En 1909, Celie, una chica negra norteamericana, es entregada en matrimonio por su maltratador padre a un granjero local, Albert, que la trata con crueldad. Celie es temerosa de Dios y su liberación llega en forma de una cantante de jazz.
Para una historia tan llena de trauma y dolor (violencia, sufrimiento, racismo, secuestro de niños, abuso conyugal), la segunda adaptación cinematográfica de la novela de Alice Walker ganadora del Premio Pulitzer de 1982, "El color púrpura", es una experiencia sorprendentemente alegre y satisfactoria. La conclusión predominante son sus temas resonantes de espiritualidad, autodescubrimiento, redención y resiliencia. Basada en el musical de Broadway de 2005 que fue revivido con gran éxito 10 años después, la producción marca un paso seguro hacia un lienzo mucho más grande para el artista multimedia Blitz Bazawule. Hace un guiño elegante a la huella de la película de Steven Spielberg de 1985 mientras forja vigorosamente su propia identidad.
El musical teatral presenta canciones de Brenda Russell, Allee Willis y Stephen Bray y un libro de Marsha Norman, que acredita tanto la novela de Walker como el guión de Menno Meyjes para la película de Spielberg como material fuente. El dramaturgo Marcus Gardley escribió la última adaptación, que se mantiene fiel a las versiones anteriores de la historia y a su retrato indeleble de las vidas de las mujeres negras en el sur rural de principios del siglo XX. Donde podría decirse que esta nueva película gana en complejidad es en su mayor comprensión de los personajes masculinos clave y la viveza con la que da forma al entorno en torno a la importancia de la cultura popular, la música y la fe.
Fantasia Barrino asumió el papel principal de Celie en el segundo año de la presentación original del programa en Broadway. Ella demostró ser no sólo una vocalista potente sino también una actriz instintiva, aprovechando con ternura y vulnerabilidad lo que parecía una fuerte conexión personal con la historia. Su actuación fue cruda y real, colocando a Celie más firmemente en el centro emocional de un musical en el que la protagonista pasa mucho tiempo como una figura pasiva al margen. Ese es uno de los riesgos inherentes de tener personajes secundarios que roban escenas como la indomable Sofía y el extravagante cantante de juke-joint Shug Avery.
En un impresionante debut cinematográfico dramático, Barrino hace un conmovedor viaje del surgimiento de Celie, de las dificultades y la opresión a la independencia, su orgullosa autoestima y su amor desbordante. Incluso si la película de Bazawule vuelve a tomarse su tiempo para centrar a Celie en su propia narrativa, pocos se quejarán cuando comparta la atención con la maravillosa Danielle Brooks, una fuerza titánica que retoma el papel de Sofía que interpretó en Broadway en la reposición de 2015; y con una igualmente divina Taraji P. Henson, que muestra un carisma indescriptible, una musicalidad exultante y un glamour estridente al nivel que Shug lo requiere.
El hijo de Mister, Harpo, también adquiere más matices en la caracterización de Corey Hawkins, sin mencionar que se basa en el trabajo del actor de "In the Heights" que pone en más evidencia sus habilidades para cantar y bailar. Impulsado por su corazón y no por los condicionamientos sociales de su educación, Harpo parece decidido a romper el ciclo de los hombres regidos por su dureza. Tropieza gravemente y se arrepiente al instante al sucumbir a nociones anticuadas sobre cómo mantener a raya a su luchadora esposa Sofía. Pero hasta ese error de juicio, que provocó la estruendosa negativa de Brooks a dejarse subyugar en una de las canciones más destacadas, "Hell No!" — su matrimonio es el feliz opuesto de la unión sin amor que tienen su padre y Celie.
Bazawule y Nick Baxter han escrito una nueva canción para Harpo, “Workin'”, interpretada mientras construían el local de música junto al pantano que lo encamina en su camino empresarial. La marcada diferencia entre Mister y su hijo mayor se resume con humor cuando Harpo y los hombres de su equipo de construcción son dejados de lado mientras Sofia y las mujeres toman el control. Esa canción casi desechable, como muchos de los interludios musicales, es impulsada por la enérgica coreografía de Fatima Robinson en un número de producción sólido. Si hay un defecto persistente en el enfoque de Bazawule hacia el material, es la sensación desde el principio de que no todas las canciones necesitan ser tan grandes.
Hay un espectáculo innegable en los feligreses arremolinados que se dirigen al servicio dominical, una cuadrilla de percusivos blandiendo picos, un grupo de mujeres lavando ropa contra la cortina de una cascada (estas últimas imágenes evocadas de la imaginación de Celie) o el júbilo general de “Shug Avery Comin' to town." Pero la película podría haberse beneficiado de la colocación anterior de una o dos baladas íntimas, particularmente en términos de acceso emocional a una protagonista que, por diseño narrativo, tarda mucho en encontrar su voz.
El florecimiento estilístico de Celie imaginándose a sí misma y a Shug en un tocadiscos de gramófono también parece fuera de sintonía con el resto de la película. Es como si Bazawule no pudiera decidir entre integrar dramáticamente las canciones o desviarse hacia desvíos fantasiosos, una distracción innecesaria que también ocurre a mitad del espectacular tema de Henson, "Push Da Button". El toque del director es más consistente en las escenas dramáticas, donde la narración y las actuaciones son lo suficientemente fuertes como para superar los errores.
Phylicia Pearl Mpasi es conmovedora como la joven Celie, cuyo corazón se abre cuando su adorada hermana menor Nettie (Halle Bailey) es arrancada de su vida. También es un testimonio de la encantadora presencia de Bailey (Nettie es alegre, extrovertida y segura de sí misma en formas que su oprimida hermana puede admirar pero aún no emular) que el anhelo representado por la ausencia de Nettie en la vida de Celie se sienta palpablemente en todo momento.
La otra persona que abre los ojos hipnotizados de Celie a un modelo diferente de feminidad dueña de sí misma es Shug, quien captura su imaginación incluso antes de conocerse, a partir de una fotografía enmarcada que Mister guarda junto a su cama. Henson convierte a Shug en un faro de calidez y vitalidad sensual, incluso cuando aparece en la casa de Mister necesitando secarse después de una borrachera. Nunca se burla de Celie ni la trata como a una inferior, sino que toma bajo su protección a la servil esposa de su amante intermitente con una edificante hermandad, brindándole una felicidad que no ha conocido desde la partida de Nettie. Si bien el elemento lésbico de la relación de la novela de Walker se ha diluido aún más con cada recuento, no se borra del todo, y el dúo rapsódico de Barrino y Henson en "What About Love?" es un punto de inflexión emocional cuando la esperanza comienza a iluminar la vida de Celie.
Las señales de su emancipación están escritas en gran medida, primero en una conmovedora reescenificación de la clásica escena de la comida familiar en la que finalmente se enfrenta a Mister. Para entonces, todos los presentes en el público compartirán la indignación de Celie, su recién adquirida autoridad y el derecho que Dios les ha concedido a exigir retribución, interpretada con fuego formidable por Barrino y reproducida con humor salado por Brooks mientras Sofía más o menos regresa de la muerte.
Shug también celebra la liberación de Celie una vez que sale de la bota de Mister en Memphis, rindiendo un cariñoso homenaje cantando “Miss Celie’s Blues (Sister)”, una de las melodías de Jones heredadas de la película de Spielberg. El otro es "Maybe God is Tryin’ to Tell You Somethin’", un himno que marca el final del exilio de Shug como una "mujer suelta" marginada y su renovada aceptación por parte de su padre predicador (David Alan Grier). Los atuendos de la vestuarista Francine Jamison-Tanchuck para Shug son deslumbrantes, particularmente el impresionante conjunto rojo que usa para su debut como atracción estrella en Harpo's, haciendo una gran entrada en barco.
Cualquiera que aprecie el estilo disfrutará con los pantalones de cintura alta de los años 40, utilizados como símbolo de autorrealización triunfante femenina, y el excelente trabajo de Jamison-Tanchuck resulta especialmente vibrante una vez que el negocio de sastrería de Celie despega. “Miss Celie's Pants” es un número de producción exuberante donde la gran energía se siente totalmente ganada. A partir de ahí, Barrino navega por la transición hacia la independencia y la orgullosa autoestima con un sentimiento de éxtasis en "I'm Here". Ella interpreta la gran versión de la canción directamente ante la cámara, lo que le permite a Celie tomar posesión decisiva de su historia y hacer la transición a un acto final que se convierte en una declaración total de gratitud y elogio.
Si bien Bazawule y sus compañeros productores musicales ejecutivos Baxter y Bray honran la mezcla estilística del musical de gospel, pop, R&B, blues, jazz y melodías de espectáculos de Broadway, también hay un bienvenido sabor contemporáneo en algunos de los números aquí, en particular “Keep It Movin'” dirigido por la joven Nettie de Bailey con una voz preciosa.
Además de Grier, Gossett y Marvel, el casting de lujo, incluso para papeles menores, incluye a Ciara interviniendo para una breve aparición como la Nettie adulta; Gabriella Wilson, también conocida como HER, como Squeak, la novia de Harpo; Aunjanue Ellis-Taylor (tan intensamente conmovedora en Origin de Ava DuVernay) como la madre de Celie en flashbacks; y Jon Batiste, luciendo fabuloso con trajes elegantes como Grady, el elegante esposo de Shug.
La experiencia de Bazawule como artista con múltiples guiones (anteriormente codirigió el álbum visual de Beyoncé "Black Is King", hizo su debut cinematográfico en 2019 con la fábula afrofuturista con buenas críticas "The Burial of Kojo" y también actúa como artista de grabación de hip-hop "Blitz the Ambassador") garantiza que la película no sólo suene genial sino que también luzca suntuosa. El uso de la luz y el color en la cinematografía de Dan Laustsen es cautivador, y el diseño de producción de época de Paul Denham Austerberry añade un atractivo toque de magia teatral a escenarios auténticos. Las características de la ubicación, como una playa de Georgia con enormes marañas esculturales de madera flotante o árboles cubiertos de musgo español, son hermosas.
Es prácticamente imposible resistirse a la explosiva recuperación de la vida en las enormemente satisfactorias escenas finales de la película, que deberían cumplir el doble objetivo de reinventar "The Color Purple" para una nueva audiencia y, al mismo tiempo, darle un brillo fresco y brillante a la historia para la generación que creció con la versión de Spielberg.
