Crítica Cinéfila: Look Both Ways

En la víspera de su graduación de la universidad, la vida de Natalie se bifurca en dos realidades paralelas: en una de ellas, queda embarazada y debe enfrentar los desafíos de ser una madre joven en su Texas natal; en la otra, se muda a Los Ángeles para emprender su carrera profesional. A lo largo de ambas vivencias en la flor de sus veinte años, Natalie experimenta el amor transformador, la devastadora desilusión y se redescubre a sí misma.

En "Look Both Ways" del director Wanuri Kahiu, una mujer de 20 años se enfrenta a una situación fundamental que divide su vida en dos, y finalmente aterriza ambas versiones de sí misma en una encrucijada. La película mezcla las presunciones de "Sliding Doors" y "For Keeps", evitando la fantasía o el melodrama en favor de la autenticidad y ligereza fundamentadas. Ahora... si bien el corazón del cineasta está en el lugar correcto con sus sentimientos resonantes sobre asumir riesgos y abrazar el destino, su ejecución de los conceptos básicos narrativos resultan planos.

Natalie (Lili Reinhart) parecería la típica americana con el privilegio de blanca, pero su realidad es otra. La futura graduada universitario tiene un plan de cinco años para el éxito. O al menos pensó que sí. Ella no tuvo en cuenta el sexo espontáneo que ella y su amigo Gabe (Danny Ramirez) tuvieron después de las finales, lo que la deja vomitando y haciéndose una prueba de embarazo en una fiesta de graduación ruidosa. En los breves minutos que se tarda en obtener los resultados, imagina que su vida se dividiera en dos, con una versión de sí misma persiguiendo su plan bien concebido y la otra criando a su bebé concebido inadvertidamente.

En una línea de tiempo, Natalie establece el rumbo a Los Ángeles con su mejor amiga Cara (Aisha Dee) para lograr sus ambiciones profesionales en el mundo cinematográfico de la animación. Conoce al talentoso y galán Jake (David Corenswet), que trabaja para la empresa dirigida por la ídola profesional de Natalie, la diseñadora de personajes Lucy (Nia Long). Y a través del estímulo y los consejos de este nuevo novio, Natalie logra ser contratada como su asistente.

En el otro universo paralelo, Natalie descubre que está embarazada, vuelve a casa con sus padres (Luke Wilson y Andrea Savage) y tiene al bebé con Gabe, aunque rechaza su propuesta de matrimonio. Aplaza sus sueños de dibujar y renuncia a sus amistades a instancias de la maternidad. Se producen complicaciones en ambas vías, que culminan en un resultado predecible.

Aunque Natalie experimenta un crecimiento y se le otorgan arcos completos aunque imperfectos, en ambas líneas de tiempo, Kahiu y la guionista April Prosser pierden los objetivos e incluso las transformaciones de los demás personajes, sobre todo algunos tan interesantes como el de Cara. Problemas como su insatisfacción con su trabajo y su amistad con Natalie se resuelven poco, al igual que la relación romántica positiva de Cara con una nueva novia. Sus conflictos conectivos se apresuran y se les da una onda de mano cuando la emoción ganada podría infundirse fácilmente. Tal como está, la imagen podría soportar un tiempo de ejecución más ajustado a medida que el segundo acto se hunde, revolcándose en los episodios de estrés, dolor y contratiempos del protagonista.

Los viajes de Gabe y Jake están llenos de artificios y comodidades que hacen un favor fino a sus personajes considerando sus roles como influencias saludables y de apoyo en Natalie. Nunca hay ningún sentido de disputa genuina entre Gabe y Natalie que no implique su relación romántica y no se muestre ninguna dificultad (financiera o lo que sea) entre ellos criando a su hija. Una explosión de pañales no produce adversidad. Natalie es la típica mujer comprometida pero estereotipada; en lugar de aceptar sus problemas y las ayudas que le quieren dar, no se ayuda ni hace que la característica se sienta feminista. Ambas pistas de la historia sugieren que la felicidad de Natalie depende esencialmente de que un hombre regrese a su vida para completar su sueño y enseñarle que estará bien sin importar la vida que lleve, una lección que se siente hasta machista.

Si bien la característica flaquea narrativamente, obtiene calificaciones más fuertes por sus méritos técnicos. Kahiu y sus colaboradores dan a cada línea de tiempo su propia identidad visual. El director de fotografía Alan Caudillo y el diseñador de producción Keith Brian Burns contrastan los mundos de Natalie, arraigando su entorno en tonos cálidos al atardecer en Los Ángeles y una paleta azul-gris más fresca en Austin. El diseñador de vestuario Colin Wilkes también demarca qué Natalie se transforma junto a su armario: rosa y púrpura en SoCal, azules pasteles en Texas. La sutil partitura de sintetizador de Drum & Lace e Ian Hultquist aumenta el estado de ánimo y se utiliza magistralmente para resaltar los fundamentos emocionales en las escenas, añadiendo carácter.

El rendimiento principal de Reinhart es tierno y significativo. Se adapta ágilmente a los tonos claros y oscuros del material con matices y vulnerabilidad. Tiene una fuerte presencia en la pantalla, ya sea sola o emparejada con actrices multifacéticas como Long y Savage. A Long le da profundidad y dimensión lo que sería un papel genérico e ingrato en las manos de cualquier otra persona, así como una sensación de flotabilidad. Savage combina un ingenio alegre y una sabiduría conmovedora en su breve tiempo frente a la pantalla, impartiendo consuelo y un ligero repunte cómico.

Reservar la película usando dos versiones auditivamente diversas de la canción pop de Fun "We Are Young" es una forma inteligente de reflejar a nuestras dos heroínas y devolver a la audiencia al lugar donde comenzó el viaje narrativo. Las nociones dentro de la canción están apropiadamente idealizadas y, en última instancia, alegres. Sin embargo, le falta algo que enganche realmente esa emoción y conexión con el mensaje final.

Crítica Cinéfila: The Goldfinch

Una familia adinerada del Upper East Side se lleva a un niño en Nueva York después de que su madre es asesinada en un atentado en el Museo Metropolitano de Arte.

Theodore Decker tenía 13 años cuando su madre fue asesinada en un atentado en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. Esta tragedia cambió el rumbo de su vida, viéndose sumido en una desgarradora odisea de dolor y culpa, reinvención y redención, amor y odio. A pesar de todo, se aferra a una prueba tangible de esperanza que le dejó aquel terrible día... un cuadro de un pequeño pájaro encadenado a su percha: El Jilguero.

Por años, salta de hogar en hogar, y cuando encuentra unas cuantas gotas de felicidad a su vida, el universo se la arrebata y lo obliga a seguir moviéndose sin un verdadero objetivo. Así es como se siente la película The Goldfinch, una adaptación de la novela ganadora del premio Pulitzer de Donna Tartt, la cual está protagonizada por grandes talentos de la pantalla grande, pero aún así decide apegarse a ideas narrativas que no funcionan en su totalidad en un filme, mientras que abandona otras muy necesarias para la historia y el ritmo de esta.

En el cine, lo nuevo y lo audaz —y lo biográfico— reinan para ser nominado a los premios, lo que extrañamente hace que The Goldfinch, tan cargado de privilegios, esté un poco frío y hasta me atrevo a decir vacío. ¿Cuánta necesidad tenemos ahora de una adaptación literaria obediente sobre la riqueza y el arte?

La historia de The Goldfinch se refiere a una pintura desaparecida después de un bombardeo en el Museo Metropolitano de Arte. Bueno, les falta a los que están fuera de la novela, y ahora el ámbito íntimo de la película. En el interior sabemos que la pintura fue tomada por un niño, Theo (Oakes Fegley), cuya madre murió en la explosión y que se ha encontrado bastante solo en el mundo. A medida que seguimos los juicios y tribulaciones de Theo (más tribulaciones que juicios), desde Nueva York a Las Vegas y de regreso, la pintura, realizada por un maestro holandés que murió en una explosión (otra explosión, no la misma), actúa como un talismán y un recordatorio culpable del pasado, tanto inspiración como peso. Las cosas eventualmente (aunque brevemente) se mueven en territorio de misterio, suspenso y thriller, pero Crowley trata de mantener el tono en drama y nostalgia.

La película de Crowley, al menos, tiene más argumentos de lo que se espera. Muchas películas como esta son episódicas y pesadas, golpean los ritmos requeridos pero no evocan un sentido real de la vida cinematográfica. Crowley, sin embargo, encuentra una melodía con bastante frecuencia, imbuyendo su película con un silencio lírico y tristeza. Está magníficamente filmada, espacios bien equipados de Nueva York dado el brillo lacado de una pintura vieja. Pero también maneja dos líneas de tiempo con gracia, yendo y viniendo entre la juventud y la adultez naciente. En ese sentido, se honra el espíritu del libro de Tartt: sentimos el bostezo de los años, el peso del dolor y la experiencia formativa acumulada.

Lo que sin duda es un logro. Solo que no hay suficiente textura y sensación en The Goldfinch. Existe esa tristeza que preside, sí, pero la importancia de la pintura, y de todo el arte, los objetos y la música que tanto le importan a la gente de la película, no es lo suficientemente palpable. En última instancia, la película tiene que establecer apresuradamente sus temas al final porque han pasado dos horas y media y es hora de concluir las cosas. Deseaba ver toda la conmovedora alegoría de Tartt, la forma en que vierte la densidad de crecimiento y lamento en algo sólido que puede pasar de las manos, y que pudo haber tenido espacio para florecer en la película. Pero no lo hace, y dejé la película apreciando su estilo y sus fuertes actuaciones, pero no alterada emocionalmente de ninguna manera persistente.

Eso no es por falta de intentos por parte de sus actores. Como lo hizo en Brooklyn, Crowley persigue el trabajo fino y silencioso de su elenco. Como los dos Theos, Fegley y Elgort tienen muchas miradas silenciosas y contemplativas. Pero a veces son capaces de provocar un estallido expresivo, en momentos que registran profundamente la pérdida casi cósmica de Theo. Elgort es particularmente efectivo, atenúa su brillo a un resplandor nocturno; él está obsesionado y consumido por la memoria, una persona que sigue tropezando con un tiempo presente que no entiende. Sin embargo, el guión los lleva forzados, pues a pesar del obvio vacío que siente el personaje, a su vez se siente sin una meta física y sin un deseo de alcanzar algo al final de la historia. Es verdad que es una película de crecimiento emocional, pero este llega tan tarde que se siente apresurado y sin un adecuado desarrollo.

Kidman hace un giro sutil como una dama de la sociedad que le gusta los gustos y educaciones de Theo después de su tragedia. Ella y Crowley crean una rica historia familiar en solo unas pocas escenas, y la película mira hacia otro conjunto de problemas y tragedias, ayudando a espesar el mundo de la pintura y a todas las personas que lo rodean. Lo mismo para Jeffrey Wright como otro de los cuidadores de Theo. Mientras que Finn Wolfhard y Aneurin Barnard sorprenden con dos versiones diferentes de Boris, el dinámico y único emigre ucraniano con el que Theo forma una conexión cercana y, en última instancia, catastrófica.

En total, The Goldfinch es buena, mas, al despejar esa barra, abre toda la posibilidad de que podría haber sido aún más. No es tarea fácil, convertir un libro de 784 páginas en una película, y mucho menos una llena de referencias sobre arte y antigüedades. Tal vez podría haber una versión de miniserie que satisficiera toda la ambición de mente alta de Tartt. Mientras tanto, la película que existe solo alcanza los ritmos principales: es majestuosa y segura, y está bien. Tal vez eso significa que podría llegar a algunas nominaciones después de todo.