Crítica Cinéfila: Sound of Metal

Narra la historia de un joven batería de una banda de música que comienza a perder la audición.

Riz Ahmed es el tipo de actor que siempre parece sobresalir del encuadre, y en "Sound of Metal", está atrapado. Como Ruben, el baterista de heavy metal que se queda sordo, Ahmed transmite las complejas frustraciones de perder el contacto con el mundo que lo rodea, sin importar cuánto luche por aferrarse a él. Este enigma devastador se basa en el mejor uso del diseño de sonido en la memoria reciente, ya que su director y guionista Darius Marder sumerge a los espectadores dentro de los límites de la relación en deterioro de Ruben con el mundo que lo rodea, y clasifica lo demás para construir uno nuevo. La brillante actuación de Ahmed se asienta en un complejo paisaje sonoro que resuena incluso en un silencio total.

Desde el momento en que Ruben aparece en pantalla, Marder sube el volumen. Golpeando su batería en el calor de un espectáculo a todo volumen, Ruben parece tener la rutina ideal para adaptarse a sus talentos. Viviendo en una casa rodante destartalada con su novia y compañera de banda Lou (Olivia Cooke), está inmerso en una gira y ha encontrado una partner-in-crime para mantener su vida en equilibrio. Mientras la pareja deambula por su casa móvil al ritmo del jazz clásico, su nerviosismo insinúa la historia de la adicción que se manifiesta más adelante; al mismo tiempo, está claro que han pasado de ese capítulo a una unión poderosa.

Ruben está sorprendido cuando, sin previo aviso, la música se amortigua en un zumbido sordo una noche, enviándolo en una búsqueda desesperada de un médico. El rostro de Ahmed encarna el puro horror de la situación cuando se da cuenta de que casi no escucha, dejándolo incapaz de comprender la mayoría de las palabras a su alrededor. Los profesionales médicos no se detienen a pensar por qué le sucedió (podría ser el ruido de la batería, podría ser una afección autoinmune) porque la conclusión es la misma: no regresa y necesita preservar la audición que le queda. En cambio, sigue sus instintos de regreso al escenario, hasta que casi lo destruye.

El primer acto desorientador de la película es la historia de un músico mugriento comprometido con el costo físico de su arte hasta el punto de la ignorancia voluntaria. Pero Lou, a quien Cooke interpreta con una convincente mezcla de empatía e ira, no quiere nada de eso. Marder nos da fragmentos de la condición en declive de Ruben mientras la pareja discute sobre la situación, haciendo malabares con las llamadas unilaterales con su gerente hasta que recibe ayuda de mala gana.

Esa decisión coloca la película en una sección intermedia fascinante, ya que Ruben se alista en una comunidad de sordos remota para adictos en recuperación y gradualmente se sumerge en su ecosistema único. Supervisada por el lector de labios Joe (Paul Raci), la casa le brinda a Ruben la oportunidad de aceptar su sordera en lugar de apresurarse a reunir fondos para un impacto coclear. El supervisor ve potencial en la actitud luchadora de Ruben, empujándolo a través de una vida dura para hacer las paces con su condición. A medida que Ruben comienza a aprender el lenguaje de señas, deambula por la propiedad e incluso se une a los niños sordos en una escuela primaria vecina/

Pero la vida tiende a seguir caminos irregulares, y la relación de Ruben con su vida anterior lo lleva a realizar una serie de actos desesperados que amenazan con arruinar su progreso. Marder, quien escribió la película con su hermano Abraham, deja caer pequeños detalles que apuntan al complejo conflicto interno de Ruben mientras lucha por clasificar sus prioridades. Incluso los momentos más cálidos y equilibrados de la película vienen teñidos de la inquietud de que todo podría desmoronarse en cualquier momento. 

Pero ese delicado equilibrio no funcionaría sin la encarnación de Ahmed del desafío en cuestión: el actor muestra un comportamiento furioso y conmocionado durante la mayor parte de la película, y siempre es una demostración convincente. Ahmed es tan creíble que mantiene el suspenso del drama en juego incluso cuando se empuja a circunstancias artificiales durante el prolongado acto final, y finalmente da un salto melodramático. La adicción tardía de la historia de fondo familiar, con un cameo glorificado de Mathieu Amalric como el padre perspicaz de Lou, tiene una cualidad de calzado que se siente como si estuviera sacada de una película menor. Por mucho que Marder sobresalga en la construcción de estas circunstancias, no puede conseguir el paquete completo.

Afortunadamente, la película llega en un momento solitario que lleva su poesía a un final satisfactorio. Tras una escena en la que los aplausos se desdibujan hasta convertirse en un siseo ensordecedor, Marder nos devuelve al silencio, poniendo en primer plano la forma en que Ruben debe desvincularse de una vida que ya no es sostenible. Gran parte del crédito de esta película se lo lleva el departamento de sonido, supervisado por el editor de sonido Nicolas Becker, quien tuvo créditos más pequeños en películas como "Gravity" y "Arrival". 

Durante gran parte de la película, Ruben exuda la desesperación de un hombre dispuesto a restaurar su audición a cualquier costo; el peso emocional de este drama conmovedor proviene de su capacidad para llegar a una nueva revelación. “Sound of Metal” trata, en última instancia, de lo que significa marchar al ritmo de un tambor diferente cuando la música familiar se detiene para siempre.

Crítica Cinéfila: I'm Your Woman

Jean es un mujer casada que lleva una vida cómoda dedicada a su marido Eddie y a su pequeño bebé. Hasta el día que su marido, un criminal, decide traicionar a sus socios y entonces Jean se ve obligada a huir con su bebé a cuestas.

Estaremos por la mitad de “I'm your Woman” antes de que se aclare su premisa, pero el misterio es tan apasionante como su recompensa. El cuarto largometraje de la directora Julia Hart combina un apasionante giro de Rachel Brosnahan como actriz con un tenso guión ambientado en los años 70 construido como una especie de rompecabezas. La imagen completa puede equivaler a una historia de gángster artificial, pero Hart (que escribió el guión con su compañero Jordan Horowitz) aborda esa fórmula de adentro hacia afuera. Para cuando te das cuenta del tipo de película que estás viendo, ya ha pasado mucho tiempo para poder dar pasos hacia atrás.

"I'm Your Woman" le debe mucho a la evolución de la interpretación de Brosnahan mientras pasa de ama de casa aterrorizada a sobreviviente mordaz a lo largo de la película, y la película consolida las fortalezas del trabajo anterior de Hart. Al igual que su guión de la Guerra Civil, “The Keeping Room”, encuentra a mujeres atrapadas en un mundo de hombres y obligadas a recurrir a la violencia como medio de escape. Y al igual que el drama de superhéroes de baja fidelidad "Fast Color", su heroína se fugó antes de que ella realmente entendiera lo que la persigue y por qué es mejor enfrentarlo de frente. "I'm your woman" es una serie de crímenes a fuego lento empapada de intriga, compensando un primer acto chirriante.

Los primeros minutos sugieren una experiencia muy diferente: un melodrama inquietante con toques de "Rosemary's Baby" más que el esfuerzo de género feminista por venir. Cuando Eddie (Bill Heck) aparece de repente en su casa con un bebé y se lo da a su esposa Jean (Brosnahan), ella lo acepta sin dudarlo. Sin contexto para el intercambio, la película flota en la incertidumbre de su dinámica y luego se dobla hacia atrás para explicarla.

Cuando Eddie, cuya oscura carrera sigue siendo un secreto para su esposa, desaparece, un pistolero frenético llamado Cal (Arinzé Kene) aparece para explicar por qué ella y su bebé adoptado deben huir. Lo hace, atravesando una serie de casas francas y evadiendo a varios matones asesinos que intentan usarla para localizar a su esposo.

A estas alturas, debería quedar claro que esta película tiene mucho más que ver con la esposa de Eddy, y los detalles desconocidos de su vida. La mayoría de los villanos son caricaturas abstractas, matones que sirven para muy poco más allá de aumentar el cociente de peligro en momentos clave, pero son distracciones momentáneas en una película arraigada en la naturaleza peculiar de la crisis de identidad de Jean.

Mientras insinúa un mundo mucho más grande, la película se desarrolla en fragmentos de pequeños intercambios y Brosnahan está en cada escena. Al principio, la película parece encaminada a un tipo de híbrido de romance verdadero: mientras Jean se une a Cal en un restaurante nocturno, parece que su protector contratado podría reemplazar al hombre que la dejó atrás. Pero esta historia tiene intenciones más sofisticadas. Jean se encuentra acurrucada en el bosque junto a la familia de Cal, incluida su esposa Teri (Marsha Stephanie Blake), cuyos vínculos con el esposo de Jean aportan claridad adicional a su enigma. Jean solo quiere una vida pacífica, pero a través de la trama se da cuenta de que metas tan elevadas requieren más que esperar a que se cumplan.

La película pasa del suspenso suburbano a una supervivencia boscosa, uniéndolo con una atmósfera resbaladiza de pavor. El período de tiempo es irrelevante, aparte de las influencias cinematográficas que recuerdan a “The Parallax View” y otros thrillers de la era de los 70. Hart y el director de fotografía Bryce Fortner se destacan por mezclar imágenes de estilo noir con repentinos estallidos de acción frenética, desde un primer plano que perdura en una cabina telefónica en medio de un tiroteo a la imagen en tonos neón de los autos volcados en una calle abandonada. La sutil partitura para piano de Aska Matsumiya oscila entre siniestro y búsqueda, apuntando hacia un enigma que requiere que el arco completo de la historia se asiente.

Hay mucho estilo en "I'm Your Woman", y la sustancia lo respalda en gran medida. Justo cuando la situación de Jean comienza a volverse repetitiva, la nueva información complica su nueva rutina y Brosnahan, en un personaje muy diferente al de “The Marvelous Mrs. Maisel”, exhibe una confianza creciente que se convierte en la verdadera estrella del espectáculo.

Para Hart, la película avanza el potencial de "Fast Color" para fusionar el escapismo con temas más profundos y socialmente relevantes. La trayectoria de Jean adquiere una resonancia moderna cuando se enfrenta a la naturaleza de una existencia previamente definida por personas que intentan excluirla. Hay una cualidad empoderadora en verla ir más allá de eso y una satisfacción fundamental en cómo la película utiliza elementos confiables para hacer el trabajo. Es casi demasiado fácil recordar la cita de Jean-Luc Godard de que cada película necesita una chica y una pistola, pero "I'm Your Woman" toma esa frase y le da un nuevo propósito.

Crítica Cinéfila: The Vast of Night

Años 50. Nuevo México, Estados Unidos. Dos jóvenes, un locutor y una teleoperadora, descubren una frecuencia que podría cambiar su vida y la de toda la humanidad para siempre. 

En los años 50, ¿qué se sabía de las abducciones extraterrestres? ¿Creían en los alienígenas y en la vida interestelar? Quizás estos pensamientos eran ajenos a la sociedad de aquel entonces, mientras estaban ocupados con otros temas banales y hasta insignificantes en comparación a los verdaderos problemas que afectaban a la minoría del grupo. En The Vast of Night, la opera prima del director Andrew Patterson, la audiencia es trasladada a ese sentimiento desesperante sobre la confrontación de realidades que la sociedad se niega a aceptar aún cuando está frente a sus propios ojos.

Durante una noche de verano, el pequeño pueblo de Cayuga se prepara para un partido importante de baloncesto que convoca a casi toda la población. Mientras el equipo de transmisión concluye los preparativos para el torneo, los jóvenes Fay (Sierra McCormick) y Everett (Jake Horowitz) caminan fuera de la cancha mientras prueban una nueva grabadora de cassette de Fay. En el camino, las luces parpadean producto de alguna frecuencia atravesando la zona, pero ambos están tan distraídos en sus conversaciones sobre gadgets del futuro, como el GPS, los smartphones y trenes tan veloces como el Amtrak que parecen imposibles de creer para la época en que ellos están.

De repente, mientras están en sus respectivos trabajos, la frecuencia vuelve a interferir, y al Fay darse cuenta, ella rápidamente se lo menciona a Everett para que lo transmita en vivo y encontrar a alguien que posiblemente sepa de donde proviene. Sus trabajos se vuelven irrelevantes cuando la investigación los obliga a salir de las cabinas de radio y telecomunicación para encontrar mayores respuestas a un sonido que, aunque solo sonará como una simple onda frecuencial, se convertirá en un mensaje intergaláctico de seres más allá de los límites psicológicos de la población, confrontando no solo el misterioso secreto detrás del sonido, sino también ideologías sociales que obligaron a los que sabían de este a quedarse callados y sufrir con su silencio.

A principios, the Vast of Night parece un episodio de The Twilight Zone, ocasionalmente cambiando su formato de cinematografía a uno retro para dar esa sensación del cambio de época. La fotografía de M. I. Littin-Menz era variante: de momentos saltaba de un viaje en dron alrededor de la ciudad a un aspecto granulado de antigüedad, con la perspectiva de un viejo televisor con la sensación de estar viendo un episodio de misterio de nuestro programa favorito de aquellos tiempos. Es una aventura de colores, oscuridad y luces para resaltar un viaje ficticio sin necesidad de efectos visuales sorprendentes.

Pero esto no solo afectó positivamente el estilo cinematográfico, sino que ocasionó un cambio en lo tradicional cómo se aprecia el cine: es una exposición a lo clásico manteniendo una serie de sonidos y conversaciones grabadas como los verdaderos protagonistas de la historia, mientras que McCormick y Horowitz acompañaban la película con sus conflictos tanto emocionales como su interés por encontrarle un significado y origen a la misteriosa frecuencia que parece aparecer de la nada a lo largo de la noche. En un mundo típico dentro de las apreciaciones cinéfilas de misterio, esto significaría que los aspectos técnicos hubiesen sido primordiales sobre la misma trama. Sin embargo, este no es el caso.

Así como los sonidos tuvieron un valor narrativo que eran parte importante del enfoque de la historia, Fay y Everett jugaron un rol muy importante en darle vida e atracción emocional al misterio. Eran los ojos curiosos de un sinnúmero de personas en la audiencia que solo quieren creer lo que nadie se atreve a decir que es real. Pero separándonos un poco de los detalles de suspenso que tuvieron que confrontar las actuaciones de McCormick y Horowitz, su verdadero talento se resalta con la representación del comportamiento de los jóvenes en esta época, no solo para llamar la atención con sus palabras peculiares, el acento adquirido y sus formas de actuar en la sociedad, sino por el constante llamado de superioridad de un grupo social y los problemas que afrontaban aún la nueva generación, como el machismo y el racismo. 

La transformación de McCormick y Horowitz también es gracias al excelente trabajo de maquillaje y vestuario de Jamie Reed, quienes le dieron un cambio radical de generación y los teletransportaron a un tiempo diferente con la vestimenta adecuada. Así mismo se resalta todo el trabajo de diseño de producción que se enfocaron en los detalles que verdaderamente trasladan a la audiencia a una determinada época en la sociedad, desde el uso de los audífonos en las telecomunicadoras hasta las grabadoras más "modernas" de ese año.

Pero dejando a un lado todos estos aspectos, el verdadero llamativo de la historia es su trama y cómo su género es elevado de una manera tal que crea ansiedad con tan solo unos segundo de silencio. La simpleza de su conflicto hace de la aventura más emocionante y dolorosa, con un final que solo le cabe a un capítulo prime de The Twilight Zone. Si se aleja de la temática de ciencia ficción, la calidez y frialdad humana así como los traumas de cada uno de los personajes son los que recrean con facilidad ese suspenso y miedo a lo inevitable. Allí Patterson (quien usa el pseudónimo de James Montague) destaca su talento como guionista, aprovechando los tiempos pasivos para traer a la luz otros temas que igualmente se tratan de resaltar en esta historia, como los misterios de los casos militares y el escepticismo a la vida alienígena.

The Vast of Night es una opera prima asombrosa y sin desperdicios de principio a final.  Es rara e intrigante, con un material simple de producción excelente y con estilo. Consigue ser inquietante e interesante a pesar de desarrollarse a través de una serie de conversaciones y diálogos, pero es esa convencionalidad lo que le otorga corazón y sinceridad, y esa honestidad lo que hace que sea tan atractiva. 

The Vast of Night

Ficha técnica

Dirección: Andrew Patterson

Producción: James Montague, Melissa Kirkendall, Adam Dietrich

Guión: James Montague, Craig W. Sanger

Música: Erick Alexander, Jared Bulmer

Cinematografía: M.I. Littin-Menz

Montaje: Junius Tully

Protagonistas: Sierra McCormick, Jake Horowitz