaje es alucinante. También es completamente envolvente el diseño de sonido denso, con instrumentos de la era vikinga que se escuchan junto con los elementos atronadores y el caos de la lucha.

The Northman es ciertamente una gran película, y si bien su intensidad histérica a veces se convierte en exageraciones, es generosa y estimulante en su descripción de una cultura gobernada por los ciclos de violencia. La cohesión de la visión de Eggers inspira admiración, al igual que el compromiso de su equipo, tanto delante como detrás de la cámara.

Skarsgård, que ha estado trabajando durante más de una década para desarrollar un proyecto cinematográfico arraigado en su amor de la infancia por el mito y la tradición vikinga, nunca ha sido más feroz o físicamente más imponente. Taylor-Joy, que comenzó en La bruja, es seductora mientras Olga teje canastas y trama estragos. (Sus padres de esa película anterior, Kate Dickie y Ralph Ineson, también hacen apariciones en esta historia). 

Ya sea que te creas esta estremecedora historia de Eggers, te adentres en su hechicería empapada de sangre o te burles ante sus excesos, la película te hace apreciar el espectáculo grande, ruidoso y de pelea que en estos días ya no vemos tan a menudo.  En otras palabras, es un trabajo de imaginación audaz, no otra rama de una propiedad intelectual familiar. Solo eso merece respeto.

Crítica Cinéfila: Cherry

Cuenta la historia real de Nico Walker, que volvió de la guerra de Iraq con un trastorno de estrés postraumático no diagnosticado que le llevó primero a hacerse adicto al opio y posteriormente a robar bancos.

Llega un momento en la vida de todo joven en el que debe alejarse de las historias de Marvel y enfrentarse a las duras realidades del mundo. Esto también aplica para los directores de esas historias. Así surge Cherry, la nueva colaboración entre los directores principales de Marvel Universe, Anthony y Joe Russo, y su Spider-Man, Tom Holland. La película, basada en la novela semiautobiográfica de Nico Walker, se ocupa de los terribles males de la América actual y del pasado reciente: las guerras desastrosas en Irak y Afganistán y la crisis de los adictos al opio. Ciertamente, muy lejos de parecerse a la lucha contra Thanos.

Cherry sigue al personaje principal mientras se transforma de un estudiante universitario sensible a un médico del ejército a la deriva, a luego un veterano con PTSD, un adicto a la heroína y más tarde un ladrón de bancos. Los Russo, libres de preocupaciones sobre la propiedad intelectual y la supervisión severamente invertida de Disney, apuestan por el alto estilo en Cherry, con tarjetas de título de capítulo, el rompimiento de la cuarta pared, una voz narrativa muy en off y un intrincado trabajo de cámara. La película está casi tan ocupada como una producción de Marvel, a pesar de lo que está en juego en la vida real y sus sombrías implicaciones sobre la difícil situación de tantos jóvenes estadounidenses. 

Pero la realidad es que está demasiado cargada: la película es un intento excesivamente esforzado de hacer algo grande, nervioso y relevante. Hay una especie de curva de tolerancia en campana; comienza ruidosa y exagerada, gradualmente se convierte en un tono triste y retorcido, y luego se apaga con un final teatral. Es una experiencia agotadora, lo cual puede ser la intención de sus cineastas. Lo que más se nota de Cherry es la generosidad de su alcance épico. Quizás este tema merece este tipo de escala. Es una gran historia, o más bien miles de historias entrelazadas. Y tal vez la profundidad esté mejor equipada para resumir la inmensidad y la surrealidad de sus sujetos, y para reflejarse en la gente de la que se trata de una manera nebulosa y reverente. 

Cherry es una película hecha ardientemente para hombres de la generación de mi hermano, que estaban en edad universitaria cuando ocurrió el 11 de septiembre y luego se vieron atrapados en la resaca del imperialismo, y para los jóvenes de hoy, que pueden sentir algo similar, aunque un poco menos insistente. Hay empatía en ese cuidado, en honrar esas historias con una grandiosidad visual y auditiva que les corresponde. Sin embargo, con demasiada frecuencia es fácil ver las costuras de la ambición de los Russo, un esfuerzo creativo que va más allá de la compasión proporcionada y se vuelve demasiado maquillado. La película parece menos que seria, a veces, un ejercicio demasiado obvio de flexión artística. 

Holland, sin embargo, no pierde de vista la misión. Sin duda, está tratando de demostrar algo por sí mismo, pero mantiene a raya ese interés propio. Mientras Cherry desciende a la ruina, Holland evita los clichés de la adicción. Tampoco muestra al Cherry de antes de la guerra en un ángel: hay una oscuridad colgando a su alrededor incluso en ese entonces, una marca de su introversión visible en la cuidadoso físico y cadencia de Holland. Del mismo modo ofrece líneas tan desafiantes para la marca sin la llamativa despreocupación de muchos actores jóvenes en la historia del cine que han intentado ser valientes.

El guión de Jessica Goldberg y Angela Russo-Otstot intenta darle a otros personajes, como Emily, el gran amor de Cherry, algo de redondez y un arco vago, pero ella sobre todo ronda la película como un espíritu de preocupación y pérdida. Cherry no es, en realidad, una película hecha para o sobre las mujeres que se vieron arrastradas por las mismas fuerzas que se apoderaron de hombres como Cherry. Sus historias tendrán que esperar a otro noble proyecto de los autores de superhéroes. 

En cuanto a este noble proyecto en particular, la contundencia del enfoque de Cherry puede desanimar a algunas personas. Tal vez sea una señal de los tiempos cambiantes que una película que gira sobre tantos ejes familiares —la masculinidad, la guerra, el crimen— se sienta casi como un nicho, un producto de otra época extrañamente acerca de la nuestra. Pero también, durante la larga duración de la película, parece que eso es todo lo que Cherry es: una película de guerra cínica hecha porque todos los grandes directores necesitan una película de guerra. Otras veces en la película, cuando Holland expresa palpablemente la confusión y el desaliento de las circunstancias de Cherry, y lo terriblemente joven que permanece durante esa lucha, Cherry se eleva hacia la urgencia. Y, sí, complica el perfil de sus creadores como sin duda se pretendía, mostrando que tienen más sentimientos realistas y agridulces que simplemente la idea heroína constante de salvar el mundo.

El Instante Más Oscuro (Darkest Hour)

Drama ambientado en 1940, cuando Winston Churchill (Gary Oldman) se convierte en primer ministro británico en un momento realmente crucial de la Segunda Guerra Mundial, pues los nazis avanzan imparables conquistando prácticamente la totalidad del continente europeo y amenzando con una invasión a Inglaterra. Churchill deberá entonces explorar la posibilidad de un tratado de paz con Alemania, o ser fiel a sus ideales y luchar por la liberación de Europa. (FILMAFFINITY)

A estas alturas, los relatos de la Segunda Guerra Mundial siguen sorprendiendo al público, otorgando siempre detalles novedosos que complementarán a las demás películas relacionadas al tema. En medio del estreno de la segunda temporada de The Crown y la película Dunkirk, Darkest Hour se presenta en el momento indicado para profundizar en el rol que cumplió Winston Churchill durante la Segunda Guerra Mundial y como sus decisiones afectaron de manera positiva a una nación completa.

Churchill no suponía ser el siguiente Primer Ministro, pero era la mejor opción en medio de la crisis política que afectaba a Reino Unido. Su fuerte temperamento ya le había ganado mala fama hasta en el Palacio de Buckingham, pero debía superar estos malentendidos y hacer las paces para evitar lo que todos temían: la invasión de Alemania a Inglaterra. Churchill empleó su conocimiento militar y los tímidos consejos de quienes lo rodeaban para desarrollar discursos lo suficientemente poderosos que impulsaran a toda la nación a no dejarse vencer y ser fieles a los ideales que se habían planteado desde antes de esta guerra.

Lo más impresionante de esta película es la actuación de Gary Oldman como Winston Churchill, a quien encarna tanto de manera intelectual como de manera física. Oldman fue transformado para cada escena, en la que presenta a un Churchill envejecido físicamente, pero con una sabiduría y energía similar a la de un joven de 30 años. De igual manera, sabe retratarlo en la actitud de este personaje, su ironía, su forma de hablar y sus momentos de debilidad. Otorga una presentación escénica digna de cada premio que ha recibido y continuará recibiendo. 

Del mismo modo, Oldman es complementado por un elenco que presenta las fortalezas y debilidades de los personajes que rodeaban a Churchill y cómo representaron un soporte en sus tomas de decisiones.

El guion se narra de una manera ágil y continua, donde no le da momentos de descanso a la audiencia y va aumentando la intensidad y energía de la historia hasta ese último discurso de Churchill que deja sin aliento a cualquier simple mortal. El paso que mantuvo y la tonalidad dramática que se le dio a cada escena son totalmente adecuadas para el tipo de historia que plantea desde el principio. Es interesante la coherencia que siempre le dieron de los discursos, tanto de Churchill como de sus similares, y cómo estos fueron evolucionando a medida que pasaban los días; el hecho de que haya comenzado con un discurso de reproche y haya terminado con un discurso de orgullo patriótico mantiene la idea que se plantea desde un principio.

La fotografía está caracterizada principalmente por tomas a detalles que destacan el increíble trabajo de maquillaje de Gary Oldman, más el trabajo de producción de diseño y los distintos escenarios que estuvieron involucrados en esta época de la guerra, como Dunkirk. Por igual, la musicalización significa un punto importante para mantener el tono de la historia y darle continuidad al hilo dramático de la trama.

Les aconsejaría ver todas las películas relacionadas a la Segunda Guerra Mundial, para educarse mejor sobre este suceso histórico, pero en lo que respecta a Winston Churchill, esta película sabe retratar exactamente la vida y arduo trabajo de Churchill en su momento como Primer Ministro. Sin la actuación de Gary Oldman, más el trabajo en conjunto de los aspectos artísticos y técnicos, esta película no hubiese podido quedar con la limpieza y naturaleza que logró.

Es una película sin desperdicios.

Se lo llevaron (First they killed my father)

Adaptación de las memorias de Loung Ung, activista por los Derechos Humanos nacida en Camboya, de donde huyó en 1975, tras la Guerra Civil que llevó al poder a los Jemeres rojos comunistas. La historia se relata a través de los propios ojos de Ung durante el mortal régimen de Pol Pot, desde que tenía 5 años cuando los Jemeres Rojos tomaron el poder, hasta los 9 años. Durante todo ese tiempo su familia luchó por mantenerse unida. (FILMAFFINITY)

Angelina Jolie (directora de Unbroken, In the land of blood and honey) ha encontrado su zona de confort como directora en los dramas bélicos; pero en esta ocasión, el desarrollo narrativo de la historia está contado desde los ojos de una niña camboyana que fue víctima de los horrores de la guerra.

La trama es vista desde la perspectiva de Loung, quien a sus cinco años tuvo que abandonar su hogar junto a su familia (sus padres y sus seis hermanos y hermanas), cuando el régimen de los Jemeres Rojos Comunistas se apoderó del país. El padre de Loung había sido un oficial del Estado, por lo que toda su familia corría el riesgo de que se descubriera su identidad y fuesen asesinados, de modo que tuvieron que eliminar toda información que dijera quién había sido su padre y cumplir con los trabajos forzosos que les obligaba hacer el nuevo gobierno.

La historia nos muestra cómo fue el proceso de llegar al campo de trabajo y ser separada de su familia. En principio de sus hermanos mayores, quienes eran obligados a trabajos más forzosos, y después de su padre, quien se cree que fue asesinado por los soldados. Su madre la obliga junto a sus otros hermanos a escapar y hacerse pasar por huerfanos para así sobrevivir. 

La fotografía de esta trama sigue la misma línea narrativa y en ocasiones es vista como si Loung fuese la misma cámara, mostrando los horrores que tuvo que vivir: el despojo de sus pertenencias, la violencia que promulgaban los comunistas, obligando a todas las personas -desde el más joven hasta el más viejo- a todo tipo de trabajos, ya sea en plantaciones, ganado o pesca; cómo algunos niños eran obligados a ser pequeños soldados, crear bombas caseras y aprender a pelear. 

La tensión de la película se vive en casi todo momento de la historia, pero es opacada por la inocencia de un personaje que es muy joven para entender qué es lo que realmente pasa a su alrededor. Sareum Srey Moch, quien interpreta a Loung, es la encargada de llevar los sentimientos del público a la dirección que tiene como objetivo. 

El montaje juega otro papel importante en la perspectiva de cómo se narra la película, pues mezcla la imaginación de Loung con lo que va viendo a su alrededor y cómo esto va afectando la mentalidad del personaje frente a estos sucesos.

¿Quién sabía que a mediados de los años 70, Camboya vivía una de las guerras civiles más desgarradoras del país? Es difícil saber de este lado del mundo lo que los países orientales han sufrido a lo largo del tiempo. Pero el cine sigue siendo un canal básico para conocer esos relatos, solidarizarse con esos países y darnos una nueva visión de la realidad de aquel entonces. El resultado termina siendo envolvente y con una voz sutil e inocente que nos dice "esta es mi historia".

Dunkerque (Dunkirk)

Año 1940, en plena II Guerra Mundial. En las playas de Dunkerque, cientos de miles de soldados de las tropas británicas y francesas se encuentran rodeados por el avance del ejército alemán, que ha invadido Francia. Atrapados en la playa, con el mar cortándoles el paso, las tropas se enfrentan a una situación angustiosa que empeora a medida que el enemigo se acerca. (FILMAFFINITY)

La Segunda Guerra Mundial siempre será un escenario con muchas historias por contar. Y mientras pasa el tiempo, más tramas salen a la luz gracias al cine. Pero debo reconocer que cada quien tendrá su estilo para contarlas, y hasta ahora, pocos superan o podrán superar la forma en que Christopher Nolan decidió escribir y proyectar a Dunkirk.

Esta película narra el momento en que soldados británicos y franceses se encontraban varados en las costas de Dunkerque (Francia), en espera de rescate, mientras los alemanes llevaban la delantera en la guerra. La historia narra lo que ocurría horas antes de que fuesen rescatados por los civiles de ciudades aledañas a Dunkerque, desde tres puntos de vista distintos. Es en ese preciso detalle que Nolan juega con el elemento cinematográfico que ha caracterizado su estilo: el tiempo. 

En vez de estar contada de una forma lineal, Dunkirk es narrada en tres tiempos distintos: una hora (los pilotos), un día (los navegantes) y una semana (los soldados), que aunque a primera vista parezca una historia sin objetivo, en realidad son tres puntos que se irán conectando y entrelazando a medida que avanza la película. Una vez más, este director británico pone en práctica nuestro nivel de atención y nos hace preguntarnos: ¿quiénes son nuestros verdaderos aliados, en situaciones de crisis? No hace falta diálogos, identificar roles protagónicos o que los personajes nos contaran las razones que los llevaron a estar en Dunkerque, lo importante era lo que ocurría en ese corto lapso de tiempo que los alineó a todos en un mismo lugar.

De una manera sencilla, pero muy bien pensada, este filme posiciona el tema bélico en un subgénero distinto, en el que no le vemos la cara al enemigo, pero sí nos mantiene en suspenso, a la espera de los bombardeos que saldrán de repente, por cielo, mar y tierra, generando una buena carga de tensión gracias a la perfecta combinación de los close-ups claustrofóbicos y una banda sonora de violines que saca a cualquiera del sillón.

Sin embargo, y a pesar de que la fotografía y la musicalización son los aspectos más aplaudidos de Dunkirk, me atrevo a decir que es la narrativa y el montaje los que se ganan todos los puntos, pues se va desarrollando de una manera poco común para lo que ya se ha visto, pero atractiva, diferente e inquietante; que no nos hace preguntarnos cuál es el pasado o el futuro, y nos mantiene en el presente de ese momento en las costas de Dunkerque.

Una vez más, Christopher Nolan y su equipo de producción, compuesto por el cinematógrafo Hoyte van Hoytema y el compositor Hans Zimmer, nos envuelven en una historia en la que el tiempo es el verdadero protagonista y que, con el sonido constante del reloj, nos obligan a quedarnos hasta el final, hasta que cada soldado haya sido rescatado.