Crítica Cinéfila: The Piano Lesson

La batalla entre un hermano y una hermana por un preciado piano heredado desata verdades inquietantes sobre cómo se percibe el pasado y quién define el legado familiar. 

En el debut de Malcolm Washington, una adaptación reverencial de "The Piano Lesson" de August Wilson producida por su padre Denzel Washington, la actriz Danielle Deadwyler es el centro alrededor del cual giran todas las demás actuaciones. En el papel de Berniece, la coprotagonista devota y sensata del vigorizante drama de Wilson sobre el trauma generacional y la herencia, como en muchos otros, Deadwyler se somete por completo a la voluntad de su personaje; se mete en su piel con una tranquila facilidad y, una vez unida, encuentra y revela su verdad. Los resultados suelen ser electrizantes.

Con Berniece, Deadwyler evoca una fuerza que vincula la obra de Wilson de 1987, la cuarta del Ciclo del Siglo del escritor, con su fuente. En entrevistas, Wilson citó como inspiración la litografía en color homónima de Romare Bearden de 1983. En esa imagen, un profesor de música mira por encima del hombro de una alumna que toca el piano. Sus ojos transmiten un alto nivel de concentración con indicios de melancolía. Tocar parece a la vez un acto de deber y de placer. ¿Qué hay de su relación? ¿Quiénes son estas personas entre sí? Wilson las imaginó como madre e hija y "The Piano Lesson" crea las condiciones que podrían haber conducido a ese momento y haber surgido de él. En la adaptación de Washington, Berniece, cuando finalmente se sienta al piano, tiene una mirada similar de intensa concentración, como si se convirtiera en madre e hija a la vez.

Sin embargo, antes de que ocurra cualquier transformación, Washington ofrece una historia de fondo. "The Piano Lesson" comienza el 4 de julio de 1911. Mientras una familia blanca se reúne en el jardín para ver los fuegos artificiales, un trío de hombres negros trabaja en las sombras para llevarse un piano de una casa. El instrumento es una obra de arte: grabado en los paneles superiores hay un tríptico que representa la historia de la familia Charles. Los retratos de una madre y un hijo flanquean la imagen central, que está poblada de antepasados ​​significativos y sus hitos. Veinticinco años después, en el verano de 1936, el piano se encuentra intacto en la casa de Doaker Charles (Samuel L. Jackson), donde su sobrina Berniece vive con su hija, Maretha (Skylar Smith).

Nadie ha pensado seriamente en el piano desde hace tiempo, hasta que el sobrino de Doaker, Boy Willie (John David Washington), regresa a Pittsburgh con un nuevo plan. Quiere vender el piano para poder comprar parte de la plantación de la familia Sutter en Mississippi. La compra sería un acto de arraigo y recuperación. La familia Sutter esclavizó a la familia Charles y desarrolló una separación violenta vendiendo a miembros de la familia para comprar el piano. Si Boy Willie pudiera poseer parte de la tierra, podría volver a inscribirla, convirtiendo un lugar de terror en uno de prosperidad personal. Cuando llega a Pittsburgh con su amigo Lymon (Ray Fisher), irrumpe en la casa de los Charles entusiasmado con su plan.

Pero Berniece no quiere vender el piano. Todavía está resentida con Boy Willie por la muerte de su esposo Crawley (Matrell Smith) y ve a su hermano como un hombre que habla y da problemas. La obra narra las tensiones entre los hermanos mientras debaten el futuro de su única reliquia familiar. Para Berniece, el instrumento representa los años más solitarios con su madre, que nunca se recuperó de la angustia después de que los Sutter asesinaran al padre de Boy Willie y Berniece por robar el piano. Boy Willie solo puede considerar el piano en términos de pérdida y recuerdos dolorosos. Mejor venderlo y crear algo nuevo.

Washington resalta las diferencias entre la relación de Berniece y Boy Willie con el piano con flashbacks a la infancia de ambos. Estas son algunas de las pocas escenas en las que el director se relaja y se deshace de la postura obediente que puede surgir al adaptar un texto canónico. El director también intenta hacer más cambios, y algunos tienen más éxito que otros. Acentúa las notas espirituales y sobrenaturales de la obra de Wilson. Los elementos del realismo mágico aparecen de forma más prominente cerca del final, y cuando funcionan es en gran parte gracias a Deadwyler. La actriz planta las semillas para el encuentro crucial y culminante de su personaje con el piano desde el momento en que Berniece ve a Boy Willie. Su personaje es una visión de fuerza maternal y responsabilidad fraternal, pero Deadwyler busca y se deleita en sentimientos más confusos como la rabia, la tristeza y la vulnerabilidad.

Otras interpretaciones se ven realzadas por la Berniece de Deadwyler, que se encuentra continuamente en desacuerdo con un grupo de hombres aparentemente indiferentes a la difícil situación de las mujeres Charles. Es una versión de "The Piano Lesson" que partiera de su perspectiva y avanzara hacia afuera, considerando el hilo maternal con tanta urgencia como el paternal. La dirección desigual de Washington parece más segura cuando observa a los hombres, vinculando sus represiones enredadas actuales con los traumas violentos y racistas de su pasado. Escenas como aquella en la que Doaker, Boy Willie, Lymon y Wining Boy (un excelente Michael Potts) intercambian historias sobre su tiempo en la Granja de la Prisión de Parchman capturan la catarsis emocional de un tipo particular de comunión.

Washington (actor e igualmente hijo de Denzel) ofrece una interpretación sólida del personaje Boy Willie, un personaje cuya energía y habla rápida ocultan capas de dolor. Está sintonizado con las payasadas de este personaje astuto y canaliza con confianza su hambre de ganar dinero rápido, pero es menos convincente cuando se le pide que se ponga a tono con registros más sutiles.

Aun así, Deadwyler y Washington se complementan bien. Sus actuaciones son particularmente dinámicas cuando Boy Willie y Berniece negocian los detalles del legado familiar. En una escena sorprendente, la estruendosa banda sonora de Alexandre Desplat resalta lo que está en juego en estas peleas verbales. También hay que reconocerle el mérito a Corey Hawkins, que brilla como Avery, el predicador que corteja a Berniece y tiene la tarea de expulsar a los fantasmas de la casa de los Charles.

Está claro que Washington se toma muy en serio la tarea de adaptar a Wilson, y hay mucho que admirar en "The Piano Lesson". El director ha reunido un reparto sólido, cuyas actuaciones comprometidas hacen justicia al famoso drama del dramaturgo. Pero la tarea también puede ser limitante, y hay momentos en los que es demasiado fiel y lucha por sacudirse el espectro del escenario.  

Crítica Cinéfila: The Color Purple

En 1909, Celie, una chica negra norteamericana, es entregada en matrimonio por su maltratador padre a un granjero local, Albert, que la trata con crueldad. Celie es temerosa de Dios y su liberación llega en forma de una cantante de jazz. 

Para una historia tan llena de trauma y dolor (violencia, sufrimiento, racismo, secuestro de niños, abuso conyugal), la segunda adaptación cinematográfica de la novela de Alice Walker ganadora del Premio Pulitzer de 1982, "El color púrpura", es una experiencia sorprendentemente alegre y satisfactoria. La conclusión predominante son sus temas resonantes de espiritualidad, autodescubrimiento, redención y resiliencia. Basada en el musical de Broadway de 2005 que fue revivido con gran éxito 10 años después, la producción marca un paso seguro hacia un lienzo mucho más grande para el artista multimedia Blitz Bazawule. Hace un guiño elegante a la huella de la película de Steven Spielberg de 1985 mientras forja vigorosamente su propia identidad.

El musical teatral presenta canciones de Brenda Russell, Allee Willis y Stephen Bray y un libro de Marsha Norman, que acredita tanto la novela de Walker como el guión de Menno Meyjes para la película de Spielberg como material fuente. El dramaturgo Marcus Gardley escribió la última adaptación, que se mantiene fiel a las versiones anteriores de la historia y a su retrato indeleble de las vidas de las mujeres negras en el sur rural de principios del siglo XX. Donde podría decirse que esta nueva película gana en complejidad es en su mayor comprensión de los personajes masculinos clave y la viveza con la que da forma al entorno en torno a la importancia de la cultura popular, la música y la fe.

Fantasia Barrino asumió el papel principal de Celie en el segundo año de la presentación original del programa en Broadway. Ella demostró ser no sólo una vocalista potente sino también una actriz instintiva, aprovechando con ternura y vulnerabilidad lo que parecía una fuerte conexión personal con la historia. Su actuación fue cruda y real, colocando a Celie más firmemente en el centro emocional de un musical en el que la protagonista pasa mucho tiempo como una figura pasiva al margen. Ese es uno de los riesgos inherentes de tener personajes secundarios que roban escenas como la indomable Sofía y el extravagante cantante de juke-joint Shug Avery.

En un impresionante debut cinematográfico dramático, Barrino hace un conmovedor viaje del surgimiento de Celie, de las dificultades y la opresión a la independencia, su orgullosa autoestima y su amor desbordante. Incluso si la película de Bazawule vuelve a tomarse su tiempo para centrar a Celie en su propia narrativa, pocos se quejarán cuando comparta la atención con la maravillosa Danielle Brooks, una fuerza titánica que retoma el papel de Sofía que interpretó en Broadway en la reposición de 2015; y con una igualmente divina Taraji P. Henson, que muestra un carisma indescriptible, una musicalidad exultante y un glamour estridente al nivel que Shug lo requiere.

Como Mister, el marido que adquiere a Celie por el precio de una vaca y un par de huevos y luego la trata como a un caballo de batalla que golpea a su voluntad, Colman Domingo es adecuadamente despreciable. Pero también es un hombre dañado que heredó los peores rasgos de su padre dominante y mezquino (Louis Gossett Jr.). No puede estar con Shug, la mujer que ama de verdad, que va y viene de su vida cuando le place y está destinada a seguir siendo esquiva. Domingo localiza un anhelo inarticulado debajo del quebrantamiento de Mister que hace que su eventual expiación sea creíble y conmovedora.

El hijo de Mister, Harpo, también adquiere más matices en la caracterización de Corey Hawkins, sin mencionar que se basa en el trabajo del actor de "In the Heights" que pone en más evidencia sus habilidades para cantar y bailar. Impulsado por su corazón y no por los condicionamientos sociales de su educación, Harpo parece decidido a romper el ciclo de los hombres regidos por su dureza. Tropieza gravemente y se arrepiente al instante al sucumbir a nociones anticuadas sobre cómo mantener a raya a su luchadora esposa Sofía. Pero hasta ese error de juicio, que provocó la estruendosa negativa de Brooks a dejarse subyugar en una de las canciones más destacadas, "Hell No!" — su matrimonio es el feliz opuesto de la unión sin amor que tienen su padre y Celie.

Bazawule y Nick Baxter han escrito una nueva canción para Harpo, “Workin'”, interpretada mientras construían el local de música junto al pantano que lo encamina en su camino empresarial. La marcada diferencia entre Mister y su hijo mayor se resume con humor cuando Harpo y los hombres de su equipo de construcción son dejados de lado mientras Sofia y las mujeres toman el control. Esa canción casi desechable, como muchos de los interludios musicales, es impulsada por la enérgica coreografía de Fatima Robinson en un número de producción sólido. Si hay un defecto persistente en el enfoque de Bazawule hacia el material, es la sensación desde el principio de que no todas las canciones necesitan ser tan grandes.

Hay un espectáculo innegable en los feligreses arremolinados que se dirigen al servicio dominical, una cuadrilla de percusivos blandiendo picos, un grupo de mujeres lavando ropa contra la cortina de una cascada (estas últimas imágenes evocadas de la imaginación de Celie) o el júbilo general de “Shug Avery Comin' to town." Pero la película podría haberse beneficiado de la colocación anterior de una o dos baladas íntimas, particularmente en términos de acceso emocional a una protagonista que, por diseño narrativo, tarda mucho en encontrar su voz.

El florecimiento estilístico de Celie imaginándose a sí misma y a Shug en un tocadiscos de gramófono también parece fuera de sintonía con el resto de la película. Es como si Bazawule no pudiera decidir entre integrar dramáticamente las canciones o desviarse hacia desvíos fantasiosos, una distracción innecesaria que también ocurre a mitad del espectacular tema de Henson, "Push Da Button". El toque del director es más consistente en las escenas dramáticas, donde la narración y las actuaciones son lo suficientemente fuertes como para superar los errores.

Phylicia Pearl Mpasi es conmovedora como la joven Celie, cuyo corazón se abre cuando su adorada hermana menor Nettie (Halle Bailey) es arrancada de su vida. También es un testimonio de la encantadora presencia de Bailey (Nettie es alegre, extrovertida y segura de sí misma en formas que su oprimida hermana puede admirar pero aún no emular) que el anhelo representado por la ausencia de Nettie en la vida de Celie se sienta palpablemente en todo momento.

Esa ausencia se ve mejorada hasta cierto punto por la entrada explosiva de Sofía, cuya actitud de no aceptar nada que Brooks transmite con gusto y dominio naturales. Su contagioso humor y efervescencia hacen que sea aún más aplastante ver al personaje brutalizado por su franqueza con la condescendiente esposa del alcalde (Elizabeth Marvel). Aún así, incluso si Sofía queda deprimida durante gran parte de la historia, la radiante actuación de Brooks es una de las principales fuentes de la ligereza de la película, atravesando constantemente como rayos de sol a través de las nubes.

La otra persona que abre los ojos hipnotizados de Celie a un modelo diferente de feminidad dueña de sí misma es Shug, quien captura su imaginación incluso antes de conocerse, a partir de una fotografía enmarcada que Mister guarda junto a su cama. Henson convierte a Shug en un faro de calidez y vitalidad sensual, incluso cuando aparece en la casa de Mister necesitando secarse después de una borrachera. Nunca se burla de Celie ni la trata como a una inferior, sino que toma bajo su protección a la servil esposa de su amante intermitente con una edificante hermandad, brindándole una felicidad que no ha conocido desde la partida de Nettie. Si bien el elemento lésbico de la relación de la novela de Walker se ha diluido aún más con cada recuento, no se borra del todo, y el dúo rapsódico de Barrino y Henson en "What About Love?" es un punto de inflexión emocional cuando la esperanza comienza a iluminar la vida de Celie.

Las señales de su emancipación están escritas en gran medida, primero en una conmovedora reescenificación de la clásica escena de la comida familiar en la que finalmente se enfrenta a Mister. Para entonces, todos los presentes en el público compartirán la indignación de Celie, su recién adquirida autoridad y el derecho que Dios les ha concedido a exigir retribución, interpretada con fuego formidable por Barrino y reproducida con humor salado por Brooks mientras Sofía más o menos regresa de la muerte.

Shug también celebra la liberación de Celie una vez que sale de la bota de Mister en Memphis, rindiendo un cariñoso homenaje cantando “Miss Celie’s Blues (Sister)”, una de las melodías de Jones heredadas de la película de Spielberg. El otro es "Maybe God is Tryin’ to Tell You Somethin’", un himno que marca el final del exilio de Shug como una "mujer suelta" marginada y su renovada aceptación por parte de su padre predicador (David Alan Grier). Los atuendos de la vestuarista Francine Jamison-Tanchuck para Shug son deslumbrantes, particularmente el impresionante conjunto rojo que usa para su debut como atracción estrella en Harpo's, haciendo una gran entrada en barco.

Cualquiera que aprecie el estilo disfrutará con los pantalones de cintura alta de los años 40, utilizados como símbolo de autorrealización triunfante femenina, y el excelente trabajo de Jamison-Tanchuck resulta especialmente vibrante una vez que el negocio de sastrería de Celie despega. “Miss Celie's Pants” es un número de producción exuberante donde la gran energía se siente totalmente ganada. A partir de ahí, Barrino navega por la transición hacia la independencia y la orgullosa autoestima con un sentimiento de éxtasis en "I'm Here". Ella interpreta la gran versión de la canción directamente ante la cámara, lo que le permite a Celie tomar posesión decisiva de su historia y hacer la transición a un acto final que se convierte en una declaración total de gratitud y elogio.

Si bien Bazawule y sus compañeros productores musicales ejecutivos Baxter y Bray honran la mezcla estilística del musical de gospel, pop, R&B, blues, jazz y melodías de espectáculos de Broadway, también hay un bienvenido sabor contemporáneo en algunos de los números aquí, en particular “Keep It Movin'” dirigido por la joven Nettie de Bailey con una voz preciosa.

Además de Grier, Gossett y Marvel, el casting de lujo, incluso para papeles menores, incluye a Ciara interviniendo para una breve aparición como la Nettie adulta; Gabriella Wilson, también conocida como HER, como Squeak, la novia de Harpo; Aunjanue Ellis-Taylor (tan intensamente conmovedora en Origin de Ava DuVernay) como la madre de Celie en flashbacks; y Jon Batiste, luciendo fabuloso con trajes elegantes como Grady, el elegante esposo de Shug.

La experiencia de Bazawule como artista con múltiples guiones (anteriormente codirigió el álbum visual de Beyoncé "Black Is King", hizo su debut cinematográfico en 2019 con la fábula afrofuturista con buenas críticas "The Burial of Kojo" y también actúa como artista de grabación de hip-hop "Blitz the Ambassador") garantiza que la película no sólo suene genial sino que también luzca suntuosa. El uso de la luz y el color en la cinematografía de Dan Laustsen es cautivador, y el diseño de producción de época de Paul Denham Austerberry añade un atractivo toque de magia teatral a escenarios auténticos. Las características de la ubicación, como una playa de Georgia con enormes marañas esculturales de madera flotante o árboles cubiertos de musgo español, son hermosas.

Es prácticamente imposible resistirse a la explosiva recuperación de la vida en las enormemente satisfactorias escenas finales de la película, que deberían cumplir el doble objetivo de reinventar "The Color Purple" para una nueva audiencia y, al mismo tiempo, darle un brillo fresco y brillante a la historia para la generación que creció con la versión de Spielberg.

Crítica Cinéfila: The Last Voyage of the Demeter

Basado en un solo capítulo, el Captain's Log, de la clásica novela Drácula de 1897 de Bram Stoker, la historia se desarrolla a bordo de la goleta rusa Demeter, que fue fletada para transportar carga privada (veinticuatro cajas de madera sin marcar) desde Carpatia a Londres. La película detallará los extraños eventos que acontecieron a la tripulación condenada mientras intentan sobrevivir al viaje por el océano, acechados cada noche por una aterradora presencia a bordo del barco. Cuando finalmente llegó cerca del puerto de Whitby, estaba totalmente en ruinas. No había rastro de la tripulación.

Hay una fuerza aterradora en el centro de "The Last Voyage of the Demeter" del director André Øvredal. No son los peligros inherentes de estar atrapado en un bote sin ayuda que se encuentran en las millas y millas de mar abierto que lo rodean. Ni siquiera proviene de la notable fisicalidad de la leyenda del actor Javier Botet , quien asume el papel del mismísimo Drácula. Aún con toda su promesa, es algo aún más espeluznante lo que viene a definir la experiencia: la banalidad. Es una banalidad que extrae la vida de la brutalidad de pesadilla que acecha debajo y deja a su elenco varado con poco para guiarlos. Hacen lo mejor que pueden, con Corey Hawkins especialmente, trayendo seriedad a un papel principal largamente atrasado, y hay una cantidad encomiable de oscuridad de la que la película no rehuye. Sin embargo, cuanto más se eleva a la luz, más comienza a arder y desmoronarse ante sí. Se pueden encontrar emociones, pero gran parte de la película se hace innecesariamente a la deriva mientras se precipita hacia su destino final.

Ampliando un solo capítulo de la novela de 1897 de Bram Stoker, la película comienza propiamente con un barco cargando con un cargamento misterioso y buscando manos adicionales para el próximo viaje. Hay un elemento casi cómico en la frecuencia con la que la película muestra signos de aprensión, con un personaje secundario tras otro prácticamente gritando que el mal está a punto de ser llevado a bordo del barco, prediciendo sin rodeos no solo los peligros que consumirán la historia una vez que se ponga en marcha, sino también también la repetición a menudo aburrida en cómo explora esto. 

Lo que inicialmente mantiene unido este comienzo son los actores que, sin exagerar nunca sus papeles, se sienten dinámicos de una manera que la película en sí no lo es. El observador doctor Clemens (Hawkins) inicialmente es pasado por alto a pesar de sus claras calificaciones, aunque finalmente demuestra su aplomo bajo presión cuando salva a un niño de ser aplastado por una caja enorme. La protección que hace sobre Toby (Woody Norman de la encantadora película de 2021 C'mon C'mon), se gana el cariño del Capitán Eliot, interpretado por un maravillosamente brusco Liam Cunningham de Game of Thrones, y le consigue el pasaje. Esto ocurre a pesar de las objeciones iniciales del sucesor de Eliot, Wojcheck (interpretado por el siempre encantador David Dastmalchian de "The Boogeyman" de este año), quien todavía no puede ir en contra de su Capitán. Con el escenario suficientemente preparado, la película comienza su vacilante viaje hacia un horror cuya mayor revelación es cuán esporádico y extrañamente lento es todo cuanto más avanza.

Después de ser presentado a algunos otros personajes, la mayoría de los cuales se desvanecerán en un segundo plano hasta que se le presente a Drácula, la película comienza a establecer algunas de sus reglas. Muchos de estos serán bastante básicos para cualquiera que tenga una familiaridad mínima con los vampiros y la película se basa en su escenario para proporcionar un pequeño giro en la fórmula. 

Nos establecen en varias ocasiones de que todos los personajes pueden comunicarse golpeando el barco y que el eco se escuchará en todos sus huesos. Cuando Drácula comienza a usar esta información para meterse con ellos, convirtiéndolo en el juego de toc-toc más mortal de la historia, la película comienza a encontrar algo más divertido en lo que hincarle el diente. No son solo las muertes, que son apropiadamente espantosas incluso si tienen una tensión extrañamente ligera, pero el trasfondo más lúdico que opera debajo de él. Drácula no es un monstruo sin sentido y verlo jugar con su comida es muy divertido.

Cuando el vampiro adopta un tono burlón justo antes de despachar sin piedad a los miembros de la tripulación, podemos vislumbrar lo que podría haber sido una experiencia más mordaz. Desafortunadamente, la película no es tan genuinamente aterradora y, a menudo, recurre a algunos trucos cansados ​​​​para proporcionar una ilusión poco convincente de ser así. Un momento en el que un personaje agarra el hombro de otro es el tipo de "jumpscare" que hubiese sido eficaz si hubiera dejado de usarse en gran medida y por una buena razón. 

Donde otras magistrales películas de terror recientes desafían la gramática visual de cómo el miedo puede apoderarse de nosotros, "The Last Voyage of the Demeter" se inclina hacia el reciclaje de memoria y, como resultado, desinfla su pavor. Es más violento que "Scary Stories to Tell in the Dark" de Øvredal, aunque menos que "The Autopsy of Jane Doe", ya que limita demasiado los estallidos de derramamiento de sangre. Estos pueden ser alegremente blandos y brutales, empujando las cosas más allá de lo que harían la mayoría de las películas de terror convencionales, aunque sigue habiendo un techo que no está dispuesto a romper.

Donde esto comienza a pasar de ser simplemente decepcionante a francamente frustrante en términos de escritura es en el desarrollo de los personajes. Tener un personaje como la misteriosa Anna interpretada por Aisling Franciosi, cuya actuación en la asombrosa película de Jennifer Kent de 2018 "The Nightingale" sigue siendo una de las mejores de la historia reciente y reducirla a ser poco más que una forma de exponer es un error. Parte de esto proviene del hecho de que ella es una polizona que pasa una gran parte de la película inconsciente después de que el equipo la descubre, pero no tiene mucho con qué trabajar, incluso cuando se despierta. A pesar de ello, Franciosi nos obliga a prestar atención a través de la fuerza de su interpretación. La primera vez que habla y vemos el miedo en sus ojos es más llamativo que muchas de las escenas más elaboradas definidas por su espectáculo sangriento. Incluso algunas de sus escenas finales que recuerdan a la serie "Midnight Mass", aunque inmerecidas en términos del poco cuidado que se puso al escribir su personaje, se convierten en algo más por lo magnífica que es como intérprete. Se le asigna un papel desagradecido y de alguna manera se las arregla para trascender sus limitaciones lo suficiente como para enfocarse en cuánto más podría haber sido. Uno solo puede imaginar lo que habría hecho con un personaje multidimensional y cómo podría haberle dado a la película algo más de profundidad emocional. En cambio, recorremos escena tras escena de los personajes tratando de reconstruir lo que está sucediendo frente a sus caras de una manera que comienza a sentirse bastante aburrida en lugar de emocionante.

Cuando llegamos al final, incluso la confrontación culminante se ve socavada por mucho de lo que la precedió. Sin estropear lo que sucede, hay un elemento clave que habría sido mucho más aterrador si la película lo hubiera retenido un momento más. En cambio, estamos un paso por delante de los personajes y no experimentamos el miedo que experimentan cuando la muerte se abalanza sobre ellos. Que la película ha sido catalogada como una “película de terror al estilo Alien” es quizás cierto en un sentido abstracto, pero la ejecución está muy por debajo de eso. Solo hay una falta fundamental de potencia en la experiencia, lo que hace que la provocación final de lo que se siente como una secuela potencial sea más tonta que siniestra. Por todas las formas en que Botet y compañía pusieron su corazón en darle algo de vida, la película se define persistentemente por la muerte no solo de sus personajes, sino también de la creatividad misma.

Crítica Cinéfila: The Tragedy of Macbeth

Un lord escocés es convencido por unas brujas de que se convertirá en el futuro rey de Escocia. 

En los 18 largometrajes que ha realizado con su hermano Ethan, Joel Coen ha demostrado, una y otra vez, ser un director visual como cualquiera del mundo del cine independiente de las últimas cuatro décadas. Wes Anderson podría ser un ejemplo más extremo, pero incluso allí sería difícil imaginar la escuela de la vida como una casa de muñecas de Wes Anderson si no hubiera sido por el ejemplo de los hermanos Coen: la obsesión que siempre han tenido con la representación de una historia meticulosamente organizada, con cada toma enmarcada exactamente así, los escenarios diseñados casi como maquetas, todo el sentido de la colocación y el corte de la cámara y la dinámica espacial creando un enfoque elevado de novela gráfica que, para los Coen, a menudo parece ser la razón principal por la que están haciendo la película. 

Así que no es de extrañar que en “The Tragedy of Macbeth”, una adaptación de la obra de Shakespeare que es la primera salida en solitario de Joel Coen como cineasta, se acerca mucho al material sobretodo en el aspecto visual. La diáfana niebla blanca, el graznido de los pájaros negros, la bruja que parece una depravada Juana de Arco, todo tiene la claridad extasiada de una pesadilla. La sorpresa, al menos para mí, es lo sensual, ingeniosa, expresiva y envolvente que son las imágenes de la película.

“The Tragedy of Macbeth” fue filmada en blanco y negro. Y así como esa forma evoca un mundo más antiguo de la realización de películas, las imágenes de Coen, creadas en colaboración con el director de fotografía Bruno Delbonnel y el diseñador de producción Stefan Dechant, te hacen sentir como si estuvieras diambulando. Pero en “Macbeth”, Coen no solo se hace eco de la apariencia de las películas antiguas. Se hace eco de la atmósfera, el espíritu debajo de la mirada: la psicología del claroscuro, con sombras que bailan alrededor de escenarios de castillos que parecen sacados de un cuento de hadas, y espacios sellados que se ciernen donde un rayo de luz puede reflejar el estado de ánimo de un personaje. 

En diferentes momentos, el aspecto de “The Tragedy of Macbeth” recordará un sedoso y ominoso cine negro. En su estilo austero de tablero de ajedrez, las imágenes son hermosas, adecuadas para enmarcar las intenciones detrás de los personajes, pero si la película fuera solo una versión glorificada de Shakespeare en un libro de mesa de café, habría pocas razones para preocuparse. Coen usa las imágenes para crear una sensación cinematográfica intensificada: la sensación de un universo cinematográfico "cerrado", un espacio cinematográfico que se convierte en un laberinto de la mente, así como un patio de recreo moral-emocional para la audiencia. En este caso, un parque infantil salpicado de sangre.

La sensación de que este “Macbeth” tiene lugar en espacios cubiertos, incluso cuando se desarrolla al aire libre, lo acerca a la era del sistema de estudio; también lo sitúa en un ámbito híbrido justo en la frontera entre el cine y el teatro. La película se rodó en platós, lo que le da cierta cualidad hermética, pero me pareció fascinante encajar con Shakespeare, cuyo artificio tiende a sobresalir demasiado en un escenario natural. 

Si lo desea, puede ver el personaje de Macbeth como un hombre cuya ambición lo convierte en un monstruo, pero Denzel Washington, con el pelo muy corto y canoso que parece fusionarse con el diseño de la película, lo interpreta como un sociable en apariencia. Washington, como actor, siempre ha sido un recitador; apenas necesita a Shakespeare para mostrar ese lado de sí mismo. En “The Tragedy of Macbeth”, sin embargo, se reduce a sí mismo, encontrando un espíritu más suave y furtivo en el gusano interior de la malevolencia de Macbeth. Esta es una película en la que dos personajes, Macbeth y Lady Macbeth (Frances McDormand), intentan convertirse en sociópatas, y parte de la tragedia es que fracasan.

Cuando las brujas, encabezadas por la aterradora actuación de Kathryn Hunter, profetizan que Macbeth, regresando triunfante de la guerra contra Noruega e Irlanda, se convertirá en el Thane de Cawdor, y lo hace, planta una semilla en él, seguramente su otra profecía: que él será rey. Al conocer a Duncan (Brendan Gleeson), el rey de Escocia, en una tienda de campaña, vemos el primer indicio de codicia en Macbeth; está ahí en la sonrisa de dolor de Washington cuando Duncan anuncia que su hijo, Malcolm (Harry Melling), será el próximo rey. Pero Washington, que ha dominado el muy raro arte de presentar a Shakespeare como si fuera un discurso coloquial, mantiene los deseos de Macbeth en secreto. Es Lady Macbeth, después de haber hecho una especie de pacto con el diablo, quien lo empuja a asesinar, y cuando camina por un corredor interminable, hablando de la daga que ve frente a él, la escena tiene una sensación de vértigo. Cuando su daga se clava en el cuello de Duncan, lo sentimos atravesar el espejo.

El Macbeth de Washington no es un buen sociópata; se agita y se esfuerza demasiado. Su asesinato de los dos guardias que han sido engañados para parecerse a los asesinos de Duncan es un acto de ansiedad temeraria. Mirándolo en silenciosa recriminación desde abajo, Lady Macbeth de McDormand no puede creer la magnitud del error. No es difícil ver por qué el fantasma de Banquo viene a visitar a Macbeth en medio de una cena: Bertie Carvel imbuye a Banquo de una camaradería cálida y verdadera, convirtiendo su asesinato en un acto grotesco. Ese fantasma es la culpa de Macbeth. Incluso aquí, Washington le da a Macbeth una cualidad de vulnerabilidad a medida que se vuelve más desesperado por cubrir sus huellas. Es aterrador lo familiar que parece su pérdida de perspectiva. En lo más profundo, está regido por una obsesión que es malvada, pero nunca perdemos de vista a la persona que se ha apoderado de ella. Dado que Washington y McDormand tienen más de 60 años, sus intrigas tienen una urgencia hastiada. Esta es literalmente su última puñalada al poder.

Hay buenas actuaciones en todo momento, especialmente de Corey Hawkins como Macduff, quien provoca la mayor indignación por la traición de Macbeth, y McDormand, cuyo discurso sonámbulo representa la recuperación de su humanidad: sabe que no puede lavar la sangre que se ha derramado. Coen ha recortado esta obra ya recortada, y eso fue un movimiento inteligente. Ha hecho un "Macbeth" que seguramente seducirá al público, uno que, a pesar de toda su oscuridad de importancia, es alegre, veloz y embriagador. Te muestra, a través de la empatía irónica convocada por la actuación de Washington, lo rápido que la raza humana puede descarrilarse. Y trae ese drama a un deslumbrante enfoque profundo.

Crítica Cinéfila: In the Heights

Basado en el musical de Broadway, sigue a un grupo de vecinos del barrio Washington Heights de Nueva York. El principal es Usnavi (Anthony Ramos), el simpático dueño de una bodega, criado por su abuela que sueña con volver algún día a su República Dominicana.

Como dominicana que ha vivido fuera de su país y que mes tras mes anhelaba volver para sentir ese calorsito, sazonsito y ese no-se-qué más que solo sabe dar la media isla, puedo decirles que "In The Heights" me llevó a lugares astrales inigualables. Obviamente, esto tiene mucho que ver por la obsesión profesional que tengo con Lin-Manuel Miranda (gracias a Hamilton y Moana), pero además de su talento incomparable de escribir lo que solo el inmigrante siente, esta película simplemente sabe tocar las teclas correctas para que cualquier latino la vea y diga "oh sí, así mismito yo haría".

Una versión cinematográfica de la primera obra ganadora de un Tony de Miranda, antes de superarse a sí mismo con "Hamilton", "In the Heights" captura el bullicio del buen caribeño, cambiando el multicultural vecindario de Washington Heights en Manhattan con una vertiginosa variedad de estilos de canciones y bailes, desde hip-hop hasta sazones musicales latinos. Las secuencias musicales entretienen mientras logra a la perfección mantener a los distintos personajes principales y sus historias entrelazadas en el medio. La película también ofrece un montón de caras nuevas y talentosas, un empujón más para el queridísimo Anthony Ramos y un recordatorio de que Jimmy Smits es mucho con demasiado. 

El alumno de “Hamilton”, Ramos, interpreta a Usnavi, el afable dueño de una bodega en la esquina interpretada originalmente por Miranda en Broadway. Queriendo una vida mejor para él y su compañero de trabajo y primo, el carismático Sonny (Gregory Diaz IV), Usnavi ha escatimado y ahorrado su dinero para poder regresar a la República Dominicana, incluso cuando tiene un enamoramiento no tan secreto por los locales de la chica de salón Vanessa (Melissa Barrera), una diseñadora de moda empedernida que quiere ascender en el mundo y salir de Washington Heights. Varios otros personajes y situaciones que les suceden, desde un boleto de lotería perdido por valor de $96,000 hasta un apagón que aprieta a la comunidad, hacen que Usnavi reconsidere su decisión de irse de Nueva York.

Kevin (Smits) es dueño del servicio de automóviles al otro lado de la calle donde trabaja el amigo de Usnavi, Benny (Corey Hawkins), cuando la hija de Kevin y el amor de Benny, Nina (Leslie Grace), regresa a casa desde Stanford por el verano, aunque un poco en pesar considerando que va a abandonar la escuela por sentirse excluida. Daniela (Daphne Rubin-Vega) y Carla (Stephanie Beatriz) son compañeras de vida que dirigen el salón, aunque el centro de cotilleo del barrio tiene que mudarse al Bronx, mientras que la Abuela Claudia (Olga Merediz) es la sabia figura materna para todos en la zona. Miranda, que también es productor, tiene un papel pequeño pero divertido como el travieso heladero ambulante de piragua.

El guión de Quiara Alegría Hudes (quien escribió el libreto para el musical teatral) coloca la historia de Usnavi como su trama central de la película, y la fuerte actuación multifacética de Ramos, su simpatía inherente y su sorprendente talento como bailarín -en serio, nos dejó a muchos SORPRENDIDOS- lo mantienen involucrado a través de los altibajos del dueño de la tienda así como el mismo seguimiento que él le da a otras tramas, como la salud de abuela Claudia, la llegada de Nina y el apagón general por las altas temperaturas.

Muchos pensarán que tratar a la mayoría de los personajes como protagonistas crea una falta de concentración a veces, lo que no conduciría a pasar tiempo de calidad con los diversos personajes coloridos y sus relaciones, además de todas las grandes secuencias musicales. Pero pasa todo lo contrario, logrando que en el transcurso de casi dos horas y media hora podamos darle un inicio, nudo y cierre apropiado a cada subtrama que seguimos con tanta pasión y musicalización.

Chu demostró ser bien atento y detallista “Crazy Rich Asians” y aquí hace muchísimo más con una cámara, coreografías creativas y melodías pegadizas, como la escena en la piscina con un baile de rap para la canción "96,000", o el club nocturno donde todos bailan salsa hasta que caen en el apagón para "Fiesta". 

El director también experimenta con la cinematografía: hay una secuencia realmente efectiva desde el principio en la que pone un primer plano en la cara de Usnavi mirando con nostalgia todos los demás personajes desde la ventana de una bodega mientras los artistas lo tocan en el reflejo circundante, y Nina y Benny comparten una gravedad romántica desafiando la danza a lo largo del costado de un edificio.

Todo el que conoce mis gustos cinematográficos sabe que "I'm a sucker for a good musical" y este musical de Lin-Manuel Miranda fue exactamente lo que necesitaba. No rehuye a abordar problemas de racismo e inmigración mientras modela las más hermosas banderas del Caribe; así como yo, los espectadores se verán inmersos en una historia llena de canciones y universalmente identificable sobre perseguir sueños y construir una comunidad, una historia para añorar las costumbres que dejamos atrás y el amor familiar que te da un barrio como este.