Crítica Cinéfila: A Quiet Place Part II

Tras los fatales acontecimientos sucedidos en la primera parte, la familia Abbot (Emily Blunt, Millicent Simmonds y Noah Jupe) debe enfrentarse a los peligros del mundo exterior mientras luchan en silencio por sobrevivir. Forzados a aventurarse en lo desconocido, pronto se dan cuenta de que las criaturas que cazan orientadas por el sonido no son la única amenaza que acecha más allá del camino de arena.

¿A quién (que sea fanático del cine de terror/scifi) no le gustó "A Quiet Place" de 2018? Todo el que tuvo la oportunidad de ir al cine a ver esta primera película de John Krasinski reconoce que fue una experiencia cinematográfica increíble/terrorífica, por eso no es duda que para este verano - un año después de que originalmente debía estrenarse - el director John Krasinski nos está dando lo que realmente nos hemos estado perdiendo durante toda esta pandemia: monstruos alienígenas con gruñidos, pesadillas y colmillos temibles que llenan una pantalla grande de tensión silenciosa.

La secuela de ciencia ficción y terror de supervivencia "A Quiet Place Part II" no está a la altura de la sensación refrescante o la novedad innovadora del éxito original de 2018, donde el silencio es verdaderamente dorado en una existencia postapocalíptica llena de criaturas ciegas que atacan cosas ruidosas y humanos más ruidosos. Pero las criaturas siguen siendo extrañas, los paisajes sonoros siguen siendo interesantes, Emily Blunt continúa elevándose a un nivel Sigourney Weaver, y esta vez la historia expande el mundo, además permite que los niños se hagan cargo de algunas de las aventuras de vivir o morir. También funciona como una solución escalofriante para el público que vuelve a abrir los cines.

El seguimiento se remonta al primer día de la invasión en un prólogo asombroso y desconcertante: un día de baseball de ligas pequeñas en un pueblo pequeño se convierte en una carnicería absoluta y un caos cortesía de las bestias extraterrestres que acaban de llegar a la Tierra, y la familia Abbott, incluido su padre Lee (Krasinski), la madre Evelyn (Blunt), la hija sorda Regan (Millicent Simmonds) y su hijo Marcus (Noah Jupe) - se quedan luchando por ponerse a salvo. La acción luego cambia al presente, el día 474, que comienza donde terminó la película original, con Evelyn y los niños (incluido su bebé recién nacido) empacando lo que pueden y partiendo después de que Evelyn derrotara a uno de los demonios y Lee se sacrificara para salvar a los niños.

Al menos han descubierto cómo matar a los monstruos que los cazan: la combinación que provoca la onda sonora del implante coclear de Regan y un amplificador hace que las criaturas levanten su armadura impenetrable, y luego un disparo de escopeta en la cara las aniquila. Pero después de permanecer con vida aislados en su granja, ahora los Abbott tienen que lidiar con lo mucho que ha cambiado el mundo, incluido sus compañeros sobrevivientes. Uno de ellos es Emmett (Cillian Murphy), un viejo amigo que perdió a toda su familia y se convierte en un aliado reacio después de que Marcus resulta herido cuando su pierna queda atrapada en una trampa para osos.

La familia navega por su nueva realidad, y eso significa averiguar en qué personas confiar, tomar algunas decisiones incorrectas y, en general, tratar de no morir.

Puede que Krasinski todavía sea un cineasta algo nuevo, pero este señor es un maestro en aumentar la tensión simplemente con el tintineo de botellas o el graznido de los pájaros en los momentos adecuados en un escenario que a menudo hace honor al nombre de “Quiet Place”. Y si no has estado en una sala de cine en 438 días, los sonidos más pequeños son aún más discordantes.

El egresado de "The Office" mantiene tu estómago tan tenso que harás un buen entrenamiento de abdominales durante las escenas en las que Regan se enfrenta a una criatura en un tren abandonado lleno de cadáveres (la pareja de Simmonds y Murphy lleva a las mejores escenas de la película) o cuando Marcus tiene para mantener a su hermanito a salvo de una muerte segura mientras se esconde en un horno. Por mucho que la primera película tratara sobre los padres que se convirtieron en héroes, “Part II” pone énfasis en la próxima generación que tiene que heredar lo que queda del mundo.

El nuevo "Quiet Place" no tiene nada de lujoso, ni es necesario: agregando algunas arrugas nuevas y saliendo de la claustrofobia al estilo "Alien", pero es una secuela sólida que sonará lo suficientemente bien para gente que, como los Abbott, también se está aventurando en un mundo que se siente un poco distinto.

Crítica Cinéfila: Honey Boy

La historia se centra en la tormentosa infancia de un joven actor y sus primeros años de la adultez mientras lucha por reconciliarse con su padre y lidiar con su salud mental.

Pocos actores han engendrado el nivel de curiosidad y confusión que rodea a Shia LaBeouf, sin embargo, se ha visto poco impacto en su carrera cinematográfica. Los arrestos de LaBeouf por intoxicación pública y su mezcla de arte de performance pueden haber obstaculizado su perfil público, pero nunca degradaron la calidad de una filmografía arriesgada y sustancial. Ahora, las facetas de duelo de la carrera y la vida pública de LaBeouf han chocado de la manera más intrigante.

Con "Honey Boy", LaBeouf ha escrito un resumen autobiográfico sobrio de su problemática juventud, atribuyendo gran parte de su entrada áspera en la edad adulta a su padre abusivo, un papel exuberante que el propio actor encarna con un gran machismo inquietante. Dirigida por el documentalista expresionista Alma Har'el en su debut narrativo, "Honey Boy" se beneficia del buen ojo de la cineasta, incluso cuando introduce el trauma de la vida real en ritmos convencionales.

Otis es un niño de 12 años que descubre desde muy joven la fama en Hollywood. Su padre es un antiguo payaso de rodeo con diversos problemas, ahora sin trabajo, que decide convertirse en su guardián. Cuando Otis no está divirtiendo a un selecto público, pasa el rato con su padre en un motel de mala muerte situado en las afueras de donde acude a grabar. La convivencia entre ambos es muy compleja: Otis se ve obligado a sufrir sus abusos mientras ambos intentar dar sentido a una relación que se reproduce en el tiempo a lo largo de más de una década.

Mientras "Honey Boy" se adhiere a un libro de jugadas tradicional para historias naturalistas de jóvenes problemáticos, pide lecturas más profundas desde su primera toma: en el 2005, un joven ligeramente ficcionalizado como "Otis" (Lucas Hedges), soporta algunos explosivos trabajo de acrobacias en el set de una gran producción de Hollywood que solo podría ser "Transformers". Vislumbrado en un denso montaje involucrado en un notable desenfoque de los horarios de producción, consumo excesivo de alcohol y conexiones, Otis apenas ha dicho una palabra antes de que voltee su auto y aterrice en la cárcel, seguido de rehabilitación. Una vez presionado por su terapeuta (Laura San Giacomo) para considerar su pasado como lo que ha causado tantos traumas en él, comienza el flashback: es 1995, cuando el preadolescente Otis (Noah Jupe) se encuentra en el centro de otra producción insustancial, esta vez un espectáculo infantil descartable que solo podría ser "Even Stevens".

A partir de ahí, "Honey Boy" se instala en sus dos períodos de tiempo, haciendo conexiones poco sutiles entre la forma en que el padre de LaBeouf (un padre llamado James, basado en el Jeffrey de la vida real) empujó a su hijo mientras tropezaba con una serie de pobres decisiones y el eventual impacto que tuvo en la propia trayectoria rocosa de LaBeouf. Diagnosticado desde el principio con el trastorno de estrés postraumático, Otis, de veinte años, lidia con sus recuerdos para darle sentido a su hogar roto. Mientras Hedges habita el papel con poco más que miradas furtivas y el berrinche ocasional, la mayor parte de la película involucra a su contraparte más joven. Afortunadamente, él es la gracia salvadora de la película: Jupe, quien también lo recordamos de "A Quiet Place", ocupa el centro del escenario  como un brote de buena fe.

El sutil giro de Jupe se destaca frente a la transformación menos convincente de LaBeouf, que encuentra al actor envuelto en una peluca calva, cabello hasta los hombros, patillas desordenadas y tripa visible, mientras se pone un acento sureño. El rendimiento hiperbólico de LaBeouf encuentra su ritmo con el tiempo, ya que el alcance completo de la historia de James se aclara en una serie de encuentros fugaces: un delincuente sexual convicto y un veterano de Vietnam que cumplió condena, se divorció de su esposa y traficaba drogas, James verifica casi todas las casillas del perfil de "padre sin vida". Y en una floritura que parecería exagerada si no se extrajera de la verdad, se gana la vida como un payaso.

La narración que sigue tiene muchos momentos de libros de texto, algunos más torpes que otros: recordatorios recurrentes de que James, reacio a los afectos, se niega a tomar la mano de su hijo, la cálida compañía de Otis con una niña mayor del vecindario en la comunidad de moteles económicos donde encuentra solo el más mínimo indicio de calidez, y la tienda de monedas de diez centavos que psicologiza las sesiones de rehabilitación se desarrollan más o menos de manera esquemática acorde con un guión.

El autoanálisis de LaBeouf es demasiado obvio para revelar mucha autorreflexión. "¡Soy un hombre adulto con un complejo de inferioridad!", Espeta Hedges desde el principio. Afortunadamente, mientras estas escenas van y vienen, los momentos anteriores proporcionan una base convincente para explorar los desafíos legítimos de LaBeouf y retrasar la percepción de un proyecto de vanidad total. Mucho de eso tiene que ver con la cineasta detrás de la cámara: el estilo visual de Har'el se hizo realidad en los documentales líricos "Bombay Beach" y "True Love" (producidos por LaBeouf), que entremezclan la no ficción con la puesta en escena y momentos que la hacen adecuada para la autobiografía cinematográfica de alto concepto que vemos aquí.

Aún así, "Honey Boy" exige un reconocimiento de la imagen más grande que rodea cada escena. Cuando el adulto Otis irrumpe en el consultorio de su terapeuta para pronunciar una epifanía ruidosa, le pregunta: "¿Estás siendo sincero o te estás burlando de mí?" Y responde "Ambos". Después de muchos años de considerar públicamente su personalidad, es bueno tener esa propia visión, pero abre la puerta sin mirarla.

"Honey Boy" es un objeto cultural fascinante y una visión esencial para cualquier persona obsesionada con los extraños altibajos del actor. Debido a que la existencia de la película se basa en una celebridad, es notable por los detalles ampliamente conocidos que deja fuera de la mesa. No hay nada de los epítetos raciales que LaBeouf entregó en cámara a los agentes de policía después de ser arrestado en Nueva Orleans. Nada sobre sus arrebatos ebrios en un espectáculo de Broadway. Y ninguna idea de su extraña decisión de dirigir un cortometraje de 2011 que fue plagiado de un cómic, una revelación que llevó a LaBeouf a contratar un avión para pintar las palabras "Lo siento" en el aire sobre Los Ángeles. En cambio, al fijarse en su padre, "Honey Boy" se conforma con un resumen sombrío de crecer en circunstancias difíciles. En esos términos, en su mayoría se mantiene unido. 

Como testimonio narrativo de su lado de la historia, la película existe en un continuo junto con el otro trabajo autorreferencial de LaBeouf, incluido el hilarante #ALLMYMOVIES (cuando consumió toda su filmografía públicamente, en un teatro de Nueva York, en el transcurso de varios días), y su inquietante exposición pública #IAMSORRY. Y, por supuesto, hubo un momento en que caminó por la alfombra roja con una máscara que decía "Ya no soy famoso".

Si bien esos trucos estaban destinados a ofuscar los problemas de LaBeouf y molestar a su público, "Honey Boy" ofrece una rama de olivo. Se aprecia menos como película que el confesionario cinematográfico, una búsqueda de catarsis en el único medio sustancial a su alcance. Con ese fin, incluso cuando "Honey Boy" se asienta, es una variación admirable: el intento sincero de una esquiva estrella de cine para llevar su mitología a la Tierra.

A Quiet Place

En un futuro apocalíptico, una extraña presencia se cierne sobre una familia en una granja desolada. ¿Qué presencia? No se deja ver, pero para mantenerla al margen, la familia no debe hacer ningún tipo de ruido.

Uno de los mayores temores de la humanidad es Lo Desconocido; no importa si es algo sobrenatural o algo común de la naturaleza con el que nunca has tenido contacto, el miedo es mucho más poderoso que la cordura. Por eso, la iniciativa de una amenaza que ataca cuando hay ruido, convierte cada mínimo detalle en problemas.

En una zona donde no se puede determinar cuantas personas aún habitan allí, una familia asume el modo de supervivencia y vive en un completo silencio. Al tener una hija sordomuda, se comunican por señas; caminan descalzos a través de los caminos de arena; no emiten ningún sonido, ni siquiera los más mínimos, como un suspiro. Todo, para evitar ser atacados por una criatura alienígena con una super audición. No obstante, en un día que parecía ser otro más en su conteo progresivo de "no ataques", una serie de situaciones los llevarán a enfrentarse a la criatura y finalmente descubrir lo que nadie hasta ese momento había determinado: su debilidad.

El mayor fuerte de esta historia es su guion y el desarrollo de personajes, donde cada uno tiene una misión y debilidad: el padre quiere proteger a sus hijos, pero dada a su obsesión por encontrar respuestas, se ha vuelto renuente a una relación más cercana con su familia; la madre quiere que sus hijos sobrevivan, pero el hecho de estar embarazada, la hace una víctima fácil de atrapar; la hija quiere recuperar su relación con su padre, tras la muerte de uno de sus hermanos, pero es sordomuda y no se da cuenta del peligro hasta que ya es muy tarde; el hijo quiere hacer cosas de niños, pero el hecho de que una criatura está al acecho, lo mantienen con un terror a salir de la casa, incluso cuando se trata de encontrar comida y suministros.

Cada una de las debilidades de los personajes, más todo los problemas que se vayan sumando a lo largo de su historia, simplemente irán aumentando tensión en la película... y eso es lo que queremos. Porque si fuese "ellos viven en silencio, la criatura aparece y ellos se salen con la suya", no es una película de terror, es fantasía.

Otro punto a favor de la historia es que es una verdadera película muda: solo con la gran excepción de dos conversaciones (entre padre e hijo, y entre padre y madre), el resto de la película son acciones y reacciones; se aprende las técnicas de supervivencia que han adoptado en caso de que la criatura ataque, cómo enterarse si hay otros sobrevivientes en los alrededores y cómo se van preparando para el parto de la madre; pero así mismo, también la audiencia va comprendiendo la mentalidad de cada personaje, lo que quieren y cómo todos giran bajo la temática de supervivencia, pero bajo sus propios parámetros.

Así mismo, la película cuenta con un diseño de producción y musicalización que hacen del escenario aún más terrorífico y angustiante, porque a pesar de que en principios no vemos la criatura, sabemos que está por ahí, al acecho de cualquier ruido, por lo que la incertidumbre del silencio y la soledad, es aún más insoportable cada día. Por otro lado, el diseño de la criatura parece una inspiración del monstruo de Stranger Things, con excepción del superoido y tentáculos, en vez de garras, con lo que desgarran a sus víctimas (spoiler: estos monstruos no se comen lo que escuchan, sino que lo destruyen como un acto de defensa).

El miedo parece eterno cuando ves esta película, pues no hay descanso en ninguna de sus escenas, ni siquiera cuando crees que están completamente a salvo. La mejor escena de la película es cuando el personaje de Emily Blunt está dando a luz, principalmente por la circunstancia del dolor natural que está sintiendo, el miedo de ser encontrada y el hecho de que más de una criatura podrían estar en los alrededores. Es una escena llena de emociones y de tensión, donde el terror se eleva en su máxima expresión y se apodera de la audiencia hasta que el alarido de impotencia y dolor es inevitable.

Realmente, no hay nada malo que decir de A Quiet Place; sin importar que no hay ningún diálogo expositorio, las explicaciones están allí, en el ambiente y en las acciones de sus personajes, que hacen lo que sea para proteger a sus seres queridos, incluso si esto se tratara de sacrificar su propia vida para salvarlos. John Krasinski ha dirigido y escrito una pieza que será imposible de olvidar, incluyendo cuando sales del cine y piensas que deberías andar en silencio, porque te podrían atacar.