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martes, 21 de enero de 2025

Crítica Cinéfila: Flow

Un gato se despierta en un mundo cubierto de agua, donde la raza humana parece haber desaparecido. Busca refugio en un barco con un grupo de otros animales. Pero llevarse bien con ellos resulta ser un reto aún mayor que superar su miedo al agua. Todos tendrán que aprender a superar sus diferencias y adaptarse a este nuevo mundo en el que se encuentran.



Sin ánimos de exagerar el asunto, hay una pureza en las grandes historias animadas que puede destrozar el corazón y luego volverlo a llenar. El cautivador segundo largometraje del director letón Gints Zilbalodis, "Flow", es ese tipo de maravilla, una aventura de supervivencia vívida y vivencial que se desarrolla en un mundo al borde de la ruina. Contada completamente sin diálogos, esta historia de un gato que evoluciona desde la autopreservación a la solidaridad con un grupo heterogéneo de otras especies es algo bastante especial.

"Flow" es una pieza de la aclamada ópera prima de Zilbalodis de 2019, "Away"; ambas son esencialmente películas mudas y ambas tienen una deuda con los lienzos pictóricos del maestro de la animación Hayao Miyazaki. La nueva obra coloca personajes diseñados en un estilo de dibujos animados clásicos en deslumbrantes entornos fotorrealistas, que a veces recuerdan los paisajes boscosos del artista danés Peder Mørk Mønsted. Las imágenes de la naturaleza brillan con luz y color, aunque la sombra del peligro nunca está lejos.

El gato que protagoniza la historia es un felino gris de género indeterminado que parece estar en algún punto entre la etapa de cachorroz y la madurez completa. Es inteligente y resistente, pero también asustadizo, una criatura pequeña en un bosque grande y aterrador, extrañamente salpicado de esculturas de gatos a gran escala, incluido un gato gigante que se eleva por encima de las copas de los árboles. Los andamios indican que es una obra que quedó sin terminar, una de las muchas señales a lo largo de la película de que la vida humana ha desaparecido.

Tras burlar a cinco perros que lo perseguían durante una persecución llena de suspenso, el gato descubre el origen de esas obras de arte en una cabaña aislada con un taller de tallado de madera. El animal entra por una ventana rota y rápidamente se acurruca en una cama para dormir.

Más tarde, el gato se aventura de nuevo al bosque y escapa por poco de ser pisoteado por una estampida de ciervos. A esto le sigue, segundos después, una inundación torrencial que arrasa el bosque con una fuerza devastadora. A medida que las aguas siguen subiendo, el gato sigue trepando a terrenos más altos y finalmente escala la escultura que domina el horizonte, trepando hasta la parte superior de la cabeza y luego hasta la punta de una oreja.

Lo que sigue es un viaje lleno de acontecimientos, con un ritmo acelerado y sin prisas, incluso en sus rápidos 86 minutos, que da espacio tanto para interludios emocionantes como para momentos más conmovedores. El gato se sube a un velero destartalado y navega por un río crecido, adaptándose gradualmente a los desafíos de este nuevo mundo acuático.

Los expresivos ojos de platillo del animal se abren con cada nuevo encuentro: un capibara que ladra una vez y luego se deja caer para dormir, sin representar ninguna amenaza; un lémur adquisitivo que recolecta afanosamente una serie de objetos brillantes en una canasta que guarda con irritación; un labrador dulce y no demasiado brillante separado de la jauría de perros; y un pájaro secretario que inicialmente parece una amenaza pero pronto se posa en la proa del bote, ocupándose principalmente de sus propios asuntos.

A medida que los bosques dan paso a una vegetación más tropical, los animales pasan por ruinas de lo que parece ser una gran ciudad antigua con un enorme anfiteatro que alberga una colonia de lémures, cada uno de ellos luciendo sus propios tesoros encontrados como accesorios.

Todos los animales del barco han cambiado a raíz de sus experiencias, con la excepción del capibara, que sigue siendo prácticamente el mismo grandulón y tranquilo durante todo el viaje. Incluso el labrador, que se desentiende de la mentalidad de manada de los otros perros, se vuelve más inteligente y más atento a la seguridad de sus compañeros de viaje.

Ninguno cambia más perceptiblemente que el gato; sus encuentros con la muerte probablemente superan en número a las nueve vidas estándar y su cohabitación con las otras especies fomenta un espíritu comunitario a diferencia de su comportamiento más distante y circunspecto anterior en la historia.

Se trata de una película maravillosa para niños, un ejemplo de la relación de intercambio que existe entre la amistad y la importancia de la confianza mutua, que se integra de forma orgánica en la narrativa con claridad pero sin exagerar. No es menos una película para adultos, con sus cautivadoras imágenes y personajes llenos de encanto e individualidad. Hay un encantador elemento espiritual sutil, una emotividad que resuena profundamente con el destino de una gigantesca criatura marina o la salida celestial de un miembro del grupo del barco.

Zilbalodis y el director de animación Léo Silly-Pélissier evocan un mundo de libro ilustrado, prácticamente aniquilado por un desastre natural y ensombrecido por el espectro de la muerte, pero aún repleto de imágenes de una belleza impresionante. La animación en 3D reproduce los fondos forestales con texturas increíblemente vibrantes y las escenas submarinas son encantadoras, incluso cuando se teme por la vida del gato, un novato acuático. La estética visual está pulida, pero la película de alguna manera se las arregla para parecer a la vez técnicamente lograda y hecha a mano.

La atención al movimiento es extraordinaria, captada con una cámara elegante y controlada mientras el gato se desplaza a toda velocidad por el bosque. El detalle de los personajes es claramente el resultado de un estudio exhaustivo del comportamiento y la fisicalidad de cada animal; parece especialmente seguro asumir que el equipo creativo pasó incontables horas viendo videos de gatos, sin duda el mayor regalo de la era de Internet.

La banda sonora de Zilbalodis y Rihards Zal pasa de pasajes magníficos de melodías percusivas a pasajes de cuerdas conmovedoras, al mismo tiempo que la narrativa entrelaza observaciones humorísticas con momentos de gran ansiedad o tragedia. "Flow" es una experiencia placentera, pero también una historia profundamente conmovedora, obra de un talento único que merece estar entre los grandes artistas de animación del mundo.


sábado, 4 de febrero de 2023

Crítica Cinéfila: Aftersun

Sophie reflexiona sobre la alegría compartida y la melancolía privada de unas vacaciones que hizo con su padre, 20 años atrás. Los recuerdos reales e imaginarios llenan los espacios entre las imágenes mientras intenta reconciliar al padre que conoció con el hombre que no conoció. 



Siempre hay una resaca de melancolía incluso en las vacaciones de verano más idílicas que hemos tenido. Cada día feliz que pasa es otro más cercano a su final y a la sombra de la vida normal que se reanuda, con su trabajo, escuela, obligaciones domésticas y rutina ya establecida, dejando de lado las personalidades más libres y relajadas que adoptamos fuera de casa; todo esto se cierne junto a nuestro placer como un sombrío pronóstico del tiempo. Eso se convierte en un tema enriquecido para narrativa cinematográfica, ofreciendo a los personajes un escape y aventuras en un reloj inquieto. En “Aftersun”, para un joven padre depresivo en un resort turco con su hija preadolescente, la presión de maximizar ese tiempo fuera de la realidad solo acerca la realidad. El sensual y conmovedor debut muestra que ninguna cantidad de tiempo en la piscina, bebidas afrutadas y bailes de Macarena pueden mantener a raya el pasado o el futuro.

Entre las primeras películas más nítidas y confiadas que surgieron del cine independiente británico en los últimos tiempos, "Aftersun" confirma la promesa astuta y angulosa de los cortos de Wells, que colocaron a la escocesa en el mapa en festivales, y le aseguró algunos colaboradores envidiables para su cambio a los largometrajes, con Barry Jenkins y Adele Romanski entre los productores de la película. Su participación impulsará significativamente el perfil internacional, al igual que la presencia de la estrella irlandesa Paul Mescal, ganador de un BAFTA por su papel destacado en la serie de televisión "Normal People", y aquí demostrando ser un actor convincente, probando una ansiosa e incómoda segunda cara de su encanto casual y juvenil.

No es que sea un centro de atención en solitario: "Aftersun" gira en torno a un dúo notable entre Mescal y Frankie Corio como un padre soltero y una hija que revelan nuevas y vulnerables facetas de sí mismos en el transcurso de un paquete de vacaciones de mal gusto al final del siglo XXI. Calum (Mescal), un irlandés de 30 años, suele ser tomado por el hermano mayor de su curiosa hija Sophie (Corio) y, por supuesto, hay un toque de complicidad entre hermanos en su relación, con sus chistes extraños compartidos, perdiendo la comodidad conversacional entre ellos y la resistencia mutua a la tradición patriarcal. Como vive en Londres, Calum también es un padre irregular de Sophie, que vive en Glasgow con su madre; la relación pasada de sus padres evidentemente es una historia antigua.

Eso le da una urgencia adicional al viaje que Calum ha reservado para ellos en un resort mediterráneo orientado a la familia, poblado casi en su totalidad por británicos rebuznantes y quemados por el sol: como un período poco común de tiempo sostenido entre padre e hija, es una oportunidad para que tanto Calum como Sophie se demuestren entre sí, mostrando sus responsabilidades y capacidades, respectivamente. Y en su mayor parte, se divierten, ya sea tomando el sol juntos, jugando al billar, burlándose del cursi entretenimiento interno o jugando con una videocámara que, ocasionalmente, captura accidentalmente a Calum en un reposo más melancólico. El tenso guión de Wells nos cuenta poco de su vida fuera del presente inmediato, salvo algunos momentos solitarios que inciden a algo más.

Perspicaz, si no demasiado precoz, Sophie nota algunos de los cambios de humor de su padre, pero se distrae con sus propios dolores de crecimiento. Los chicos están mostrando interés en ella por primera vez, mientras que ella está desarrollando la vacilante timidez de cualquier niño que se precipita hacia la adolescencia, dejando de lado algunas cosas infantiles pero no otras, con un efecto disonante. Con el padre y la hija enfrentándose en privado a sus propios miedos de envejecer, existe la sensación de que es posible que nunca vuelvan a compartir esta tranquilidad inocente y alegre. "Aftersun" funciona así elegantemente como una especie de estudio dual sobre la mayoría de edad, servido perfectamente por la marca distintiva de dulzura de Mescal (aquí se muestra madurando y arrugándose hacia una masculinidad más endurecida y problemática) y la vitalidad de Corio, cuya hábil y encantadora actuación entrelaza tanto la auténtica exuberancia como una feminidad que se siente más interpretada, como si fuera en beneficio de su padre. En una escena extraordinaria, sus inseguridades se filtran durante una valiente interpretación de karaoke de "Losing My Religion" de REM: tres minutos que parecen envejecerla tres años.

Es uno de varios estándares de la radio británica de los 90 que llenan la banda sonora de "Aftersun", desde el rasposo indie rock de Blur y Catatonia hasta el ritmo pop acaramelado de All Saints. Sin embargo, hay más en el ambiente cálido del verano de 1999 de esta película (inmaculadamente evocado por los lentes de colores primarios y ligeramente desteñidos  de Gregory Oke, así como por la astuta producción y el diseño de vestuario), hay un recuerdo vacío: esta nostalgia. Las fallas temporales y los flashbacks breves e inespecíficos siguen irrumpiendo en el tiempo de vacaciones, mientras Wells y el editor Blair McClendon repiten oblicuamente los procedimientos tanto de regreso a los días más despreocupados de Calum, como a la edad adulta de Sophie al borde de los 30, dibujando una línea difusa entre la angustia de padre e hija.

Nos queda colorear en las décadas intermedias, aunque es difícil no asumir que el tiempo ha traído una mayor distancia y una comprensión tardía de esta relación. De manera ambiciosa y conmovedora, "Aftersun" explora el abismo extrañamente íntimo entre padre e hija, la última siempre jugando a ponerse al día con la vida interior del primero, excepto en las breves ocasiones, como, por ejemplo, unas vacaciones de verano, cuando ambos pueden ser niños por un momento.


miércoles, 3 de junio de 2020

Crónica Cinéfila: La programación de Cannes 2020


El mensaje del Festival de Cine de Cannes es: Coronavirus o no, el espectáculo debe continuar. El icónico festival francés, que estaba programado para realizarse del 12 al 23 de mayo, pero se vio obligado a cancelar su evento físico debido a la pandemia del coronavirus, presentó hoy su programación para Cannes 2020, una selección de películas que llevarán la marca de Cannes a la pantalla en otros eventos alrededor del mundo.

El programa Cannes 2020 incluye muchos de los títulos indie y art house más anticipados del año, entre ellos "The French Dispatch" de Wes Anderson, "True Mothers" de Naomi Kawase , "Summer of '85" de François Ozon, "ADN aka DNA" dirigida y protagonizada por el cineasta francés Maïwenn y "Another Round" de Thomas Vinterberg.

"Soul", el largometraje animado del director de Inside Out, Pete Docter, que fue ampliamente recomendado para tener su estreno mundial en Cannes, también logró el corte para la selección de Cannes 2020. Jamie Foxx, Tina Fey y Quest Love se encuentran entre los talentos de voz en la imagen, cuyo lanzamiento Disney ha retrasado hasta noviembre de este año.

El director británico Steve McQueen, que comenzó su carrera cinematográfica en Cannes ganando el primer premio al mejor largometraje por su debut en 2008, Hunger, regresa con dos películas: "Lover's Rock" y "Mangrove".

"Falling", el debut como director de Viggo Mortensen, que se estrenó en el festival Sundance de este año, también obtuvo un lugar en Cannes 2020. El director de God's Own Country, Francis Lee, hará su debut en Cannes con su nueva película, Ammonite , un drama de época protagonizado por Kate Winslet, Saoirse Ronan y Fiona Shaw.

Las películas seleccionadas también llevarán la marca Cannes 2020, que pueden usar con fines de marketing y promoción a medida que se estrenan en los cines. El Festival del año pasado reafirmó la fuerza de la marca Cannes. Parasite de Bong Joon Ho usó su victoria en la Palma de Oro para saltar al Oscar a la mejor película y a una taquilla mundial de más de US$250 millones, mientras que la programación de 2019 también entregó títulos cruzados como "The Portrait of a Lady on Fire" de Celine Sciamma y "Dolor y Gloria" de Pedro Almodóvar.

Cannes también publicó estadísticas que mostraban que 16 (28.5%) de las películas en la Selección Oficial fueron dirigidas por mujeres, en comparación con 14 títulos (23.7%) del año pasado. Un total de 532 directoras presentaron su película a la Selección Oficial, el 25.7% en total, en comparación con 575 directoras registradas en 2019.

Las películas francesas y en francés están particularmente bien representadas en la programación, con 21 títulos franceses en Cannes 2020, en comparación con 13 el año pasado.

Desde el principio, Frémaux rechazó la opción de tomar Cannes en línea, como lo han hecho algunos festivales de cine, incluido SXSW. Frémaux es un firme defensor de la primacía del estreno teatral. Cannes prohibió las películas de Netflix de su línea de competencia. También se negó a cancelar Cannes. "La cancelación nunca ha sido una opción", dijo Frémaux en su discurso de presentación de la programación. "Como probablemente sepan, el Festival se canceló solo una vez, en 1939. Y otra edición no se completó, que fue en 1968".



A continuación, la programación completa del festival:

Wes Anderson — The French Dispatch

Pete Docter — Soul

Francois Ozon — Summer Of 85

Naomi Kawase — True Mothers

Steve McQueen — Lover’s Rock

Steve McQueen — Mangrove

Thomas Vinterberg — Another Round

Maïwenn – ADN

Viggo Mortensen— Falling

Francis Lee – Ammonite

Magnus von Horn — Sweat

Pascal Plante — Nadia, Butterfly

Jonathan Nossiter — Last Words

Im Sang-Soo — Heaven: To The Land of Happiness

Fernando Trueba — Forgotten We'll Be

Yeon Sang-Ho — Peninsula

Sharunas Bartas — In the Dusk

Lucas Belvaux — Home Front

Koji Fukada — The Real Thing

Marie Castille Mention-Schaar — A Good Man

Danielle Arbid — Passion Simple

Emmanuel Mouret — Les Choses Qu'on Dit, Les Choses Qu'on Fait

Ayten Amin — Souad

Ben Sharrock — Limbo

Farid Bentoumi — Red Soil

Ludovic and Zoran Boukherma — Teddy

Kamen Kalev — February

Elie Wajeman — Un Medecin du Nuit

Oskar Roehler — Enfant Terrible

Nir Bergman — Here We Are

Ninja Thyberg — Pleasure

Charlène Favier — Slalom

Joao Paulo Miranda Maria — Memory House

Jimmy Keyrouz — Broken Keys

Samir Guesmi — Ibrahim

Déa Kulumbegashvili — Beginning

Fanny Liatard, Jérémy Trouilh — Gagarine

Suzanne Lindon — 16 Printemps

Peter Dourountzis — Vaurien

Nicolas Maury — Garcon Chiffon

Nora Martirosyan — Should the Wind Fall

Pascual Sisto —John and the Hole

Wei Shujun — Striding Into The Wind

Dani Rosenberg —The Death of Cinema and My Father Too

Dieudo Hamadi— The Billion Road

Michael Dweck and Gregory Kershaw — The Truffle Hunters

Xavier de Lauzanne —9 Jours a Raqqa

Ann Hui, Johnnie To, Tsui Hark, Sammo Hung, Yuen Woo-Ping and Patrick Tam — Septet: The Story of Hong Kong

Caroline Vignal — Antoinette Dans Les Cévenènnes

Bruno Podalydès — Les Deux Alfred

Emmanuel Courcol — The Big Hit

Laurent Lafitte — L'Origine du Monde

Laurent Lafitte — Le Discours

Goro Miyazaki — Earwig and the Witch

Jonas Poher Rasmussen — Flee

Aurel — Josep

domingo, 15 de marzo de 2020

Crónicas de California: Hollywood, el Coronavirus y yo

¡Que tiempos tan interesantes para estar en California! 

Mientras más días pasan, más me pregunto: ¿será un plan para salir de esta ciudad tan desesperadamente? ¿o quizás se trata de una película interactiva en la que todos somos parte del elenco y el antagonista principal es un virus "mortal" que su arma más mortal es la tos seca? Sonará a forma de burla, pero así me lo he estado tomando desde el inicio. La realidad es que el asunto es peor por cómo los medios lo ponen. Es una gripe como muchas que si no te cuidas pues te mueres. Al final del día, así son todas las gripes. Pero por el otro lado, puedo reconocer que el tema es serio.

Sin embargo, y a pesar de toda la chercha y poco interés que le pongo al tema, el Coronavirus está afectando todo el mundo, muy especialmente la industria del entretenimiento. Así como muchos negocios y escuelas están cerrando sus puertas para proteger a los suyos de la pandemia, así Hollywood está teniendo que tomar medidas de precaución en contra de su voluntad emocional y económica, al punto de que ya se está volviendo personal.

Amigos me han comentado de varios rodajes que han despachado al personal a sus casas, y el problema no fue la precaución, sino la manera en que fueron despachadas con un rechazo total peor que las películas de zombie o de contagio. 

Así se han cancelado rodajes más grandes:

Disney Live-Action Shows and Films
Marvel's Disney + Shows
Vengeance
Red Notice
The Batman
Universal Live-Action Movies
The Hallmark Channel
Warner Bros. Shows
Netflix Shows
NBCUniversal Shows
CBS Shows
Official Competition
The Prom
Jeopardy! and Wheel of Fortune
The Morning Show
Bros
The Wendy Williams Show
Daytime TV
The Ellen DeGeneres Show
Tamron Hall
Late-Night TV
Survivor
Debate demócrata de CNN
Riverdale
Real Time with Bill Maher
Falcon & the Winter Soldier
Mission: Impossible 7
Blossoms 
The Amazing Race
Tong Wars 
General Hospital

Los cines estadounidenses han limitado los accesos a un 50%, mientras que en países europeos han cerrado completamente los cines. Y así se han decidido cancelar o posponer estrenos de múltiples de películas:

Big Time Adolescence
F9
Mulan
A Quiet Place Part 2
Antlers
Little Fires Everywhere
New Mutants
Kill Chain: The Cyber War on Elections
The Lovebirds
Quibi Launch Event
Peter Rabbit 2
After Truth: Disinformation and the Cost of Fake News
No Time to Die
Ozzy Osbourne
Disney+ European Press Launch
Sonic The Hedgehog Chinese Release
Swipe Night
Superman: Red Son New York Premiere
Enter the Fat Dragon
Lost in Russia 

Estar en lugares públicos se ha convertido en una situación de mal gusto, cancelando importantes festivales de cine, como:

Cualquiera que tome lugar en Francia (no ha sido anunciado pero Cannes seguro también será cancelado)
Venice Film Festival
Tribeca Film Festival
Network Upfronts
Roger Ebert’s Film Festival
Montclair Film Festival
TCM Classic Film Festival
CinemaCon
ASCAP Experience
SXSW Participants
Nickelodeon’s Kids’ Choice Awards
RuPaul’s DragCon LA
Full Frame Documentary Film Festival
PaleyFest
Prague Film Festival
Facebook F8 Developers Conference
Sun Valley Film Festival
CinemaCon 2020

Entre muchos más así también como muchos festivales (Coachella, Tomorrowland, Gay Pride Parade, WonderCon, y más).

Hace poco fui al cine, y viví como el coronavirus les afecta a todos, al generar pánico cuando alguien estornuda; que alguien entra y los empleados limpian rápidamente el piso y los stands; que en una fila del teatro todos se sientan dejando dos asientos de distancia. 

Hollywood nunca se dio cuenta, pero siempre avisó en sus películas como el mundo caería por una enfermedad, él mismo siendo uno de los grandes afectados. Lo bueno es que todos están positivos de que se recuperarán eventualmente, pero no hay una fecha estimada de cuándo eso será. 

Ha sido muy interesante estar en California con todo este caos. Más interesante aún cuando el futuro de nadie esté garantizado, por más contratos firmados, calendarios establecidos y equipos reservados. No se preocupen que yo estoy bien. Lo único que me ha afectado es el retraso de tantas películas que esperaba con ansias. Si me ponen en cuarentena pues me la paso escribiendo entonces.


viernes, 29 de noviembre de 2019

Crítica Cinéfila: Parasite

Tanto Gi Taek (Song Kang Ho) como su familia están sin trabajo. Cuando su hijo mayor, Gi Woo (Choi Woo Shik), empieza a dar clases particulares en casa de Park (Lee Sun Gyun), las dos familias, que tienen mucho en común pese a pertenecer a dos mundos totalmente distintos, comienzan una interrelación de resultados imprevisibles.



Según el diccionario inglés de Oxford, hay dos definiciones para el término "parásito". La más conocida de las dos es la siguiente: un organismo que vive en un organismo de otra especie (su huésped) y se beneficia al derivar nutrientes a expensas del otro. La segunda definición es más despectiva: una persona que habitualmente confía o explota a otros y no da nada a cambio.

En la película ganadora de la Palma de Oro de Bong Joon-Ho, Parasite, se aplican ambas definiciones. Pero a medida que la película llega a su clímax, el público se pregunta: ¿quién es el parásito y quién es el anfitrión? En una sociedad capitalista moderna, ¿es realmente posible que exista un sistema en el que los beneficios de uno puedan derivarse sin tomar de otro? Estas son solo dos de varias preguntas planteadas por esta película.

Parasite concierne a dos familias, que viven en la misma ciudad pero de mundos separados. Los Kim son un clan de pobres indigentes, que viven cerca de la miseria y luchan por obtener una existencia básica. Sin embargo, son inteligentes e ingeniosos, por lo que cuando se le da la oportunidad a su hijo Ki-woo ( Choi Woo Shik ) de ser tutor de la hija adolescente de un rico industrial, toda la familia, astuta y desesperada, se aprovecha. Sus objetivos serán apropiarse de cada trabajo que la familia Park pueda ofrecerles, desde ama de casa hasta chofer privado.


Bong y el coguionista Han Jin Won tienen cuidado de no hacer sus personajes demasiado arquetipados. Aunque en Parasite suceden cosas locas, después de todo, esta es una película de Bong, pero siempre se basan fundamentalmente en algo humano y real, lo que hace que la sátira pique mucho más.

Joon-Ho no es ajeno a ofrecer comentarios y críticas sociales. Sus trabajos anteriores, Okja (2017) y Snowpiercer (2013), abordan temas como la ética corporativa y el cambio climático, utilizando animales masivos y trenes post-apocalípticos como vehículos para su mensaje. Esta vez, sin embargo, las líneas entre los villanos y los héroes son borrosas. Los "buenos" son capaces de cometer actos de deshonestidad y engaño insondables y, a menudo, cómicos, mientras que los "malos" son, a veces, tan insípidos que simplemente parecen demasiado estúpidos para tener capacidad para el mal. ¿Quiénes son exactamente los personajes que el público debe apoyar?

Es esta dinámica cambiante entre la familia de clase baja y la familia de élite lo que hace que esta película sea tan especial. Nosotros, como espectadores, naturalmente nos sentimos atraídos por la familia de los estafadores desempleados y simpatizamos con sus esfuerzos para ganar dinero rápidamente desde su sótano en los barrios bajos de Corea del Sur. Cuando nos presentan la grandiosa y prístina propiedad de la familia Park de la clase alta, instintivamente sentimos cierta forma de desafección hacia ellos, ya que pueden vivir con tanto esplendor mientras la otra familia se ve obligada a conformarse con tan poco.


Desde el primer momento, Joon-Ho crea un mundo en el que tenemos la esperanza de los de abajo mientras vemos a los de arriba con desagrado, a pesar de las motivaciones de cualquiera de las partes. Claro, aquellos en la parte inferior de la cadena alimentaria pueden lograr sus objetivos a través de medios poco éticos, pero podemos mirar más allá de eso, simplemente porque parecen más merecedores de un resultado brillante. Es solo cuando estos roles comienzan a converger y sangrar entre sí que nos vemos obligados a considerar que quizás ambas partes están igualmente involucradas en una relación parasitaria. Existe la posibilidad de que ambas entidades se alimenten de la otra hasta que ambas se sequen.

Aquí todo se roba tu atención: desde la peculiaridad de los personajes, y como desde principio establecen sus talentos y debilidades, hasta el mismo equipo de producción, que con un tremendo montaje, una producción de diseño que solo requerirá dos locaciones principales y una musicalización para establecer la tonalidad del filme, han logrado crear en conjunto una de las películas más emblemáticas de este año.

Parasite es una obra única que nunca se limita a un solo género: lo que comienza como una comedia se convierte en un drama/thriller impredecible que se convierte en la noción convencional de una película de invasión doméstica. Aunque tiene lugar en Corea del Sur y toca el conflicto del país con sus vecinos del Norte, su examen del clasismo y las consecuencias de la distribución desigual de la riqueza se pueden aplicar fácilmente a la sociedad estadounidense actual. 


sábado, 25 de noviembre de 2017

Crónicas de California: ¿Por qué debo participar en los festivales de cine?


El segundo lugar más importante donde todo cineasta debe llevar sus películas son los festivales de cine. Estos escenarios son creados por una institución o grupo de personas para exhibir una cartelera de filmes, que pueden ser de directores y productores nuevos en la industria, o más experimentados pero con un estilo autoral.

Nunca (o casi nunca) encontrarás una película comercial en un festival de cine, porque están destinadas para historias y producciones de tonalidad independiente, bajo presupuesto y con la intención de mandar un mensaje a su audiencia.

Existen festivales para todo tipo: largometrajes, cortometrajes, video experimentales, documentales, ¡hasta de guiones! Y también de diferentes temáticas, idiomas, países y demás. Por eso, como estudiante, lo más apropiado es prepararse para esto, porque es (en la gran mayoría de las ocasiones) lo que nos abre las puertas a las grandes producciones. Aquí les comparto 5 razones por las que todo cineasta en crecimiento debe participar en los festivales de cine.

La oportunidad de darse a conocer

Esta es la más importante. Muchas personalidades del cine (productores, directores, actores, agentes) asisten como invitados y también cazatalentos. Por eso siempre se debe estar atento y tratar de conocer tantas personas se puedan, pero hay que estar preparado. Si solo estás asistiendo como audiencia, debes andar siempre con muestras de tus audiovisuales, portafolio, tarjetas de presentación y dispuesto a hablar de tus próximos proyectos. Si asistes como director de un audiovisual que se presente, siempre debes tener contigo volantes y objetos promocionales de la película y DVDs con cortes del audiovisual.

El nacimiento del siguiente gran proyecto

En Los Angeles he conocido personas que sus cortometrajes fueron presentados en festivales de cine y lo siguiente que les ocurrió es que estaban trabajando en un largometraje. Esto se debe a que los motivan a ampliar la historia de su audiovisual a un largometraje, o porque los invitan a ser parte de una producción más grande. 

El crecimiento del portafolio

Esto no solo aplica en el sentido de los audiovisuales que presentas, sino también en los premios y menciones que se obtienen al participar. Los festivales normalmente cierran con una noche de premiaciones a los más destacados de la convocatoria. 

Un mejor conocimiento de tu temática de preferencia

Existen festivales de todo tipo: dedicados a un país, situaciones o grupos de personas en específico. Lo adecuado es encontrar en cuál/cuáles quieres participar, comenzar a trabajar en el proyecto con esa temática y aplicar con tiempo para poder calificar a presentación. De esta manera también se descubre cuál es la temática y género con el que se prefiere trabajar, y a cuál conglomerado de audiencia le quieres entretener. 

Ayuda a obtener la visa de trabajo

Este no es mi caso, porque pretendo regresar a mi querida República Dominicana, pero muchas personas que participan en festivales de cine nacionales e internacionales, lo hacen con la doble intención de reunir más requisitos que le ayuden a obtener la visa de trabajo. Según lo que me han explicado algunos amigos internacionales más experimentados, el hecho de participar en los festivales va acumulando puntos a favor que justifican tu estadía en Estados Unidos y la razón por la que debes continuar estando en este país.



En mi caso como guionista, existen festivales exclusivos para nosotros: el Austin Film Festival, el Vail Film Festival, el Slamdance Film Festival y el Nantucket Film Festival, que además de presentaciones de los guiones, se premian aquellos que estén lo suficientemente desarrollados para ser llevados a la producción. También, el festival de Sundance tiene un espacio donde guionistas perfeccionan sus proyectos con profesionales del área; el festival de Cannes tiene una competencia exclusiva para guiones; y no se puede dejar de mencionar el Black List, un espacio online que conecta guionistas de cine con agentes y productores en busca de los próximos grandes proyectos de la industria. 

Ya yo me inscribí en el Black List para presentar mi próximo hijo que pronto les comentaré detalles sobre él, pero esto no significa que dejaré de asistir a todos las demás muestras que se realicen en esta ciudad, donde todas las semanas hay festivales de distintos tipos. La ventaja de ser estudiante del New York Film Academy es que nos regalan taquillas para asistir, así que es una oportunidad que no se debe dejar de aprovechar.

jueves, 19 de octubre de 2017

The Beguiled

Año 1864. Durante la guerra civil norteamericana, la tranquilidad de una escuela femenina de Virginia donde sólo viven mujeres se ve alterada con la llegada de un apuesto soldado confederado herido... Remake de "El seductor", dirigida por Don Siegel y protagonizada por Clint Eastwood. (FILMAFFINITY)



Sofia Coppola regresa al puesto de directora con este remake de The Beguiled (1971) y unos cambios bastante notorios en el argumento de la historia.

Cerca de un internado para niñas en el Sur de Virginia, una estudiante encuentra al cabo yankee ,John McBurney (interpretado por Colin Farrell) malherido y decide llevarlo a la escuela para que se recupere allí. Al principio, ninguna de sus demás compañeras o sus maestras desean tenerlo dentro de la casa, pues representa un peligro para ellas. Pero su superior, la señorita Martha Farnsworth (interpretada por Nicole Kidman), decide curarle la herida y dejarlo preso dentro del salón de música, con la precaución de que este no vaya a hacerle algún daño.


Los momentos de tensión se fueron apaciguando entre cada uno de sus personajes y, por otro lado, crecía una tensión sentimental entre las estudiantes y el cabo, dejando al aire la gran interrogante de qué pretendía él con todas ellas, con quién se quedaría al final y cómo ellas tomarían su decisión. Los errores se pagaron con sangre y tomando la vida de uno de sus personajes, para poder darle paz al resto del grupo.

Coppola (Lost in translation, Marie Antoinette, The Bling Ring) se enfoca principalmente en los personajes de esta historia y logra que cada uno pueda ser distinguido de acuerdo a la personalidad que encarnan y los sentimientos que provocan. No hay manera de identificar cuál es más importante que el otro, pues todos son importantes para que la trama fluya y llegue a su final de manera ágil. 

A pesar de que no cuenta exactamente el punto fuerte de la película del 1971, esta versión se enfoca más en las debilidades y el pasado doloroso que cada uno de sus mujeres cuentan, y cómo la presencia de este hombre les afecta y provoca deseos que van en contra de lo que la sociedad (incluso la de estos tiempos) establece como lo adecuado para una "dama". Pero aquí no sabemos quién es el más débil en realidad: si este hombre en manos de todas las mujeres, o ellas que, a consecuencia de las tentaciones que el mundo les prohíbe, terminan desquitandose con él.


La fotografía de los filmes de Coppola son distintivos por su detallismo en los aspectos que complementan a los personajes; no obstante, aquí se basa más en mostrarnos este escenario de mediados de 1800, alejado pero a la vez bien cerca de la guerra, y cómo sus protagonistas tienen que tratar de ignorar este factor para seguir adelante con sus vidas.

La directora nos otorga una puesta en escena con sutileza, elegancia y belleza lírica, complementados por un elenco bien acertado y una fuerza visual que llama al espectador a dejarse llevar por la historia y a admitir que los tiempos no han cambiado: las mujeres seguimos siendo reprimidas del mundo en distintas circunstancias, cuando en realidad somos capaces de tomar al enemigo por donde más le duele y acabar con él, aunque esto nos afecte emocional o físicamente.