Crítica Cinéfila: The Nun II

1956 – Francia. Un sacerdote es asesinado. Un mal se está extendiendo. La hermana Irene una vez más se encuentra cara a cara con Valak, la monja demonio.

Después de ocho películas, se podría esperar que una franquicia comience a volverse obsoleta, pero hay que reconocer que "The Conjuring" es la franquicia de terror más exitosa hasta la fecha, habiendo recaudado un total combinado de $2.1 mil millones de dólares en taquilla, y The Nun II está aquí para duplicar todo lo que hace que los amantes del género vuelvan a ver estas películas una y otra vez. Sirviendo como una secuela directa de The Nun, esta película comienza cinco años después, cuando encuentra a la hermana Irene (Taissa Farmiga) en un nuevo convento en Francia, después de haber escapado efectivamente del demonio Valak (Bonnie Aarons), suponiendo que lo hubiera enviado de regreso al infierno. Sin embargo, cuando figuras clave de la iglesia comienzan a morir misteriosamente, deja indicatorias que el demonio ha regresado. Cuando un cardenal llama a Irene como el único miembro superviviente de la iglesia capaz de derrotar tal mal, ella regresa a una vida de la que pensaba que había escapado.

The Nun II es una adición efectiva, sangrienta e impresionantemente aterradora al universo Conjuring que agrega profundidad al canon existente y al mismo tiempo ofrece una película de posesión sólida que se sostiene por sí sola. Basada en una historia de Akela Cooper, a partir de un guión escrito por Cooper, junto con Ian Goldberg y Richard Niang, "The Nun II" es mucho mejor que su predecesor con un tono que avanza a un ritmo vertiginoso y mantiene a la audiencia alerta. Los sustos pacientes y trepidantes se equilibran uniformemente con momentos más ligeros e incluso una pizca de comedia aquí y allá. 

La presencia de Cooper está en toda esta película, y esta es otra excelente entrada a su completo dominio del género de terror. Después de haber escrito guiones para clásicos instantáneos, como M3GAN, Cooper se ha convertido rápidamente en un nombre increíblemente emocionante para ver en los créditos de una película de terror. "The Nun II" se beneficia mucho de su guión ajustado que efectivamente planta semillas durante todo el primer acto que se materializan en el segundo acto. Cooper, Goldberg y Niang prepararon el clímax épico de la película de forma natural, con las piezas encajando antes de que te des cuenta de que son parte del rompecabezas definitivo de la película. La audiencia recibe las pistas suficientes para comenzar a resolver partes del misterio que se está desarrollando sin sentirse obvio o torpe, al estilo "The Conjuring II"

Michael Chaves, quien anteriormente dirigió "The Conjuring: The Devil Obliged Me Do It", regresa a la silla del director y agrega un muy necesario soplo de aire fresco a las películas de "The Nun". A pesar de su éxito en taquilla, The Nun es posiblemente una de las entradas más flojas de "El Conjuro", con una historia lenta y sustos algo decepcionantes. Afortunadamente, su secuela no muestra ninguna de esas debilidades. Junto con el guión de Cooper, Chaves añade un nivel de calidez al proyecto que tanto faltaba en su predecesor. Los personajes y sus relaciones se sienten mucho más ricos en esta película. Flashbacks encantadores y actuaciones dolorosamente emocionales llenan esta rama de la franquicia con un nivel de corazón que rara vez ha llegado a las películas de "The Conjuring" fuera de la trilogía principal.

Además de esa riqueza, "The Nun II" también ofrece varios sustos trepidantes que harán que las palomitas no encuentren puesto fijo en el cine. Si bien una de las principales críticas de la tercera de "The Conjuring" fue que no daba suficiente miedo, "The Nun II" es una muestra mucho mejor de cómo Chaves genera tensión cuidadosamente para que el chasquido de terror con banda elástica sea tan grande y más efectivo. Chaves también hace un buen uso de una impresionante cantidad de efectos prácticos en esta película, dándole esa sensación de la vieja escuela mientras genera sustos que harán que el público se pregunte: "y ¿cómo hicieron eso?". Una de las más impresionantes, que ha sido objeto de cuestionamientos en los avances previos al estreno de la película, es la escena en la que Valak ataca a la hermana Irene desde las páginas de un quiosco. En una conversación con Perri Nemiroff de Collider, Chaves reveló que la mayor parte de ese susto en particular se realizó en cámara, con algo de ayuda de efectos visuales para cruzar la línea de meta. Después de proponer el concepto para este momento, Chaves dijo: "Todos decían: '¿Cómo vamos a hacer eso?' Pensé: "Bueno, deberíamos hacerlo todo en la cámara. Deberíamos imprimir todos estos cargadores y luego equiparlos mecánicamente para que giren, soplar algunos con viento y luego algunos estarán un poco más controlados". Ese arduo trabajo en set da sus frutos en la película, por ahora ser una de las mejores escenas y la más inolvidable de toda la película.

The Nun II también presenta algunas escenas bastante épicas. La batalla final, que tiene lugar en un antiguo monasterio convertido en bodega y luego en internado, tiene personajes que luchan por sus vidas mientras el suelo cede bajo sus pies. La forma en que Chaves filma estas escenas hace que el espectador se sienta como si estuviera en un parque de diversiones retorcido, parecido a algo sacado de Halloween Horror Nights. El acto final de "La Monja II" también presenta un nuevo monstruo conjurado por Valak para aterrorizar a las jóvenes del internado. Jugando con una tradición satánica centenaria, esta nueva figura grotesca es una adición escalofriante junto a personajes como Valak y Annabelle, y aunque puede que no necesite su propio spin-off, los espectadores tendrán dificultades para deshacerse de su horrible rostro.

Chaves también rinde homenaje a muchos sustos pasados ​​y otros elementos visuales de la franquicia. La escena del quiosco por sí sola es paralela a la escena inicial de El conjuro 2 en la que Lorraine Warren (Vera Farmiga) es atacada por primera vez por Valak. "The Nun II" utiliza múltiples señales visuales como esta para vincular a la hermana Irene y Lorraine y finalmente revela exactamente cómo están conectadas las dos, más allá de ser interpretadas por hermanas de la vida real, por supuesto. Mediante el uso de imágenes anteriores y una historia inteligentemente explorada, "The Nun II" une partes anteriormente dispares de la franquicia de "The Conjuring" de una manera que hará que los fanáticos deseen volver a ver entradas anteriores.

The Nun II presenta varios personajes nuevos, y aunque no tenemos mucha historia de fondo sobre la mayoría de ellos, el guión bien escrito les da a cada uno de ellos una impresionante cantidad de profundidad en menos de dos horas. Todo el elenco ofrece actuaciones vividas que realmente hacen que la película cobre vida. Al regresar de la primera película de "The Nun", Jonas Bloquet interpreta a Frenchie con un encanto y un carisma renovados que sirven como un fino barniz para su alma torturada, haciendo que el dolor final al que se dirige su vida, como se establece en "The Conjuring", sea algo mucho más doloroso. En esta película, Frenchie entabla un romance con una maestra llamada Kate (Anna Popplewell) y se ha vuelto aún más atractivo para el público por su dulzura y protección hacia su hija Sophie ( Katelyn Rose Downey ). Downey destaca mucho, con las cualidades de una futura estrella del género, ofrece una actuación emotiva y genuina.

Otro destacado fantástico es la incorporación de Storm Reid como la hermana Debra. Después de haberle dicho previamente a Collider que su personaje "agrega algo de originalidad a la historia", Reid hace precisamente eso y la convierte en una adición bienvenida al universo de Conjuring. La hermana Debra actúa como escéptica para la creyente de la hermana Irene: una dinámica probada y verdadera dentro del género de terror, ella es capaz de agregar algunos momentos de ligereza a la película mientras emprende su propio viaje de autodescubrimiento. Mientras tanto, Taissa Farmiga ofrece una de sus mejores actuaciones hasta la fecha, consolidándose aún más como una formidable reina del grito. Al enhebrar la aguja entre la monja suave y de corazón tierno que se esfuerza por ser y el adversario incandescente digno de enfrentarse a una de las fuerzas demoníacas más malvadas del infierno, Farmiga realmente logra flexionar su alcance en "The Nun II". También hay momentos de vulnerabilidad para la hermana Irene en los que demuestra que nadie llora ante la cámara como las hermanas Farmiga.

Sin revelar nada, "The Nun II" agrega una historia profunda a la franquicia El Conjuro que reúne a todo el universo de una manera creativa y atractiva, y el público querrá quedarse en la escena de los créditos finales para asimilar cada parte de esas conexiones. Con su guión ajustado, personajes bien equilibrados y sustos escalofriantes, este es el primer spin-off de Conjuring que opera al mismo calibre que las películas principales de la franquicia, lo que demuestra que este universo está lejos de caerse.

Crítica Cinéfila: The Last of Us, 1ra Temporada

Veinte años después de la destrucción de la civilización moderna a causa de un hongo -el cordyceps- que se adueña del cuerpo de los humanos, uno de los supervivientes, Joel, recibe el encargo de sacar a la joven Ellie de una opresiva zona de cuarentena. Juntos cruzan Estados Unidos ayudándose mutuamente para intentar sobrevivir.

The Last Of Us, lanzado originalmente para PlayStation en 2013, es indiscutiblemente uno de los mejores videojuegos de todos los tiempos. Un giro original en la plantilla de suspenso de zombis, abrió nuevos caminos con sus temas resonantes, un juego intensamente fluido, escenas capturadas de rendimiento y una escritura inusualmente decente. Fue una experiencia emocional, inmersiva y casi tan cinematográfica como la que se puede tener en una consola de juegos. Todo lo cual fue una buena razón para evitar una adaptación en primer lugar. ¿Por qué arriesgarse a arruinar algo perfecto? ¿Por qué ensuciar lo que vino antes? ¿Por qué, cuando los videojuegos han tenido un historial cruel en películas y televisión, siquiera hacer el gasto de ese presupuesto?

La respuesta viene de manera espectacular y enfática de los co-showrunners Neil Druckmann (el creador original del juego) y Craig Mazin (el escritor/productor detrás del igualmente apocalíptico y excelente "Chernobyl"). La acción en vivo "The Last Of Us" es un excelente ejemplo de cómo hacer que una adaptación funcione, cómo retener los elementos de lo que funcionó mientras se tiene la confianza para explorar nuevas y audaces avenidas, expandir el universo, hacer algo que se mantenga firme en sus propios pies. 

Una de las fortalezas clave del juego era la profundidad de sus personajes, y eso solo se intensifica aquí. Lo más llamativo, en primer lugar, es lo fiel que ha sido este traspaso. Claramente conscientes de que están trabajando a partir de una plantilla bastante sólida, y quizás también conscientes de complacer a la base de fanáticos leales y agresivos del juego, Druckmann y Mazin se han ceñido relativamente a la narrativa original. Como en el videojuego, esta serie sigue a Joel (Pedro Pascal) y Ellie (Bella Ramsey) en su traicionero viaje a través de un Estados Unidos post-apocalíptico, desde Boston a Wyoming, enfrentándose a zombis (conocidos aquí como los 'infectados'), además de la vida igualmente aterradora, en busca de una cura, o al menos algún tipo de curación interna.

Para cualquiera que haya jugado el juego, es una experiencia a veces surrealista ver sus momentos más icónicos (el rascacielos derrumbado, las jirafas) bellamente representados en acción en vivo. Pero, excepto por un momento en el que Joel le dice a Ellie que "le dará un impulso", un guiño astuto a una de las mecánicas clave del juego, nunca se siente como si estuviera viendo un videojuego. 

Emocionantemente, la serie es quizás más fuerte cuando se desvía de su plan original. Ninguno de los puntos principales de la trama cambia drásticamente, pero varios episodios se salen gloriosamente de la pista anterior. Lo más fascinante de todo es el extraordinario tercer episodio, casi independiente, que cuenta la historia completa de Bill, un personaje antes muy secundario que ahora interpreta Nick Offerman. Se lo vuelve a imaginar aquí como un sobreviviente y un loco ocasional de la conspiración que se preparó para los zombis toda su vida, demostrando que es posible obtener una buena distopía de las ruinas del mundo. Decir más podría estropear la experiencia; baste decir que es conmovedora, sorprendentemente romántica y una de las mejores horas de televisión de los últimos tiempos.

Esto no le resta valor a los demás episodios, donde cada uno mostró la increíble fraternidad de los personajes con su historia y el universo, sirviéndose mutuamente, y rescatando los grandes pensamientos de las actitudes que todo ser humano sacaría a la luz si un evento de esta magnitud ocurriese. Aunque hay mucha violencia en la disputa por los recursos limitados que quedan en el nuevo drama distópico, los personajes que conocemos a menudo se presentan como si fueran víctimas de las circunstancias, condenados a recordar lo que alguna vez tuvieron.

Lo que hace que el personaje principal, Ellie, sea una figura particularmente potente. Ellie es una adolescente que nunca ha conocido nada más que el mundo posterior a la caída. A través de sus ojos, vemos el paisaje como, efectivamente, un tipo divertido de normalidad: Criada desde la infancia para ser parte de la defensa contra la amenaza de los muertos vivientes que siempre invade, Ellie tiene miedo de la gente de los hongos, pero no se sorprende por ellos.

Es esta dinámica y su relación con su protector Joel lo que mantiene a flote a “The Last of Us” a lo largo de su carrera. La serie puede apoyarse demasiado en las secuencias de acción, lo que enfatiza la asombrosa surrealidad de los infectados. Pero lo que yace debajo del caos es el vínculo naciente entre Joel, un hombre sin raíces que prometió para proteger a Ellie, que puede tener dentro de su cuerpo inmunidad al hongo, pero que parece estar infectada, en su viaje fuera de la zona de cuarentena y hacia un lugar seguro. A través de las actuaciones de Pascal y Ramsey y una escritura sólida, esta dinámica brilla con emoción y vida.

Ellie y Joel están experimentando diferentes tipos de duelo. Ellie, que tiene una vaga curiosidad por una época que no vivió, difícilmente puede sorprenderse de que aquellos a los que amaba le sean arrebatados en un mundo que siempre ha conocido como brutal. Joel, mientras tanto, experimentó el primer día de la infección masiva y vive en una especie de dolor contenido por la pérdida de su hija. Esa hija es interpretada por Nico Parker en el primer episodio de la serie, una demostración de más de una hora del don que Mazin tiene especialmente para demostrar el colapso de los procesos. Aquí, como en “Chernobyl”, vemos cómo los personajes lentamente, y luego todos a la vez, se dan cuenta de que el mundo que los rodea se está desmoronando.

Esto es lo que es tan impresionante de esta adaptación: lo completamente realizado que es este mundo. Hay una asombrosa sensación de escala en este apocalipsis, desde los toques sutiles (un extra usa una camiseta de la campaña presidencial de Al Gore, un indicador de que el tiempo se detuvo en el brote de principios de la década de 2000) hasta el CGI impecable, gran cinematografía, el mantenimiento del diseño de producción, que incluye el trabajo de vestuario, maquillaje y utilería. 

Y, sin embargo, a pesar de todo su vasto lienzo, a pesar de todo su caos monstruoso ocurriendo alrededor de ellos, el enfoque permanece en todo momento en los personajes. En particular, Ellie de Ramsey equilibra de manera convincente la inocencia con los ojos muy abiertos (habiendo vivido toda su vida en una zona de cuarentena, nunca antes se había sentado en un automóvil o visto un avión) con una determinación intensa e incluso tonterías, lo que de otro modo podría ser un reloj bastante sombrío. Mientras tanto, Pedro Pascal tiene un reparto perfecto: ofrece una gran dureza de vaquero entrecerrando los ojos y de rostro tosco, pero siempre es una fachada, que enmascara un trauma profundo y el puro terror de ser una figura paterna. Nunca ha estado mejor. Que la serie termine como lo hace el primer juego juego, con Joel tomando una decisión brutalmente ambigua, muestra una comprensión implícita de estos personajes, su oscuridad moral, su humanidad confusa. El último de nosotros, el juego, nunca ofreció respuestas fáciles; la serie tampoco. Es mucho mejor por eso.

Cómodamente, se puede admitir que es la mejor adaptación de un videojuego jamás realizada: una que profundiza en la tradición distópica del juego, mientras se mantiene fiel a su núcleo emocional. Al igual que el juego, también es una obra maestra.

Crítica Cinéfila: Missing

Cuando su madre desaparece estando de vacaciones en Colombia con su nuevo novio, la búsqueda de respuestas por parte de June se ve entorpecida por la burocracia internacional. Atascada en Los Ángeles, a miles de kilómetros de distancia, June utiliza toda la tecnología a su disposición para intentar encontrarla antes de que sea demasiado tarde. Pero cuanto más profundiza en su búsqueda, su investigación digital levanta más preguntas que respuestas… y cuando June revela secretos sobre su madre, se da cuenta de que nunca la conoció realmente. 

Missing, la segunda película del ingenioso cineasta Aneesh Chaganty, no es para los ansiosos por la vigilancia. Adoptando la plantilla de su predecesor, la película extrae y manipula las herramientas en el escritorio de una computadora para contar una historia palpitante y alarmante.

Dirigida por los editores de Searching, Will Merrick y Nicholas D. Johnson, Missing comienza con imágenes de video de una familia feliz rápidamente golpeada por la tragedia. Los fanáticos de la película anterior estarán complacidos con la secuencia de apertura, que crea un hilo de conspiración entre los directores y los espectadores establecidos. Un video casero muestra a una joven June (Ava Zaria Lee) intentando grabar a su padre, James, (Tim Griffin), en una videocámara vieja antes de que su madre, Grace, (Nia Long), entre en el marco y con cautela confisque el dispositivo. El momento íntimo conduce a uno más doloroso: los registros médicos, las búsquedas en Google y los correos electrónicos muestran que James murió de cáncer. Despojada y abrumada por el dolor, Grace se muda de San Antonio a Los Ángeles en busca de un nuevo comienzo.

De ahí pasan años hasta llegar al presente, donde June (Storm Reid) acaba de graduarse de la escuela secundaria y Grace ha entrado con cautela en una nueva relación con un hombre llamado Kevin (Ken Leung). La muerte de James ha creado un abismo cada vez mayor entre madre e hija, que luchan por relacionarse más allá de las interacciones debidas. Está claro por sus constantes mensajes de texto pasivo-agresivos que June, que pasa todo el tiempo pegada a su MacBook, encuentra intolerable la naturaleza autoritaria y protectora de su madre. Grace, por otro lado, lleva libremente su deseo de intimidad con su hija.

Long y Reid se sienten cómodos en sus papeles de madre nerviosa y su adolescente distante. Se acercan a los personajes con un toque ligero, lo que permite a los espectadores comprender rápidamente que muchas de las peleas de June y Grace son el resultado de una subestimación mutua y una mala comunicación. Cuando Grace le pide a June que la recoja a ella y a Kevin en el aeropuerto el lunes después de un viaje a Colombia, la solicitud molesta visiblemente a la adolescente, incluso ofendida. Ella escucha a medias los severos recordatorios de su madre y apenas presta atención mientras ella y su novio salen arrastrando los pies por la puerta.

June pasa el fin de semana sin la supervisión de sus padres enfurecida con sus amigos. Las fiestas nocturnas en su casa (aventuras llenas de alcohol y música) se narran en las historias de Instagram, los videos de TikTok y las fotos de Snapchat. Cuando llega el lunes, June, con una severa resaca, llega tarde al aeropuerto para recoger a su madre. Pero Grace y Kevin nunca aparecen, lo que lleva a June, presa del pánico, a rastrear la huella digital de su madre en busca de respuestas.

En los cinco años transcurridos desde el lanzamiento de Searching, las películas de "vida en pantalla" se han vuelto menos novedosas. La pandemia, que introdujo su propio subgénero de narrativas basadas en video chat, aceleró su infiltración en la corriente principal y redujo nuestra tolerancia hacia ellas. Aún así, hay buenos esfuerzos como Language Lessons de Natalie Morales , We're All Going to the World's Fair de Jane Schoenbrun y Rap Sh!t de Issa Rae, que aprovechan nuestra comunicación modulada por tecnología para contar diferentes tipos de historias.

Missing entiende dónde existe en la línea de tiempo y, como resultado, la narrativa de Merrick y Johnson  no solo se enfoca en la existencia de esta tecnología, sino que también especula sobre su efecto en la sociedad, observando la facilidad con la que nos sometemos a la vigilancia por conveniencia y cómo estas aplicaciones finalmente alimentan nuestro insaciable apetito por la información. Igualmente, hay una mirada particularmente fascinante, aunque a veces demasiado contundente y repetitiva, a la proliferación de contenido de detectives aficionados y crímenes reales, y aquí se muestra cómo esta nueva generación lo pone a prueba. Si ha visto "Searching", probablemente tendrá la idea de que la respuesta se plantará frente a los espectadores, pero "Missing" toma algunos giros y vueltas absolutamente salvajes y locos para llegar a su destino.

Confiando en sus impresionantes habilidades de Google, innatas para un miembro nativo digital de la Generación Z, June comienza a buscar a su madre desaparecida, revisando cámaras en vivo de turistas, extractos bancarios y contratando a un ayudante tipo TaskRabbit, Javi (Joaquim de Almeida), para hacer trabajo de pies en Colombia. June es inteligente, ingeniosa y audaz, y la forma en que descifra contraseñas y navega por el laberinto de información hará que cualquiera piense profundamente sobre la cantidad de seguimiento de datos que uno debe dejar activado en su cuenta de Google. ¿Es mejor dejar un rastro? Depende de lo que estés haciendo.

El suspenso de "Missing" atraviesa casi dos horas de impactantes giros en la trama a un ritmo vertiginoso. Y si bien es entretenida, sin duda, también adquiere un tono sombrío, ya que considera el dolor, la pérdida y la violencia de pareja íntima de una manera que es muy real, respaldada por titulares extraídos de las noticias, y sí, esas series de crímenes reales y TikToks que son muy convincentes. Eso es lo que hace que películas como “Searching” y “Missing” sean tan cautivadoras. No son solo thrillers de alto concepto con actuaciones melodramáticas, sino que también se sienten auténticos en la forma en que vivimos, incluso en el momentos extravagantes.

Missing logra mantener una atmósfera propulsora y mordaz y superar el aburrimiento de sus ritmos narrativos convencionales al tratar cada herramienta (cuentas de Gmail, fotos de iPhone y sitios web corporativos) como un rompecabezas de capas profundas, que recopila y ofrece más información de lo que la mayoría de las personas logran darse cuenta. Para aquellos que ya están en sintonía con los zarcillos de nuestro mundo cada vez más vigilado y digitalizado, Missing se siente como un episodio de Black Mirror, pues en su mayoría confirma las sospechas sobre la facilidad de rastrear incluso las vidas en línea más obstinadamente opacas. Para todos los demás, será una escalofriante llamada de atención sobre todo lo que almacenan en el mundo digital.

Experimentamos gran parte de nuestra realidad en línea, sin saberlo, dispersando artefactos de nuestra experiencia vivida mientras hacemos clic y deslizamos. Pero “Searching” y “Missing” reiteran que a pesar de las fotos, los videos, las migajas de pan de la humanidad reflejadas en ceros y unos, no hay nada como lo real, para bien o para mal.

Crítica Cinéfila: The Invisible Man

Cecilia (Elisabeth Moss) rehace su vida tras recibir la noticia de que su exnovio, un maltratador narcisista, ha fallecido. Sin embargo, su cordura comienza a tambalearse cuando empieza a tener la certeza de que él la acosa haciéndose invisible.

¿Por qué será que a nadie le gusta hablar sobre la violencia de género en el cine? ¿Será porque temen mostrarlo por lo que es o por la búsqueda empedernida de tratarlo de una manera "creativa"? La respuesta es concebida a través de The Invisible Man, una película dirigida por Leigh Whannell (Insidious 3) que expone los extremos de posesión y obsesión que un hombre puede tener hacia una mujer, al nivel de fingir su muerte y ser capaz de hacerse invisible para acosarla como quisiera.Al mismo tiempo, la película reclama un nuevo territorio de misterio y horror digno de un talento como Elisabeth Moss, que amplifica las cualidades del guión con una actuación de alto riesgo para mujeres en grave peligro. 

La jaula que aprisiona a la damisela en apuros Cecilia Kass (Moss) es una versión moderna de alta tecnología de una elegante y lujosa mansión multimillonaria adornada con arte en un sin fin de sistemas electrónicos de seguridad y vigilancia. Alprazolam ya no está haciendo el truco para mantener su ansiedad y depresión bajo control, por lo que un escape desesperado parece ser su única oportunidad de escapar de su novio Adrian (Oliver Jackson-Cohen) en una noche oscura y tormentosa.

Dirigiéndose a la cercana San Francisco, Cecilia cuenta con su hermana Emily (Harriet Dyer) para recibir apoyo y es recibida temporalmente en la casa de su viejo amigo y policía James (Aldis Hodge) y su hija adolescente Sydney (Storm Reid). Las cosas continúan mejorando después de que Adrian es declarado oficialmente muerto por aparente suicidio, y su hermano (Michael Dorman) le informa a Cecilia que le han dejado US$5MM en el testamento.

Pero todo cambia cuando Cecilia comienza a notar como muchas de sus cosas se pierden, que está intensamente somnolienta y que, a pesar de su sistema de apoyo, se siente terriblemente vulnerable. No pasa mucho tiempo antes de que la evidencia parezca incontrovertible: Adrian todavía está vivo y ha descubierto la forma de ser invisible.

Lo prometedor del hilo de Whannell en este punto es que ha pasado mucho más tiempo alentando al espectador a acercarse a Cecilia y a su pequeño grupo de apoyo que presionando los botones relacionados a la violencia de género. Moss, Hodge, Reid y Dyer son todos abiertos, invitando a actores que se ganan nuestra inversión en sus emociones y dilemas. Cuando llegan las grandes revelaciones y los momentos melodramáticos, parecen estar ligeramente fuera de su elemento en un drama que se siente más arraigado en los sentimientos y pensamientos de los personajes que en la creación de choques de intensidad variable. 

Poco a poco, sin embargo, Whannell aumenta la tensión con atención, y su principal vehículo para eso es Cecilia, cuyos momentos de lucidez e intención positiva se ven cada vez más dominados por grados de desorientación y falta de sentido general que recuerdan a algunas heroínas de Hitchcock, especialmente Ingrid Bergman en Notorious. La escritora y directora sabe cómo controlar y espaciar sus revelaciones y sacudidas, cuánto mostrar y cuánto retener, y saca una pieza muy fina de acción de Cecilia siendo atacada y arrojada de un lado a otro de la casa por un asaltante invisible. El desarrollo de este personaje se la luce aún más por esa moraleja de "nadie cree lo que no ha visto", sobretodo cuando se trata de un tema en que, aunque los tiempos siguen cambiando, las diferencias de género y la superioridad de uno sobre otro, siguen afectando la sociedad.

Como era de esperar, las cosas van de mal en peor para la protagonista ya que Adrian, obsesivo y perturbador, juzga astutamente cuándo hacer la vida difícil para alguien a quien supuestamente le importa. Cuando la película comienza a acercarse al punto de las dos horas, la sensación se establece en que tal vez Whannell está estirando su presunción un poco demasiado por su propio bien. Pero es difícil negar su ingenio y talento con los elementos del género y mantener a su audiencia en algún lugar acercándose al borde de su asiento colectivo. 

El diseñador de producción Alex Holmes y la diseñadora de vestuario Emily Seresin están expresamente atentos al estado socioeconómico de sus variados personajes, mientras que Benjamin Wallfisch hace una gran contribución con su composición musical.

The Invisible Man se hizo claramente con un presupuesto, pero cuando le das la mayor importancia al guión y a los actores, los espectadores lo sentirán y no saldrán solo recordando las partes aterradoras. Colocar a un artista tan hábil e ingenioso como Moss en el centro de las cosas le da a una pieza como esta un buen comienzo; tan estresada y angustiada, como Cecilia está la mayor parte del tiempo, Moss proporciona un núcleo de fuerza interior que invita a invertir en sus habilidades y, en última instancia, en creer en su supervivencia. 

Crítica Cinéfila: Don't Let Go

Un policía recibe la peor noticia posible: toda su familia ha fallecido, presumiblemente a manos de un asesino. De forma misteriosa, el agente recibe una llamada de una de las víctimas: su sobrina. Este duda sobre si se ha vuelto loco o está viendo un fantasma. El agente acabará teniendo experiencias con viajes en el tiempo que le harán descubrir la verdad y reescribir la historia.

Los viajes en el tiempo pueden ser muy confusos si no tienen una ciencia tras ellos, pero hay historias que no lo ameritan. Que no es necesario entender lo que ocurre para realmente creérselo. El guión de Jacob Estes, Don't Let Go, es una experiencia entre el pasado y el presente que se unen con el plan de cambiar el futuro de sus personajes.

Don't let Go podría es un thriller de viaje en el tiempo bastante interesante, pero se convierte en algo más por la relación realmente maravillosa entre sus dos protagonistas. David Oyelowo interpreta a Jack, un detective de policía de Los Ángeles que actúa como un padre sustituto para su sobrina Ashley (Storm Reid). Los padres de Ashley, particularmente el hermano de Jack, Garrett (Brian Tyree Henry), no siempre están cerca, y Ashley y Jack tienen una relación especial por eso. Así que es especialmente devastador cuando Jack recibe una llamada aterrorizada de Ashley y llega a su casa para encontrarla a ella y a sus padres muertos en lo que parece ser un impactante asesinato-suicidio.

Parece un spoiler gigante, lo sé, pero ese es solo los primeros 10 minutos de la película... quizás menos. Unos días más tarde, Jack recibe una llamada del teléfono de su sobrina, y una vez que lo supera, se da cuenta de que Ashley realmente llama en lo que sería unos días antes de su asesinato. El actual Jack mantiene comunicación con la Ashley del pasado, con la esperanza de resolver el misterio de su muerte y prevenir la tragedia antes de que ocurra.

Don't Let Go no pierde mucho tiempo tratando de convencer a Jack, o a la audiencia, de las reglas de este universo, y aunque, por un lado, eso significa que esas reglas están mal definidas, también es bastante refrescante ver una película "sobrenatural" que no pasa una cuarta parte de su tiempo de pantalla con el héroe diciendo: “¿Cómo podría ser esto posible? Me estoy volviendo loco!” y simplemente utiliza esta situación a su ventaja. El misterio de lo que le sucedió a Ashley y a sus padres sería un thriller de conspiración convincente, incluso si no hubiera un elemento de los saltos en el tiempo involucrado, pero esta perspectiva agrega mucha intriga y apoya a la temática para poder llegar al fin de muchas preguntas en la relación de Jack y Ashley, y lo que realmente llevó a que hubiese un baño de sangre desde las primeras escenas.

Desafortunadamente, la película sufre de una dirección desigual y una edición confusa. Con el objetivo de crear la "sensación del presente cambiando por el nuevo pasado, lo hacen ver desde el punto de vista del protagonista, pero el efecto se siente fuera de lugar, como si no perteneciere al estilo de la película. 

Por otro lado, el guión se tambalea por momentos. Es el tipo de trama en el que el detective que resuelve un caso terriblemente personal con ayuda de un aspecto sobrenatural, que podría o debería avanzar a un ritmo más acelerado y, en cambio, tiene momentos flojos. Pierde algo de impulso por el gran clímax, y la película carece de interés visual, se siente como el tipo de películas que debería estar transmitiéndose en streaming.

Pero esto importa poco gracias a los momentos en que Oyelowo y Reid estén "juntos", aunque se pasan gran parte de la película filmada por separado, solo conectados por sus llamadas telefónicas, y cuando finalmente están uno frente al otro, son momentos tan emotivos que hasta hacen que uno se olvide el tipo de película o el conflicto que la trama sigue. Pero, aún así, nunca se sienten a distancia: ambos son tan buenos en sus roles que creemos en ellos como "juntos", incluso cuando no lo son. Antes de que surja cualquier drama, Don't Let Go otorga muchas razones para preocuparnos por su relación, mostrándonos a Jack recogiendo a Ashley cuando su padre se olvida de ella, llevándola a un restaurante donde obviamente han pasado varios momentos juntos, mostrándonos pequeños rituales que comparten e invirtiéndonos por completo en esta dinámica. Entonces, cuando esa relación está en juego, realmente les importa a todos. Queremos tanto que estos dos estén bien, que este vínculo especial está protegido a toda costa. Una vez que la película mantiene esta química con vida, todo lo demás cae en su lugar.

Reforzado por grandes actuaciones de apoyo de Alfred Molina y Mykelti Williamson, es un thriller de alto concepto que sabiamente coloca a sus personajes por encima de su concepto, y funciona mucho mejor por ello.