Critica Cinéfila: Civil War

En un futuro cercano donde América está sumida en una cruenta guerra civil, un equipo de periodistas y fotógrafos de guerra emprenderá un viaje por carretera en dirección a Washington DC. Su misión: llegar antes de que las fuerzas rebeldes asalten la Casa Blanca y arrebaten el control al presidente de los Estados Unidos.

Los miembros de la prensa son los buenos, pero también los malos, en la virtuosa “Civil War” de Alex Garland, un impactante relato básico de cómo podría ser una desunificación de Estados Unidos en un futuro cercano. Diseñado como una llamada de atención, el thriller de larga duración, que comienza lentamente y aumenta hasta llegar a una incursión asombrosa en Washington DC, integrando a los espectadores junto a un dedicado equipo de periodistas que se dirigen al Capitolio mientras el país se desmorona a su alrededor. Es la visión distópica más perturbadora hasta ahora del cerebro de ciencia ficción que acabó con todo Londres durante el levantamiento zombie representado en “28 days later”, y una que no puede consumirse fácilmente como entretenimiento. “Civil War”, un shock provocador para el sistema, está diseñado para causar división. Irónicamente, también pretende unir a la gente.

Guiados por la veterana fotógrafa de guerra Lee Smith (Kirsten Dunst), el reducido equipo de periodistas son profesionales totales. Representan una forma preocupante de desapego, esencial para su trabajo pero prácticamente contrahumano, ya que se esfuerzan por no tomar partido, lo que sirve como una acusación en sí mismo. Los medios de comunicación prosperan gracias al conflicto, que vende periódicos e impulsa los índices de audiencia, llegando incluso a fomentar el miedo en torno a la posibilidad de una segunda guerra civil estadounidense. A Garland no le importa cómo sucedió esto. Su guión omite el motivo por el que comenzó el conflicto y ofrece sólo la noción cuestionable de que Texas y California se separaron y posteriormente unieron recursos (llamándose a sí mismos “West Forces”) contra un presidente hambriento de poder durante tres mandatos (Nick Offerman).

Aunque parece otra entrada en el popular género de suspenso post-apocalíptico, no se equivoquen: “Civil War” describe el apocalipsis mismo. El país está en plena crisis, lo que se sugiere más que lo que se describe abiertamente. Los estadounidenses se han vuelto unos contra otros, y las únicas personas a las que se les permite moverse libremente a través de espacios con fuego activo son aquellas que tienen la palabra "PRENSA" escrita en sus chalecos antibalas. Garland establece el caos desde el principio, mientras Lee cubre una escena de mafia donde los civiles reducidos a refugiados en su propio país claman por agua. De repente, una mujer entra corriendo agitando una bandera estadounidense y con una mochila llena de explosivos atada al pecho.

Al igual que la explosión de la cafetería en “Children of Men” de Alfonso Cuarón, la explosión de estilo vérité nos pone nerviosos, aunque el mundo en general nunca podría presenciarlo, si no fuera por Lee, quien toma su cámara y comienza a documentar la carnicería. Segundos antes, había llevado a una joven admiradora, Jessie (la estrella de "Priscilla", Cailee Spaeny), a un lugar seguro, salvando efectivamente la vida de esta aspirante fotógrafa. El objetivo de Jessie es ser fotógrafa de guerra, aunque trabaja con películas en blanco y negro: una joven artista comparada a Lee. La ambiciosa joven se abre camino hacia la próxima misión de Lee, conduciendo con el reportero Joel (Wagner Moura) y el veterano periodista político Sammy (Stephen McKinley Henderson) a DC para entrevistar al presidente: tres generaciones de periodistas con agendas muy diferentes.

Jessie se ve a sí misma en la niña, incluso si ya no se ve en su propio reflejo. En una escena tranquila pero reveladora, el cuarteto llega a una ciudad que parece no haber sido tocada por la guerra. Entran en una tienda, donde Lee se prueba un vestido y se estudia en el espejo. La película es ese espejo, que muestra a Estados Unidos los riesgos de las luchas internas y los costos potenciales de la división. “Civil War” es una historia con moraleja que reutiliza el tipo de imágenes que el público ha visto en zonas de guerra en el extranjero (disidentes colgados de puentes, cadáveres cubiertos de cal apilados en fosas comunes) y las aplica a entornos familiares y totalmente estadounidenses.

Es sorprendente, por decir lo menos. Aún así, Lee ha visto cosas peores en su vida (al principio, mientras se relaja en su baño, recorre una muestra de horrores que ha documentado a lo largo de su carrera, incluido un hombre prendido fuego). Si alguna vez conoció la empatía, Lee ahora parece insensible sin posibilidad de reparación. Cuando Jessie le pregunta a su ídola si retrataría el momento si Jessie estuviera muriendo, Lee le devuelve la mirada fríamente y dice: "¿Qué piensas?".

El público nunca había visto a Dunst así. Parecía ruda en “The Power of the Dog”, pero aquí, cubrir conflictos le ha quitado la esencia. Garland le brinda al personaje varias oportunidades para reconectarse con su humanidad, incluso cuando es en un viaje por carretera tenso y cada vez más brutal mientras empuja al equipo hacia el proverbial corazón de la oscuridad. La mayor parte de la película se desarrolla a plena luz del día, lo que no tiene en absoluto la estética que el público espera de una película de guerra moderna, que normalmente utiliza filtros estratégicos para que todo parezca áspero.

"Civil War” puede desarrollarse en una dimensión paralela (el equipo de Cal-Texan no aclara si los estados azules o rojos están dirigiendo este levantamiento), pero se parece mucho a los Estados Unidos que conocemos. A veces, en medio de la confusión, los personajes no se pueden distinguir entre rebeldes y patriotas, como en una escena en una atracción al aire libre de Winter Wonderland, donde los soldados intentan eliminar a un francotirador. En esa situación, poco importa en qué equipo esté. Más tarde, Jessie Plemons aparece vistiendo un uniforme de camuflaje y gafas de sol en forma de corazón, apuntando con su arma a los periodistas desarmados. “¿Qué clase de estadounidense eres?” exige de cada uno de ellos. En el clima político actual, algunos plantean preguntas similares, con un subtexto igualmente intimidante.

En este punto, la película se ha inclinado hacia el terror en toda regla. De hecho, la recta final parece más sacada de Stephen King (“The Mist” o “The Stand”) que de cualquier película de guerra anterior, mientras el pequeño grupo de periodistas acompaña a las Fuerzas Occidentales en su gran avance en DC. Aunque Garland Mostró a Offerman preparando un discurso como presidente al principio, sembró dudas sobre la sinceridad del hombre al intercalar levantamientos del mundo real con sus palabras. Aún así, seguramente ningún estadounidense quiere ver lo que viene después, mientras las tropas en la sombra de Jessie y Lee intentan abrirse camino hacia la Casa Blanca.

Antes, las batallas eran intensas pero de alguna manera teóricas. Este asedio culminante parece aterrador, aunque tremendamente diferente del tipo de guerra del mundo real presenciado en Ucrania. Al principio, Jessie tendía a congelarse bajo el fuego, pero ahora parece valiente, mientras que Lee sufre ataques de ansiedad porque ya está llegando a su tope. Si vieras botas de combate pisoteando la bandera estadounidense, ¿podrías quedarte quieto y tomar fotografías? Enferma del alma, la reacción de Lee parece prácticamente fuera de lugar, ya que la visión de la democracia derrocada la detiene en seco. Pero sólo por un momento. Incrustados junto a insurrectos a quienes los medios bien pudieron haber inspirado, estos testigos presenciales de la historia están impulsados ​​por un sentido del deber totalmente distorsionado: su único objetivo es conseguir la foto, o la historia, según sea el caso.

Cualquiera que haya visto la película anterior de Garland, una de mis favoritas del 2022, “Men”, sabe que el director no rehuye a llevar las cosas al extremo más nauseabundo. “Civil War” no es diferente. Garland comercializa imágenes desencadenantes, no sólo de crímenes de guerra de los propios creadores de imágenes, actos que están lejos de ser neutrales y casi alentadores que hacen que el 6 de enero parezca leve. Mientras tanto, las ambigüedades que rodean los orígenes del conflicto significan que no hay manera de desactivar lo que estamos viendo. Sin ser vista, “Civil War” ha sido criticada por explotar las tensiones en un año electoral, cuando en realidad pretende ilustrar la inutilidad de los “bandos”. Garland es la última persona que sugiere un abrazo grupal. A medida que avanzan las declaraciones, su poderosa visión nos deja conmocionados, repitiendo efectivamente la pregunta que sofocó los disturbios de Los Ángeles: ¿Podemos llevarnos bien todos?

Crítica Cinéfila: The Last of Us, 1ra Temporada

Veinte años después de la destrucción de la civilización moderna a causa de un hongo -el cordyceps- que se adueña del cuerpo de los humanos, uno de los supervivientes, Joel, recibe el encargo de sacar a la joven Ellie de una opresiva zona de cuarentena. Juntos cruzan Estados Unidos ayudándose mutuamente para intentar sobrevivir.

The Last Of Us, lanzado originalmente para PlayStation en 2013, es indiscutiblemente uno de los mejores videojuegos de todos los tiempos. Un giro original en la plantilla de suspenso de zombis, abrió nuevos caminos con sus temas resonantes, un juego intensamente fluido, escenas capturadas de rendimiento y una escritura inusualmente decente. Fue una experiencia emocional, inmersiva y casi tan cinematográfica como la que se puede tener en una consola de juegos. Todo lo cual fue una buena razón para evitar una adaptación en primer lugar. ¿Por qué arriesgarse a arruinar algo perfecto? ¿Por qué ensuciar lo que vino antes? ¿Por qué, cuando los videojuegos han tenido un historial cruel en películas y televisión, siquiera hacer el gasto de ese presupuesto?

La respuesta viene de manera espectacular y enfática de los co-showrunners Neil Druckmann (el creador original del juego) y Craig Mazin (el escritor/productor detrás del igualmente apocalíptico y excelente "Chernobyl"). La acción en vivo "The Last Of Us" es un excelente ejemplo de cómo hacer que una adaptación funcione, cómo retener los elementos de lo que funcionó mientras se tiene la confianza para explorar nuevas y audaces avenidas, expandir el universo, hacer algo que se mantenga firme en sus propios pies. 

Una de las fortalezas clave del juego era la profundidad de sus personajes, y eso solo se intensifica aquí. Lo más llamativo, en primer lugar, es lo fiel que ha sido este traspaso. Claramente conscientes de que están trabajando a partir de una plantilla bastante sólida, y quizás también conscientes de complacer a la base de fanáticos leales y agresivos del juego, Druckmann y Mazin se han ceñido relativamente a la narrativa original. Como en el videojuego, esta serie sigue a Joel (Pedro Pascal) y Ellie (Bella Ramsey) en su traicionero viaje a través de un Estados Unidos post-apocalíptico, desde Boston a Wyoming, enfrentándose a zombis (conocidos aquí como los 'infectados'), además de la vida igualmente aterradora, en busca de una cura, o al menos algún tipo de curación interna.

Para cualquiera que haya jugado el juego, es una experiencia a veces surrealista ver sus momentos más icónicos (el rascacielos derrumbado, las jirafas) bellamente representados en acción en vivo. Pero, excepto por un momento en el que Joel le dice a Ellie que "le dará un impulso", un guiño astuto a una de las mecánicas clave del juego, nunca se siente como si estuviera viendo un videojuego. 

Emocionantemente, la serie es quizás más fuerte cuando se desvía de su plan original. Ninguno de los puntos principales de la trama cambia drásticamente, pero varios episodios se salen gloriosamente de la pista anterior. Lo más fascinante de todo es el extraordinario tercer episodio, casi independiente, que cuenta la historia completa de Bill, un personaje antes muy secundario que ahora interpreta Nick Offerman. Se lo vuelve a imaginar aquí como un sobreviviente y un loco ocasional de la conspiración que se preparó para los zombis toda su vida, demostrando que es posible obtener una buena distopía de las ruinas del mundo. Decir más podría estropear la experiencia; baste decir que es conmovedora, sorprendentemente romántica y una de las mejores horas de televisión de los últimos tiempos.

Esto no le resta valor a los demás episodios, donde cada uno mostró la increíble fraternidad de los personajes con su historia y el universo, sirviéndose mutuamente, y rescatando los grandes pensamientos de las actitudes que todo ser humano sacaría a la luz si un evento de esta magnitud ocurriese. Aunque hay mucha violencia en la disputa por los recursos limitados que quedan en el nuevo drama distópico, los personajes que conocemos a menudo se presentan como si fueran víctimas de las circunstancias, condenados a recordar lo que alguna vez tuvieron.

Lo que hace que el personaje principal, Ellie, sea una figura particularmente potente. Ellie es una adolescente que nunca ha conocido nada más que el mundo posterior a la caída. A través de sus ojos, vemos el paisaje como, efectivamente, un tipo divertido de normalidad: Criada desde la infancia para ser parte de la defensa contra la amenaza de los muertos vivientes que siempre invade, Ellie tiene miedo de la gente de los hongos, pero no se sorprende por ellos.

Es esta dinámica y su relación con su protector Joel lo que mantiene a flote a “The Last of Us” a lo largo de su carrera. La serie puede apoyarse demasiado en las secuencias de acción, lo que enfatiza la asombrosa surrealidad de los infectados. Pero lo que yace debajo del caos es el vínculo naciente entre Joel, un hombre sin raíces que prometió para proteger a Ellie, que puede tener dentro de su cuerpo inmunidad al hongo, pero que parece estar infectada, en su viaje fuera de la zona de cuarentena y hacia un lugar seguro. A través de las actuaciones de Pascal y Ramsey y una escritura sólida, esta dinámica brilla con emoción y vida.

Ellie y Joel están experimentando diferentes tipos de duelo. Ellie, que tiene una vaga curiosidad por una época que no vivió, difícilmente puede sorprenderse de que aquellos a los que amaba le sean arrebatados en un mundo que siempre ha conocido como brutal. Joel, mientras tanto, experimentó el primer día de la infección masiva y vive en una especie de dolor contenido por la pérdida de su hija. Esa hija es interpretada por Nico Parker en el primer episodio de la serie, una demostración de más de una hora del don que Mazin tiene especialmente para demostrar el colapso de los procesos. Aquí, como en “Chernobyl”, vemos cómo los personajes lentamente, y luego todos a la vez, se dan cuenta de que el mundo que los rodea se está desmoronando.

Esto es lo que es tan impresionante de esta adaptación: lo completamente realizado que es este mundo. Hay una asombrosa sensación de escala en este apocalipsis, desde los toques sutiles (un extra usa una camiseta de la campaña presidencial de Al Gore, un indicador de que el tiempo se detuvo en el brote de principios de la década de 2000) hasta el CGI impecable, gran cinematografía, el mantenimiento del diseño de producción, que incluye el trabajo de vestuario, maquillaje y utilería. 

Y, sin embargo, a pesar de todo su vasto lienzo, a pesar de todo su caos monstruoso ocurriendo alrededor de ellos, el enfoque permanece en todo momento en los personajes. En particular, Ellie de Ramsey equilibra de manera convincente la inocencia con los ojos muy abiertos (habiendo vivido toda su vida en una zona de cuarentena, nunca antes se había sentado en un automóvil o visto un avión) con una determinación intensa e incluso tonterías, lo que de otro modo podría ser un reloj bastante sombrío. Mientras tanto, Pedro Pascal tiene un reparto perfecto: ofrece una gran dureza de vaquero entrecerrando los ojos y de rostro tosco, pero siempre es una fachada, que enmascara un trauma profundo y el puro terror de ser una figura paterna. Nunca ha estado mejor. Que la serie termine como lo hace el primer juego juego, con Joel tomando una decisión brutalmente ambigua, muestra una comprensión implícita de estos personajes, su oscuridad moral, su humanidad confusa. El último de nosotros, el juego, nunca ofreció respuestas fáciles; la serie tampoco. Es mucho mejor por eso.

Cómodamente, se puede admitir que es la mejor adaptación de un videojuego jamás realizada: una que profundiza en la tradición distópica del juego, mientras se mantiene fiel a su núcleo emocional. Al igual que el juego, también es una obra maestra.

Crítica Cinéfila: Colin in Black and White

Serie que explora los años de instituto de Colin Kaepernick y las experiencias que le llevaron a ser un activista.

Co-creado por Ava DuVernay y el ex mariscal de campo de los 49ers Colin Kaepernick, quien silenciosamente se arrodilló durante el himno nacional de Estados Unidos en 2016 en protesta por la desigualdad racial y el asesinato indiscriminado de estadounidenses negros por la policía, "Colin in Black and White", la serie limitada de docudrama de Netflix, sigue su tema mientras mira hacia atrás en sus años de formación como un atleta adoptado birracial de la escuela secundaria y la universidad con los ojos puestos en convertirse en un mariscal de campo profesional. A través de una mezcla de técnicas cinematográficas, el dúo ha creado una versión única del género que hierve a fuego lento con pasión y reflexión.

El primer episodio comienza con Kaepernick dirigiéndose directamente a la pantalla: describe cómo los posibles jugadores de fútbol profesional desfilan frente a los entrenadores y propietarios de equipos en busca de "guerreros, asesinos y bestias". Esta secuencia da paso a una dramática recreación de una subasta de esclavos, marcando el tono y la tesis de su serie limitada. Mientras suena "ADN" de Kendrick Lamar, Kaepernick comparte que cuando era niño solo quería jugar al fútbol, ​​pero con el tiempo aprendería que había un sistema que alimentaba el talento negro en la máquina capitalista. A medida que se desarrolla la serie, lo vemos alcanzar la mayoría de edad no solo como futbolista, sino también en su propia conciencia social.

Kaepernick alterna entre narrar la serie y agregar comentarios de color a las escenas a medida que se desarrollan, con la versión más joven de él interpretada con cruda vulnerabilidad por Jaden Michael. Al mudarse de Wisconsin a Turlock, CA, ambos lugares conocidos por la producción lechera y la escasez de personas negras, los padres blancos adoptivos con pocos conocimientos sobre las diferencias raciales de Kaepernick (Mary-Louise Parker y Nick Offerman) a menudo luchan por comprender la especificidad de su identidad birracial. 

El primer episodio aborda el cabello de Kaepernick, un elemento ahora icónico de su personalidad, mientras lo trenza por primera vez. Al principio, encuentra la libertad a través de la experiencia y una conexión con una comunidad que lo había eludido durante mucho tiempo. Pero más tarde surge una nueva serie de obstáculos racistas, de sus propios padres que le dicen que las trenzas lo hacen parecer un bandido y de las reglas injustas establecidas para el equipo de baseball de la escuela secundaria que parece afectar solo su tipo específico de cabello.

A lo largo del programa, hay viñetas de historias paralelas que establecen piedras de toque culturales pertinentes a la vida de Kaepernick. Algunas tienen lugar como recreación dramática; otros utilizan la animación de medios mixtos para contar las historias de hombres como el pionero jugador de baloncesto Allen Iverson o Clive Campbell , también conocido como DJ Kool Herc , a quien se le atribuye el mérito de haber originado la música hip-hop en el Bronx. También tejen a la perfección secuencias de video de Karens blancos llamando a la policía sobre los estadounidenses negros por pánico racial, así como imágenes de desigualdad racial en casos judiciales como Kelley Williams-Bolar , quien pasó 9 días en la cárcel en 2011 por "saltarse los límites" de su hija. a un mejor distrito escolar.

El mejor episodio de los tres, dirigido por Robert Townsend ("Hollywood Shuffle"), comienza con imágenes contrastantes de las protestas de Black Lives Matter del verano pasado, llamadas "la forma incorrecta de protestar" por las autoridades, con imágenes de la redada del 6 de enero en el Capital y Trump se refieren a ellos como "gente muy agradable". Si bien el contraste entre la rabia blanca como libertad de expresión y la protesta negra como violencia no es una idea nueva, la forma en que Townsend yuxtapone las imágenes sirve como un claro recordatorio de que nuestra nación está construida sobre esta base inestable y no parece estar funcionando.

Pasando el verano conduciendo por las peores partes de la conservadora California: Palmdale en el Inland Empire, Oroville en el Valle de Sacramento y Red Bluff en el estado del norte, la comprensión de Kaepernick de las microagresiones que enfrenta como el único niño negro en su equipo aumenta a medida que avanza y sus padres permanecen ajenos. Habiendo crecido en este tipo de California rural conservadora, fue refrescante ver finalmente estas partes del llamado Golden State expuestas a lo que realmente es, donde la parte que está en silencio en otras partes del estado se dice en voz alta.

En el momento más poderoso de la serie hasta ahora, ambos padres deciden que el recién autorizado Colin debe conducir al próximo torneo, esta vez en Lancaster, cuando pasan por el mismo oficial de CHP en la misma minivan beige que su padre había saludado muchas veces antes, Colin es detenido. El oficial, cuyo rostro está oscurecido por su casco y grandes lentes reflectantes, es inmediatamente agresivo con Colin y protector con sus padres, y les pregunta si están bien. Explican que es su hijo adoptivo, difuminando la situación. Sin embargo, su obviedad sobre el peligro que corría su propio hijo en los espectáculos, ya que la madre bromea diciendo que él acaba de esquivar una bala, con su padre repicando que acaba de salir de su primer boleto. Se ríen, mientras Colin traumatizado se sienta congelado en el asiento del conductor, sin saber cómo sentirse o qué hacer a continuación.

DuVernay y Kaepernick han elaborado una serie limitada de docudrama híbrida que es tanto personal como universal, educativa y cruda. Llega al corazón de cómo lo general y lo específico, la familia y el país, los obstáculos y los logros trabajan juntos como el suelo en el que una persona  de color crece en sí misma.