Crítica Cinéfila: Colin in Black and White

Serie que explora los años de instituto de Colin Kaepernick y las experiencias que le llevaron a ser un activista.

Co-creado por Ava DuVernay y el ex mariscal de campo de los 49ers Colin Kaepernick, quien silenciosamente se arrodilló durante el himno nacional de Estados Unidos en 2016 en protesta por la desigualdad racial y el asesinato indiscriminado de estadounidenses negros por la policía, "Colin in Black and White", la serie limitada de docudrama de Netflix, sigue su tema mientras mira hacia atrás en sus años de formación como un atleta adoptado birracial de la escuela secundaria y la universidad con los ojos puestos en convertirse en un mariscal de campo profesional. A través de una mezcla de técnicas cinematográficas, el dúo ha creado una versión única del género que hierve a fuego lento con pasión y reflexión.

El primer episodio comienza con Kaepernick dirigiéndose directamente a la pantalla: describe cómo los posibles jugadores de fútbol profesional desfilan frente a los entrenadores y propietarios de equipos en busca de "guerreros, asesinos y bestias". Esta secuencia da paso a una dramática recreación de una subasta de esclavos, marcando el tono y la tesis de su serie limitada. Mientras suena "ADN" de Kendrick Lamar, Kaepernick comparte que cuando era niño solo quería jugar al fútbol, ​​pero con el tiempo aprendería que había un sistema que alimentaba el talento negro en la máquina capitalista. A medida que se desarrolla la serie, lo vemos alcanzar la mayoría de edad no solo como futbolista, sino también en su propia conciencia social.

Kaepernick alterna entre narrar la serie y agregar comentarios de color a las escenas a medida que se desarrollan, con la versión más joven de él interpretada con cruda vulnerabilidad por Jaden Michael. Al mudarse de Wisconsin a Turlock, CA, ambos lugares conocidos por la producción lechera y la escasez de personas negras, los padres blancos adoptivos con pocos conocimientos sobre las diferencias raciales de Kaepernick (Mary-Louise Parker y Nick Offerman) a menudo luchan por comprender la especificidad de su identidad birracial. 

El primer episodio aborda el cabello de Kaepernick, un elemento ahora icónico de su personalidad, mientras lo trenza por primera vez. Al principio, encuentra la libertad a través de la experiencia y una conexión con una comunidad que lo había eludido durante mucho tiempo. Pero más tarde surge una nueva serie de obstáculos racistas, de sus propios padres que le dicen que las trenzas lo hacen parecer un bandido y de las reglas injustas establecidas para el equipo de baseball de la escuela secundaria que parece afectar solo su tipo específico de cabello.

A lo largo del programa, hay viñetas de historias paralelas que establecen piedras de toque culturales pertinentes a la vida de Kaepernick. Algunas tienen lugar como recreación dramática; otros utilizan la animación de medios mixtos para contar las historias de hombres como el pionero jugador de baloncesto Allen Iverson o Clive Campbell , también conocido como DJ Kool Herc , a quien se le atribuye el mérito de haber originado la música hip-hop en el Bronx. También tejen a la perfección secuencias de video de Karens blancos llamando a la policía sobre los estadounidenses negros por pánico racial, así como imágenes de desigualdad racial en casos judiciales como Kelley Williams-Bolar , quien pasó 9 días en la cárcel en 2011 por "saltarse los límites" de su hija. a un mejor distrito escolar.

El mejor episodio de los tres, dirigido por Robert Townsend ("Hollywood Shuffle"), comienza con imágenes contrastantes de las protestas de Black Lives Matter del verano pasado, llamadas "la forma incorrecta de protestar" por las autoridades, con imágenes de la redada del 6 de enero en el Capital y Trump se refieren a ellos como "gente muy agradable". Si bien el contraste entre la rabia blanca como libertad de expresión y la protesta negra como violencia no es una idea nueva, la forma en que Townsend yuxtapone las imágenes sirve como un claro recordatorio de que nuestra nación está construida sobre esta base inestable y no parece estar funcionando.

Pasando el verano conduciendo por las peores partes de la conservadora California: Palmdale en el Inland Empire, Oroville en el Valle de Sacramento y Red Bluff en el estado del norte, la comprensión de Kaepernick de las microagresiones que enfrenta como el único niño negro en su equipo aumenta a medida que avanza y sus padres permanecen ajenos. Habiendo crecido en este tipo de California rural conservadora, fue refrescante ver finalmente estas partes del llamado Golden State expuestas a lo que realmente es, donde la parte que está en silencio en otras partes del estado se dice en voz alta.

En el momento más poderoso de la serie hasta ahora, ambos padres deciden que el recién autorizado Colin debe conducir al próximo torneo, esta vez en Lancaster, cuando pasan por el mismo oficial de CHP en la misma minivan beige que su padre había saludado muchas veces antes, Colin es detenido. El oficial, cuyo rostro está oscurecido por su casco y grandes lentes reflectantes, es inmediatamente agresivo con Colin y protector con sus padres, y les pregunta si están bien. Explican que es su hijo adoptivo, difuminando la situación. Sin embargo, su obviedad sobre el peligro que corría su propio hijo en los espectáculos, ya que la madre bromea diciendo que él acaba de esquivar una bala, con su padre repicando que acaba de salir de su primer boleto. Se ríen, mientras Colin traumatizado se sienta congelado en el asiento del conductor, sin saber cómo sentirse o qué hacer a continuación.

DuVernay y Kaepernick han elaborado una serie limitada de docudrama híbrida que es tanto personal como universal, educativa y cruda. Llega al corazón de cómo lo general y lo específico, la familia y el país, los obstáculos y los logros trabajan juntos como el suelo en el que una persona  de color crece en sí misma. 

Crítica Cinéfila: When They See Us

Cinco adolescentes de Harlem se ven atrapados en una pesadilla cuando se les acusa injustamente de un ataque brutal en Central Park. Basada en los hechos reales.

Ava DuVernay restaura los nombres del Jogger Case en una miniserie de Netflix marcada por poderosos momentos y la soberbia cinematografía de Bradford Young.

Antron McCray. Kevin Richardson. Yusef Salaam. Raymond Santana. Korey Wise. Esos son los cinco adolescentes de Harlem que fueron arrestados, condenados y encarcelados en la violación de una trotadora en 1989, solo para que esas condenas quedaran libres en 2002. Son más conocidas como the Central Park Five, pero ese es un error que la creadora Ava DuVernay excluye casi por completo de su miniserie de Netflix, When They See Us.

En cuatro episodios de más de una hora cada uno, When They See Us es un intento riguroso de hacer una crónica de un fallo legal épico y ayudar a restaurar el sentido de los hombres como individuos, en lugar de ser miembros de un colectivo acusado injustamente. DuVernay, directora y co-escritora de cada episodio, aborda su historia de una manera que evita los tropos narrativos típicos de triunfo sobre la adversidad. A veces le da prioridad a lo intelectual sobre lo emocional o deja intencionalmente grandes huecos en el tiempo y la perspectiva, pero sus elecciones nunca se sienten al azar. El material extrae una profunda indignación, y el conjunto de notas perfectas le da corazón.

El piloto introduce a los espectadores en la noche del 19 de abril de 1989, con un breve vistazo a las vidas de los jóvenes Korey (Jharrel Jerome), Antron (Caleel Harris), Yusef (Ethan Herisse), Raymond (Marquis Rodriguez) y Kevin (Asante Blackk) antes de unirse a un grupo que se dirigía a Central Park. DuVernay podría haberle brindado una amplia introducción a sus personajes y haber jugado por sentimientos, pero en lugar de eso, fue por la brusquedad de la juventud interrumpida. Las razones de los niños para ir al parque en primer lugar se vuelven borrosas, al igual que sus acciones reales allí esa noche como parte de una ola de juveniles, algunos para causar estragos y otros solo para una noche de primavera.

Es al día siguiente que observamos a las autoridades, principalmente encarnadas por Linda Fairstein (Felicity Huffman), aprendemos sobre una brutal violación y comenzamos su proceso de replanteamiento de la narrativa. Deconstruyendo la historia de Central Park Five, DuVernay nos muestra su construcción deshumanizadora. La palabra "wilding" que se ha caído inocentemente adquiere un significado nuevo y aterrador, y escuchamos a los policías que convierten a los niños de "testigos" en "depredadores" y de "niños" en "animales". DuVernay no se muestra indiferente en la representación del papel de Donald Trump, cuyo rollo es omnipresente en el fondo, fácilmente burlón si no reclamara la devolución de la pena de muerte.

La injusticia está en el corazón del resto de la serie, con DuVernay a menudo sacrificando la especificidad del caso para ilustrar algunas de las inequidades sistémicas exploradas en su documental nominado al Oscar, 13th. A medida que los cinco adolescentes crecen, cada vez más desgarradores a su manera, los jóvenes intérpretes son reemplazados por otro grupo de actores (Jovan Adepo, Chris Chalk, Freddy Miyares y Justin Cunningham), y el enfoque de la serie cambia a una crítica general del Complejo industrial carcelario y los retos de reincidencia y rehabilitación. 

Notará solo cuatro, en lugar de cinco, nombres para los actores adultos. Eso se debe a que Jerome, interpreta a Korey Wise en ambos períodos. Dieciséis en el momento de su condena y sujeto a un encarcelamiento particularmente angustioso, Wise domina la hora final de la serie, y Jerome ofrece un desempeño sobresaliente. 

La otra característica clave de la serie es la fotografía a cargo de Bradford Young. Hay matices de Gordon Parks en la forma en que la cámara de Young trata a las localidades de la ciudad de Nueva York como fuentes de nostalgia y reflexión por igual. Los programas de cable de prestigio son demasiado a menudo víctimas de una simplificación "oscura = seria", pero el trabajo de Young es una introducción a cómo trabajar con poca luz no es lo mismo que sacrificar la visibilidad. Ya sea que esté usando farolas amarillas en las primeras escenas de Central Park o que refleje la confusión moral en un juzgado amañado, a menudo Young trata la iluminación simbólicamente, como la verdad que trata de estallar en cada marco, sin olvidar como jugó con los primerísimos planos en los personajes para darle un duro golpe de enojo a la audiencia. El acto de ver, de reconocer, está integrado en el título de la serie.

Al igual que con las opciones estructurales de DuVernay, hay temas visuales en los que la cinematografía basada en ideas de Young se convierte en una pequeña distracción: no tiene que prestar mucha atención a las escenas de interrogación para ver el confinamiento literalmente acercándose a los niños, pero cada cuadro es digno de consideración.

Seguro que algunos sentirán que la mecánica tanto de las vías férreas como de la exoneración están un poco alteradas aquí, pero DuVernay no pretende perder de vista a estos jóvenes, las vidas ordinarias que se les quitaron, sus identidades y sus nombres.

A Wrinkle in Time

Después de enterarse de que su padre astro físico está cautivo en un planeta distante en medio de un mal que abarca todo el universo, Meg Murry trabaja con su muy inteligente hermano menor, su compañero de clase y tres viajeras astrales para salvarlo. Adaptación de la novela de Madeleine L'Engle. (FILMAFFINITY)

Meg es una joven que sigue afectada por la desaparición de su padre, Alex. A pesar de que han pasado cuatro años, su actitud antisocial en la escuela y en cualquier otro lugar público la arrastran constantemente a la categoría de "extraña". Y a pesar de que esto no le quita la oportunidad de ganar sus pequeñas batallas, la depresión que la persigue, y su conflicto interno de inconformidad e inseguridad, la obligan a considerarse una completa extraterrestre.

Un día, su hermano Charles Wallace deja entrar a la casa a una mujer llamada Miss Whatsit (Sra. Qué), quien plantea la posibilidad de encontrar a Alex. Así también conocerán a las demás Señoritas celestiales: Miss Which (Sra. Cual) y Miss Who (Sra. Quién), quienes la llevarán a ella, junto a su hermano y un compañero de clase, a un mundo en donde el viaje es transportado a través de la mente. Conocerán diversas criaturas, universos e ideologías que determinarán que tan abierta está Meg a sus "extravagancias".

Esta es otra película de Disney, basada en un libro, que a pesar de que este fuese interesante, la historia se va por un camino que quizás nadie esperaría de esta casa productora: se dirige hacia lo absurdo. Diversos eventos acontecen en esta película, pero parece que solo sus personajes saben que es lo que ocurre y por qué ocurre, pero nunca le explican a la audiencia nada de esto.

En su primer acto, Charles Wallace (a quien siempre llaman así siempre y resulta un poco incómodo) parece conocer todas las Misses, pero nunca explican cómo las conoce y desde cuándo las conoce; así mismo, parece comprender el poder que cada una posee. Es verdad que el personaje es de un niño, probablemente menor de 6 años, y por eso le dan cualidades de ingenuidad y curiosidad, pero su inteligencia es, en muchas ocasiones, superior a la de cualquier otro personaje, y nunca explican por qué. Es difícil creerse el personaje, a pesar de que el actor lo interpreta con mucho talento y naturalidad.

Del mismo modo, el personaje de Meg es muy conflictivo; en algunas ocasiones parecía sobreactuado y en otras le faltaba chispa. El personaje de Calvin (el interés amoroso de Meg) es muy difícil de seguir; dice cosas muy poco creíble para la edad que se supone ese personaje tiene, pero también sus acciones parecen totalmente innecesarias, casi diciéndose a sí mismo que fue inutil llevarlo a este mundo, porque no ayudó en nada, y solo fue para que la chispa entre Meg y él creciera aún más.

En cuanto a las Misses, son quizás los personajes mejor desarrollados de la historia, pero aún así, le faltan mayor explicación a la ideología de cada una, y cuáles son sus verdaderas intenciones en la historia. Lo más disgustante es que todos estos actores son sobresalientes y tienen el suficiente talento para manejar cualquier tipo de personaje; parece ser más bien un problema en el trabajo de guión y dirección. Ava DuVernay quizás fue la persona equivocada para dirigir esta película, porque no logra ni la mitad de lo que logró transmitir en sus tramas antecesoras.

La historia tiene un giro interesante al final, que no quisiera arruinar a nadie, donde los papeles se invierten y el "villano" es quien menos se esperaría cualquier persona, no obstante, también establece el conflicto de que no hay un verdadero villano y que en realidad la protagonista se está enfrentando el 70% de la película a sí misma.

Además, su fotografía y la producción de diseño en todos sus detalles, como el vestuario de los personajes y el maquillaje, son los mejores aspectos de esta película, que lograron lo que le faltó a la historia: da una idea del tipo de personaje que es cada uno y el tipo de mundo al que llegan para iniciar su búsqueda.

Esta es una película decepcionante, pues creó grandes expectativas en su audiencia; sin embargo, la sobrecarga de efectos especiales, más la escasez de lógica en su historia y personajes, la convierten en una película muy confusa de entender y de seguir. Su audiencia se preguntará constantemente por qué ocurren determinadas situaciones, y lo más angustiante de todo es que nadie les responderá.