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viernes, 4 de septiembre de 2026

Crítica Cinéfila: The Last House

En una situación inexplicable, una familia se encuentra confinada en su casa, sin poder salir. A medida que las provisiones disminuyen, deben aprender a ser ingeniosos para sobrevivir y desentrañar la misteriosa fuerza que los atrapa.



Dándole un giro inesperado al género de los thrillers de invasión a domicilio, "The Last House" de  Netflix pone a una familia en peligro cuando una misteriosa amenaza los encierra en su hogar sin posibilidad de escape, mientras caen lluvias torrenciales durante días que se convierten en semanas, meses y años. La hábil dirección de Louis Leterrier y las sólidas interpretaciones de Greta Lee y Wagner Moura como padres desesperados por proteger a sus hijos de sus peores miedos dan como resultado una película que, a pesar de sus elementos de ciencia ficción y terror, es tanto un drama psicológico como un thriller de supervivencia sobre cuatro personas que usan su ingenio y sus menguantes recursos para mantenerse con vida, incluso cuando sus estrechos lazos familiares comienzan a resquebrajarse. 

El guion de Matthew Robinson ("Good Luck, Have Fun, Don't Die") , que inevitablemente evoca el aislamiento del confinamiento por la COVID-19, oscila entre encontrar consuelo y una vulnerabilidad aterrorizada en la autosuficiencia, manteniendo la naturaleza exacta de la fuerza que aprisiona a la familia —y aparentemente a todos los demás en el mundo— en la ambigüedad hasta aproximadamente una hora después, cuando aumenta el suspense incluso cuando la narración se vuelve inestable. 

Esa espera podría frustrar a los fanáticos del género que requieren una dosis más instantánea de emociones y sustos de alta intensidad, o a cualquiera que espere el tipo de acción trepidante por la que Leterrier es más conocido, pero los actores hacen lo que sea para mantenerla entretenida.

La cita de Arthur C. Clarke con la que comienza la película es significativa: «Qué inapropiado llamar a este planeta Tierra cuando claramente es Océano». Con el aumento del nivel del mar a nivel mundial debido al cambio climático, esas palabras podrían resultar proféticas. La ansiedad generalizada asociada a estos problemas ambientales contribuye a la tensión que corroe a la familia mientras intentan descubrir quién o qué los mantiene cautivos y qué pretende esa entidad de ellos. 

Durante gran parte de su duración, "The Last House" se siente casi como una versión más realista de la tensa película de ciencia ficción y terror de Kaitlyn Dever de 2023, "No One Will Save You", aquí centrada en la respuesta humana a una amenaza más ambigua, posiblemente alienígena. Desde el primer día, cuando buscan respuestas, Jason Delgado (Moura) le dice a su familia que la fuerza que los ha dejado confinados en su casa no es de origen humano. Pero, al igual que el público, saca conclusiones basándose en un conocimiento concreto mínimo.

Jason, un ingeniero desempleado, recoge sus aparejos de pesca y regresa a casa desde el muelle mientras se acerca un fuerte frente de tormenta, sin haber pescado nada a pesar de sus esfuerzos matutinos. Una voz en off, identificada solo al final, nos dice: «El día que llegaron las lluvias, descubrimos que no estábamos solos». 

Cuando Jason lleva apresuradamente a su esposa Ann (Lee), a su hijo Graham (Noah Alexander Sosnowski), de 12 años, y a su hija Ruth (Riley Chung), de 8 años, al coche para comprar un árbol de Navidad, encuentra las puertas y ventanas de la casa selladas. Cualquier intento de forzarlas o incluso romperlas resulta inútil. Al mirar por las ventanas, los Delgado descubren que sus vecinos están en la misma situación, incluyendo a una pareja de jubilados que vive al otro lado de la calle y que tiene provisiones de comida limitadas.

Al principio, Jason y Ann animan a los niños a seguir una rutina —tareas domésticas, estudio, práctica de piano, educación física— convencidos de que la lluvia pronto parará y sus vidas volverán a la normalidad. Sin conexión Wi-Fi, ni señal de televisión ni de radio, las opciones de entretenimiento se limitan a juegos de mesa, la vieja colección de vinilos de Jason (un momento entrañable muestra a la familia bailando al ritmo de The Cure) y dos películas para elegir: Annie o Air Force One, para poner en un viejo reproductor de DVD.

Comienzan a racionar la comida, y Ann empieza a recolectar semillas de tomate y raíces de hortalizas para crear un huerto interior. Una de las ventajas de una casa en ruinas y con los cimientos hundidos es el fácil acceso a la tierra con solo levantar unas tablas del suelo. Una grieta en la chimenea impulsa a Jason a preparar una trampa con la que se dedica a "pescar", atrapando ardillas y otros animales salvajes que se adentran en el patio y acaban en la sartén. Pero esta fuente de alimento también trae consigo un nuevo peligro a la casa. De alguna manera, la necesidad de esconderse de lo que sea que esté afuera se vuelve imperativa, aún más cuando vislumbran por primera vez, de forma parcial, a una criatura imponente, irreconocible como cualquier especie conocida por el hombre. 

Su confinamiento se prolonga, dando un salto de cinco años, tiempo durante el cual la ordenada calle suburbana ha sucumbido ante la vegetación descontrolada. Los niños crecen y se convierten en adolescentes; Graham (Gabriel Barbosa) se vuelve más malhumorado e impaciente, mientras que Ruth (Emma Ho) se refugia en su vívida imaginación, leyendo sobre sirenas y monstruos mitológicos como el Kraken y el Leviatán. Comienza a elaborar teorías sobre criaturas marinas desconocidas que habitan en el fondo del océano. La cosa se complica cuando las entidades tentaculares del exterior se revelan y la familia se ve obligada a combatirlas. Pero el diseño de las criaturas es tosco, con inspiraciones que van desde H.P. Lovecraft y los kaiju, hasta la mutación del río descontrolado de  The Host  y una mezcla heterogénea de criaturas de ciencia ficción olvidables. 

Cuanto más los vemos y más se explica su presencia, más se le escapa la película a Leterrier, devaluada por clichés manidos de sustos repentinos como cadáveres flotando en el agua o cuerpos infestados de bichos repugnantes. Hemos visto demasiadas representaciones más aterradoras de familias enfrentadas a agresores no humanoides descomunales —en el mundo de "A Quiet Place", por ejemplo— como para quedar especialmente cautivados por los enfrentamientos aquí presentes, que resultan menos efectivos que la amenaza elemental de las crecientes aguas que amenazan con ahogar a los Delgado en su propia casa. Tras una acumulación emocional tan prolongada, el final se siente apresurado y su mensaje de empatía entre especies, un tanto trivial.

La principal fortaleza de la película reside en su énfasis en el amor familiar como fuerza vital, haciendo un guiño a los thrillers de los años 80. Puede que Ann y Jason parezcan estar al borde del colapso, asustando a sus hijos —ella se vuelve más fatalista, mientras que él está tan absorto en su responsabilidad de mantenerlos a salvo que descuida sus roles de esposo y padre—, pero el vínculo inquebrantable que los une hace que la situación sea más real de lo que el guion de Robinson sugiere. Lee y Moura son actores talentosos, especialmente convincentes en sus interpretaciones de Ann y Jason, cada vez más demacrados, que dejan de intentar ocultar su desesperación. Graham y Ruth están magníficamente elegidos para sus respectivos papeles, creando un retrato conmovedor de la familia como salvavidas que mantiene al público de su lado incluso cuando la narración flaquea.


miércoles, 21 de agosto de 2024

Crítica Cinéfila: Alien - Romulus

Mientras rebuscan en las profundidades de una estación espacial abandonada, un grupo de jóvenes colonizadores del espacio se encuentra cara a cara con la forma de vida más aterradora del universo. 



Si usted no cree que el director Fede Álvarez y la saga de Alien son una pareja ideal, le aconsejo que vea su remake de 2013 de "The Evil Dead" antes de seguir leyendo esta crítica. Fue la primera vez en 20 años que se abrió el Necronomicon, y los fanáticos del terror atribuyeron la supervivencia de la querida franquicia a los esfuerzos del joven director. Esa fe fue recompensada con uno de los remakes de terror más efectivos de la historia, y esa capacidad de honrar y modernizar un texto sagrado del género es la explicación más obvia para el éxito de "Alien: Romulus". Como un niño en una tienda de dulces de locos, Álvarez se abalanza sobre un festín de iconografía y criptozoología alienígena con un regocijo, incluso y especialmente en escenas de caos aplastante. "Alien: Romulus" destila la franquicia en su forma más funcional y enfocada. Y una vez que comienza a reproducirse (literal y figurativamente), no se detiene.

De principio a final, "Alien: Romulus" muestra un diseño de producción ejemplar que, si bien hace un guiño a toda la saga, debe mucho más a las texturas de la película original de Ridley Scott. El futurismo industrial de los escenarios originales de Michael Seymour se replica maravillosamente en la estación Renaissance, coloreada por luces de advertencia rojas y los negros delgados que se entrelazan con esa estética tan amenazante como siempre. "Alien: Romulus" también representa lo que es innegablemente la mezcla más cohesiva de la franquicia de técnicas prácticas y generadas por computadora empleadas para dar vida a sus ubicaciones, criaturas y efectos de lesiones. Dicen que la mejor CGI es la que no se nota, y el equipo aquí ha logrado una mezcla en gran medida perfecta de todos esos elementos. La ironía es que tengo que contradecirme inmediatamente: hay algunas veces –especialmente en el tercer acto– en las que se nota claramente que Álvarez está haciendo primeros planos de cabezas de xenomorfos falsos que explotan. Pero esos momentos, o momentos en los que se puede ver cómo se utiliza una miniatura, hacen tanto por evocar las dos primeras películas de la franquicia como cualquier frase icónica o toma recreada.

Álvarez realmente deja que Romulus respire durante su primer acto, tomándose el tiempo para establecer la relación central entre Rain (Cailee Spaeny) y el androide Andy (Daniel Jonsson), quienes viven como hermanos en servidumbre en la colonia Jackson's Star de Weyland-Yutani. Desesperados por dejar la penumbra perpetuamente sin sol, que Álvarez presenta como un infierno de metal digno de un flash-forward de Terminator, Rain y Andy se reencuentran con sus viejos compañeros de búsqueda de tesoros, la tripulación del Corbelan IV. La naturaleza ingeniosa de Rain y su actitud protectora hacia su hermano sintético hacen que el público se ponga de su lado rápidamente y, como intérprete, Spaeny hace un gran trabajo al situar a Rain de manera creíble en el horror del momento a momento de una joven adulta que hace su primera incursión en el gran y aterrador mundo y descubre que es peor de lo que podría haber imaginado.

Rain se centra mucho en las soluciones, lo que le da muchos momentos heroicos a medida que avanza la película, pero el guion de Álvarez y el coguionista Rodo Sayagues no le deja mucho espacio para cambiar a lo largo del camino, o al menos para resaltar lo que la hace tan resistente en primer lugar. Jonsson termina en la cuerda floja más difícil de caminar en su actuación, equilibrando constantemente la vacilación infantil con la eficiencia fría, cotejando qué información debería ofrecer y cuáles de sus directivas fundamentales debería seguir. Pero Jonsson mantiene bien el núcleo de Andy una vez que ese conflicto se vuelve central para la trama. Los cambios impredecibles que acompañan a la película en la personalidad de Andy no solo sirven para aumentar la tensión, sino también como un espejo en el que los personajes humanos se ven reflejados.

En cuanto a la tripulación del Corbelan (los hermanos Tyler (Archie Renaux) y Kay (Isabela Merced), Bjorn (Spike Fearn) y Navarro (Aileen Wu)), Álvarez y Sayagues emplean arquetipos que resultarán inmediatamente familiares a los fans de Alien. La reserva de acero de Tyler evoca a Dallas, el filo y el pañuelo de Bjorn evocan tanto a Parker de Alien como a Vasquez de Aliens. Aunque numerosas películas de la franquicia coquetean con las convenciones del slasher, "Alien: Romulus" se compromete más que nunca con la estructura por excelencia del subgénero. Por ello, es aconsejable no encariñarse con nadie que hable principalmente en bromas o en exposiciones. Esa estructura a veces permite que el público se adelante a la trama, pero Álvarez lanza suficientes bolas curvas y desvía la atención para compensarlo.

Álvarez establece el conjunto de forma económica, especialmente durante el viaje de Corbelan hasta el Renaissance, donde los cortes a cada personaje revelan cómo reaccionan en situaciones estresantes, reforzando esos arquetipos justo antes de que el ácido llegue al ventilador. Merced obtiene el material más personalizado, pasando gran parte de la película separada del grupo principal y tratando de ponerse al día de una manera cada vez más horrible. Si bien estos cortes funcionan bien como sus propias pequeñas viñetas de Alien, debe notarse que a medida que surgen a lo largo del segundo acto, fragmentan un poco el enfoque y conducen a los únicos problemas reales de ritmo de Romulus. Sin embargo, eso no quiere decir que no haya utilidad en la forma en que se gasta ese tiempo: la agenda de Kay es más complicada que la de sus amigos, lo que abre la puerta no solo al trabajo temático más descarado de Romulus (cuya naturaleza dejaré vaga), sino también a los giros que dan inicio al enfrentamiento final audaz, cacofónico e insoportablemente tenso de la película.

"Alien: Romulus" rara vez evita la oportunidad de celebrar a sus precursores, en su mayoría para bien, pero, en un caso significativo, definitivamente para mal. Álvarez entiende exactamente cómo y cuándo desplegar las imágenes más icónicas de Alien. Aunque la exploración inicial en el Renaissance abandonado es un asunto tranquilo y tenso, justo debajo de la superficie, puedes sentir la mano de Álvarez estableciendo el espacio. Sistemas de conductos, esclusas de aire, bastones aturdidores, sensores de movimiento, un sintético muerto, tal vez algún que otro ajuste de lanzallamas a lanzacongeladores aquí y allá. Pero Álvarez no pasa demasiado tiempo mostrando estos objetos inanimados; son puramente funcionales y, por lo tanto, no parece que crucen la línea de ser un servicio para los fans por su propio bien.

Por supuesto, Romulus también trae sus propios juguetes y trucos nuevos, el más significativo de los cuales es la gravedad cero. Es desconcertante considerar que la franquicia realmente no haya explotado más la gravedad cero en el pasado, y se usa bien aquí no solo para condimentar algunos encuentros con xenomorfos, sino repetidamente como un obstáculo de reloj que los carroñeros tienen que sortear debido al mal funcionamiento del motor de gravedad del Renaissance.

Y, sin embargo, como se sabe que hace Weyland-Yutani, "Alien: Romulus" no parece poder abandonar algunas ideas que, a primera vista, parecen destinadas a finales confusos. Romulus maneja la mayor parte de su exposición con bastante elegancia al principio, pero Álvarez exagera y se compromete, como se ejecuta aquí, con un vehículo profundamente defectuoso para entregar esa información una vez que estamos en la estación Renaissance. Esta elección de ninguna manera descarrila a Romulus, simplemente se siente como un mal completamente innecesario y la única parte de la película que regularmente rompe la suspensión de la incredulidad. 

"Alien: Romulus" es una película de belleza austera, mezquina y quimérica que evoca la locura genética que siempre deletrea la perdición en estas películas. Fede Álvarez demuestra que su remake de Evil Dead no fue una casualidad: el director se conecta sin problemas con los puntos de referencia narrativos y estéticos de la saga y los dirige hacia finales impresionantes. Ocasionalmente se desvía hacia un callejón sin salida en cuanto al ritmo, pero esos pasos en falso son perdonables considerando la confianza y el juicio con que Álvarez los maneja en otras partes. Con la ayuda de un talentoso elenco de actores jóvenes y un diseño de producción de calidad de referencia, el enfoque de regreso a lo básico de "Alien: Romulus" para el terror de gran éxito reúne todo lo que los fanáticos aman de la franquicia de tono fluido en una sola película.


lunes, 26 de junio de 2023

Crítica Cinéfila: The Flash

Los mundos chocan en "Flash" cuando Barry utiliza sus superpoderes para viajar en el tiempo y cambiar los acontecimientos del pasado. Barry intenta salvar a su familia, pero sin saberlo altera el futuro y queda atrapado en una realidad en la que el general Zod ha regresado y amenaza con la aniquilación, pero en la que no hay Superhéroes a los que recurrir. A menos que Barry pueda persuadir a un Batman muy diferente para que salga de su retiro y rescate a un kryptoniano encarcelado... aunque no sea el que está buscando. En última instancia, para salvar el mundo en el que se encuentra y regresar al futuro que conoce, la única esperanza de Barry es luchar por seguir vivo. Pero ¿este último sacrificio será suficiente para reiniciar el universo?




The Flash tardó tanto en obtener su propia película, en un acto supremo de Alanis-ing, que la jerarquía de poder en el Universo DC ha cambiado en varias ocasiones desde ese entonces. Ahora que ha llegado, debemos mencionar al elefante en la habitación: sí, Barry Allen entra en Speed ​​​​Force y desencadena una serie de eventos por fracturar el pasado.

Por supuesto, hay otro elefante en la habitación: el comportamiento fuera de la pantalla de la estrella de la película, Ezra Miller, que a menudo ha amenazado con eclipsar la película. En el espinoso tema de separar el arte del artista, su kilometraje puede variar, pero puramente a nivel de rendimiento, Miller es excelente aquí. Hubo una tendencia para el actor en  Liga de la Justicia, particularmente la versión de Joss Whedon, para asaltar implacablemente como el alivio cómico designado de la película. Aquí, Miller se beneficia de la decisión de tener no uno, sino dos Barry Allen, lo que permite que el papel de bufón que le han dado al Barry más joven y despreocupado, mientras que el Alpha-Barry aprende y crece y mira con desprecio a su ser más joven. Pasamos gran parte de la película con este dúo dinámico, y son un placer juntos, ya que Beta-Barry se familiariza con entrar en Speed ​​​​Force, atravesar paredes, correr de un lado a otro, aprender de sus errores y aceptar su presente.

Ha habido mucha atención en el regreso de Michael Keaton como Batman, pero el director Andy Muschietti, alejándose del horror después de "Mama" y ambos capítulos de "It", se asegura de que esta sea una película de Flash que todos recordaremos. Los primeros 20 minutos sin aliento sirven como una mini-secuela de "Justice League", reuniendo a Barry y al Batman de Ben Affleck, antes de que Barry, todavía dolido por la pérdida de su madre asesinada, retroceda a toda velocidad en el tiempo. Estos 20 minutos resumen a la perfección la personalidad ideal de Barry, además de darnos el tono ideal que The Flash siempre ha tenido que tener. 

Naturalmente, como advierte Batfleck, la cura es peor que la condición, dejando varado a Barry en el pasado con la creciente comprensión de que las cosas ya no son lo que solían ser. Esto incluye la transformación de Affleck en Keaton, y mucha charla sobre Multiversos (con la ayuda de una demostración útil que involucra espaguetis, aunque en su lugar podrían haberse topado con  Spider-Man: No Way Home). Han pasado más de 30 años desde  Batman Returns, y aunque hay una tendencia a usar a Keaton para dispensar un rápido golpe de nostalgia (el tema de Batman de Danny Elfman suena aparentemente en un bucle), vuelve a encajar en el traje de murciélago nuevamente, proporcionando un contraste agradablemente malhumorado con ambos Barrys. Eso no se puede decir, lamentablemente, del tercer superhéroe en la mezcla, la versión femenina de Superman encarnada a través de Sasha Calle, que se presenta demasiado tarde para tener mucho impacto.

Curiosamente, no hay realmente un antagonista. Aunque el General Zod de Michael Shannon aparece, Muschietti lo mantiene a distancia, reconociendo que tiene todo el conflicto que podría necesitar en su héroe lleno de culpa. Es interesante ver como un superhéroe, en especial uno como Barry que ha sido tan fracturado con su pasado y cómo es tratado en el presente por sus compañeros de trabajo (tanto en el laboratorio como entre los colegas de la Liga de la Justicia. Y Ezra Miller en la piel de Barry es perfección, demostrando que sí es posible separar al artista de la obra de arte. 

Es un éxito de taquilla, por supuesto, y al final hay mucha carnicería generada por computadora, pero, de manera refrescante, el énfasis permanece en Barry, un niño que ha estado huyendo desde el momento en que asesinaron a su madre, y que finalmente comienza a darse cuenta de que podría ser hora de detenerse por un momento. Establecido para ser una de las entradas finales en lo que conocemos como DCEU, esta también es una de las mejores, una comedia de amigos ingeniosa y cálida que merece ser separada de todos los flops de DC y Warner Studios.


martes, 13 de junio de 2023

Crítica Cinéfila: Spider-Man - Across the Spider-Verse

Tras reencontrarse con Gwen Stacy, el amigable vecindario de Spider-Man de Brooklyn al completo es catapultado a través del Multiverso, donde se encuentra con un equipo de Spidermans encargados de proteger su propia existencia. Pero cuando los héroes se enfrentan sobre cómo manejar una nueva amenaza, Miles se encuentra enfrentado a las otras Arañas y debe redefinir lo que significa ser un héroe para poder salvar a la gente que más quiere.



Casi todos los largometrajes animados convencionales (y casi todas las películas de cómics también) establecen un tono y un diseño visual en el que la audiencia se conecta; la película, audaz, brillante e inteligente como puede ser, no se desviará mucho de eso. Pero las imágenes de “ Spider-Man: Across the Spider-Verse” tienen una imprevisibilidad embriagadora. La película te hace sentir como si estuvieras cayendo a través de los pisos de un museo de arte moderno o atravesando las páginas de un compendio de comics animados, pero hay una emocionante lógica de momento a momento en todo. Las imágenes locamente eclécticas expresan algo: una explosión de física cuántica que hace cosquillas en el globo ocular, y un guiño subliminal a algún estilo de cómic de hace décadas que es tan retro y deslumbrante que se siente novedoso. Parece que podría haber sido la primera película diseñada para ganar el visto bueno de Andy Warhol y Stephen Hawking (al mismo tiempo).

O quizás la segunda, ya que “Spider-Man: Into the Spider-Verse” también fue así. Estrenada en 2018, era una película basada en cómics tan vivaz y urgente, con imágenes tan hipnóticas, que dejó a la mayoría de las películas basadas en cómics en el olvido. Una razón para esto se relaciona con una de las locuras menos comentadas de nuestra cultura de películas de cómics, que es que las películas de cómics, o el 98 por ciento de ellas de todos modos, eliminan aspectos como su tono, punto de vista, actitud y efecto de cómics para darle prioridad a la narrativa y efectos visuales. En realidad, son dos formas completamente diferentes de ser una historia sobre comics.

Los cómics son rápidos, concisos y traviesamente inexpresivos, y nunca se sabe lo que traerá el próximo panel. Pero las películas de cómics de los grandes estudios tienden a ser pesadas en la parte superior, punzantes y visualmente grandilocuentes, con arcos rígidamente sobredeterminados. Dentro de eso, muchos de ellos son lo suficientemente divertidos, pero no tienen ningún misterio. 

Uno de los muchos placeres de “Spider-Man: Into the Spider-Verse” fue que, como esta fue la primera película de “Spider-Man” (y una de las únicas películas de la era cinematográfica de Marvel/DC) que fue animada, canalizó el aspecto, el espíritu y la maravilla a sabiendas plana de los cómics. Se basó en el elegante expresionismo del cine negro de las novelas gráficas de los años 90 y aprovechó su breve ingenio.

Pero también fue un festín visual espectacular. Fue la revelación del arte pop animada, con explosiones alucinantes de fallas, y cuando se trataba de representar la materia saliendo de un colisionador, te dejaba más boquiabierto que la secuela más embriagadora de "Avengers". La historia de Miles Morales, un adolescente negro latino de Brooklyn que fue mordido por una araña electromagnética, solo para descubrir que era uno de los muchos Spider-Men (y Spider-Mujeres, sin mencionar Spider-Porky Pigs) en el multiverso de posibilidades, lnos atrapó porque había algo en juego. En la mayoría de las historias de origen, el héroe entiende las cosas razonablemente rápido, pero el resultado de “Spider-Man: Into the Spider-Verse” es que fue desalentador ser el Hombre Araña. Era como literalmente saltar de un acantilado, y luego tenías que seguir saltando cuando no sabías lo que estabas haciendo. Eso se llama drama, algo que la mayoría de las películas de historietas de acción en vivo tienen.  

“Spider-Man: Into the Spider-Verse” puso el listón muy alto, y una de las razones por las que me preguntaba si “Spider-Man: Across the Spider-Verse” podría estar a la altura es que los codirectores de la película original (Bob Persichetti, Peter Ramsey, Rodney Rothman) han regresado solo como productores ejecutivos, reemplazados por otros tres directores (Joaquim Dos Santos, Kemp Powers, Justin K. Thompson). ¿Podría el nuevo trío reproducir esa embriagadora magia mutante del arte pop, esa astuta delicadeza narrativa, esa comprensión de la lógica de adentro hacia afuera de los cómics que parece eludir casi todas las películas de cómics de acción real?

Lo han hecho. “Spider-Man: Across the Spider-Verse” no solo amplía la historia de Miles Morales. La película avanza esa historia hacia nuevos reinos de asombro que la convierten en una genuina pieza espiritual que acompaña a la primera película. Ese nos hizo girar la cabeza y algo más; este nos hace girar la cabeza aún más. La película abre con un preludio diseñado para lanzarnos a la historia de Gwen Stacy (Hailee Steinfeld), la baterista de rock y Spider-Woman de blanco, en imágenes de amplio expresionismo que hacen que la primera película parezca un documental de verdad. Pensamos: ¿Es aquí adonde van? No, solo están jugando. Pero la historia de Gwen pone varios aspectos en juego, ya que su padre, un capitán de policía, culpa (erróneamente) a Spider-Woman por la muerte de Peter Parker. Esta será una película sobre la gravedad de la responsabilidad.

Miles, expresado con una arrogancia creciente por Shameik Moore, ahora es un maestro de la lucha contra el crimen de 15 años de edad en su dominio de Spider-Man de Nueva York, pero a medida que aprendemos, eso es más o menos un guiño. La película nos enreda en un conflicto de telenovela entre Miles y sus padres, Jefferson ( Brian Tyree Henry ) y Rio (Luna Lauren Vélez), quienes aún no tienen idea de que él es Spider-Man y, por lo tanto, encuentran muchos de su comportamientos como erráticos y perturbadores. Se presenta como un mentiroso, un adolescente con problemas ocultos (razón por la cual sus padres lo siguen castigando). Pero ese es el menor de sus problemas.

Aparece un supervillano: The Spot, también conocido como Jonathan Ohnn (Jason Schwartzman), un ex geek de la ciencia que trabajaba para Alchemax y fue mutilado genéticamente por la espectacular implosión del colisionador causada por Miles en la primera película. Ohnn ahora es una figura completamente blanca con manchas de tinta de agujero negro en su cuerpo que resultan ser portales al multiverso. Tiene más poder del que cree y busca venganza. Entre el drama familiar y este némesis lívido que cambia de forma, creemos que nos estamos preparando para un enfrentamiento de cómic convencional; sin embargo, la versión de esta película es mucho más que otro espectáculo de acción de Marvel.

Es más raro, más salvaje y mejor que eso. La película nos da tiempo para deleitarnos con la belleza tranquila de una escena en la que Miles y Gwen se unen, colgados boca abajo, en la cúpula de la Torre del Banco de Ahorros de Williamsburg, o para notar que la textura de la piel de los personajes está salpicada en puntos pixelados de libros de comics. Pero eso es antes de que Miles se sumerja en el multiverso: primero en Mumbai (o en la versión alternativa de ciencia ficción dibujada a mano), donde conoce a varios nuevos Spider-Folks, incluido Spider-Man India (Karan Soni), que es como la estrella de una banda de chicos de 2033; Jessica Drew (Issa Rae), una Spider-Woman imperiosa y embarazada; y, lo más espectacular, Spider-Punk (con la excelente voz de Daniel Kaluuya), un rufián londinense con estilo mohicano que se visualiza con una guitarra colgada de la espalda, como la versión ambulante de la portada del álbum Sex Pistols. La audiencia todavía está en el modo convencional de acuerdo, así que este debe ser el nuevo equipo de superhéroes, incluso cuando los personajes fallan en pinturas cubistas psicodélicas. Pero una vez que el episodio de Mumbai termina con la victoria, Miles es absorbido por el cuartel general de Spider-Man: el centro neurálgico futurista de Spider-Society, donde se reúnen hasta el último Spider-Man, hay cientos de ellos.

La película se divierte mucho con esto, presentando versiones de Spider-Man que son autos, videojuegos, gatos y dinosaurios. Peter Parker de Jake Johnson regresa, ahora con su actuación en conjunto y un Spider-tot a cuestas. Pero si todo esto fuera solo una broma, todo podría colapsar. En cambio, las apuestas aumentan, con el hermano de Spider-Man asumiendo una dimensión más compleja e incluso siniestra. El lugar está dirigido por Miguel O'Hara (Oscar Isaac), el “vampiro ninja” Spider-Man y el único Spider-Man que aparentemente carece de sentido del humor; es una figura ceñida y llena de cicatrices que mantiene el orden sagrado del lugar. Para preservar ese orden, hay historias en el canon de Spider-Man que no se pueden violar, como la muerte del tío Ben. Son como mitologías. Y a medida que el irritable pero amoroso padre de Miles es ascendido al puesto de capitán del Departamento de Policía de Nueva York, se convierte en uno de esos personajes. Miles tendrá que hacer algo muy oscuro para preservar la integridad del Spider-Verse.

Es una situación espinosa y dramáticamente convincente, todo gira en torno a la línea que alguien le dice a Miles: "No hay un libro de jugadas para ser alguien como tú". Eso llega a casa en la vertiginosa secuencia de persecución en la que Miles, perseguido por cientos de Spider-Men demencialmente diversos, intenta escapar del cuartel general de Spider-Man y volver a casa. En la primera película, todavía estaba aprendiendo a balancearse de su red como enredaderas. En este, aprovechando sus poderes de invisibilidad y electrificación, es como si tuviera que convertirse en un gimnasta existencial que opera de acuerdo con las leyes del ajedrez tridimensional. La película nos conecta a un escalón completamente superior de los videojuegos. Para luego dar el verdadero twist.

“Spider-Man: Across the Spider-Verse” termina con un suspenso: la decisión se tomó hace varios años de dividir la secuela en dos. Las series originales de suspenso, las que inspiraron "En busca del arca perdida", te hicieron esperar una semana. En este caso, tenemos que esperar más cerca de un año. Pero la impaciencia que ahora muchos sienten es realmente por la inversión que sintió la audiencia en la historia y en el audiovisual. “Spider-Man: Across the Spider-Verse” ha hecho un pacto con nosotros, uno que es cada vez más raro en el universo del cine pop. Es prometedor que la serie nos mantenga enganchados, en cada fotograma, a la sorpresa. Y el final con el que nos dejan solo garantiza que el espectáculo visual puede evolucionar aún más.


domingo, 20 de junio de 2021

Crítica Cinéfila: A Quiet Place Part II

Tras los fatales acontecimientos sucedidos en la primera parte, la familia Abbot (Emily Blunt, Millicent Simmonds y Noah Jupe) debe enfrentarse a los peligros del mundo exterior mientras luchan en silencio por sobrevivir. Forzados a aventurarse en lo desconocido, pronto se dan cuenta de que las criaturas que cazan orientadas por el sonido no son la única amenaza que acecha más allá del camino de arena.



¿A quién (que sea fanático del cine de terror/scifi) no le gustó "A Quiet Place" de 2018? Todo el que tuvo la oportunidad de ir al cine a ver esta primera película de John Krasinski reconoce que fue una experiencia cinematográfica increíble/terrorífica, por eso no es duda que para este verano - un año después de que originalmente debía estrenarse - el director John Krasinski nos está dando lo que realmente nos hemos estado perdiendo durante toda esta pandemia: monstruos alienígenas con gruñidos, pesadillas y colmillos temibles que llenan una pantalla grande de tensión silenciosa.

La secuela de ciencia ficción y terror de supervivencia "A Quiet Place Part II" no está a la altura de la sensación refrescante o la novedad innovadora del éxito original de 2018, donde el silencio es verdaderamente dorado en una existencia postapocalíptica llena de criaturas ciegas que atacan cosas ruidosas y humanos más ruidosos. Pero las criaturas siguen siendo extrañas, los paisajes sonoros siguen siendo interesantes, Emily Blunt continúa elevándose a un nivel Sigourney Weaver, y esta vez la historia expande el mundo, además permite que los niños se hagan cargo de algunas de las aventuras de vivir o morir. También funciona como una solución escalofriante para el público que vuelve a abrir los cines.

El seguimiento se remonta al primer día de la invasión en un prólogo asombroso y desconcertante: un día de baseball de ligas pequeñas en un pueblo pequeño se convierte en una carnicería absoluta y un caos cortesía de las bestias extraterrestres que acaban de llegar a la Tierra, y la familia Abbott, incluido su padre Lee (Krasinski), la madre Evelyn (Blunt), la hija sorda Regan (Millicent Simmonds) y su hijo Marcus (Noah Jupe) - se quedan luchando por ponerse a salvo. La acción luego cambia al presente, el día 474, que comienza donde terminó la película original, con Evelyn y los niños (incluido su bebé recién nacido) empacando lo que pueden y partiendo después de que Evelyn derrotara a uno de los demonios y Lee se sacrificara para salvar a los niños.

Al menos han descubierto cómo matar a los monstruos que los cazan: la combinación que provoca la onda sonora del implante coclear de Regan y un amplificador hace que las criaturas levanten su armadura impenetrable, y luego un disparo de escopeta en la cara las aniquila. Pero después de permanecer con vida aislados en su granja, ahora los Abbott tienen que lidiar con lo mucho que ha cambiado el mundo, incluido sus compañeros sobrevivientes. Uno de ellos es Emmett (Cillian Murphy), un viejo amigo que perdió a toda su familia y se convierte en un aliado reacio después de que Marcus resulta herido cuando su pierna queda atrapada en una trampa para osos.

La familia navega por su nueva realidad, y eso significa averiguar en qué personas confiar, tomar algunas decisiones incorrectas y, en general, tratar de no morir.

Puede que Krasinski todavía sea un cineasta algo nuevo, pero este señor es un maestro en aumentar la tensión simplemente con el tintineo de botellas o el graznido de los pájaros en los momentos adecuados en un escenario que a menudo hace honor al nombre de “Quiet Place”. Y si no has estado en una sala de cine en 438 días, los sonidos más pequeños son aún más discordantes.

El egresado de "The Office" mantiene tu estómago tan tenso que harás un buen entrenamiento de abdominales durante las escenas en las que Regan se enfrenta a una criatura en un tren abandonado lleno de cadáveres (la pareja de Simmonds y Murphy lleva a las mejores escenas de la película) o cuando Marcus tiene para mantener a su hermanito a salvo de una muerte segura mientras se esconde en un horno. Por mucho que la primera película tratara sobre los padres que se convirtieron en héroes, “Part II” pone énfasis en la próxima generación que tiene que heredar lo que queda del mundo.

El nuevo "Quiet Place" no tiene nada de lujoso, ni es necesario: agregando algunas arrugas nuevas y saliendo de la claustrofobia al estilo "Alien", pero es una secuela sólida que sonará lo suficientemente bien para gente que, como los Abbott, también se está aventurando en un mundo que se siente un poco distinto.


jueves, 25 de junio de 2020

Crítica Cinéfila: The Vast of Night

Años 50. Nuevo México, Estados Unidos. Dos jóvenes, un locutor y una teleoperadora, descubren una frecuencia que podría cambiar su vida y la de toda la humanidad para siempre. 



En los años 50, ¿qué se sabía de las abducciones extraterrestres? ¿Creían en los alienígenas y en la vida interestelar? Quizás estos pensamientos eran ajenos a la sociedad de aquel entonces, mientras estaban ocupados con otros temas banales y hasta insignificantes en comparación a los verdaderos problemas que afectaban a la minoría del grupo. En The Vast of Night, la opera prima del director Andrew Patterson, la audiencia es trasladada a ese sentimiento desesperante sobre la confrontación de realidades que la sociedad se niega a aceptar aún cuando está frente a sus propios ojos.

Durante una noche de verano, el pequeño pueblo de Cayuga se prepara para un partido importante de baloncesto que convoca a casi toda la población. Mientras el equipo de transmisión concluye los preparativos para el torneo, los jóvenes Fay (Sierra McCormick) y Everett (Jake Horowitz) caminan fuera de la cancha mientras prueban una nueva grabadora de cassette de Fay. En el camino, las luces parpadean producto de alguna frecuencia atravesando la zona, pero ambos están tan distraídos en sus conversaciones sobre gadgets del futuro, como el GPS, los smartphones y trenes tan veloces como el Amtrak que parecen imposibles de creer para la época en que ellos están.

De repente, mientras están en sus respectivos trabajos, la frecuencia vuelve a interferir, y al Fay darse cuenta, ella rápidamente se lo menciona a Everett para que lo transmita en vivo y encontrar a alguien que posiblemente sepa de donde proviene. Sus trabajos se vuelven irrelevantes cuando la investigación los obliga a salir de las cabinas de radio y telecomunicación para encontrar mayores respuestas a un sonido que, aunque solo sonará como una simple onda frecuencial, se convertirá en un mensaje intergaláctico de seres más allá de los límites psicológicos de la población, confrontando no solo el misterioso secreto detrás del sonido, sino también ideologías sociales que obligaron a los que sabían de este a quedarse callados y sufrir con su silencio.

A principios, the Vast of Night parece un episodio de The Twilight Zone, ocasionalmente cambiando su formato de cinematografía a uno retro para dar esa sensación del cambio de época. La fotografía de M. I. Littin-Menz era variante: de momentos saltaba de un viaje en dron alrededor de la ciudad a un aspecto granulado de antigüedad, con la perspectiva de un viejo televisor con la sensación de estar viendo un episodio de misterio de nuestro programa favorito de aquellos tiempos. Es una aventura de colores, oscuridad y luces para resaltar un viaje ficticio sin necesidad de efectos visuales sorprendentes.

Pero esto no solo afectó positivamente el estilo cinematográfico, sino que ocasionó un cambio en lo tradicional cómo se aprecia el cine: es una exposición a lo clásico manteniendo una serie de sonidos y conversaciones grabadas como los verdaderos protagonistas de la historia, mientras que McCormick y Horowitz acompañaban la película con sus conflictos tanto emocionales como su interés por encontrarle un significado y origen a la misteriosa frecuencia que parece aparecer de la nada a lo largo de la noche. En un mundo típico dentro de las apreciaciones cinéfilas de misterio, esto significaría que los aspectos técnicos hubiesen sido primordiales sobre la misma trama. Sin embargo, este no es el caso.

Así como los sonidos tuvieron un valor narrativo que eran parte importante del enfoque de la historia, Fay y Everett jugaron un rol muy importante en darle vida e atracción emocional al misterio. Eran los ojos curiosos de un sinnúmero de personas en la audiencia que solo quieren creer lo que nadie se atreve a decir que es real. Pero separándonos un poco de los detalles de suspenso que tuvieron que confrontar las actuaciones de McCormick y Horowitz, su verdadero talento se resalta con la representación del comportamiento de los jóvenes en esta época, no solo para llamar la atención con sus palabras peculiares, el acento adquirido y sus formas de actuar en la sociedad, sino por el constante llamado de superioridad de un grupo social y los problemas que afrontaban aún la nueva generación, como el machismo y el racismo. 

La transformación de McCormick y Horowitz también es gracias al excelente trabajo de maquillaje y vestuario de Jamie Reed, quienes le dieron un cambio radical de generación y los teletransportaron a un tiempo diferente con la vestimenta adecuada. Así mismo se resalta todo el trabajo de diseño de producción que se enfocaron en los detalles que verdaderamente trasladan a la audiencia a una determinada época en la sociedad, desde el uso de los audífonos en las telecomunicadoras hasta las grabadoras más "modernas" de ese año.

Pero dejando a un lado todos estos aspectos, el verdadero llamativo de la historia es su trama y cómo su género es elevado de una manera tal que crea ansiedad con tan solo unos segundo de silencio. La simpleza de su conflicto hace de la aventura más emocionante y dolorosa, con un final que solo le cabe a un capítulo prime de The Twilight Zone. Si se aleja de la temática de ciencia ficción, la calidez y frialdad humana así como los traumas de cada uno de los personajes son los que recrean con facilidad ese suspenso y miedo a lo inevitable. Allí Patterson (quien usa el pseudónimo de James Montague) destaca su talento como guionista, aprovechando los tiempos pasivos para traer a la luz otros temas que igualmente se tratan de resaltar en esta historia, como los misterios de los casos militares y el escepticismo a la vida alienígena.

The Vast of Night es una opera prima asombrosa y sin desperdicios de principio a final.  Es rara e intrigante, con un material simple de producción excelente y con estilo. Consigue ser inquietante e interesante a pesar de desarrollarse a través de una serie de conversaciones y diálogos, pero es esa convencionalidad lo que le otorga corazón y sinceridad, y esa honestidad lo que hace que sea tan atractiva. 


The Vast of Night

Ficha técnica

Dirección: Andrew Patterson
Producción: James Montague, Melissa Kirkendall, Adam Dietrich
Guión: James Montague, Craig W. Sanger
Música: Erick Alexander, Jared Bulmer
Cinematografía: M.I. Littin-Menz
Montaje: Junius Tully
Protagonistas: Sierra McCormick, Jake Horowitz