Crítica Cinéfila: Ammonite

En la conservadora sociedad británica del siglo XIX, la aclamada pero desconocida buscadora de fósiles Mary Anning trabaja sola en el sur del país. Cuando toda su fama ya ha pasado, se dedica a vender fósiles a los turistas para salir adelante, hasta que un visitante rico quiere que Mary cuide a su mujer. La relación entre ambas se irá desarrollando y tomará un camino inesperado. 

Primero conocemos el trabajo de la paleontóloga Mary Anning, un fósil gigante empujado a un museo, empujado bruscamente y entregado a un lugar de honor entre un grupo de hombres blancos charlatanes. Es un comienzo apropiado para "Ammonite", una película sobre el tipo de personas que se pasan la vida buscando fósiles con nervaduras y espirales gigantes de los moluscos submarinos extintos y el tipo de personas atrapadas en conchas de su propia fabricación. En "Ammonite" de Francis Lee, esas personas son una y la misma, Mary (Kate Winslet) y su nueva amiga Charlotte Murchison (Saoirse Ronan). El resultado es un romance frío y distante entre las dos mujeres que nunca se enciende, una película sobre personas contenidas que resultan impenetrables.

Ofrece un comienzo fuerte, ya que Lee presenta observaciones clave sobre sus dos pistas y la ciudad de Lyme Regis en la costa del Canal de la Mancha, un lugar desolado donde pasarán la mayor parte del tiempo juntas. Estos primeros indicadores tendrán que trasladar la película y sus personajes a lo largo de sus casi dos horas de duración, que se van alejando cada vez más. La cinematografía de Stéphane Fontaine, toda sombras oscuras y vistas brumosas del océano se hace eco de esa frialdad, aunque la única escena que tiene lugar a plena luz del sol insinúa una película más vibrante debajo. Tiene el efecto de aspirar a un soplo de aire fresco, e incluso a actores más vivos dentro de él. 

Durante su primer encuentro con la solitaria y mordaz Mary, Charlotte se mantiene mayoritariamente fuera del marco. Atrapada en un matrimonio aparentemente frío y sufriendo de una "leve melancolía" que parece haber golpeado después de una tragedia muy real; es una persona muda que aún no puede ocultar su curiosidad latente por el mundo que la rodea. Abandonada por su esposo cazador de fósiles, un gran creyente en el poder del baño en el mar y los paseos, ambos fáciles de conseguir en Lyme, también se espera que Charlotte se una a las misiones de búsqueda de fósiles de Mary, y eventualmente se entusiasme con ambos: el pasatiempo de los fósiles y su anfitriona sangría.

Los vínculos que estas dos pueden llegar a tener pueden ser difícil de comprender, pero Lee y sus estrellas ocasionalmente se posan en pequeños momentos cruciales que casi explican su creciente atracción. Cuando Mary le pregunta a Charlotte su opinión (probablemente una rara ocasión con su fanfarrón esposo), Charlotte brilla de placer. En otra escena, una mirada de Mary ve a Charlotte pasar de una risa fuerte a sollozos grandes y agitados. Sin embargo, esos momentos escasean y se desvanecen demasiado pronto.

Finalmente, unidas por una combinación nebulosa de casualidad, respeto y posiblemente aburrimiento, Mary y Charlotte se lanzan a un romance secreto. A pesar de que Winslet y Ronan se deslizan en sus personajes con entusiasmo, el guión de Lee los decepciona. El guión está plagado de clichés, desde el escenario de la habitación que refuerza muchas novelas románticas, hasta la entrega de detalles importantes de los personajes a través de conversaciones febriles y miradas fortuitas que aterrizan en los personajes durante la revelación. Estos estereotipos son comunes a las historias heterosexuales y utilizarlos en un romance lésbico podría ser refrescante a su manera, pero “Ammonite” no los usa para nada nuevo; es solo otra forma de forzar una historia delgada.

Inevitablemente, "Ammonite" se comparará con otro lanzamiento reciente de Neon: el delicioso "A Portrait of a Lady on Fire" de Celine Sciamma. Las películas comparten rasgos materiales; ambas son piezas ambientadas en una época que toman lugar en playas azotadas por el viento y residencias extrañamente vacías, y siguen a un par de posibles amantes inesperadas unidas por el deseo de las personas que controlan sus vidas. En el contenido emocional, sin embargo, sus diferencias cobran gran importancia. Si bien la película de Sciamma estaba igualmente preocupada por la vida interior de sus personajes (y no solo su pareja central, sino otras mujeres importantes a su alrededor), después de su primer acto, “Ammonite” no puede despertar tal interés. Esto nunca podrá aspirar o acercarse a lo que logró la película de Sciamma.

Eso se extiende a la gran escena de amor de la película, una secuencia deliberadamente desconectada que se desarrolla durante las horas más desesperadas de Mary y Charlotte juntas. Según los informes, las actrices ayudaron a coreografiar la escena, y aunque ve a las estrellas moverse y tocarse de maneras creíbles (y ciertamente no "sexy"), todavía está poseída por sensibilidades más preparadas para las películas. Para decirlo de una manera menos decorosa: es lamentable que, incluso con las mujeres que toman las decisiones, "Ammonite" todavía parece feliz de ofrecer ideales de mirada masculina sobre la rapidez con que un acto sexual puede llevar a una mujer a las alturas del placer. Incluso en su escena más íntima, Mary y Charlotte y su amor se mantienen alejados.

En otros lugares, la moderación de Lee tiene más éxito. La película nunca ofrece tópicos obvios sobre lo difícil que era ser una mujer del siglo XIX que amaba a otras mujeres, y cómo cualquier sueño de una vida feliz juntos es casi imposible. Aunque la madre de Mary ocasionalmente les lanza miradas mordaces, la película no tiene la amenaza de ser descubierta. Está claro que este romance no es para los ojos del público y Lee confía en que su audiencia lo entenderá con un mínimo de información.

El reparto secundario de la película no recibe el mismo beneficio. Gemma Jones aparece como la madre de Mary, Molly; mientras que Alec Secareanu aparece como un médico recién llegado que le da un brillo a una Mary muy desinteresada. La majestuosa Fiona Shaw y un James McArdle apropiadamente descarado se hacen un poco mejor como la ex amante de Mary y el marido insensible de Charlotte. 

A pesar de todas sus ideas románticas y sus trágicos fundamentos, “Ammonite” solo inspira el deseo de saber más sobre la verdadera Mary Anning y su trabajo real. Un concepto similar se arraiga en los momentos finales de la película cuando Mary y Charlotte lidian con la sensación de que ninguna de las dos realmente se conoce. Incluso Charlotte no puede comprender el trabajo de Mary, y el dolor que conlleva la falta de reconocimiento del mundo en general. Amar a alguien no garantiza que siempre puedas entenderlo; Lee y sus estrellas pueden amar a estos personajes, pero nunca los entienden. Y nosotros tampoco.

Crítica Cinéfila: Little Women

Cuatro hermanas llegan a la mayoría de edad en los Estados Unidos después de la Guerra de Secesión.

Yo crecí leyendo Little Women. Fue, y todavía es uno de mis libros favoritos. Pero, a pesar de mi gran amor por su historia, he detestado todas las adaptaciones. Entre el sexismo de la época y actuaciones pobres, ninguna había llegado a subir a mi pedestal... hasta que Greta le echó manos al libro, y pasó algo que nunca me había pasado antes: noté el parecido que existe entre Jo March y yo.

Con una transición de retrato íntimo del paso de la adolescencia femenina contemporánea a una pieza de conjunto a gran escala que representa el camino hacia la madurez de cuatro hermanas en Massachussets del siglo XIX, Greta Gerwig muestra que su propia transición a escritora-directora con Lady Bird no fue casualidad. Su gratificante interpretación de Little Women de Louisa May Alcott aporta frescura, vitalidad y matices emocionales al material original que ha sido grabado durante generaciones en la imaginación popular, moviendo piezas cronológicas para revitalizar los ritmos familiares de la trama. La película debería ser un potente atractivo familiar, especialmente para el público femenino joven, ya sea descubriendo la historia por primera vez o volviendo a ella con placer.

Gerwig navega hábilmente por la línea entre respetar los huesos pasados ​​de moda de la historia mientras ilumina la modernidad de su perspectiva proto-feminista, ocasionalmente inclinándose hacia la defensa abierta del derecho de una mujer a la autorrealización más allá del matrimonio. Su elenco puede estar ligeramente vinculado por sus tipos de personajes canónicos, pero aquí hay un trabajo de conjunto encantador, capitaneado con una Saoirse Ronan como Jo.

El guión de Gerwig comienza con Jo ya viviendo independientemente en una pensión de Nueva York, enviando dinero a su familia de sus trabajos de tutoría. El punto de inflexión que dará forma a su futuro se produce cuando vende su primera historia al Sr. Dashwood (Tracy Letts), editor del Volcán Semanal, aunque a pesar de sus dedos manchados de tinta, Jo insiste en que está enviando el trabajo "por una amiga" y pide que se publique de forma anónima. Ella acepta las "alteraciones" de Dashwood, y acepta transmitir el consejo de que si su amiga tiene la intención de escribir más historias con una protagonista femenina, debe asegurarse de que esté casada para el final, "o muerta". En la entrega completamente seca de Letts, es como si la ambición de Jo fuera recompensada y castigada al mismo tiempo.

La hermana menor de Jo, Amy (Florence Pugh, perfección) también se introduce bien en su desarrollo, estudiando pintura en París mientras sirve como acompañante de su adinerada tía March (Meryl Streep). Envuelta en adornos imponentes, incluidas las joyas antiguas de Fred Leighton, no menos, Streep claramente se está divirtiendo como la narcisista tía que resopla con desaprobación sobre cómo "las décadas han arruinado a París" y hace todo lo posible para ocultar su afecto por sus sobrinas detrás de su mirada entrecerrada y su desdén general. Amy está siendo cortejada por un británico adinerado, pero un encuentro casual con el amigo de la familia, Theodore Laurence (Timothée Chalamet), conocido como "Laurie", sugiere que su enamoramiento de la infancia por él no ha disminuido, a pesar de su muestra de simpatía por el rechazo de Jo a su propuesta de matrimonio.

La hermana mayor Meg (Emma Watson) también se encuentra no como una niña sino como una mujer joven, ya casada y viviendo en una cabaña por medios modestos con su esposo, el maestro de escuela John Brooke (James Norton), ex tutor de Laurie. Además de una breve visión de ella tocando el piano, la delicada cuarta hermana, Beth (Eliza Scanlen), permanece relativamente inexplorada en las primeras partes de la película, por razones que serán claras para cualquier persona familiarizada con la novela.

Antes de retroceder siete años para comparar la experiencia de las hermanas como jóvenes adultas con su adolescencia en Concord, Gerwig planta las semillas del romance entre Jo y su conocido en la pensión, Friedrich Bhaer (Louis Garrel), un profesor de idiomas de Francia. Pero esa floreciente atracción mutua se interrumpe cuando critica sin rodeos una de sus historias de duelos y aventuras, diciéndole que escriba sobre algo que ella sabe. Su reacción hostil muestra lo poco acostumbrada que está Jo al rechazo del mundo real, pero la honestidad de Friedrich finalmente le servirá bien.

La mezcla volátil de buen humor, camaradería y celos en el hogar femenino March está muy bien dibujada, con la madre de las niñas Marmee (Laura Dern) presidiendo con paciencia y amor mientras su padre (Bob Odenkirk) está fuera sirviendo como capellán en la Guerra Civil. Tía March está muy dispuesta a señalar cómo su mal manejo de sus finanzas los ha dejado en circunstancias reducidas, instando a las hermanas a casarse bien. Pero Marmee está más decidida a dar el ejemplo de la caridad, alentando a sus hijas a dar a los menos afortunados.

Algunas escenas de las hermanas haciendo payasadas interpretando obras escritas por Jo bordean la preciosidad tensa. Pero los lazos de una familia muy unida se juegan con una intimidad infecciosa, mientras que las explosiones de ira se sienten tremendamente fieles a la vida, especialmente una la muy recordada cuando Jo toma represalias contra un rencoroso acto de rebelión de Amy. Gerwig identifica los diferentes grados en que las ideas de romance consumen a las March, desde la emoción convencional del amor en los libros de cuentos hasta los aspectos prácticos de la expectativa social, todo lo cual se deja de lado a medida que cada hermana sigue su corazón.

Todos los episodios más queridos de la historia tienen un espacio respiratorio acorde y un manejo seguro: el manuscrito quemado, el casi ahogo de Amy, el elegante baile al que asiste Meg, la salida alarmada de Marmee hacia Washington cuando su esposo se enferma.

El arco más devastador es el destino de Beth, cuya naturaleza dulce y gentil es interpretada con subestimación y afectando la serenidad, incluso en su punto más bajo, por Eliza Scanlen. Esos acontecimientos más tristes se ven atenuados por algunas escenas hermosas, mientras vemos al abuelo viudo de Laurie, el Sr. Laurence (Chris Cooper) responder con ternura a Beth, invitándola a tocar el piano en su majestuoso salón cuando lo desee, y luego presentarle el instrumento en un gesto de generosidad conmovedora. Cooper es maravilloso al exponer la humanidad apagada de este hombre intensamente privado que ha sufrido una pérdida terrible. El actor lo abre en grados infinitos, comenzando con un disparo intensamente en movimiento mientras el Sr. Laurence se sienta en las escaleras sin ser observado, llorando en silencio mientras Beth toca.

Gerwig realmente muestra su profundo sentimiento por el material en la escena de la propuesta de Laurie a Jo, capturada por el cinematógrafo francés Yorick Le Saux contra los verdes crujientes de una ladera ondulada, con una clásica iglesia blanca de Nueva Inglaterra, estratégicamente la única estructura visible.

La química entre Ronan y Chalamet (quienes aparecieron juntos en Lady Bird) es encantadora en todo momento: invierte los tipos de género tradicionales, avanzando con certeza y determinación. Cuando finalmente él se declara, sentimos dolor por Laurie, observando su rostro y su postura desmoronarse mientras pronuncia desesperadamente palabras inútiles, defendiendo su caso antes de absorber el golpe aplastante de la negativa diplomática de Jo. Sin faltarle el respeto a las mujeres que dan actuaciones vividamente habitadas, las sorprendentes elecciones de Chalamet lo convierten en el verdadero destacado aquí.

Es un testimonio de la afinidad de Gerwig por los personajes de Alcott y la artesanía inteligente de su ensamblaje narrativo que, por mucho que alentamos a Jo y Laurie a cimentar lo que claramente es una combinación de mentes y temperamentos contrastantes, los retorcidos resultados románticos de la historia se sienten perfectos - aunque suavemente cepillados con melancolía por lo que podría haber sido. Aún más importante para este recuento es la aparición de Jo como escritora, con su incipiente carrera dada una forma tangible mientras observa las imprentas y las carpetas de libros produciendo la primera edición de la novela que da título a la película. La cronología de doble pista también deja más claro que nunca que los recuerdos de Jo de su educación alimentan el descubrimiento de su verdadera voz como artista.

Entre el gran elenco, Watson se desvanece un poco en el fondo, posiblemente porque la chica bonita y vivaz se abre paso tan temprano para la esposa completamente buena que se casó por amor, no por comodidad material. Dern a veces parece un poco contemporánea como Marmee, pero esto no le quita calidad al personaje. 

Como siempre, el personaje más complicado es Amy, una egoísta redimida por su incuestionable amor por sus hermanas. Pugh (también excelente este año en Midsommar) continúa demostrando ser un talento distintivo, manejando todas las contradicciones engañosas del papel con gracia desarmadora, humor y una racha deliberada que se convierte casi imperceptiblemente en sabiduría. También hay una buena percepción del personaje en su ausencia de autocompasión cuando Amy toma la decisión de abandonar la pintura después de darse cuenta de que nunca será una gran artista. Su negativa a hacer cualquier cosa a medias le da al personaje una fuerza innata que contrarresta sus cualidades más fugaces. E incluso en su momento más desagradable, ella sigue siendo entrañable, obteniendo la línea más divertida de la película cuando jadea por cabello cortado de Jo, exclamando: "¡Jo, tu única belleza!". A pesar de mi gran miedo por este personaje, hay una novedad en su encarnación, y es cómo la misma Amy explica lo cansada que está de ser una segunda opción en todo, incluyendo la elección de Laurie después del rechazo de Jo.

Sin embargo, nunca hay ninguna duda de que Ronan está al mando, tanto en términos de conducir la historia como de la posición exaltada que ocupa dentro de su familia. La costurera Jacqueline Durran la viste con elegantes camisas de época, corbatas, abrigos y chalecos, con sombreros tricorne y atuendos militares para las escenas de actuación. Está llena de fuego, con sus trenzas salvajes volando en la brisa, descaradamente despreocupada de las reglas que dicen que lo máximo a lo que una mujer joven debe aspirar es al amor y al matrimonio. Y hay un intercambio intergeneracional encantador en el que Marmee le confiesa a Jo que ella también tiene un temperamento que brota dentro de ella, pero que ha aprendido a controlarlo. En lugar de instar a Jo a hacer lo mismo, admira la franqueza sin filtro de su hija. Sin embargo, hay un momento muy importante para Jo que nunca había sido explorado, y es cómo esta temperamental y ambiciosa escritora sigue deseando cosas que para muchos de la audiencia parecerán extrañados, como ser amada o tener una familia. 

La dirección de Gerwig tiene un ritmo agradable a lo largo de su tiempo de ejecución de dos horas y cuarto, con un ágil trabajo de cámara y edición que sugiere el vigor de la juventud y la urgente sensación de descubrimiento que viene con la edad adulta. La exuberante composición de Alexandre Desplat es un poco grueso, pero incluso eso parece apropiado para una historia cuyos sentimientos siempre se basan en una emoción genuina.

Gerwig ha tomado un tesoro perenne de la literatura popular estadounidense y lo ha reformado para una nueva generación, lo que debería darle a la cautivadora película una larga vida útil, al punto que cuando hable de Little Women, ya no solo haré referencia del libro.

Mary Queen of Scots

Biopic sobre la vida de la Reina María Estuardo de Escocia, quien se enfrentó brutalmente a su prima Elizabeth I y que acabó presa hasta su muerte, decapitada, después de una vida llena de intrigas e infortunios. (FILMAFFINITY)

¿Qué dirían las Reinas María y Elizabeth I si viesen esta película? Lo primero que dirían es que el trailer engaña demasiado para lo que realmente la historia y la película suponen ser. 

Cuando Mary regresa a Escocia después de la muerte de su esposo, el rey de Francia, llega con el interés de proclamar su derecho al trono de Inglaterra. No obstante, Elizabeth I, heredera ilegítima del trono, se niega a darle permiso de entrar a tierras inglesas y la exilía en Escocia. Allí Mary continuamente planea retomar el trono, desde casándose con figuras inglesas hasta teniendo un hijo que podría de una vez por todas otorgarle el trono. No es hasta después de que comienza a darse cuenta de los atentados que otros planean alrededor de ella, incluyendo su propio hermano y su tercer esposo, cuando ella finalmente le suplica a Elizabeth I que la ayude a ella y su hijo, permitiéndole a su único hijo poder llegar a ser rey. Mientras tanto, Elizabeth debe lidiar con su comité de estado que trata de controlarla una y otra vez.

Saoirse Ronan y Margot Robbie vuelven a reclamar su talento, encarnando dos reinas muy reconocidas en la historia del Reino Unido: una que nunca pudo ser la reina que tanto anhelaba ser, y otra que siempre fue opacada por aquellos que quería apoderarse del trono. Representan a sus personajes de una manera tan particular que a la vez demuestran las grandes diferencias de personalidad, fisiología y verdaderos temores de cada una de las reinas. A pesar de que Elizabeth se anunciaba como una antagonista posesiva y controladora, al final resulta ser alguien que ha sido dominado por muchos años y que finalmente encuentra la manera de dejar de ser dominada y convertirse en la dominante, mientras que Mary siempre tuvo una personalidad fuerte en actitud y toma de decisiones, y siempre lo mantuvo así hasta el final de sus días (o por lo menos el final de la película).

El único problema de esta historia es la escasez de momentos sobre la interrelación de estas dos reinas. Lo que vendieron como el gran conflicto entre dos poderosas mujeres de Reino Unido, terminó siendo más sobre los confrontamientos que estas dos mujeres tuvieron que vivir en sus reinos en particulares, que fueron aumentando en tamaño y complejidad, hasta llegar a poner ambas reinas en una misma habitación. Ese momento en que ellas finalmente se miran a la cara llega muy tarde en la historia, casi al final de la película cuando Elizabeth ya ha decidido de que debe eliminar a Mary.

Por otro lado, es muy interesante como la historia presenta polémicas de estos tiempos, como el alinearse hacia una realeza, las discresiones sobre las preferencias sexuales y las reglas de juego para apoderarse del trono. Muy diferente a lo que Game of Thrones ha contado en siete temporadas, la etiqueta y protocolo se mantiene casi intacta en cada segundo.

El diseño de producción y vestuario es otro de los grandes aspectos a destacar de esta película, dos elementos que no solo hacen honor al siglo XVI en Reino Unido, sino también para trasladar a la audiencia a unos siglos antes, tanto en el poder de sus escenarios a grande escala como en los pequeños detalles para poder diferenciar un reino de otro. Y no se puede dejar de mencionar el uso de los vestuarios, maquillaje y peinado para especificar la personalidad y estilo de cada una de las reinas.

Mary Queen of Scots es una producción muy bien diseñada, pero que ha sido vendida con otro mensaje, no con el deseo de engañar a la audiencia sino de gritar indirectamente lo que verdaderamente debío haber ocurrido en los años 1560 cuando Mary pisó tierra inglesa.

Lady Bird

Una joven estudiante que se hace llamar Lady Bird sueña con vivir en la costa este de Estados Unidos, y tratará de ese modo encontrar su propio camino y definirse fuera de la sombra protectora de su madre. (FILMAFFINITY)

La actriz y cineasta Greta Gerwing elige la temática sobre madurez y relaciones interpersonales para presentar su opera prima como directora y guionista. A través de esta película, cuenta la historia de una joven llamada Cristine, pero que prefiere que la llamen Lady Bird. Ella sueña con abandonar Sacramento y mudarse a la costa este del país, por lo que hace lo imposible para lograr ser aceptada en alguna universidad de esa zona. Sin embargo, su madre la cree incapaz de ser admitida en cualquiera de las escuelas que ella quiere y la aterriza constantemente a la realidad de su vida: su familia no tiene el dinero suficiente para la universidad a la que aspira. 

Debido a "la pobreza de su familia", el hecho de que su ropa es sacada de las tiendas de segunda mano, su padre la lleva a la escuela en su carro extremádamente viejo y su madre vive controlando cada gasto material de la casa, ella evita que sus amigos sepan en qué condiciones vive y miente sobre su vida.

El guion de la historia se enfoca en narrar como la protagonista va creciendo a nivel personal, de acuerdo a lo que la vida le va dando. El objetivo principal, que siempre será recordado, es que ella sea admitida en una universidad de la costa este, y la trama se complementa con la vida familiar, amorosa y madurez que va tomando Cristine/Lady Bird. Uno de los puntos más poderosos es la relación entre Cristine y su madre, pues ambas tienen una personalidad fuerte y similar; sus momentos funcionan gracias a la química de Saoirse Ronan y Laurie Metcalf en escena.

Los diálogos están construidos con una carga de humor, subtexto y sarcasmo, que mantienen la temática y obligan al espectador a mantenerse con los personajes hasta el final. Al final de la historia, la protagonista termina con un monólogo poderoso y necesario que establecen como ha logrado lo que siempre se propuso, pero todo esto gracias a quién siempre estuvo a su lado.

La fotografía y la musicalización son dos atractivos necesarios para recordar la edad de Lady Bird y los sueños que tiene en plan. También permiten ver la historia desde los distintos puntos de vista de la protagonista, frente a las situaciones que vive a lo largo de la trama.

La ironía y humor negro de Lady Bird hacen de esta película una propuesta de cine independiente interesante y respetable, por la sensibilidad y sencillez con la que su directora en conjunto con sus personajes narran la historia que se proponen.