Crítica Cinéfila: On the Rocks

Una madre joven (Rashida Jones) reconecta con su padre (Bill Murray), un playboy de cierta fama, a través de una serie de aventuras con la ciudad de Nueva York como escenario. 

Rashida Jones interpreta a una autora de Nueva York plagada de bloqueos narrativos y preocupaciones matrimoniales, con Bill Murray como el padre playboy que trata de ayudarla en la comedia de Sofia Coppola. Distinguida por su irónico punto de vista femenino, la inteligente y desenfadada comedia de Coppola sobre un matrimonio que puede estar en problemas y un padre entrometido que interviene para salvarlo o destruirlo se siente mucho más realista en todo lo que conlleva la palabra romance. Esta es la tercera colaboración de Coppola con Murray, después de Lost in Translation y el especial navideño A Very Murray Christmas. Hay aspectos de su trabajo en ambos proyectos en su divertida caracterización aquí como Félix, un operador irresistible que ha hecho una fortuna como curador de arte de alto nivel.

La hija de Félix, Laura (Jones), tiene una relación complicada con su padre, un bon vivant que todavía mantiene una energía y ambiente de séducteur suave con cada mujer atractiva que encuentra. En un fragmento de diálogo de la infancia de Laura que se escuchó en la apertura, él le dice: "Recuerda, no le des tu corazón a ningún chico. Eres mía hasta que te cases. Y entonces seguirás siendo mía". Él continúa tratándola como su pequeña niña, e incluso en sus treinta y tantos años, ella encuentra algo de seguridad en eso mientras al mismo tiempo frunce el ceño ante las actitudes pasadas de moda de los hombres de su generación.

Laura hace mucho tiempo que formó su propia familia, con su esposo Dean (Marlon Wayans) y sus dos adorables hijas, Maya (Liyanna Muscat) en edad de escuela primaria y el niño Theo (interpretado por las gemelas Alexandra y Anna Reimer). Pero la vida doméstica en su fabuloso apartamento de SoHo está sofocando su sentido propio y su creatividad, a juzgar por la falta de progreso en el proyecto de un libro. Cuando Dean regresa de un viaje de negocios a Londres todavía alejado del Xanax que tomó en el vuelo, Laura interpreta su distracción durante un momento romántico como una señal de que la confundió con alguien más. Sus noches en la oficina, la renuencia a comprometerse con un alquiler de vacaciones de verano y una bolsita personal de una mujer que encuentra en su equipaje, alimentan el temor de Laura de que Dean esté teniendo una aventura.

Coppola observa el malestar de Laura con una mirada divertida y hastiada por el ensimismamiento de los neoyorquinos adinerados. Su rostro es un nudo de preocupación mientras deja a Maya en la escuela y soporta la charla de las otras madres. En un momento de vulnerabilidad del que se arrepentirá, Laura confía en su padre, quien valida sus dudas sobre Dean, basándose únicamente en su conocimiento de primera mano de la aversión natural de los hombres por la monogamia. "El brazalete es un recordatorio de que las mujeres alguna vez fueron propiedad de los hombres", le dice Felix mientras valora el regalo de Dean en su muñeca.

Ésta es una de las muchas observaciones culturales que, en el discurso a la vez irónico y sincero de Murray, son aparentemente eruditas, pero flagrantemente desincronizadas con la política de género del siglo XXI. Su relato del desarrollo evolutivo de la forma femenina clásicamente deseable es una joya hilarante de misterios históricos filtrados a través de la perspectiva deformada de la mirada masculina. Coppola se divierte mucho explorando el conflicto entre el afecto padre-hija y las divisiones de actitud marcadas, ayudada inconmensurablemente por la entretenida química entre Jones y Murray.

Las opiniones irreconciliables de Félix sobre los roles masculinos y femeninos son evidentes en una escena divertida con sus abrumadas nietas, en la que Laura llega a casa y descubre que él les ha estado enseñando a barajar cartas y a fanfarronear "y que las niñas deben llevar el pelo largo y bonito, cómo a los chicos les gusta". Más tarde, en un bar, confiesa que podría estar quedando sordo: "Puedo escuchar todo bien excepto las voces de mujeres. Creo que es el tono". Félix, al hacerse cargo de su posible dilema matrimonial ignorando las objeciones de Laura, sugiere al principio movimientos de investigación estándar como revisar el teléfono de Dean. Pero cuando eso no resulta nada concluyente, él la convence de que la situación requiere un trabajo de detective.

En una escena que consolida por completo la deuda que On the Rocks tiene con los sofisticados misterios de comedia de Hollywood de las décadas de 1930 y 1940, Felix insiste en que sigan a Dean a una cena de la empresa. Su idea de permanecer de incógnito es dejar su automóvil habitual y su conductor en casa, convirtiendo la noche en una aventura al recoger a Laura en un descapotable rojo vintage con un par de binoculares y bocadillos de caviar y champán. Lo que evita que todo este alegre privilegio se vuelva desagradable, paradójicamente, es el reconocimiento guiñoso de Coppola de que se basa en una experiencia mimada, no en un materialismo codicioso. La escritora y directora equilibra la desaprobación con la admiración resignada por la propiedad de Félix de la ciudad de Nueva York, de hecho, quizás del mundo entero, como su patio de recreo personal. El retrato inevitablemente sugiere elementos del propio padre de Coppola y sus amistades. La película cambia gratamente a un modo de travesura en toda regla cuando Dean anuncia que se va de viaje de empresa a un balneario mexicano y Félix insiste en que lo sigan, lo que resulta en un descubrimiento humillante para Laura.

A lo largo del guión, Coppola agrega elegantemente preguntas sobre la capacidad de los hombres para ser fieles y los compromisos que se esperan de las mujeres para hacer que el matrimonio funcione. Estas observaciones a menudo se intercambian en los lujosos salones del Upper East Side o en los lujosos clubes de cenas, bares y restaurantes que son los lugares de reunión de Felix, donde invariablemente conoce a los camareros por su nombre y, a menudo, se encuentra con una amiga . Incluso antes de que las fotografías mostradas en el apartamento de Felix revelen tomas de él con Andy Warhol y Barack Obama, está claro que se mezcla en círculos muy influyentes.

La cámara de Philippe Le Sourd saborea los ambientes elegantes con un deleite que será elixir para cualquiera de nosotros que alguna vez anhelara la alta vida de Nueva York. Quizás aún más embriagadoras son las numerosas tomas de calles y rascacielos por la noche, brillando con una majestuosidad desafiante que parece una vida alejada del actual estado triste y medio gastado de la ciudad. El flujo sedoso de la edición de Sarah Flack se siente de manera similar exuberante. La música es siempre una parte clave de la estética de Coppola. Su toque ligero y ritmos de jazz seguro encontrarán muchos admiradores. Dirige la acción a geniales pistas electrónicas moviendo ocasionalmente estándares de jazz y pop. Un punto culminante entre ellos es Félix dando una serenata a los invitados reunidos en un bar de playa con "Mexicali Rose", un interludio tonto y dulce que desgasta nuestra paciencia tanto como la de Laura.

Hay una cualidad encantadora y no forzada en la forma en que las ansiedades de Laura sobre su matrimonio se entrecruzan con sentimientos no resueltos sobre la infidelidad de su padre hace mucho tiempo que aplastó emocionalmente a su madre y destrozó a su familia. Mientras Félix reflexiona sobre su necesidad de sentir una vez más ese brillo de atención renovada que se había desvanecido con el matrimonio y la paternidad, hay conmoción en su admisión tanto de su debilidad como de sus arrepentimientos. Murray rara vez ha estado mejor.

Wayans, un actor generalmente más conocido por sus amplios papeles de comedia, es un elenco inesperado como el esposo bajo sospecha; su manera suave como Dean nos mantiene adivinando mientras lo alentamos para que sea el bueno. Pero On the Rocks es en gran medida un padre e hija a dos manos: tierno y personal, secamente divertido e interpretado a la perfección por Jones y Murray. Su toque sin esfuerzo muestra a la consumada Coppola, que cambia de género y continúa expandiendo su rango.

Crítica Cinéfila: The Boys in the Band

Un grupo de homosexuales se reúne en un apartamento de Nueva York para celebrar el cumpleaños de un amigo. Cuando transcurren las horas, después de beber y de subir el volumen de la música, la velada comienza a exponer las fisuras que existen entre su amistad y el dolor auto-infligido que amenaza con hacer trizas su concepto de la solidaridad. 

Se han escrito volúmenes sobre cómo las relaciones heterosexuales en obras de dramaturgo homosexuales a menudo eran relaciones gays "codificadas". Mart Crowley rompió con todo eso inspirándose en parte por una diatriba del New York Times del crítico Stanley Kauffman, quien desafió a los dramaturgos a escribir directamente sobre sí mismos. Crowley hizo precisamente eso y elaboró ​​un psicodrama de juego de la verdad sobre un grupo de reinas del drama que se reúnen en un apartamento de Greenwich Village para una fiesta de cumpleaños, y al final de una larga noche de copas todo termina en un conflicto interno contra ellos mismos.

“The Boys in the Band” fue una buena obra para su época, pero no resistió la prueba del tiempo. La segunda etapa de la obra llegó en 1970, cuando se hizo una película de Hollywood, y en ese momento el espíritu de liberación gay estaba cambiando rápidamente la temperatura cultural de la vida homosexual. El abrumador odio hacia sí mismos que parecían compartir los personajes de Crowley, casi ninguno de ellos creía que merecieran amor, de repente parecía una reliquia tremendamente desactualizada de una época más represiva.

La tercera etapa comenzó alrededor de finales de los 70, momento en el que la obra había pasado de estar fechada a casi patológicamente anticuada. Los personajes, con sus antiguas referencias a las divas del cine y las rivalidades de los dardos venenosos, habían llegado a parecer exhibiciones en algún museo subterráneo macabro de un campamento superior, en parte porque una generación de dramaturgos homosexuales y orgullosos estaban ahora de pie en la obra de Mart Crowley.

Luego, en 2018, llegó la cuarta etapa sorpresa: la obra se revivió en Broadway para su 50 aniversario, y se exhibió, ingeniosamente, como una pieza de época, menos un retrato de la vida gay que un retrato de cómo una vez se retrató la vida gay. Y en ese nivel era rico, verdadero y fascinante; de una manera divertida, algunas de las cosas más anticuadas eran ahora las más reveladoras.

La nueva versión de Netflix de "The Boys in the Band" presenta el mismo elenco que el resurgimiento, liderado por Jim Parsons y Zachary Quinto, así como el mismo director (Joe Mantello), con Ryan Murphy una vez más al frente en el equipo de productores. ¿Por qué es esta la quinta etapa? Visto en casa en la era de COVID, "The Boys in the Band" ahora parece un San Valentín irónico de nostalgia a los días en que sentarse en un apartamento de Nueva York con amigos, incluso cuando tienen las ganas de pelear, se siente como uno de las momentos más placenteros del mundo.

El apartamento pertenece a Michael (Parsons), un comprador personal que prefiere las bufandas de Hermès y un semi-peinado. Dado que es el Village, su lugar es bastante grande, un dúplex con una escalera de caracol y una terraza en el techo. El espacioso set está lleno de baratijas gay de finales de los 60, y Mantello lo usa para que la acción fluya. Pero la acción es principalmente de Michael y sus amigos tratando de superarse el uno al otro con frases de te-leo-mejor-que-tú-me-lees que se vuelven más mezquinas y penetrantes a medida que avanza la noche.

Michael ha tenido su parte de aventuras sexuales, la mayor parte mientras viajaba, pero es un católico lleno de culpa que no puede reconciliar las partes divididas de sí mismo. Durante mucho tiempo justificó sus actividades con el síndrome de "¡estaba borracho anoche!"; ahora, está tratando de mantenerse sobrio y puro. Pero está sentado en un polvorín de sentimientos no resueltos, y el perfecto para desencadenarlo es Harold, el neurótico cumpleañero, interpretado por Zachary Quinto, y con su Jewfro oscuro corto, patillas, lentes polarizados, traje verde, camisa y corbata, botas de los 60, anillos en los dedos y actitud de sobra. Quinto interpreta a Harold creando su propio espacio drogado de perversidad, acariciando cada línea despiadada como si fuera terciopelo. Convierte líneas en deliciosas capas de pasteles de ironía y sarcasmo.

Mientras Michael y Harold se pelean, lo que hacen a pesar de que son viejos amigos, “The Boys in the Band” suena como un tiro. Pero los otros personajes se acercan más a ser complementarios de su batalla sinfín. Sin embargo, los actores se registran. Andrew Rannells, como el casualmente promiscuo Larry, y Tuc Watkins como su compañero mayor, Hank, juegan un dilema doméstico que se siente arquetípico pero, a su manera, lo suficientemente genuino. Y Michael Benjamin Washington hace del gregario Bernard, un alma gentil atrapada en opresiones gemelas: su sexualidad y su raza.

Una frase sobre el tema es la agonía de envejecer. Lo más anticuado de la obra de Crowley es que todos actúan como si llegar a los 35 años fuera equivalente a recibir un diagnóstico de cáncer terminal. Lo menos anticuado de la obra, de hecho, algo que aprecio más, es que los personajes prácticamente no hacen referencia a cómo el mundo exterior los oprime, pero eso es porque viven esa realidad con cada respiración. Su autocompasión y odio a sí mismos es una internalización de lo que la sociedad piensa de ellos y, al final, eso le da a las telenovelas un pequeño matiz de tragedia. Pero solo un matiz.

Lo que mantiene unida a la película, además de la mística geek de ensueño de Quinto y la entrega deliciosa de cada línea, es la pasión atormentada que Jim Parsons le aporta. A veces es como Paul Lynde, un artista agotado que se burla de sus invitados y de sí mismo. Pero Parsons, rebotando del placer a la rabia y viceversa, con ese acento de insolencia y ese ritmo tan perfecto que no solo cuenta un chiste, lo canta, nunca te deja olvidar el núcleo del niño herido que impulsa a Michael a dejar salir su mala racha. Puede volverse terriblemente cruel, pero es solo por lo mucho que le duele. Eso es cierto para todos en la obra. 

“The Boys in the Band” es un homenaje a cómo sonreír y cómo quejarse, aunque se te rompa el corazón. Hay muchos dramas que se ven diferentes con el tiempo, pero es el destino peculiar de esta innovadora obra de Mart Crowley en 1968: haber sido tan golpeada por los tiempos cambiantes que la obra sigue cambiando su identidad. 

Crítica Cinéfila: Uncut Gems

Howard Ratner es el propietario de una joyería ubicada en el barrio de los diamantes de la ciudad de Nueva York que vende en exclusiva a ricos y famosos. Un día se produce un importante robo que le obliga a tener que afrontar una deuda económica que no está preparado para pagar. 

"Creo que eres la persona más molesta del planeta", comenta alguien a Howard Ratner, un negociante en el distrito de diamantes de Nueva York. La pregunta es si este frenético, sudoroso, maníaco, desorganizado, poco confiable y con frecuencia desesperado; un hombre de mediana edad surgirá como una figura de repulsión o fascinación para el público. Por lo tanto, es un homenaje a los guionistas y directores Josh y Benny Safdie, y a Adam Sandler, que interpreta a Howard, del que Uncut Gems emerge como una verdadera joya en sí misma, una chispeante comedia dramática sobre un jugador compulsivo y un tomador de riesgos que nunca sabe cuándo dejar de apostar. Muchos estarán de acuerdo en que esta es la mejor actuación de Sandler, y los hermanos Safdie finalmente se moverán de la periferia de la escena del cine comercial a un lugar más cercano al centro.

Esto no se debe a que los Safdie hayan hecho una película adorable, ni mucho menos. Desde el principio, en una escena sangrienta en una mina de diamantes hasta la prolongada e intensa escena en la joyería de la calle 47 de Howard, el cual con su comportamiento de gritos, regateos y confrontamientos es monumental. Es posible sentir que este es el último lugar en la Tierra en el que te gustaría estar. Por otro lado, algunas personas se dan cuenta de esto, y para Howard es el núcleo de su existencia.

En un breve prólogo ambientado en Etiopía, se extrae un pedazo de roca del tamaño de una pelota de fútbol de una mina, y numerosas gemas incrustadas son claramente de gran valor. Recién adquirido y en contra de sus mejores instintos, Howard permite que uno de sus clientes más valiosos, el titán de baloncesto Kevin Garnett, tome prestada la pieza, un juicio erróneo que pone en marcha un sinfín de crisis y desgracias.

Howard, quien se enteró de una valiosa (y aparentemente mágica) joya obtenida en Etiopia, ha esperado 17 meses para poder tenerla entre sus manos y poder pagar una grandiosa deuda con lo que pueda obtener de la joya. Por supuesto, Howard no recupera su valioso pedazo de roca cuando lo espera, y esto es solo el comienzo de las promesas no cumplidas; las deudas pendientes de pago se acumulan para cubrir las deficiencias y todos se enojan más y más. Sin embargo, por su parte, Howard casi siempre tiene un ángulo, otra carta para jugar; seguro estará pensando "¿qué es un nuevo día sin un nuevo fuego para apagar?

Los escritores han inventado cualquier cantidad de incidentes escandalosos que, de hecho, se sienten reales y no bromas inventadas. Lo que debería ser una noche tranquila para la familia Ratner con motivo de una presentación de teatro escolar se transforma en un conjunto de eventos locos que dejan a Howard encerrado desnudo en la cajuela de un automóvil. Su esposa Dinah (Idina Menzel), que bien sabe cómo tratar con su esposo, está naturalmente furiosa.

Por supuesto, Howard tiene una mujer en el lado, Julia (Julia Fox), que trabaja en su joyería y para quien proporciona un departamento. Esta relación golpea las rocas durante este período cuando Howard está sudando por los puntajes de baloncesto en los que ha apostado fuerte y si alguna vez recuperará la gran gema. 

Las gemas sin cortar tendrían que estar en cualquier lista final de la película en la que se gritó el mayor porcentaje de diálogo. Y sin embargo, los Safdies y el elenco profundizan lo suficiente aquí para hacer la película verdaderamente humano; puede que no sea un estilo de vida que la mayoría de la gente reconocerá, pero la dinámica, los deseos y las ansiedades se sienten reales, gracias a la forma en que los escritores directores superan los obvios adornos dramáticos para aprovechar sentimientos creíbles.

Esto también es cierto para todo el elenco de arriba a abajo, pero Sandler lidera el camino. Las pasiones de Howard por los negocios, el dinero, el juego, las mujeres y los deportes son completamente normales, pero no parece haber aprendido mucho sobre sus propias deficiencias a lo largo de los años. El desempeño de Sandler muestra que el tiempo puede haberlo hecho echar un vistazo a los errores de sus formas, pero el hecho de que haya continuado con las cosas le da la confianza para continuar, sin lecciones aprendidas. Es una parte infernal, y Sandler la asesina.

Como su mujer al lado, Fox al principio parece destinada a seguir siendo la mera víctima del abuso y la falta de atención de su jefe/amante, pero la actuación se abre lentamente como una flor de una manera hermosa que uno no espera. No hay un actor en el reparto que no presente un trabajo bullicioso y con mucho cuerpo, y eso incluye a Garnett, quien, además de sus numerosas escenas, se vislumbra en los juegos de televisión.

Las ubicaciones en el área de Nueva York brindan excelentes y variados fondos, y la cinematografía de Darius Khondji los evoca vívidamente de una manera nítida y naturalista. La composición grande y audaz de Daniel Lopatin a veces va un poco por encima para ser demasiado notable en comparación con lo que acompaña en la pantalla, pero también sirve adecuadamente para los grandiosos esquemas y emociones de los personajes.

Los Safdies sumergen al público en lo más profundo de este mundo, y es fácil sentirse abrumado y desanimado por la vulgaridad del mismo; todos son descarados, es la norma que las promesas y expectativas no se cumplan, los gritos febriles son el modo aceptado de comunicación y ningún día está completo sin un nuevo incidente no deseado.

Crítica Cinéfila: Brittany Runs a Marathon

Brittany (Jillian Bell) es una agradable y divertida chica de 27 años de Nueva York con un desastre de vida. Pero un día recibe una mala noticia por parte de su médico después de someterse a unos análisis. Dispuesta a hacer todo lo posible por enmendar esta situación, Britanny se pone como meta correr la maratón de Nueva York.

Hay dos tipos de personas: los que son extremadamente saludables y viven solo para verse bien, y los que viven sin darle mente a los prejuicios del mundo. El punto medio se le llama infelicidad, y casi el 56% de la raza humana se considera infeliz, lo cual, aunque no parezca mucho, es una cantidad reconocible. Y aunque menos lo parezca, Brittany creía que era feliz hasta que un doctor le dijo que debía perder 40 libras porque su cuerpo lo necesitaba.

Su historia se centra en cómo, la aspirante a 30 años, se da cuenta cómo, mientras ella se la ha pasado a su corta vida saltando de un trabajo a otro, sin ninguna relación amorosa fructífera, una amiga real  o una vida social saludable, debe decidir a hacer un cambio positivo antes de que su cuerpo se vengue de ella misma. Cuando su doctor le informa de la cantidad de problemas que sufre a su corta edad, Brittany decide cambiar su estilo de vida, comenzando por hacer ejercicio. Pero cuando la opción de una suscripción al gimnasio más cercano resulta la más costosa versión, correr es lo más barato y asequible. 

Al comenzar a notar los cambios en su cuerpo, lo fácil que puede llegar a ser correr si tu mente lo acepta y agregando una pequeña victoria en un maratón de 5K, Brittany decide motivar a sus nuevos amigos a formar parte del Maratón de Nueva York. Pero no serán sus falsos amigos o los momentos de malos hábitos que se pondrán en su camino, sino su propio autoestima que le recuerda cada vez que puede la chica que alguna vez fue. 

Paul Downs Colaizzo, escritor y director de Brittany Runs a Marathon, pasó solo unos años de sus años formativos en Voorhees, pero las leyendas locales dejaron una marca, y puedes sentir la huella de Rocky en su nueva película. Es, en esencia, la historia de una mujer que quiere probar algo principalmente para sí misma, y ​​aunque hay una competencia involucrada, no se trata de ganar, sino de solo recorrer 26.22 millas.

Lo que las dos películas también tienen en común es la actuación de un actor dando un gran salto en clase, en este caso Jillian Bell, que nos ha estado haciendo reír durante años con vívidos giros de apoyo en comedias como 22 Jump Street. Aquí, ella obtiene un formidable papel protagónico (está en cada escena) que requiere una abrumadora variedad de emociones y una impresionante invocación de oficio e instinto: realmente depende de Bell (quien perdió 40 libras por la parte transformadora) ayudar a guiar a la audiencia a través del peligroso territorio que viene con la historia de una mujer que quiere cambiar su vida, y con ella su cuerpo.

No tan rápido, una frase que también describe el tiempo de Brittany en el 5K. Colaizzo tiene una película mucho más ambiciosa en mente: una que mira penetrantemente la soledad y la infelicidad en el centro de la vida de Brittany (hay algunos momentos de fondo que dejaron a la audiencia de sorpresa), y estas son cosas que no hay cantidad de carreras logradas o pérdida de peso suficiente que puedan curarlo.

Bell registra todo esto maravillosamente, y logra hacernos reír mientras explora el enigma espinoso de la psique del personaje. La opinión de Brittany sobre sí misma va a la zaga de su transformación física, y a menudo es dura con las personas que están en su esquina: sus compañeros de carrera, su novio potencial (Utkarsh Ambudkar) y hasta sus únicos familiares. Obviamente, el hecho de venir de una familia con una madre ausente y un padre que falleció antes de disfrutarlo lo suficiente crea frustraciones internas bien dramáticas en ella, mientras choca con su compañera de cuarto obsesionada con las redes sociales (Alice Lee), quien no parece saber cómo reaccionar ante Brittany. 

Pero el alejamiento también es culpa de Brittany: no puede aceptar la ayuda de la gente. No de los nuevos amigos que intentan alentarla, ni siquiera del cuñado (Lil Rel Howery) que la deja quedarse en su casa, cuando ella llega de un camino lleno de baches y huecos sentimentales.

Colaizzo escribe esta película como una carta de amor a la verdadera Brittany, quien en la vida real es una de sus mejores amigas, pero lo hace con un hermoso mensaje de autovaloración y cariño, algo que al personaje de Brittany le cuesta aceptar. Durante años, el mundo le dijo que no valía la pena prestarle atención, y comenzó a creerlo. El camino de Brittany hacia un tipo diferente de creencia en sí misma es un poco maratónico y caótico. Es desordenado, pero a la vez realista. Se enfoca en sentimientos e inseguridades que todo el mundo siente en algún momento de su vida. La película le da una cachetada fuerte a la audiencia, avisando que, sin importar el size de tu ropa, lo más importante no solo es estar saludable, sino creer que llegar a la meta requiere de compañía y de mucha confianza personal.

Crítica Cinéfila: The Goldfinch

Una familia adinerada del Upper East Side se lleva a un niño en Nueva York después de que su madre es asesinada en un atentado en el Museo Metropolitano de Arte.

Theodore Decker tenía 13 años cuando su madre fue asesinada en un atentado en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. Esta tragedia cambió el rumbo de su vida, viéndose sumido en una desgarradora odisea de dolor y culpa, reinvención y redención, amor y odio. A pesar de todo, se aferra a una prueba tangible de esperanza que le dejó aquel terrible día... un cuadro de un pequeño pájaro encadenado a su percha: El Jilguero.

Por años, salta de hogar en hogar, y cuando encuentra unas cuantas gotas de felicidad a su vida, el universo se la arrebata y lo obliga a seguir moviéndose sin un verdadero objetivo. Así es como se siente la película The Goldfinch, una adaptación de la novela ganadora del premio Pulitzer de Donna Tartt, la cual está protagonizada por grandes talentos de la pantalla grande, pero aún así decide apegarse a ideas narrativas que no funcionan en su totalidad en un filme, mientras que abandona otras muy necesarias para la historia y el ritmo de esta.

En el cine, lo nuevo y lo audaz —y lo biográfico— reinan para ser nominado a los premios, lo que extrañamente hace que The Goldfinch, tan cargado de privilegios, esté un poco frío y hasta me atrevo a decir vacío. ¿Cuánta necesidad tenemos ahora de una adaptación literaria obediente sobre la riqueza y el arte?

La historia de The Goldfinch se refiere a una pintura desaparecida después de un bombardeo en el Museo Metropolitano de Arte. Bueno, les falta a los que están fuera de la novela, y ahora el ámbito íntimo de la película. En el interior sabemos que la pintura fue tomada por un niño, Theo (Oakes Fegley), cuya madre murió en la explosión y que se ha encontrado bastante solo en el mundo. A medida que seguimos los juicios y tribulaciones de Theo (más tribulaciones que juicios), desde Nueva York a Las Vegas y de regreso, la pintura, realizada por un maestro holandés que murió en una explosión (otra explosión, no la misma), actúa como un talismán y un recordatorio culpable del pasado, tanto inspiración como peso. Las cosas eventualmente (aunque brevemente) se mueven en territorio de misterio, suspenso y thriller, pero Crowley trata de mantener el tono en drama y nostalgia.

La película de Crowley, al menos, tiene más argumentos de lo que se espera. Muchas películas como esta son episódicas y pesadas, golpean los ritmos requeridos pero no evocan un sentido real de la vida cinematográfica. Crowley, sin embargo, encuentra una melodía con bastante frecuencia, imbuyendo su película con un silencio lírico y tristeza. Está magníficamente filmada, espacios bien equipados de Nueva York dado el brillo lacado de una pintura vieja. Pero también maneja dos líneas de tiempo con gracia, yendo y viniendo entre la juventud y la adultez naciente. En ese sentido, se honra el espíritu del libro de Tartt: sentimos el bostezo de los años, el peso del dolor y la experiencia formativa acumulada.

Lo que sin duda es un logro. Solo que no hay suficiente textura y sensación en The Goldfinch. Existe esa tristeza que preside, sí, pero la importancia de la pintura, y de todo el arte, los objetos y la música que tanto le importan a la gente de la película, no es lo suficientemente palpable. En última instancia, la película tiene que establecer apresuradamente sus temas al final porque han pasado dos horas y media y es hora de concluir las cosas. Deseaba ver toda la conmovedora alegoría de Tartt, la forma en que vierte la densidad de crecimiento y lamento en algo sólido que puede pasar de las manos, y que pudo haber tenido espacio para florecer en la película. Pero no lo hace, y dejé la película apreciando su estilo y sus fuertes actuaciones, pero no alterada emocionalmente de ninguna manera persistente.

Eso no es por falta de intentos por parte de sus actores. Como lo hizo en Brooklyn, Crowley persigue el trabajo fino y silencioso de su elenco. Como los dos Theos, Fegley y Elgort tienen muchas miradas silenciosas y contemplativas. Pero a veces son capaces de provocar un estallido expresivo, en momentos que registran profundamente la pérdida casi cósmica de Theo. Elgort es particularmente efectivo, atenúa su brillo a un resplandor nocturno; él está obsesionado y consumido por la memoria, una persona que sigue tropezando con un tiempo presente que no entiende. Sin embargo, el guión los lleva forzados, pues a pesar del obvio vacío que siente el personaje, a su vez se siente sin una meta física y sin un deseo de alcanzar algo al final de la historia. Es verdad que es una película de crecimiento emocional, pero este llega tan tarde que se siente apresurado y sin un adecuado desarrollo.

Kidman hace un giro sutil como una dama de la sociedad que le gusta los gustos y educaciones de Theo después de su tragedia. Ella y Crowley crean una rica historia familiar en solo unas pocas escenas, y la película mira hacia otro conjunto de problemas y tragedias, ayudando a espesar el mundo de la pintura y a todas las personas que lo rodean. Lo mismo para Jeffrey Wright como otro de los cuidadores de Theo. Mientras que Finn Wolfhard y Aneurin Barnard sorprenden con dos versiones diferentes de Boris, el dinámico y único emigre ucraniano con el que Theo forma una conexión cercana y, en última instancia, catastrófica.

En total, The Goldfinch es buena, mas, al despejar esa barra, abre toda la posibilidad de que podría haber sido aún más. No es tarea fácil, convertir un libro de 784 páginas en una película, y mucho menos una llena de referencias sobre arte y antigüedades. Tal vez podría haber una versión de miniserie que satisficiera toda la ambición de mente alta de Tartt. Mientras tanto, la película que existe solo alcanza los ritmos principales: es majestuosa y segura, y está bien. Tal vez eso significa que podría llegar a algunas nominaciones después de todo.

Crítica Cinéfila: The Kitchen

Años 70. Las esposas de un grupo de mafiosos de Nueva York continúan con los negocios de sus maridos después de que estos son encarcelados.

El año pasado, el AFI Fest estrenó la película Widows (2018), enfocada en la historias de cuatro mujeres de familia que, cuando sus esposos fallecen durante un atraco que cometían, y deciden continuar con su siguiente gran atraco, que significa robarle unos cuantos millones de dólares al senador de la ciudad. A pesar de la premisa tan interesante y la participación de un increíble elenco protagonizado por Viola Davis, la película no terminaba de cumplir con las expectativas que ya había creado. 

Cuando se anunció The Kitchen, la audiencia se dividió: en un lado estaban los que criticaban que el trailer no la vendía bien, y en otro los que la consideraban como una nueva versión de The Kitchen, y aunque las películas guardan elementos muy similares entre sí, el objetivo de las tramas es muy diferente. Sin embargo... esto no la hace una mejor película.

En "The Kitchen", conocemos a Kathy Brennan (Melissa McCarthy), una devota madre de dos hijos y cuidadosa de su imagen frente a la sociedad; a Ruby O'Carroll (Tiffany Haddish), quien se casó con el hermano del capitán criminal local pero aún es tratada como una extraña por él y su suegra; y a Claire Walsh (Elisabeth Moss), una esposa violentamente abusada. Desde que se apoderan de sus roles como operadores de crimen organizado, estamos involucrados y fuera de nuestra participación con estos personajes, que se basa más en la iconografía de su empoderamiento que en una historia de autenticidad.

Atrapados por el FBI durante un atraco en una tienda de licores, sus esposos son enviados a prisión por tres años, y la pandilla irlandesa local les dice a Kathy, Ruby y Claire que, como son familia, cuidarán de ellas. Pero el primer sobre de efectivo que recibe cada una de las mujeres ni siquiera cubre el alquiler. Se ven obligados a suplicarles por más, por la absoluta desesperación económica de sus circunstancias, aunque en este caso uno podría preguntarse por qué Little Jackie (Myk Watford), el jefe local, es tan tacaño si la mafia tiende a cuidar de los suyos. Pero es finales de los 70 y los beneficios de la protección son escasos, por lo que las mujeres se ven obligadas a tomar riendas de algunos asuntos, en orden de poder sacar sus familias y a sí mismas hacia adelante.

Así que, ¿cómo se convierten tres amas de casa de los 70 en mujeres mafiosas mafiosas con armas? Esta película está construida de una manera episódica que no presta mucho peso psicológico al proceso de transformación de las mujeres. 

Claire, por ejemplo, comienza como un fragmento maltratado de un ser humano, pero tan pronto como conoce a Gabriel (Domhnall Gleeson), un veterano de la guerra de Vietnam y soldado de la mafia, quien aparece para rescatarla de una violación segura a manos de Little Jackie, recibe un tutorial rápido en cómo resolver asuntos sucios poor sí misma, hasta como desmembrar cadáveres y en poco tiempo está empuñando su pistola de asesino con aplomo. Se presenta como la más tímida de las mujeres y la más maltratada que rápidamente se convierte en la más descarada y se enamora de un simpático sociópata y sicario.

Mientras tanto, Kathy y Ruby recaudan los pagos de las empresas locales, siempre con la idea de que están tratando a las personas que les pagan mejor que el régimen anterior. Durante una reunión con los trabajadores de la construcción locales, prácticamente se convierten en activistas sindicales. 

"The Kitchen" dramatiza la pregunta clave sobre nuestras heroínas de una manera que es vívida pero vaga. reúne genéricamente intimidantes pero a menudo extrañamente desafiadas situaciones del inframundo y clichés de mafiosos empapados de sangre que conocemos demasiado bien de otras películas y programas de televisión, aunque en este caso ellos rara vez adquieren una vida propia convincente. 

Una vez que sus esposos son puestos en libertad condicional, el verdadero villano de la película se enfoca. No es la mafia, es el sistema tribal de dominación masculina detrás de él. Y cuando Kathy comienza a hacerse cargo de su destino, vemos, en la actuación cada vez más feroz de Melissa McCarthy , una pista de lo que podría haber sido la película: la historia de un nuevo tipo de mística femenina, una furia metódica que combina los imperativos de una madre con el estilo de un gángster. Pero esta película necesitaba un mejor guión.

A pesar del valor del diseño de producción y las destacadas actuaciones masculinas de algunos, destacando a Gleeson, "The Kitchen" se siente, a veces, como una nueva versión de una película de género que nunca fue. Sin embargo, en su mayoría, hay una historia que funciona de una manera sombría y de segunda mano. La película parece estar teniendo lugar en la película genérica Mobville. Las mujeres son un juego que se pasan el cuchillo a turnos para hacer su movida final en el buffet mafioso que se han armado, pero no hay suficiente calor del hornillo para que resulte un éxito.

Crítica Cinéfila: When They See Us

Cinco adolescentes de Harlem se ven atrapados en una pesadilla cuando se les acusa injustamente de un ataque brutal en Central Park. Basada en los hechos reales.

Ava DuVernay restaura los nombres del Jogger Case en una miniserie de Netflix marcada por poderosos momentos y la soberbia cinematografía de Bradford Young.

Antron McCray. Kevin Richardson. Yusef Salaam. Raymond Santana. Korey Wise. Esos son los cinco adolescentes de Harlem que fueron arrestados, condenados y encarcelados en la violación de una trotadora en 1989, solo para que esas condenas quedaran libres en 2002. Son más conocidas como the Central Park Five, pero ese es un error que la creadora Ava DuVernay excluye casi por completo de su miniserie de Netflix, When They See Us.

En cuatro episodios de más de una hora cada uno, When They See Us es un intento riguroso de hacer una crónica de un fallo legal épico y ayudar a restaurar el sentido de los hombres como individuos, en lugar de ser miembros de un colectivo acusado injustamente. DuVernay, directora y co-escritora de cada episodio, aborda su historia de una manera que evita los tropos narrativos típicos de triunfo sobre la adversidad. A veces le da prioridad a lo intelectual sobre lo emocional o deja intencionalmente grandes huecos en el tiempo y la perspectiva, pero sus elecciones nunca se sienten al azar. El material extrae una profunda indignación, y el conjunto de notas perfectas le da corazón.

El piloto introduce a los espectadores en la noche del 19 de abril de 1989, con un breve vistazo a las vidas de los jóvenes Korey (Jharrel Jerome), Antron (Caleel Harris), Yusef (Ethan Herisse), Raymond (Marquis Rodriguez) y Kevin (Asante Blackk) antes de unirse a un grupo que se dirigía a Central Park. DuVernay podría haberle brindado una amplia introducción a sus personajes y haber jugado por sentimientos, pero en lugar de eso, fue por la brusquedad de la juventud interrumpida. Las razones de los niños para ir al parque en primer lugar se vuelven borrosas, al igual que sus acciones reales allí esa noche como parte de una ola de juveniles, algunos para causar estragos y otros solo para una noche de primavera.

Es al día siguiente que observamos a las autoridades, principalmente encarnadas por Linda Fairstein (Felicity Huffman), aprendemos sobre una brutal violación y comenzamos su proceso de replanteamiento de la narrativa. Deconstruyendo la historia de Central Park Five, DuVernay nos muestra su construcción deshumanizadora. La palabra "wilding" que se ha caído inocentemente adquiere un significado nuevo y aterrador, y escuchamos a los policías que convierten a los niños de "testigos" en "depredadores" y de "niños" en "animales". DuVernay no se muestra indiferente en la representación del papel de Donald Trump, cuyo rollo es omnipresente en el fondo, fácilmente burlón si no reclamara la devolución de la pena de muerte.

La injusticia está en el corazón del resto de la serie, con DuVernay a menudo sacrificando la especificidad del caso para ilustrar algunas de las inequidades sistémicas exploradas en su documental nominado al Oscar, 13th. A medida que los cinco adolescentes crecen, cada vez más desgarradores a su manera, los jóvenes intérpretes son reemplazados por otro grupo de actores (Jovan Adepo, Chris Chalk, Freddy Miyares y Justin Cunningham), y el enfoque de la serie cambia a una crítica general del Complejo industrial carcelario y los retos de reincidencia y rehabilitación. 

Notará solo cuatro, en lugar de cinco, nombres para los actores adultos. Eso se debe a que Jerome, interpreta a Korey Wise en ambos períodos. Dieciséis en el momento de su condena y sujeto a un encarcelamiento particularmente angustioso, Wise domina la hora final de la serie, y Jerome ofrece un desempeño sobresaliente. 

La otra característica clave de la serie es la fotografía a cargo de Bradford Young. Hay matices de Gordon Parks en la forma en que la cámara de Young trata a las localidades de la ciudad de Nueva York como fuentes de nostalgia y reflexión por igual. Los programas de cable de prestigio son demasiado a menudo víctimas de una simplificación "oscura = seria", pero el trabajo de Young es una introducción a cómo trabajar con poca luz no es lo mismo que sacrificar la visibilidad. Ya sea que esté usando farolas amarillas en las primeras escenas de Central Park o que refleje la confusión moral en un juzgado amañado, a menudo Young trata la iluminación simbólicamente, como la verdad que trata de estallar en cada marco, sin olvidar como jugó con los primerísimos planos en los personajes para darle un duro golpe de enojo a la audiencia. El acto de ver, de reconocer, está integrado en el título de la serie.

Al igual que con las opciones estructurales de DuVernay, hay temas visuales en los que la cinematografía basada en ideas de Young se convierte en una pequeña distracción: no tiene que prestar mucha atención a las escenas de interrogación para ver el confinamiento literalmente acercándose a los niños, pero cada cuadro es digno de consideración.

Seguro que algunos sentirán que la mecánica tanto de las vías férreas como de la exoneración están un poco alteradas aquí, pero DuVernay no pretende perder de vista a estos jóvenes, las vidas ordinarias que se les quitaron, sus identidades y sus nombres.

Ocean's 8

Debbie, hermana de Danny Ocean, decide cometer el atraco del siglo en la gala Met anual que se celebra en Nueva York, reuniendo el equipo criminal perfecto. (FILMAFFINITY)

Cuando una película que normalmente está protagonizada por hombres, se rediseña para mujeres, normalmente suceden dos situaciones: los hombres le cojen odio porque no es lo que a ellos le gusta ver, y consiguen una buena audiencia femenina que apoya la nueva historia y sus protagonistas. Ocean's 8 es víctima de este paradigma.

Ocean's 8 es la última película de la franquicia Ocean's, en esta ocasión reuniendo a la hermana de Danny Ocean, Debbie (Sandra Bullock), quien acaba de salir de la carcel, y decide llevar en ejecución un plan que parece tener un largo tiempo pensándolo (5 años, 8 meses y 12 días): robar joyas exclusivas durante el MET Gala. Debbie se reune con su amiga Lou (Cate Blanchett), para que le ayude a llevarlo en marcha. Juntas, van reclutando otras mujeres que, por necesidad y experiencia, serán parte importante del plan. Desde una diseñadora de joyas, hasta una hacker profesional. El principal requerimiento es que deben ser mujeres.

En su primera secuencia, esta película tiene una estructura muy similar a la primera película de Ocean's, pero ya desde una perspectiva femenina y con intenciones de venganza. De modo que no es la misma esencia que la franquicia estableció: con una tonalidad más sarcástica y fashionista, su historia tiene una temática que mezcla la profesionalidad del robo con el deseo de vengar un evento del pasado. A diferencia de Ocean's 11, tiene un conflicto mucho más poderoso y más real, en el que nadie está esperando que el plan falle. Quizás sí hubo ausensia de obstáculos para las protagonistas, pero la idea no era que las viéramos fallar, sino ver como ejecutaban ese plan con elegancia y estilo.

El mejor aspecto de la película son los personajes, donde cada uno cumple con su plan a la perfección: se reconoce cual es su objetivo físico, pero también cuál es su objetivo y necesidad emocional; que no solo se trata de conseguir el dinero, sino también mejorar su vida personal y profesional. Cada uno de los personajes está muy bien enfocado, con características que lo identifican con facilidad, y los diferencian del resto. Esto aplica exclusivamente para las ladronas, pero también se nota en el resto de los personajes que fueron complementando la trama. Mi personaje favorito fue el de Rihanna, pues tiene una personalidad y una actitud tan distintiva que se cree.

Del mismo modo, la película carga con una lista extensa de celebridades que son reconocidas por su presencia en el MET Gala, como las Kardashian, las modelos de Victoria Secret, deportistas, otros actores y demás, que sirven de rostro en esta secuencia de la película, agregándole aún más exclusividad y realismo al momento en que sucede el robo.

No se puede dejar de mencionar los twists del guión, pues aunque muchos esperaban los momentos en que el plan fallara, los guionistas Olivia Milch y Gary Ross se encargaron constantemente en demostrar por qué no podía fallar, sorprendiendo con cada situación y con el siguiente paso después de un suceso. Esta no era una película solo para sentir miedo por ellas, sino también para demostrar que sí se puede tener el plan perfecto.

Otro aspecto a destacar es el diseño de vestuario, pues Sarah Edwards diseño cada detalle del vestuario con el objetivo de que se retratara la personalidad del personaje, pero a la vez, con una visión de gala y de pasarela. Este elemento le agrega elegancia y estética a cada escena y cada acción de las protagonistas.

Por otro lado, el montaje de esta película tiene un estilo muy particular, pues complementado con la fotografía y la musicalización, va trasladando las acciones de una manera entretenida, en donde acelera las secuencias y le da aún más movimiento a las escenas aunque sean estáticas.

Quizás no será para todo el mundo, pero a mí me gusto Ocean's 8. Es una película que empodera y motiva a querer lograr cualquier objetivo, sin importar cuanto tiempo te tome o cuan difícil sea. La exquisitez de sus vestuarios y las acciones de sus personajes, junto con el elenco que se gastó, son sus principales atractivos, que con gran facilidad se roban la franquicia completa.

Pero imagino que no soy la única que se quedó esperando a George Clooney...

You Were Never Really Here

Joe (Joaquin Phoenix), ex marine y antiguo veterano de guerra, que dedica su tiempo a intentar salvar mujeres que son explotadas sexualmente. Un día recibe la llamada de un político porque su hija ha sido secuestrada. (FILMAFFINITY)

Por más absurdo que parezca, siempre habrá bondad en los seres más oscuros y tenebrosos de esta tierra. Incluso en aquellos en que todo parece estar perdido.

Joaquín Phoenix entra en el cuerpo de Joe, un veterano de guerra que, a pesar de los traumas y cicatrices de su juventud, no deja que la depresión lo derrumbe y se distrae de sus oscuros pensamientos salvándole la vida a niñas secuestradas por explotadores sexuales. Aunque es un trabajo que responde a las injusticias sociales y violaciones humanas, lo trata "under the table", por la cantidad de personas que podrían tratar de asesinarlo.

Un día, es contactado por un político, quien le pide que salve a su hija Nina y mate a sus secuestradores. Pero una vez rescata a Nina, su vida toma otro rumbo cuando se percata de quienes son sus verdaderos secuestradores. Ahora, no solo se trata de salvar la vida de esta niña, sino también la suya propia.

Phoenix siempre ha sabído retratar personajes de carácter fuerte y con debilidades difíciles de superar; no obstante, Joe es aún más complejo e indominable, lo cual lo convierten en alguien mucho más interesante. La audiencia no solo se interesa en cómo mata violentamente con un martillo, o cómo salva con tanta facilidad a estas jóvenes, sino también la vida que lleva, su relación su madre, su obsesión con el suicidio, sus pesadillas y el hecho de que, aún con toda la violencia que conlleva su trabajo, tiene su ética y la respeta. Es una increíble construcción de personaje que se destaca en cada acción, pues crea una empatía obligatoria con Joe, reconociendo que lo que él hace es digno de ser reconocido.

No es primera vez que Lynne Ramsay (We Need to talk about Kevin) deja que el personaje sea quien cuente y guíe la historia, donde lo más importante no es lo que sucede, sino cómo el personaje actua frente a las situaciones de la vida, y sus reacciones a los cambios repentinos. Basado en la novela homónima de Jonathan Ames, la temática sobre trata de personas y explotación sexual infantil no dejan de ser relevantes en esta película, pero en vez de simplemente enseñar el lado amargo, el cineasta explora el problema desde el punto de vista de alguien que está tratando de resolverlo.

Por otro lado, la colorización y fotografía en constante movimiento mantienen esa tonalidad oscura de que algo malo puede ocurrir en cualquier momento, además del uso de la fotografía para ver diferentes puntos de vista, y las reacciones de las personas a lo que sucede a su alrededor, con el complemento de la musicalización que trataba de darle una tonalidad más relajada a este tétrico mundo.

No fue por cualquier razón que esta película de Ramsay ganó Mejor Guión y Mejor Actor en Cannes 2017; aquí, el director destaca sus estilos más notorios: complejidad en personaje y contenido explícito, que deja que las acciones hablen por sí solas y que los silencios más mudos griten las agonías de su protagonista.

Lady Bird

Una joven estudiante que se hace llamar Lady Bird sueña con vivir en la costa este de Estados Unidos, y tratará de ese modo encontrar su propio camino y definirse fuera de la sombra protectora de su madre. (FILMAFFINITY)

La actriz y cineasta Greta Gerwing elige la temática sobre madurez y relaciones interpersonales para presentar su opera prima como directora y guionista. A través de esta película, cuenta la historia de una joven llamada Cristine, pero que prefiere que la llamen Lady Bird. Ella sueña con abandonar Sacramento y mudarse a la costa este del país, por lo que hace lo imposible para lograr ser aceptada en alguna universidad de esa zona. Sin embargo, su madre la cree incapaz de ser admitida en cualquiera de las escuelas que ella quiere y la aterriza constantemente a la realidad de su vida: su familia no tiene el dinero suficiente para la universidad a la que aspira. 

Debido a "la pobreza de su familia", el hecho de que su ropa es sacada de las tiendas de segunda mano, su padre la lleva a la escuela en su carro extremádamente viejo y su madre vive controlando cada gasto material de la casa, ella evita que sus amigos sepan en qué condiciones vive y miente sobre su vida.

El guion de la historia se enfoca en narrar como la protagonista va creciendo a nivel personal, de acuerdo a lo que la vida le va dando. El objetivo principal, que siempre será recordado, es que ella sea admitida en una universidad de la costa este, y la trama se complementa con la vida familiar, amorosa y madurez que va tomando Cristine/Lady Bird. Uno de los puntos más poderosos es la relación entre Cristine y su madre, pues ambas tienen una personalidad fuerte y similar; sus momentos funcionan gracias a la química de Saoirse Ronan y Laurie Metcalf en escena.

Los diálogos están construidos con una carga de humor, subtexto y sarcasmo, que mantienen la temática y obligan al espectador a mantenerse con los personajes hasta el final. Al final de la historia, la protagonista termina con un monólogo poderoso y necesario que establecen como ha logrado lo que siempre se propuso, pero todo esto gracias a quién siempre estuvo a su lado.

La fotografía y la musicalización son dos atractivos necesarios para recordar la edad de Lady Bird y los sueños que tiene en plan. También permiten ver la historia desde los distintos puntos de vista de la protagonista, frente a las situaciones que vive a lo largo de la trama.

La ironía y humor negro de Lady Bird hacen de esta película una propuesta de cine independiente interesante y respetable, por la sensibilidad y sencillez con la que su directora en conjunto con sus personajes narran la historia que se proponen.

Dirty Dancing: 1987 vs. 2017

¿Cómo un remake compite con uno de los mejores clásicos musicales del siglo XX?

En el 1987, se estrenó el drama musical Dirty Dancing y fue un éxito en su género, principalmente por la química que hubo entre los protagonistas, la banda sonora que todavía hoy es pegajosa y ese aire de "amor de verano". Obtuvo nominaciones y galardones en las distintas premiaciones, y siempre quedará marcada como una de las mejores películas románticas de la historia del cine... entonces, ¿por qué hacer un remake? Las aparentes razones son mejorar la original en algunos aspectos que quizás no dio suficiente y responder cuestionantes que dejó. 

Es verdad que la fotografía y la calidad de la musicalización varía notoriamente entre una película y otra, pero son aspectos técnicos incomparables dado a la diferencia de tiempos en que ambos filmes fueron realizados. A pesar de que la adaptación realizada por ABC recrea cada escena clave del clásico, hay muchos detalles que demuestran las grandes diferencias entre la original y su remake. ¿Cuál es mejor? Aquí les traigo las comparaciones.

SPOILER ALERT!

Sus protagonistas

La versión original fue protagonizada por Patrick Swayze y Jennifer Grey, una pareja con una atracción física y sentimental envidiable; desde su primer momento juntos, se notaba la química que existía entre los dos, tanto en los bailes como en las demás escenas. La versión reciente está protagonizada por Colt Prattes y Abigail Breslin, y son (casi) todo lo contrario al Johnny y Baby originales; se ven toscos en casi todas las escenas que tienen, y no solo me refiero al momento en que Baby aprendía a bailar.

Baby

Sonará cruel, pero Baby 2017 no está en forma. Sí tiene esa inocencia y ese deseo de progresar similar a Baby 1987, pero cuando las pones a las dos juntas (volverá a sonar cruel), es obvio a cuál van a elegir. Además, la Baby original quería estudiar economía y trabajar en el Cuerpo de Paz, mientras que la Baby actual quiere estudiar medicina y especializarse en cirugía... un cambio bastante drástico.

Johnny

Otra vez, puntos para 1987, pues este Johnny es mucho más maduro y natural en sus pasos de baile que el de 2017, a parte de verse muchísimo mejor...

Adicional a la historia de amor de Johnny y Baby

Escena de la presentación de Lisa en el Talent Show de Kellerman

Mientras que la versión original se enfocaba específicamente (y casi únicamente) en Johnny y Baby, la versión más reciente se enfoca en casi todos los personajes: nos muestra qué pasó después de que Robbie no logró tener una relación con Lisa, la hermana de Baby y cómo esta encontró el amor en otro empleado de Kellerman. También nos habla de la complicada relación entre los padres de Baby. Y Lisa pudo cantar su canción en el famoso Talent Show.

La cargada

La cargada (tanto en el lago, como en el último baile) son momentos muy importantes de Dirty Dancing, pues representan el antes y el después de Baby como bailarina. La gran diferencia de estas dos películas radica en ese momento. Como dije anteriormente, Baby 2017 no está tan en forma como Baby 1987 y las cargadas lo demuestran (¿o no, Colt Prattes?). Pero además de lo forzada que se veía una en comparación a la otra, también es el ángulo desde donde fueron captadas. En la versión 1987, se nota que los actores entrenaron más para esa escena y el director de fotografía pensó muy bien de qué manera se podía ver bien... mientras que en la versión 2017 parece que lo importante era que fuese captada y nada más.

Escena final

Como mencioné anteriormente, la versión 2017 es algo más que el romance entre Baby y Johnny. En la escena final, la adaptación nos traslada a 10 años después del verano en Kellerman, donde nos enteramos que Johnny decidió seguir enseñando a otros bailarines, como coreógrafo en New York, y Baby decidió dedicarse a escribir. Se vuelven a reencontrar cuando Baby asiste a un musical donde trabaja Johnny, solo que esta vez acompañada de su esposo y su hija... ¡oh sí! Solo fue un amor de verano en verdad.

¿Drama con música romántica o musical romántico?

Esto es un aspecto un poco cuestionable de la adaptación, pues la versión de 1987 no es un musical: en ningún momento los personajes interpretan las canciones que bailan (con excepción de la mímica que hicieron en Love is Strange). No obstante, en la versión 2017, hasta el clásico de The Time of my Life es interpretado por Johnny y Baby...

En conclusión... me quedo con el Dirty Dancing original. Por más respuestas que nos respondió la adaptación, esta nunca va a superar al clásico, que le gana por la organicidad en los bailes, la naturalidad en las escenas y la química entre Johnny y Baby.

Y ustedes, ¿con cuál se quedan?