Crítica Cinéfila: Spider-Man - Across the Spider-Verse

Tras reencontrarse con Gwen Stacy, el amigable vecindario de Spider-Man de Brooklyn al completo es catapultado a través del Multiverso, donde se encuentra con un equipo de Spidermans encargados de proteger su propia existencia. Pero cuando los héroes se enfrentan sobre cómo manejar una nueva amenaza, Miles se encuentra enfrentado a las otras Arañas y debe redefinir lo que significa ser un héroe para poder salvar a la gente que más quiere.

Casi todos los largometrajes animados convencionales (y casi todas las películas de cómics también) establecen un tono y un diseño visual en el que la audiencia se conecta; la película, audaz, brillante e inteligente como puede ser, no se desviará mucho de eso. Pero las imágenes de “ Spider-Man: Across the Spider-Verse” tienen una imprevisibilidad embriagadora. La película te hace sentir como si estuvieras cayendo a través de los pisos de un museo de arte moderno o atravesando las páginas de un compendio de comics animados, pero hay una emocionante lógica de momento a momento en todo. Las imágenes locamente eclécticas expresan algo: una explosión de física cuántica que hace cosquillas en el globo ocular, y un guiño subliminal a algún estilo de cómic de hace décadas que es tan retro y deslumbrante que se siente novedoso. Parece que podría haber sido la primera película diseñada para ganar el visto bueno de Andy Warhol y Stephen Hawking (al mismo tiempo).

O quizás la segunda, ya que “Spider-Man: Into the Spider-Verse” también fue así. Estrenada en 2018, era una película basada en cómics tan vivaz y urgente, con imágenes tan hipnóticas, que dejó a la mayoría de las películas basadas en cómics en el olvido. Una razón para esto se relaciona con una de las locuras menos comentadas de nuestra cultura de películas de cómics, que es que las películas de cómics, o el 98 por ciento de ellas de todos modos, eliminan aspectos como su tono, punto de vista, actitud y efecto de cómics para darle prioridad a la narrativa y efectos visuales. En realidad, son dos formas completamente diferentes de ser una historia sobre comics.

Los cómics son rápidos, concisos y traviesamente inexpresivos, y nunca se sabe lo que traerá el próximo panel. Pero las películas de cómics de los grandes estudios tienden a ser pesadas en la parte superior, punzantes y visualmente grandilocuentes, con arcos rígidamente sobredeterminados. Dentro de eso, muchos de ellos son lo suficientemente divertidos, pero no tienen ningún misterio. 

Uno de los muchos placeres de “Spider-Man: Into the Spider-Verse” fue que, como esta fue la primera película de “Spider-Man” (y una de las únicas películas de la era cinematográfica de Marvel/DC) que fue animada, canalizó el aspecto, el espíritu y la maravilla a sabiendas plana de los cómics. Se basó en el elegante expresionismo del cine negro de las novelas gráficas de los años 90 y aprovechó su breve ingenio.

Pero también fue un festín visual espectacular. Fue la revelación del arte pop animada, con explosiones alucinantes de fallas, y cuando se trataba de representar la materia saliendo de un colisionador, te dejaba más boquiabierto que la secuela más embriagadora de "Avengers". La historia de Miles Morales, un adolescente negro latino de Brooklyn que fue mordido por una araña electromagnética, solo para descubrir que era uno de los muchos Spider-Men (y Spider-Mujeres, sin mencionar Spider-Porky Pigs) en el multiverso de posibilidades, lnos atrapó porque había algo en juego. En la mayoría de las historias de origen, el héroe entiende las cosas razonablemente rápido, pero el resultado de “Spider-Man: Into the Spider-Verse” es que fue desalentador ser el Hombre Araña. Era como literalmente saltar de un acantilado, y luego tenías que seguir saltando cuando no sabías lo que estabas haciendo. Eso se llama drama, algo que la mayoría de las películas de historietas de acción en vivo tienen.  

“Spider-Man: Into the Spider-Verse” puso el listón muy alto, y una de las razones por las que me preguntaba si “Spider-Man: Across the Spider-Verse” podría estar a la altura es que los codirectores de la película original (Bob Persichetti, Peter Ramsey, Rodney Rothman) han regresado solo como productores ejecutivos, reemplazados por otros tres directores (Joaquim Dos Santos, Kemp Powers, Justin K. Thompson). ¿Podría el nuevo trío reproducir esa embriagadora magia mutante del arte pop, esa astuta delicadeza narrativa, esa comprensión de la lógica de adentro hacia afuera de los cómics que parece eludir casi todas las películas de cómics de acción real?

Lo han hecho. “Spider-Man: Across the Spider-Verse” no solo amplía la historia de Miles Morales. La película avanza esa historia hacia nuevos reinos de asombro que la convierten en una genuina pieza espiritual que acompaña a la primera película. Ese nos hizo girar la cabeza y algo más; este nos hace girar la cabeza aún más. La película abre con un preludio diseñado para lanzarnos a la historia de Gwen Stacy (Hailee Steinfeld), la baterista de rock y Spider-Woman de blanco, en imágenes de amplio expresionismo que hacen que la primera película parezca un documental de verdad. Pensamos: ¿Es aquí adonde van? No, solo están jugando. Pero la historia de Gwen pone varios aspectos en juego, ya que su padre, un capitán de policía, culpa (erróneamente) a Spider-Woman por la muerte de Peter Parker. Esta será una película sobre la gravedad de la responsabilidad.

Miles, expresado con una arrogancia creciente por Shameik Moore, ahora es un maestro de la lucha contra el crimen de 15 años de edad en su dominio de Spider-Man de Nueva York, pero a medida que aprendemos, eso es más o menos un guiño. La película nos enreda en un conflicto de telenovela entre Miles y sus padres, Jefferson ( Brian Tyree Henry ) y Rio (Luna Lauren Vélez), quienes aún no tienen idea de que él es Spider-Man y, por lo tanto, encuentran muchos de su comportamientos como erráticos y perturbadores. Se presenta como un mentiroso, un adolescente con problemas ocultos (razón por la cual sus padres lo siguen castigando). Pero ese es el menor de sus problemas.

Aparece un supervillano: The Spot, también conocido como Jonathan Ohnn (Jason Schwartzman), un ex geek de la ciencia que trabajaba para Alchemax y fue mutilado genéticamente por la espectacular implosión del colisionador causada por Miles en la primera película. Ohnn ahora es una figura completamente blanca con manchas de tinta de agujero negro en su cuerpo que resultan ser portales al multiverso. Tiene más poder del que cree y busca venganza. Entre el drama familiar y este némesis lívido que cambia de forma, creemos que nos estamos preparando para un enfrentamiento de cómic convencional; sin embargo, la versión de esta película es mucho más que otro espectáculo de acción de Marvel.

Es más raro, más salvaje y mejor que eso. La película nos da tiempo para deleitarnos con la belleza tranquila de una escena en la que Miles y Gwen se unen, colgados boca abajo, en la cúpula de la Torre del Banco de Ahorros de Williamsburg, o para notar que la textura de la piel de los personajes está salpicada en puntos pixelados de libros de comics. Pero eso es antes de que Miles se sumerja en el multiverso: primero en Mumbai (o en la versión alternativa de ciencia ficción dibujada a mano), donde conoce a varios nuevos Spider-Folks, incluido Spider-Man India (Karan Soni), que es como la estrella de una banda de chicos de 2033; Jessica Drew (Issa Rae), una Spider-Woman imperiosa y embarazada; y, lo más espectacular, Spider-Punk (con la excelente voz de Daniel Kaluuya), un rufián londinense con estilo mohicano que se visualiza con una guitarra colgada de la espalda, como la versión ambulante de la portada del álbum Sex Pistols. La audiencia todavía está en el modo convencional de acuerdo, así que este debe ser el nuevo equipo de superhéroes, incluso cuando los personajes fallan en pinturas cubistas psicodélicas. Pero una vez que el episodio de Mumbai termina con la victoria, Miles es absorbido por el cuartel general de Spider-Man: el centro neurálgico futurista de Spider-Society, donde se reúnen hasta el último Spider-Man, hay cientos de ellos.

La película se divierte mucho con esto, presentando versiones de Spider-Man que son autos, videojuegos, gatos y dinosaurios. Peter Parker de Jake Johnson regresa, ahora con su actuación en conjunto y un Spider-tot a cuestas. Pero si todo esto fuera solo una broma, todo podría colapsar. En cambio, las apuestas aumentan, con el hermano de Spider-Man asumiendo una dimensión más compleja e incluso siniestra. El lugar está dirigido por Miguel O'Hara (Oscar Isaac), el “vampiro ninja” Spider-Man y el único Spider-Man que aparentemente carece de sentido del humor; es una figura ceñida y llena de cicatrices que mantiene el orden sagrado del lugar. Para preservar ese orden, hay historias en el canon de Spider-Man que no se pueden violar, como la muerte del tío Ben. Son como mitologías. Y a medida que el irritable pero amoroso padre de Miles es ascendido al puesto de capitán del Departamento de Policía de Nueva York, se convierte en uno de esos personajes. Miles tendrá que hacer algo muy oscuro para preservar la integridad del Spider-Verse.

Es una situación espinosa y dramáticamente convincente, todo gira en torno a la línea que alguien le dice a Miles: "No hay un libro de jugadas para ser alguien como tú". Eso llega a casa en la vertiginosa secuencia de persecución en la que Miles, perseguido por cientos de Spider-Men demencialmente diversos, intenta escapar del cuartel general de Spider-Man y volver a casa. En la primera película, todavía estaba aprendiendo a balancearse de su red como enredaderas. En este, aprovechando sus poderes de invisibilidad y electrificación, es como si tuviera que convertirse en un gimnasta existencial que opera de acuerdo con las leyes del ajedrez tridimensional. La película nos conecta a un escalón completamente superior de los videojuegos. Para luego dar el verdadero twist.

“Spider-Man: Across the Spider-Verse” termina con un suspenso: la decisión se tomó hace varios años de dividir la secuela en dos. Las series originales de suspenso, las que inspiraron "En busca del arca perdida", te hicieron esperar una semana. En este caso, tenemos que esperar más cerca de un año. Pero la impaciencia que ahora muchos sienten es realmente por la inversión que sintió la audiencia en la historia y en el audiovisual. “Spider-Man: Across the Spider-Verse” ha hecho un pacto con nosotros, uno que es cada vez más raro en el universo del cine pop. Es prometedor que la serie nos mantenga enganchados, en cada fotograma, a la sorpresa. Y el final con el que nos dejan solo garantiza que el espectáculo visual puede evolucionar aún más.

Crítica Cinéfila: Nope

Dos rancheros de un remoto pueblo del interior de California hacen un descubrimiento tan insólito como escalofriante.

Advertencia: esta crítica tiene spoilers sin piedad.

El género de terror no se imaginaba cuánto necesitaba a un cineasta como Jordan Peele. Este visionario creador, un actor de comedia convertido en uno de los mejores directores de su generación, ha creado un nuevo estilo de hacer cine de terror. No solo ha establecido con mucha intención los elementos narrativos de su cinematografía, sino que también le ha dado forma a un subgénero de terror que no estaba tan bien forjado como el resto, como lo es el cine de terror negro. Y su última película NOPE no es una excepción.

La historia comienza con OJ Haywood (Daniel Kaluuya), un entrenador de caballos que ayuda a su padre en el rancho familiar, así como adiestrando caballos para espectáculos de televisión y cine. Pero cuando su padre muere en extrañas circunstancias (un objeto que cae del cielo le atraviesa la cabeza), tiene que aprender a llevar el negocio familiar por sí solo si no quiere perderlo por las grandes deudas que se irán acumulando. 

Meses después de perder a su padre, OJ en compañía ocasional de su hermana Emerald (Keke Palmer) intentan llevar a su caballo Lucky a ser la imagen de un comercial, pero debido a fallas de seguridad, ambos pierden la oportunidad financiera. Los problemas financieros del rancho han obligado a OJ a vender sus caballos a Jupe (Steven Yeun) el dueño de un pequeño pero popular parque temático del Oeste conocido como Jupiter's Claim. Jupe ofrece comprar el rancho de los Haywood, una oferta que Em anima a OJ a aceptar. Pero justo antes de caer en la bancarrota, OJ es testigo de cómo un OVNI hace presencia cerca de su granja. Y al confesarle el suceso a Em, ella no deja de ver una posible oportunidad monetaria. Con tantos videos de mala calidad que exponen la vida extraterrestre, ¿qué tan difícil podría ser captar uno por sí mismos, sobretodo teniéndolo en el patio de su hogar?

Cuando parecía que ya el cine había presentado todo sobre los UFO y OVNIS, Jordan Peele elimina el simple concepto de los seres verdes con cabeza gigantes y ojos redondos. De hecho, ni siquiera se trata de seres inteligentes que vienen a conquistar la tierra como nuevo hogar, ni alienígenas pacíficos que buscan una forma de comunicarse con otra civilización. Se trata de un animal que viene de otro planeta, un depredador sanguinario, que ha encontrado su lugar arriba de esas montañas y atacará a todo aquel que ose molestarle, o que simplemente lo mire.

Hasta ese punto parecería que la historia se trata de dos hermanos en un intento de grabar un OVNI para exponerlo en las redes y ganar dinero por ese video. Pero como toda película de Jordan Peele, es mucho más que eso. Al igual que sus demás historias, existe un aspecto temático de trasfondo que se explora en esta trama. Mientras que Get Out habla sobre un racismo y esclavitud moderna, Us circula alrededor de la lucha de clases, Nope se enfoca en la cultura capitalista y en esa ambición de ganar dinero sin importar lo que se haga para lograrlo. Así es cómo llega a esta lucha entre dos superdepredadores: la bestia alienígena y, el peor de todos, el dinero.

La historia fácilmente pudiese ser un homenaje al cine de Hollywood, gracias a sus referencias visuales tanto a nivel narrativo (Em insiste que su tátara tátara abuelo fue el jinete que aparece en "Placa 626" - la primera imagen en movimiento) como los aspectos técnicos de la cinematografía, la escenografía tan western donde se desarrolla, el vestuario indicativo del staff de rodaje e incluso la escenografía donde se refiere a algunos clásicos del cine western de Hollywood. Incluso pudiese ser un símbolo sobre la cultura de la vigilancia y cómo nadie está a salvo de la exposición detrás de un lente; para los personajes que luchan contra un monstruo gigante del cielo que come seres vivos, pasan una gran cantidad de tiempo principalmente preocupados por filmarlo. Una vez unas desapariciones masivas se dan lugar, ya OJ y Em saben que esto atraerá ojos y lentes curiosos a las tierras áridas de Agua Dulce para dar con el misterio. Y eso significa la exposición de un rico secreto que tienen reservados para sus propios bolsillos. 

Al final, el capitalismo es la temática que engloba ese trasfondo que el cineasta tiene detrás de esta historia. Con frecuencia se nota a los personajes luchando por esta necesidad de querer más: Em quiere más fama y reconocimiento; Jupe quiere más dinero, aún si estas son ganancias en base a sus traumas de su niñez; OJ y su hermana ven estas grabaciones como la clave de no perder el terreno familiar y caer en la bancarrota; hasta la criatura quiere más humanos, aún si esto significa que lo vaya afectando por dentro.

Con un conjunto de otros elementos que redondearon esa famosa fórmula Peele (incluyendo una interesante historia secundaria sobre un chimpancé asesino de un sitcom), Nope se conecta directamente con la temática de dos de las películas clásicas de monstruos de Hollywood, King Kong y Jurassic Park : que el deseo de las masas de espectáculos creíbles, aterradores y emocionantes solo puede terminar en un desastre. Y mientras se vendan las entradas, hay personas como Jupe o el director de fotografía Antlers que felizmente crearán espectáculos mortales (este último, con el final que se le dio parece estar haciendo un reclamo a las fallas de seguridad en set). 

La línea entre la artesanía obsesiva y la creación comercial obsesiva se vuelve casi indistinguible, ya que ambas conducen a los mismos fines violentos. La actitud de cine por encima de la vida de los personajes deja un sabor muy amargo y pone en tela de juicio cada una de sus acciones. El mismo Peele deja un fuerte indicio de la veracidad de esta interpretación en el primer cuadro de la película, que muestra una sombría cita bíblica del profeta Nahum: “Te echaré una inmundicia abominable, te haré vil, te haré un espectáculo”. El monstruo OVNI de Peele, entonces, puede interpretarse como un juicio moral desde lo alto de la obsesión de la humanidad por el dinero y el espectáculo, y como castigo llover sobre ellos suciedad y sangre.

Peele, como ha demostrado una y otra vez, es un maestro de la cinematografía y el cine. Con Nope, vuelve a dejarnos pensando sobre los horrores que la misma humanidad ha provocado, e incluso deja cuestionando a cualquiera de quién realmente es el monstruo de esta historia: ¿la criatura alienígena comehumanos o el ser humano con su gula de autodestrucción?

Temporada de Premios: Ganadores a los Academy Awards 2021

Hollywood está marcando la culminación de una temporada de premios sin precedentes con la 93va entrega de los Premios de la Academia.

En las categorías superiores, Chloé Zhao ganó el premio a Mejor Película y Mejor Dirección por Nomadland, convirtiéndose en la segunda mujer en reclamar ese honor en los Oscar. Yuh-Jung Youn ganó el premio a la mejor actriz de reparto por Minari, convirtiéndose en la primera actriz coreana en ganar un Oscar. Y Daniel Kaluuya reclamó actor de reparto por Judas and the Black Messiah. 

En las categorías del departamento de arte, Ma Rainey's Black Bottom de Netflix ganó tanto por diseño de vestuario como por maquillaje / peinado, y los estilistas Mia Neal y Jamika Wilson se convirtieron en las primeras afroamericanas ganadores del Oscar en esa categoría. 

Netflix lidera todos los estudios con 35 nominaciones, seguido de Amazon con 12, Walt Disney (8), Warner Bros. (8), Focus Features (7), A24 (6), Searchlight (6), Sony Pictures Classics (6), Universal (4), Samuel Goldwyn (3) y Apple (2), entre otras empresas.

La ceremonia del Oscar de este año, que contó con 11 nominados por primera vez, fue producida por Jesse Collins, Stacey Sher y Steven Soderbergh y transmitida parcialmente desde Union Station en el centro de Los Ángeles, así como desde la sede de los premios, el Dolby Theatre.

A continuación está la lista completa de los ganadores de este año:

Best Picture: “Nomadland”

“The Father”

“Judas and the Black Messiah”

“Mank”

“Minari”

“Promising Young Woman”

“Sound of Metal”

“The Trial of the Chicago 7” 

Best Director: Chloé Zhao (“Nomadland”) 

Thomas Vinterberg (“Another Round”)

David Fincher (“Mank”) 

Lee Isaac Chung (“Minari”) 

Emerald Fennell (“Promising Young Woman”) 

Best Actor in a Leading Role: Anthony Hopkins (“The Father”) 

Riz Ahmed (“Sound of Metal”) 

Chadwick Boseman (“Ma Rainey’s Black Bottom”) 

Gary Oldman (“Mank”) 

Steven Yeun (“Minari”) 

Best Actress in a Leading Role: Frances McDormand (“Nomadland”) 

Viola Davis (“Ma Rainey’s Black Bottom”) 

Andra Day (“The United States v. Billie Holiday”) 

Vanessa Kirby (“Pieces of a Woman”) 

Carey Mulligan (“Promising Young Woman”) 

Best Supporting Actor: Daniel Kaluuya (“Judas and the Black Messiah”) 

Sacha Baron Cohen (“The Trial of the Chicago 7”) 

Leslie Odom Jr. (“One Night in Miami”) 

Paul Raci (“Sound of Metal”) 

Lakeith Stanfield (“Judas and the Black Messiah”)

Best Supporting Actress: Youn Yuh-Jung (“Minari”) 

Maria Bakalova (‘Borat Subsequent Moviefilm”) 

Glenn Close (“Hillbilly Elegy”) 

Olivia Colman (“The Father”) 

Amanda Seyfried (“Mank”) 

Best Adapted Screenplay: “The Father,” Christopher Hampton, Florian Zeller 

“Borat Subsequent Moviefilm,” Peter Baynham, Sacha Baron Cohen, Jena Friedman, Anthony Hines, Lee Kern, Dan Mazer, Nina Pedrad, Erica Rivinoja, Dan Swimmer 

“Nomadland,” Chloé Zhao 

“One Night in Miami,” Kemp Powers 

“The White Tiger,” Ramin Bahrani 

Best Original Screenplay: “Promising Young Woman,” Emerald Fennell 

“Judas and the Black Messiah,” Will Berson, Shaka King, Keith Lucas, Kenneth Lucas 

“Minari,” Lee Isaac Chung 

“Sound of Metal,” Abraham Marder, Darius Marder, Derek Cianfrance 

“The Trial of the Chicago 7,” Aaron Sorkin 

Best Original Song: “Fight for You,” (“Judas and the Black Messiah”) 

“Hear My Voice,” (“The Trial of the Chicago 7”) 

“Húsavík,” (“Eurovision Song Contest”) 

“Io Si (Seen),” (“The Life Ahead”) 

“Speak Now,” (“One Night in Miami”) 

Best Original Score: “Soul,” Trent Reznor, Atticus Ross, Jon Batiste 

“Da 5 Bloods,” Terence Blanchard 

“Mank,” Trent Reznor, Atticus Ross 

“Minari,” Emile Mosseri 

“News of the World,” James Newton Howard 

Best Sound: “Sound of Metal,” Phillip Bladh, Nicolas Becker, Jaime Baksht, Michelle Couttolenc, Carlos Cortés

“Greyhound,” Odin Benitez, Jason King, Christian P. Minkler, Michael Minkler, Jeff Sawyer 

“Mank,” Ren Klyce, Jeremy Molod, David Parker, Nathan Nance, Drew Kunin 

“News of the World,” John Pritchett, Mike Prestwood Smith, William Miller, Oliver Tarney, Michael Fentum 

“Soul,” Coya Elliott, Ren Klyce, David Parker, Vince Caro 

Best Costume Design: “Ma Rainey’s Black Bottom,” Ann Roth 

“Emma,” Alexandra Byrne 

“Mank,” Trish Summerville 

“Mulan,” Bina Daigeler 

“Pinocchio”

Best Animated Short Film: “If Anything Happens I Love You”

“Burrow”

“Genius Loci”

“Opera”

“Yes-People”

Best Live Action Short Film: “Two Distant Strangers” 

“Feeling Through” 

“The Letter Room” 

“The Present” 

“White Eye” 

Best Animated Feature Film: “Soul”

“Onward”

“Over the Moon”

“Shaun the Sheep Movie: Farmageddon”

“Wolfwalkers” 

Best Cinematography: “Mank,” Erik Messerschmidt 

“Judas and the Black Messiah,” Sean Bobbitt 

“News of the World,” Dariusz Wolski 

“Nomadland,” Joshua James Richards 

“The Trial of the Chicago 7,” Phedon Papamichael 

Best Documentary Feature: “My Octopus Teacher”

“Collective”

“Crip Camp”

“The Mole Agent”

“Time”

Best Documentary Short Subject: “Colette”

“A Concerto Is a Conversation”

“Do Not Split”

“Hunger Ward”

“A Love Song for Latasha”

Best Film Editing: “Sound of Metal,” Mikkel E.G. Nielsen 

“The Father,” Yorgos Lamprinos

“Nomadland,” Chloé Zhao 

“Promising Young Woman,” Frédéric Thoraval 

“The Trial of the Chicago 7,” Alan Baumgarten 

Best International Feature Film: “Another Round” (Denmark) 

“Better Days” (Hong Kong)

“Collective” (Romania) 

“The Man Who Sold His Skin” (Tunisia)

“Quo Vadis, Aida?”(Bosnia and Herzegovina) 

Best Makeup and Hairstyling: “Ma Rainey’s Black Bottom,” Matiki Anoff, Mia Neal, Larry M. Cherry 

“Emma,” Marese Langan 

“Hillbilly Elegy,” Eryn Krueger Mekash, Patricia Dehaney, Matthew Mungle 

“Mank,” Kimberley Spiteri, Gigi Williams 

“Pinocchio,” Dalia Colli, Anna Kieber, Sebastian Lochmann, Stephen Murphy 

Best Production Design: “Mank,” Donald Graham Burt, Jan Pascale 

“The Father,” Peter Francis, Cathy Featherstone 

“Ma Rainey’s Black Bottom,” Mark Ricker, Karen O’Hara, Diana Stoughton 

“News of the World,” David Crank, Elizabeth Keenan 

“Tenet,” Nathan Crowley, Kathy Lucas 

Best Visual Effects: “Tenet,” Andrew Jackson, Andrew Lockley, Scott R. Fisher, Mike Chambers 

“Love and Monsters” 

“The Midnight Sky,” Matt Kasmir, Chris Lawrence, Dave Watkins, Max Solomon 

“Mulan,” Sean Faden, Anders Langlands, Seth Maury, Steve Ingram 

“The One and Only Ivan,” Nick Davis, Greg Fisher, Ben Jones, Santiago Colomo Martinez 

Temporada de Premios: Ganadores de los Screen Actors Guild Awards 2021

 

The Trial of the Chicago 7, The Crown y Schitt's Creek estuvieron entre los grandes ganadores de los Premios SAG 2021, que se emitieron el domingo como una ceremonia virtual pregrabada.

The Trial of the Chicago 7, del cineasta Aaron Sorkin, recibió un gran impulso en el camino hacia los Oscar al ganar el premio SAG al mejor conjunto, el máximo honor del gremio que equivale a un premio a la mejor película. El año pasado, el principal ganador del SAG, Parasite, ganó el Oscar a la mejor película con una sorpresa sorpresa. La victoria también le da a Netflix su primera victoria en la categoría de mejor conjunto, donde también tuvo otras dos películas nominadas: Da 5 Bloods y Black Bottom de Ma Rainey. Cabe señalar que Nomadland, uno de los favoritos al Oscar que se presenta a mejor película, no estaba en la lista para el premio al mejor conjunto de SAG.

Michael Keaton, como parte del elenco de The Trial of the Chicago 7, estableció un récord al convertirse en la primera persona en ganar tres premios SAG por la actuación sobresaliente de un elenco en una película, luego de sus premios como parte del conjunto ganador en 2014 Birdman y Spotlight de 2015  .

Mientras tanto, probablemente por primera vez en la historia de SAG, los cuatro principales premios cinematográficos individuales fueron otorgados a personas de color: Viola Davis por su actuación en Black Bottom de Ma Rainey ganó el premio SAG a la mejor actriz. Ella y Halle Berry son las únicas mujeres negras en ganar esta categoría. También se une a Renee Zellweger para presumir de la mayor cantidad de premios SAG individuales de cualquier actriz con tres victorias. Su coprotagonista, el fallecido Chadwick Boseman, ganó el premio al mejor actor en un papel principal, y la victoria de Daniel Kaluuya como mejor actor de reparto también marca otro impulso para sus posibilidades de ganar el Oscar por su interpretación del fallecido líder de los Panteras Negras Fred Hampton en Judas and the Black Messiah. También ganó el Globo de Oro al mejor actor de reparto, entre otros reconocimientos recientes.

Youn Yuh-jung, quien protagoniza Minari, es la primera actriz coreana en ganar el premio SAG a la mejor actriz de reparto. También es la primera actriz coreana en ser nominada al Oscar a la mejor actriz de reparto. 

Por el lado de la televisión, Schitt's Creek, que arrasó en la serie de comedia en los Emmy en septiembre, se llevó a casa un par de premios: mejor conjunto de serie de comedia y mejor actriz para la ganadora del Emmy, Catherine O'Hara. Jason Sudeikis de Ted Lasso fue nombrado mejor actor en una serie de comedia después de ganar un premio similar en los Globos de Oro.

The Crown también obtuvo dos premios, luego de sus cuatro victorias en los Globos de Oro: la serie ganó el premio al mejor elenco de serie dramática, mientras que la ganadora del Globo Gillian Anderson recogió su estatuilla como mejor actriz por su interpretación de Margaret Thatcher, superando sus coprotagonistas Olivia Colman y Emma Corrin en la categoría.

Jason Bateman, mejor actor ganador en una serie dramática para Ozark, también agradeció a los trabajadores de la salud en su discurso de aceptación, diciendo que "el mayor agradecimiento es para los trabajadores de la salud que nos atendieron a todos durante este último año y el milagro de la científicos que nos han dado las vacunas que no solo nos permitirán seguir haciendo vida falsa, sino lo más importante, la vida real a la que todos anhelamos volver. Así que esto está dedicado a ellos. Y todos vayan a buscar su disparo y volvamos a la normalidad ".

Los ganadores de televisión también incluyeron a la estrella de The Queen's Gambit, Anya Taylor-Joy, y la estrella de I Know This Much Is True, Mark Ruffalo, quienes ganaron el premio a la mejor actriz y actor en las categorías de película para televisión y series limitadas, respectivamente.

Al llegar el domingo por la noche, Black Bottom y Minari de Ma Rainey tuvieron la mayor cantidad de nominaciones en las categorías de películas con tres nominaciones cada una. The Trial of the Chicago 7 y Da 5 Bloods también obtuvo tres nominaciones por pieza de SAG-AFTRA, con una de esas nominaciones en la categoría de stunts.

Entre los gremios de Hollywood, las nominaciones al SAG son particularmente codiciadas en el camino hacia los Oscar debido a la gran cantidad de actores y actrices que son miembros de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas. El premio al mejor conjunto de los SAG Awards es el equivalente a la categoría de mejor película, y varios ganadores del mejor reparto de películas han ganado más tarde el Oscar, incluido el ganador del año pasado, Parasite, al mejor reparto.

A continuación se incluye una lista completa de los nominados para la 27ª edición de los premios SAG.

Outstanding Performance by a Cast in a Motion Picture: “The Trial of the Chicago 7”

“Da 5 Bloods”

“Ma Rainey’s Black Bottom”

“Minari”

“One Night in Miami”  

Outstanding Performance by a Female Actor in a Leading Role: Viola Davis, “Ma Rainey’s Black Bottom”

Amy Adams, “Hillbilly Elegy”

Vanessa Kirby, “Pieces of a Woman”

Frances McDormand, “Nomadland”

Carey Mulligan, “Promising Young Woman”

Outstanding Performance by a Male Actor in a Leading Role: Chadwick Boseman, “Ma Rainey’s Black Bottom” 

Riz Ahmed, “Sound of Metal” 

Anthony Hopkins, “The Father”

Gary Oldman, “Mank”

Steven Yeun, “Minari”

Outstanding Performance by a Female Actor in a Supporting Role: Youn Yuh-Jung, “Minari”

Maria Bakalova, “Borat Subsequent Moviefilm”

Glenn Close, “Hillbilly Elegy”

Olivia Colman, “The Father”

Helena Zengel, “News of the World”

Outstanding Performance by a Male Actor in a Supporting Role: Daniel Kaluuya, “Judas and the Black Messiah”

Chadwick Boseman, “Da 5 Bloods”

Sacha Baron Cohen, “The Trial of the Chicago 7”

Jared Leto, “The Little Things”

Leslie Odom, Jr., “One Night in Miami”

Outstanding Performance by an Ensemble in a Drama Series: “The Crown”

“Better Call Saul”

“Bridgerton”

“Lovecraft Country”

“Ozark”

Outstanding Performance by an Ensemble in a Comedy Series: “Schitt’s Creek”

“Dead to Me”

“The Flight Attendant”

“The Great”

“Ted Lasso”

Outstanding Performance by a Female Actor in a Drama Series: Gillian Anderson, “The Crown”

Olivia Colman, “The Crown”

Emma Corrin, “The Crown”

Julia Garner, “Ozark”

Laura Linney, “Ozark”

Outstanding Performance by a Male Actor in a Drama Series: Jason Bateman, “Ozark”

Sterling K. Brown, “This Is Us”

Josh O’Connor, “The Crown”

Bob Odenkirk, “Better Call Saul”

Rege-Jean Page, “Bridgerton”

Outstanding Performance by a Female Actor in a Comedy Series: Catherine O’Hara, “Schitt’s Creek”

Christina Applegate, “Dead to Me”

Linda Cardellini, “Dead to Me”

Kaley Cuoco, “The Flight Attendant”

Annie Murphy, “Schitt’s Creek” 

Outstanding Performance by a Male Actor in a Comedy Series: Jason Sudeikis, “Ted Lasso”

Nicholas Hoult, “The Great”

Dan Levy, “Schitt’s Creek”

Eugene Levy, “Schitt’s Creek”

Ramy Youssef, “Ramy”

Outstanding Performance by a Female Actor in a Television Movie or Miniseries: Anya Taylor-Joy, “The Queen’s Gambit”

Cate Blanchett, “Mrs. America”

Michaela Coel, “I May Destroy You”

Nicole Kidman, “The Undoing”

Kerry Washington, “Little Fires Everywhere”

Outstanding Performance by a Male Actor in a Television Movie or Miniseries: Mark Ruffalo, “I Know This Much Is True”

Bill Camp, “The Queen’s Gambit”

Daveed Diggs, “Hamilton”

Hugh Grant, “The Undoing”

Ethan Hawke, “The Good Lord Bird”

Outstanding Action Performance by a Stunt Ensemble in a Motion Picture: “Wonder Woman 1984”

“Da 5 Bloods”

“Mulan”

“News of the World”

“The Trial of the Chicago 7”

Outstanding Action Performance by a Stunt Ensemble in a Comedy or Drama Series: “The Mandalorian”

“The Boys”

“Cobra Kai”

“Lovecraft Country”

“Westworld”

Crítica Cinéfila: Judas and the Black Messiah

Fred Hampton tenía 21 años cuando fue asesinado por el FBI, quien coaccionó a un delincuente menor llamado William O'Neal para ayudarlos a silenciarlo a él y al Partido Pantera Negra. 

El asesinato en 1969 del presidente de 21 años del Partido Pantera Negra de Illinois, Fred Hampton, fue un poderoso punto secundario de la trama de The Trial of the Chicago 7 de Aaron Sorkin. En Judas and the Black Messiah de Shaka King se logra es un tratamiento ampliado y un impacto proporcionalmente explosivo, concibiendo un thriller histórico con una urgencia que habla aún más fuerte más de medio siglo después. Liderado por actuaciones poderosas de Daniel Kaluuya como Hampton y LaKeith Stanfield como William O'Neal, el informante del FBI que se infiltró en su círculo íntimo, este es un relato escalofriante de opresión, revolución, coerción y traición.

La película representa un paso impresionante hacia un tema de mayor peso en un lienzo épico tanto para el director King como para el coguionista Will Berson, cuyos antecedentes son de comedia televisiva. Las alusiones bíblicas del título se transmiten a través de un drama muy apegado al contexto religioso pero también al aspecto humano de los personajes y su significado político. Eso aumenta las dimensiones trágicas de este relato de un líder negro elevado por un movimiento, por el cambio social y la unidad, y un establecimiento blanco que intenta oprimirlo.

Eso no quiere decir que King, Berson y Kaluuya hayan canonizado a Hampton. La película no se detiene en la naturaleza fogante de sus discursos, particularmente en las exhortaciones durante uno de sus interludios oratorios más conmovedores para matar "cerdos". Sino que se contextualiza cuidadosamente como una respuesta directa a la brutalidad policial sostenida contra la comunidad negra, un círculo vicioso manipulado por la sombría unidad de contrainteligencia que toma las directivas de J. Edgar Hoover (un siniestro y casi irreconocible Martin Sheen). La redada antes del amanecer en el apartamento de Hampton mientras duerme junto a su novia embarazada Deborah Johnson (Dominique Fishback) se enmarca de manera persuasiva, utilizando pruebas bien documentadas, como un asesinato con la máxima potencia de fuego, que evoca dolorosamente el asesinato el año pasado de Breonna Taylor.

Los programas del movimiento para brindar apoyo a la comunidad, incluidos alimentos, atención médica, educación y asistencia legal, contrastan con las palabras de Hoover, que describe a los Panthers como "la mayor amenaza para nuestra seguridad nacional". Pide al FBI que evite el ascenso entre sus filas de un mesías negro con el potencial de unir a los enemigos de Estados Unidos.

La decisión de contar la historia desde la perspectiva de la figura de Judas subraya el interés de los realizadores por las tonalidades de gris de sus personajes principales. Eso incluye a Roy Mitchell (Jesse Plemons), que evoluciona de un joven y ambicioso agente federal que ofrece un pacto con O'Neal en una escalofriante figura meticulosa que deja a un lado sus recelos morales para girar los tornillos de su criminal informante, mucho después de que se hayan cumplido los términos de su acuerdo inicial. O'Neal de Stanfield se presenta tanto en clips recreados de la única entrevista en pantalla que dio, para la serie documental de PBS Eyes on the Prize II , y como una figura con una gabardina y un sombrero de fieltro que se hace pasar por un agente del FBI para coches de robados.

Un escape estrecho lo lleva a una sala de interrogatorios con Roy quien le informa que podría enfrentar 18 meses por robar un vehículo más cinco años por hacerse pasar por un oficial federal, o podría irse libre con una condición. Eso comienza una serie de encuentros en los que Roy intenta convencer a su informante pagado de que los Panthers son simplemente la otra cara del Klan, sembrando odio e incitando al terror. Pero a medida que Bill es aceptado entre los Panthers y se convierte en capitán de seguridad, su conciencia política y su amistad con Fred y otros despiertan su conflicto interno y crisis existencial.

Desde su primera escena, el Hampton de Kaluuya tiene un fuego furioso en su estómago, una cualidad que lo convierte en un comunicador entusiasta. Su acercamiento a las pandillas callejeras de Chicago, los grupos puertorriqueños e incluso los neoconfederados blancos para formar una Coalición Arcoíris contra el obstáculo común de la pobreza arraigada y la aplicación de la ley opresiva lo convierte en un activista visionario. 

El papel de las mujeres en la organización también está representado por Dominique Thorne como Judy Harmon y la Deborah de Fishback, una joven poeta aguda que desafía las opiniones de Fred sobre el orgullo negro en una reunión temprana y consigue un trabajo con los Panthers como redactora de discursos. Fishback es una torre silenciosa que apoya la misión revolucionaria de su pareja, pero muy consciente de que su papel inminente como madre altera su participación en ella. Es especialmente hermosa una escena en la que le transmite esto a Fred en un tierno poema escrito por la actriz.

Durante gran parte de la duración, el carisma ardiente del Fred de Kaluuya lo convierte en el sol alrededor del cual orbitan todos los demás. Incluso después de ganarse su confianza, Bill se mantiene mayormente al margen. Pero Stanfield tiene momentos maravillosos en el tramo culminante, sus ojos atormentados (tanto en escenas dramáticas como en fragmentos adicionales de la entrevista de PBS) revelan a un hombre tan víctima como traidor, gradualmente roto por la experiencia de encontrar algo en lo que creer pero explotado implacablemente para trabajar en su contra.

La película de King es magistral en su descripción de la lucha por la autodeterminación negra y las formas en que esa demostración de fuerza fue interpretada como una amenaza por alarmistas blancos paranoicos. En última instancia, esta es una pieza de conjunto electrizante: su dolor e indignación resuenan sobre las posdatas que detallan los resultados personales y legales. Se trata de una realización cinematográfica basada en problemas, audazmente asegurada, con verdadero corazón y, sobre todo, con una triste sensación de cómo el pasado mantiene su control sobre el presente.

Crítica Cinéfila: Queen & Slim

Durante la primera cita de una pareja de afroamericanos, sin motivo aparente, ambos son detenidos por la policía. Tras asesinar al agente en defensa propia, juntos se darán a la fuga, propiciando así una huida desesperada de las autoridades.

Es difícil imaginar otra película estadounidense de 2019 que irradie tanta furia y frustración como lo hace "Queen & Slim" en sus primeros minutos. Escrita por Lena Waithe (The Chi) y con un brillo lírico llamativo de la directora Melina Matsoukas en su debut cinematográfico, esta sombría meditación sobre la violencia policial contra las personas de color es una acusación perfecta y poderosa.  Siempre hace clic y cruje con un propósito, remodelando el estilo de los amantes de las películas con lamento emocional de las vidas negras, como yo.

Algunos han querido establecer que esta historia es como un "Bonnie y Clyde negro", mencionado hasta en el guión mismo. Sin embargo, la saga de forajidos de Arthur Penn fue más una declaración cultural sobre sexo y violencia en los medios de comunicación, mientras que "Queen & Slim" utiliza un marco narrativo similar para explorar preocupaciones más sinceras encarnadas por un conjunto muy diferente de protagonistas.

Cuando nos encontramos por primera vez con Queen (Jodie Turner-Smith) y Slim (Daniel Kaluuya), se ven envueltos en una amigable primera cita en un restaurante de Ohio. Está yendo bien: la pareja coquetea a través de una conversación inofensiva sobre otros clientes y la mala comida del restaurante antes de llamarla una noche; mientras que él conduce a casa, ella le dice que no se haga ilusiones. Pero la trama no se demora en su romance caprichoso por mucho tiempo antes de que la oscuridad se apodere del cuadro.

Cuando un oficial de policía lo detiene por una luz trasera rota, la tensión se activa y aumenta cuando una linterna ilumina dos rostros oscuros desconcertados. Conocemos los conceptos básicos de esta triste saga incluso antes de que se vaya al sur, pero los momentos siguientes explotan con una desgarradora acumulación de altercados: el hombre blanco uniformado le pide al hombre negro que salga del vehículo, lo obliga a abrir su baúl y saca su arma después de que él le lanza al policía un comentario inofensivo; ella sale del auto, citando sus antecedentes como abogada y saltando en defensa de él; el oficial se vuelve hacia ella disparándole en la pierna, cuando él se lanza sobre el policía y dispara por accidente, el policía terminando muerto. Ahí es cuando por fin el título sale.

Esta configuración dinámica prácticamente funciona como un cortometraje magistral en sus propios términos. Sin embargo, de ese enfrentamiento explosivo, "Queen & Slim" toma un respiro y se relaja en una película mucho más tranquila. Al darse cuenta de que sus opciones son limitadas, Queen los guía a un escondite en la monótona casa de su tío Earl (Bokeem Woodbine), donde permanecen bajos mientras los informes de los medios se acumulan. La historia de la ley adolece de una calidad estridente y de una sola nota que contrasta de inmediato con los delincuentes medidos en su puerta. 

La narración se equilibra con una corriente subterránea de indignación cultural. El guión de Waithe se mete en el dilema que deja a los personajes de Queen y Slim en un estado desarrollado a medida que avanza a través de una serie de nuevos desarrollos, dejando que sus personalidades florezcan y evolucionen a medida que avanza la historia. 

La cobertura noticiosa de la cámara del asesinato revela la inocencia de la pareja, si no su exoneración, y pronto su estrellato adquiere una dimensión paradójica: asesinos de policías en la prensa, víctimas de comunidades enfadadas en todo el país y héroes en un creciente número de personas que ven su escape en términos simbólicos: Queen y Slim significan algo para todos. Los actores trabajan horas extras para que los eventos improbables se mantengan unidos. Kaluuya, cuya exasperación y su sonrisa irónica siempre hacen que valga la pena verlo, encarna el choque de la ambivalencia y la celebridad involuntaria en el centro de la película, pero es Turner-Smith quien se destaca como una verdadera revelación, exhibiendo instintos de supervivencia feroz en conjunto con convicciones sobre su derecho a seguir adelante.

La película está en su mejor momento cuando explora la forma en que el ultraje reprimido puede encontrar la catarsis en la fantasía de arremetimiento. En una secuencia maravillosa que encuentra a la pareja buscando ayuda de un mecánico negro, esperan su trabajo mientras deambulan por el agua con el hijo del mecánico, que admira el legado naciente del a pareja. El diálogo deriva en la voz en off de Malickian a medida que las imágenes líricas del cinematógrafo Tat Radcliffe transforman el intercambio en una meditación hipnótica sobre los sueños negros socavados por un sistema que no les brinda ninguna esperanza más allá del potencial de idealizar su lucha. Pasa lo mismo cuando se encuentran en un club nocturno completamente negro, donde los clientes les permiten pasar un buen rato.

El sueño solo puede durar tanto tiempo, pero se logra mantener un balance, así como una escena de sexo hirviente cruzada con disturbios contra la policía puede ser suficiente ironía y hasta contraste para comparar cómo, aún cuando pueden ser ellos sin preocuparse por los demás, su situación acosa a otros. Un gran giro, un nuevo acto de violencia diseñado para provocar un mayor debate, pone a prueba la credibilidad y parece estar en desacuerdo con las circunstancias que lo conducen, al igual que una traición trágica final. Sin embargo, la emoción se mantiene fuerte. "Queen & Slim" ha sido diseñada para provocar reacciones que atraigan a los espectadores a su discurso espinoso sobre el enloquecedor estado de la vida negra en Estados Unidos y lo que se necesita para encontrar una salida adecuada en todo el país.

Con ese fin, es una secuela espiritual de las citas de duelo de Malcolm X y Martin Luther King Jr., caracterizando el camino a seguir en una protesta violenta, y la otra llamando a la paz, "Queen & Slim" no encuentra nuevas respuestas, ya que se encuentra en el centro de ese mismo problema con una vívida fijación por la solidaridad, una demostración a cualquiera que pueda relacionarse con sus preocupaciones de que no está solo en esta lucha.

A pesar de que la película hace preguntas difíciles, lucha por fusionarlas en un todo singular. Ciertamente se une a un estilo narrativo robusto al enfrentarse a una división en curso que la sociedad estadounidense aún tiene que resolver. Desde "Fruitvale" hasta "Monsters and Men" y "Blindspotting", esta década ha visto muchos intentos potentes de convertir la persecución de personas de color en un nuevo tipo de ira cinematográfica. "Queen & Slim" encarna un momento histórico inquietante, por ellos. No importa los adornos disponibles, hemos visto esta historia antes, y es vergonzoso que así realmente sea en la vida real.

Widows

Cuatro mujeres con nada en común excepto una deuda heredada por las actividades criminales de sus difuntos maridos, deciden tomar las riendas de su destino y conspiran para forjarse un futuro con sus propias reglas. 

Steve McQueen regresa con una historia que él comenta hacía mucho tiempo tenía en planes de producción y finalmente lo ve realizado, con un elenco que llama la atención de cualquier buen seguidor del cine, sea o no amante de los thrillers.

En Widows, seguimos a tres mujeres que acaban de perder a sus esposos mientras ellos eran parte de robos planificados. Al poco tiempo, una de ellas recibe el memorandum de que tiene que devolver 3 millones de dólares a los últimos que resultaron afectados por el robo. Después de enterarse de más datos de la vida de su fallecido esposo, decide reclutar a las demás viudas y agregar una mujer que igual necesita el trabajo y dinero, para robar 10 millones de dólares de la casa del actual Concejal de la ciudad. Mientras tanto, dos candidatos compiten para ser concejales del distrito, enseñando el contraste entre el poder y la verdadera cercanía con el pueblo.

La genialidad de esta película es el contraste de los personajes, los cuales tienen las mismas necesidades, pero desde situaciones distintas y con personalidades completamente diferentes. Este es el aspecto fundamental que hace que su plan en conjunto funcione, porque cada una se complementa de una manera increíble. El hecho de tener estas cuatro mujeres encarnadas por Viola Davis, Michelle Rodríguez, Elizabeth Debicki y Cynthia Erivo es un punto a favor de la historia, pues son cuatro mujeres que se han destacado bastante desde los inicios de su carrera. 

Viola Davis siempre ha sido increíble con papeles igual de "fuertes"; mientras tanto Michelle Rodríguez hace un cambio drástico de su tipo de personaje y se convierte en una ama de casa que no sabe mucho de peleas (ay, si Letty la viera); Elizabeth Debicki encarna el personaje con el arco más reconocible, representando ese tipo de mujer que debe seguir sobreviviendo sin importar el tipo de trabajo que eso requiera; por otro lado, Cynthia Erivo suma un crédito más a su lista de películas, una actriz que se ha destacado más por sus presentaciones en musicales y obras de teatro.

Del mismo modo, los actores masculinos, liderados por Colin Farrell, André Holland, Daniel Kaluuya, Brian Tyree Henry y Liam Neeson, representan el lado antagonista de esta película y la subtrama sobre los conflictos políticos. Al igual, son la representación de los twists de la historia, desde personalidades que no habíamos visto antes hasta las revelaciones más inesperadas de que ciertas personas no están muertas. 

El buen trabajo de personajes se debe a un guion que sabe utilizar todos sus elementos en conjunto y crear una excelente obra para la audiencia. Se debe reconocer que ambos guionistas se preocuparon por darle a la audiencia suficiente información como para entender por qué sucede lo que sucede en esta historia.

Por otro lado, la ambientación de la trama es lo que mantiene el tono de la película de manera general. El uso de cada uno de los escenarios, complementados con una cinematografía muy parecida a clásicos del thriller, le recuerdan a la audiencia cómo deben sentirse mientras sigan esta historia. No sólo se trata de apoyar a las protagonistas, sino también de simpatizar con sus situaciones y decisiones, y esto está muy bien establecido con el uso de pequeños detalles dentro de la trama. Todo el diseño de producción y la fotografía es bien apoyado por una musicalización que igual hace honor al thriller.

Widows es el equivalente ideal de poder femenino, donde la diferencia de género no es un impedimento y muy por el contrario saben utilizarlo en contra de los hombres estereotipados. Es una historia sobre abuso de poder y pobreza vs. riqueza, y termina siendo una buena moraleja de que, para resolver un problema sobre hombres no tienes que ser uno.

Ganadores de la 71va entrega de los Premios BAFTA

Three Billboards Outside Ebbing Missouri resultó la gran ganadora de la noche, con cinco galardones, incluyendo Mejor Película y Mejor Película Británica. Así mismo, Frances McDormand, Gary Oldman, Allison Janney y Sam Rockwell se mantienen como los principales galardonados de la temporada de premios, recibiendo la estatuilla en sus determinadas categorías.

Uno de los mejores momentos fue el opening, realizado por Circle Du Soleil; especificamente la coreografía inspirada en The Shape of Water, de Guillermo del Toro, quien ganó Mejor Dirección.

Estos fueron los premiados de la noche

Mejor Película
Three Billboards Outside Ebbing, Missouri - 
Graham Broadbent, Pete Czernin, Martin Mcdonagh

Mejor Director
Guillermo Del Toro - 
The Shape Of Water

Mejor Película Británica
Three Billboards Outside Ebbing, Missouri
 - Martin Mcdonagh, Graham Broadbent, Pete Czernin

Mejor Actriz
Frances Mcdormand
 - Three Billboards Outside Ebbing, Missouri

Mejor Actor
Gary Oldman - 
Darkest Hour

Mejor Actriz de Reparto
Allison Janney - 
I, Tonya

Mejor Actor de Reparto
Sam Rockwell
 - Three Billboards Outside Ebbing, Missouri

EE Rising Star Award
Daniel Kaluuya

Mejor Debut de Escritor, Director o Productor
I Am Not A Witch
 - Rungano Nyoni (Writer/Director), Emily Morgan (Producer)

Mejor Dirección de Fotografía
Blade Runner 2049
 - Roger Deakins

Mejor Guion Original
Three Billboards Outside Ebbing, Missouri
 - Martin Mcdonagh

Mejor Guion Adaptado
Call Me By Your Name - 
James Ivory

Mejor Película en Idioma no Inglés
The Handmaiden
 - Park Chan-Wook, Syd Lim

Mejor Cortometraje británico
Cowboy Dave - 
Colin O’toole, Jonas Mortense

Mejor Cortometraje Animado británico
Poles Apart - 
Paloma Baeza, Ser En Low

Mejor Documental
I Am Not Your Negro
 - Raoul Peck

Mejor Película Animada
Coco
 - Lee Unkrich, Darla K. Anderson

Mejor Diseño de Producción
The Shape Of Water
 - Paul Austerberry, Jeff Melvin, Shane Vieau

Mejor Diseño de Vestuario
Phantom Thread - 
Mark Bridges

Mejor Maquillaje y Peinado
Darkest Hour - David Malinowski, Ivana Primorac, Lucy Sibbick, Kazuhiro Tsuji

Mejor Banda Sonora
The Shape Of Water
 - Alexandre Desplat

Mejor Sonido
Dunkirk
 - Alex Gibson, Richard King, Gregg Landaker, Gary A. Rizzo, Mark Weingarten

Mejor Edición
Baby Driver
 - Jonathan Amos, Paul Machliss

Mejor Efectos Visuales
Blade Runner 2049 - 
Richard R. Hoover, Paul Lambert, Gerd Nefzer, John Nelson