Cinéfila en festivales: Se oficializa la 15ta entrega del Festival de Cine Global de Santo Domingo

El Festival de Cine Global de Santo Domingo celebra su 15vo aniversario. La actriz Paz Vega recibirá un reconocimiento a su trayectoria.

 

 

El Festival de Cine Global de Santo Domingo (FCGSD) celebrará su 15vo aniversario con una dedicatoria especial a la memoria del maestro del cine dominicano Claudio Chea y al Cine Andaluz. El encuentro cinematográfico será inaugurado el 22 de enero de 2023 en la sala Carlos Piantini, del Teatro Nacional con la proyección de “Modelo 77”, de Alberto Rodríguez, la película andaluza más aclamada del año y candidata a 16 premios Goya, incluyendo mejor película y director.

El encuentro cinematográfico más importante del país será inaugurado la noche del 22 de enero en el Teatro Nacional, en honor al fenecido maestro del cine dominicano, Claudio Chea; la gala inaugural será producida por el reconocido y galardonado Waddys Jaquez. Este año tendrá lugar una dedicatoria especial al cine andaluz y proyectará 110 producciones en una edición que apunta a ser memorable.

 

El FCGSD otorgará durante la ceremonia de apertura el reconocimiento “ARTURO RODRIGUEZ”, por ser orgullo iberoamericano en el séptimo arte y a su trayectoria, a la actriz Paz Vega. La estrella, nacida en Sevilla, saltó a la fama con su rol protagónico en “Lucía y el sexo” (2001), de Julio Medem y luego continuó su exitosa escalada junto a Pedro Almodóvar en “Hable con ella” (2002). Para las audiencias norteamericanas, su carta de presentación fue la película “Spanglish” (2004), de James L. Brooks, junto a Adam Sandler. A lo largo de los años, ha participado en destacadas producciones en su país y sobre todo en los Estados Unidos, dando inicio al 2023 con la serie “Kaledioscope”, de Netflix.

 

Entre las estrellas internacionales que han confirmado su presencia se encuentran los jóvenes actores Cameron Douglas, Ella Bleu Travolta y Edouard Philipponat, que tendrán la presentación especial de su nueva película “El corredor” (The runner), un impactante thriller dirigido por Michelle Danner.

 

Las salas del Palacio del Cine, en Blue Mall, acogerán las proyecciones oficiales hasta el Domingo 29 de los corrientes. Luego, se extenderán las exhibiciones por una semana adicional para dar la oportunidad a los cinéfilos de apreciar la gran variedad de filmes que componen su cartelera.

 

Como parte de su dedicatoria al cine andaluz, el FCGSD contará con doce producciones andaluzas entre las que se destacan “Las gentiles”, de Santi Amodeo, “La consagración de la primavera”, de Fernando Franco, los documentales “A las mujeres de España: María Lerrajaga”, nominada a los Premios Goya y “Controverso”, nominada a los Premios Carmen, del Cine Andaluz.

 

En homenaje a Claudio Chea se exhibirá “Estoy todo lo iguana que se puede”, su último trabajo como director de fotografía, realizado en México.

 

El FCGSD,  reconocido por la International Federation of Associations of Film Producers (FIAPF) y especializado en Óperas Primas tendrá en sus secciones competitivas un total de 53 producciones, que incluyen la competencia de Ópera Prima Ficción “Jimmy Sierra” y Ópera Prima Documental “Fernando Báez”. También el Concurso de Cortometrajes “Corto Global” y la nueva Sección de Ópera Prima Cortometraje “Claudio Chea”.

 

Para la selección competitiva del festival, fueron evaluados más de seiscientos trabajos, de los cuales serán premiados los más destacados en cada categoría la noche de clausura del festival.

 

Además  de las secciones competitivas se contará con una amplia selección de obras cinematográficas en las secciones “Homenaje al cine andaluz”, “Pulso Global”, “Miradas Hispanas”, “Hecho en Erredé”, “Miradas caribeñas”, “Mirada Documental”, “Cine y gastronomía”, “Cine y Moda”, “Cine y Medio Ambiente”, “Cine y Deporte”, “Presentación Especial” y “Cine infantil”.

 

Para la clausura del evento, se exhibirá el documental, distribuido por Disney+, “The Dominican Dream”, de Jonathan Hock, un nostálgico retrato sobre la emigración y la búsqueda del sueño americano que cuenta la historia de Felipe López, destacado profesional del baloncesto. Esta proyección es una cortesía de ESPN.

 

Omar de la Cruz, director del festival, dió a conocer detalles del evento  y los filmes participantes e invitó a descargar la aplicación #TAMOENCINE, desde Google Play y App Store, para conocer las informaciones sobre las proyecciones y actividades paralelas y formativas que ofrecerá la nueva edición y visitar la página web del festival www.tamoencine.org.

 

El FCGSD es una iniciativa de la Fundación Global Democracia y Desarrollo (Funglode), concebido por su presidente-fundador, Leonel Fernández, gran impulsor de la industria del cine en la República Dominicana. La ley de incentivos al audiovisual vigente que ha desarrollado la industria cinematográfica local y que ha atraído importantes inversiones extranjeras fue uno de los grandes aportes de su último período como presidente dominicano.

En esta edición se reconoce la participación de la mujer en la industria cinematográfica, con una programación con alta proporción de las obras dirigidas por directoras o con un amplio equipo artístico y de producción de género femenino. El pasado año las mujeres sobresalen nuevamente en el séptimo arte, obteniendo los más importantes reconocimientos en festivales de cine internacionales como Berlín, Venecia y San Sebastián. La mirada femenina promete una particular sensibilidad en las propuestas a ser presentadas, abordando temas diversos, tanto personales como globales. El festival apuesta a la equidad de géneros y se compromete a tener una programación igualmente equilibrada en futuras ediciones.

Ópera Prima Ficción “Jimmy Sierra”.

Participan: 1976, de Manuela Martelli, de Chile; Cinco Lobitos, de Alauda Ruiz, A diente de perro, de José Luis Estañ y Celeste Soledad, de Alex Arguelles, de España; La jauría, de Andrés Ramírez y Un varón, de Fabián Hernández, de Colombia; La hija de todas las rabias, de Laura Baumeister, de Nicaragua; Tengo sueños eléctricos, de Valentina Mauel, de Costa Rica; Utama, de Alejandro Loayza, de Bolivia; Estoy todo lo iguana que se puede, de Julián Robles y Edén, de Estefanía Cortés, de México; Sublime, de Mariano Biasin, de Argentina, Upon entry, de Alejandro Rojas y Juan Sebastián Vásquez, de España y Venezuela,  y por República Dominicana, El vendedor de Arte, de Marcel Fondeur y Danny 45, de Gilbert de la Rosa.

 Ópera Prima Documental “Fernando Báez”

1982: La gesta, de Nicolás Canale, de Argentina; Anhell 69, de Theo Montoya, de Colombia; A cero.5, de Gonzalo Suárez Garayo y Viaje a alguna parte,  de Helena de Llanos, de España; Mama, de Xun Zero, de México; Pakucha, de Tito Catacora, de Perú; Nuestra película, de Diana Bustamante, de Colombia; Niños de las Brisas, de Marianela Maldonado, de Venezuela;  Por eso vengo al río, de Fernando Blanco, de República Dominicana, y Ernesto, gracias, de Laura Angel Córdoba, de Costa Rica.

Competencia Corto Global

Burros, Estados Unidos; Chhaya, India; Dev Null, Singapur; Red day, Kosovo; El aniversario, Cuba; La promesa, Costa Rica; Made in, España; Don’t breathe, Irán; Nothing’s Left, Italia; A lost astronaut and a city of footprints, Vietnam; Queen de tu corazón, España; Repeated Memories, Corea del Sur; The flight of Banog , Filipinas; North Pole, Macedonia; Red Pen, Marruecos; A world free of crisis, Francia; Yama, Grecia; When the world comes to an end, I will have loved you, Austria y Zaffa, de Egipto.

Competencia Cortometraje Ópera Prima “Claudio Chea”

Cuando las nubes empezaron a moverse, Colombia; Elles, Canadá; Entre muros, Brasil;  Fantasmática, Uruguay; La visita, Argentina; Let’s do this again sometime, Sudáfrica; Los mismos zapatos, Cuba; Modou Lighthouse, Senegal; Mothers, Lituania; Shadows, Reino Unido- Rusia y  Hair tie, egg, homework books, de China.

Secciones no competitivas:

Homenaje al Cine Andaluz

Se exhibirán los siguientes largometrajes de ficción: Modelo 77, de Alberto Rodríguez (Apertura); Las gentiles, de Santi Amodeo, La consagración de la primavera, de Fernando Franco; La  maniobra de la tortuga, de Juan Manuel Castillo; La piedad, de Eduardo Casanova y Solitude, de Margarita Morales. También en cine infantil se presentarán El Universo de Oliver, de Alexis Morante y Heroes de barrio, de Angles Reiné y los documentales A las mujeres de España: María Lejarraga, de Laura Hojman, Controverso, de Nuria Vargas Rivas, El paraje, de David Plata, El rastro firme, de Fernando Gómez, Queen of hearts, de Chema Ramos, y Velazquez: El poder y el arte, de José Manuel Gómez Vidal.

Hecho en Erredé

En esta sección podremos apreciar en presentación especial, el mediometraje Nubarrones Malva, de Marissabel Marte y el corto ambientalista Bajo las olas, de Jensson Cruz.

Sección Pulso Global

Esta sección incluye títulos de cine internacional que representan una importante selección de lo más aclamado en el panorama mundial. Entre estas serán exhibidas  la inglesa Ali & Aba, de Clio Barnard, Corsage, de Marie Kreutzer, ganadora de mejor actriz en los Premios del Cine Europeo y en la lista corta de Mejor Película Internacional del Oscar,  junto a Holy Spider, de Ali Abbasi,  No bears, de Jafar Panahi premiada en la Mostra de Venecia, Crímenes del futuro, del canadiense David Cronenberg que formó parte de la Sección Oficial en Cannes, Memoria, de Apichatpong Weerasethakul, ganadora del Premio del Jurado en Cannes, Mónica, de Andrea Pallaoro selección oficial a concurso en Venecia y Mis hermanos y yo, selección Un certain regard en Cannes.

Miradas hispanas

El cine hispanoamericano se sigue fortaleciendo y la edición de este año incluye  varias de las películas más sobresalientes de la región. Entre ellas Alcarrás, de Carla Simón, ganadora del Oso de Oro en la Berlinale y candidata de España al Oscar; As Bestas, de Rodrigo Sorogoyen, selección oficial en Cannes  y nominada al Goya; Argentina 1985, de Santiago Mitre, Premio FIPRESCI en Venecia y candidata de Argentina al Oscar, Bardo, de Alejandro G. Iñarritu, seleccionada por México para el Oscar, El Castigo, del chileno Matias Bize; Los reyes del mundo, de Laura Mora, ganadora de la Concha de Plata en San Sebastián y presentada por Colombia al Oscar; las españolas Manticora, de Carlos Vermut, Sinjar, de Anna Bofarull, Girasoles Silvestres, de Jaime Rosales, No mires a los ojos, de Félix Viscarret y La voluntaria, de Nelly Reguera, presentadas con éxito en diversos eventos internacionales.

Mirada documental

Esta sección presentará un selecto grupo de documentales entre ellos All the beauty and the bloodshed, de Laura Poitras, León de Oro en la Mostra de Venecia e incluida en la lista corta para el Oscar al Mejor documental, Beba, de la directora de origen dominicano Rebeca Huntt, Las Paredes Hablan, del maestro español Carlos Saura, Mi pais imaginario, del chileno Patricio Guzmán,  estrenado en Cannes  y El viaje de Julieta,  sobre la vida y obra de la actriz popularizada por Almodóvar , Julieta Serrano.

Otras secciones

Adicionalmente, se incluyen otras secciones como Cine y Gastronomía con títulos como Delicieux, La brigada de cocina y Two many chefs; Cine y Moda con Haute couture; Cine y medio ambiente con The Crusade y Cine y Deporte con 42 segundos, que contarán con sesiones especiales.

Invitados internacionales

Como cada año, el festival será un punto de encuentro entre la industria local e internacional, con la presencia de importantes productores, directores, intérpretes y personalidades ligadas al oficio. Entre los invitados confirmados se incluyen representantes de plataformas como Netflix, Amazon, Mubi y Vix, considerando los cambios que han tenido lugar en los últimos años en la explotación cinematográfica, además directores de los  principales festivales de cine andaluces como Sevilla, Huelva y Málaga y figuras que sobresalen en la industria internacional.

Actividades formativas y paralelas

En la sede del Hotel Intercontinental se realizarán paneles, conversatorios, conferencias y seminarios que cubrirán importantes temas de la industria cinematográfica. Las entradas estarán sujetas al aforo para los acreditados y en algunos casos por invitación.

Las actividades del Festival serán libres de costo y abiertas al público en general en su gran mayoría con prioridad para los acreditados y sujetas siempre al aforo de las salas. El Festival se enorgullece de llegar a su quinceavo aniversario y lo celebra en grande dando la bienvenida  especial a todo el público amante del cine y la cultura que nos brinda su apoyo cada año.

Crítica Cinéfila: Liborio

La vida de Liborio, personaje histórico de influencia social y religiosa en la zona de San Juan de la Maguana. 

Oliborio Mateo, o mejor conocido como Papá Liborio, fue un curandero, ocultista, líder mesiánico y revolucionario que luchó durante la invasión estadounidense entre los años 1916 y 1922, enfrentándose en 16 ocasiones a las fuerzas de ocupación que controlaban el poder en el país. Liborio fue un guerrillero que utilizaba sus conocimientos de santería tanto para mantener atemorizados a los invasores como para crear una comunidad que se mantuviese luchando contra las fuerzas opresoras. Esa era la historia que quería ver desarrollada en Liborio.

En cambio me dieron la historia de cuatro personajes alrededor de la vida de Liborio, que aunque mostraron sus virtudes, defectos y acciones, no nos permitieron la experiencia completa de adentrarse a sus sueños, temores y vivencias personales. Al principio, se siente así, un momento íntimo con él, esperando a que la tormenta cese para seguir su jornada espiritual. Desaparece y va al cielo, y luego la tormenta termina, y Liborio vuelve de la muerte después de conocer el cielo en una misión. La ópera prima del cineasta dominicano Nino Martínez Sosa comienza como la jornada espiritual de Liborio después de la muerte. Pero a medida que avanza, la historia es otra. 

Papá Liborio se convirtió en un símbolo de esperanza y libertad para República Dominicana durante la ocupación estadounidense. La película se centra en esta figura interpretada de manera magistral por Vicente Santos; sin embargo, el filme es narrado de manera coral por varios personajes que por momentos, asumen el protagonismo: su hijo, su esposa, un capataz nuevo en el terreno, y una nueva creyente que acaba de perder un hijo y le suplica a Liborio que se lo regrese a la vida. 

Pero sus historias de vida no las conocemos, solo se sabe que son personas que habitan en el ambiente donde él habita y que cantan villancicos sobre sus creencias santeras. Mientras avanza la trama, se conocen sus miedos y sus necesidades carnales, pero no más allá. Parecería que simplemente la audiencia los acompañan en su estilo de vida, y no en encontrar un conflicto y alcanzar objetivos particulares. Al final, la historia de Liborio está escrita y es conocida, por lo que no es sorpresa lo que ocurre, en cambio estos personajes se sienten como ovejas que son domadas y guiadas a un camino hasta donde el pastor los puede llevar.

Contada en capítulos como si se tratara de un libro sagrado o de un retablo, Liborio recuerda al tipo de cuentos que se relatan alrededor de un fuego. Es un cine diferente y estéticamente encantador, que permite mirar a través de los ojos de los que creen, y coloca a la audiencia en los pies de las personas que caminan junto al profeta y en los sueños que se mezclan con lo real. La película captura en la mirada y en el gesto la invisibilidad de la fe, esa que no se advierte a simple vista pero que se percibe, como el sabor del azúcar en el agua. 

En sus silencios, se apodera del alma de la audiencia, y en su partitura nos levanta del asiento y nos adentra a una vida más espiritual, pero estos aspectos visuales y sonoros no hace justicia a la ausencia narrativa de la que sufre esta historia. Al final, no conocemos el lado guerrillero de Liborio: parece una figura tan similar a Jesús de Nazaret que se siente más como un Mesías que como una persona que luchó por la libertad nacional. Nino Martínez ha hecho un impresionante trabajo y Vicente tiene una presencia incomparable, pero yo me quedé deseando más.

Crónica Cinéfila: Programación del Festival de Toronto 2020

Las estrellas de Hollywood no estarán caminando personalmente en ninguna alfombra roja en el Festival de Cine de Toronto en septiembre, pero sus últimas películas se proyectarán en línea y, con suerte, en pantallas de cine como parte de la 45va edición durante la era de la pandemia.

Al presentar su línea completa de películas, TIFF agregó títulos de renombre como el thriller legal de J Blakeson, I Care A Lot, protagonizado por Rosamund Pike y producido por Black Bear Pictures; la película de terror y acción de Roseanne Liang Shadow in the Cloud, protagonizada por Chloe Grace Moretz; y Penguin Bloom de Glendyn Ivin , protagonizada por Jacki Weaver y Naomi Watts.

También se dirige a Toronto Regina King, ganadora del Oscar a la mejor actriz de reparto por If Beale Street could talk, con su debut como directora, One Night in Miami, protagonizada por Eli Goree, Leslie Odom Jr., Aldis Hodge y Kingsley Ben-Adir representando íconos afroamericanos de los años sesenta tales como Cassius Clay y Malcolm X; y el drama de demencia The Father, con Anthony Hopkins y Olivia Colman de Florian Zeller que debutó en Sundance.

El Festival de Cine de Toronto 2020, que se celebrará del 10 al 19 de septiembre, ha optado por un evento híbrido con proyecciones de películas en persona limitadas y en su mayoría alfombras rojas virtuales, conferencias de prensa y eventos de la industria en medio del nuevo brote de coronavirus. Para garantizar la presencia de estrellas en el festival de Toronto en medio de la crisis de COVID-19, los organizadores también han reclutado a unos 50 directores y actores de la industria para servir como embajadores de TIFF y aparecer en línea durante el evento de 10 días.

Muchos son veteranos del festival canadiense, incluidos Mortensen, Ava DuVernay, Taika Waititi, Nicole Kidman, Martin Scorsese, Nadine Labaki, Alfonso Cuarón, Tantoo Cardinal, Riz Ahmed, Isabelle Huppert, Claire Denis, Priyanka Chopra, David Oyelowo, Rosamund Pike, Sarah Gadon y Denis Villeneuve.

"Estamos recurriendo a nuestros embajadores para que nos ayuden a iniciar conversaciones de la industria para la audiencia de la industria. Tenemos muchas partes interesadas que son partidarios realmente importantes de los nuestros y queremos asegurarnos de que obtengan las oportunidades que normalmente tendrían en un sala verde o en un evento social y pueden hacerlo en línea (este año) ", dijo el director artístico y codirector de TIFF, Cameron Bailey.

En una era de cooperación, y no competencia, entre los festivales de cine de otoño tradicionalmente rivales, TIFF también ha reservado Falling de Viggo Mortensen, que se inclinó ante Sundance; City Hall de Frederick Wiseman y The Best is Yet to Come de Wang Jing se mostrarán en Venecia antes de pasar a las proyecciones en Toronto.

En otra parte, Summer of 85 de Francois Ozon y la comedia de solicitantes de asilo de Ben Sharrock, Limbo, se proyectarán en Toronto después de ser nombrados como selecciones del Festival de Cannes 2020. Y el debut de Emma Seligman, Shiva Baby, protagonizada por Polly Draper y Rachel Sennott, está reservada en Toronto después de ser programada para el festival SXSW, cancelado este año.

Los codirectores del festival Joana Vicente y Cameron Bailey planean un evento reducido de septiembre que tendrá lugar principalmente en línea este año con una plataforma digital por primera vez para cumplir con las precauciones de seguridad durante la pandemia de COVID-19. "Confiaremos en los autocines y las proyecciones al aire libre y tendremos algunas proyecciones en interiores, y luego habrá un fuerte componente digital, no solo para el público, sino también para la industria", dijo Vicente a THR .

Otros títulos que representan lo mejor del cine internacional incluyen 180 Degree Rule del director iraní Farnoosh Samadi; Notturno del director italiano Gianfranco Rosi; Bandar Road de Manijeh Hekmet, Bandar Road; Lift Like a Girl de Mayye Zayed; Wildfire del director irlandés Cathy Brady; Chaitanya Tamhane con The Disciple; y Quo Vadis, Aida?de Jasmila Zbanic.

Toronto también proyectará episodios de series de televisión internacionales, incluida la adaptación de la novela de A Suitable Boy de Mira Nair , programada para cerrar el festival de Toronto este año, así como las miniseries CBC de Michelle Latimer Trickster y The Third Day, el drama de HBO y Sky protagonizado por Jude Law y Naomi Harris.

El contingente canadiense en Toronto incluirá a Latimer que también proyectará su documental Inconvenient Indian, sobre el narrador canadiense Jonathan King; el drama sobre la mayoría de edad de Tracey Deer, Beans; No Ordinary Man, de los directores Aisling Chin-Yee y Chase Joynt; y el thriller psicológico Violation, dirigida por Madeleine Sims-Fewer, quien también protagoniza junto a Dusty Mancinelli.

Otros títulos anunciados previamente para Toronto incluyen Ammonite de Francis Lee, dirigida por Kate Winslet y Saoirse Ronan; Another Round de Thomas Vinterberg; Fauna, del director Nicolás Pereda; Good Joe Bell, de Reinaldo Marcus Green, protagonizada por Mark Wahlberg; Spring Blossom, la película debut de la directora Suzanne Lindon; y True Mothers de Naomi Kawase .

Otros documentales agregados a la alineación de Toronto 2020 incluyen Enemies of the State, de la directora de National Bird, Sonia Kennebeck, y se centraron en el caso de la supuesta persecución de un hacker por parte del gobierno de los Estados Unidos; la película de Werner Herzog Fireball: Visitors from Darker Worlds, ya recogida por Apple para su plataforma Apple TV+; y MLK / FBI del director de derechos civiles Sam Pollard , que relata la vigilancia del Dr. Martin Luther King por parte del FBI.

Crónica Cinéfila: Mi querida Semana Más Corta

Cuando estaba realizando el grado, mi parte favorita siempre eran los veranos. Y no se debía únicamente a que el semestre era más corto: era especialmente por mi querida Semana Más Corta. Ahora, tres años después fuera de mi media isla, llegué justo a tiempo y lo hago desde otra posición.

13 años después, seguimos en esto y con más ánimo que nunca. Volver a mi alma mater siempre ha sido un honor, y que mejor manera que participando en la Semana Más Corta 2020, en su primera edición completamente virtual, con el patrocinio de Listín Diario y DGCine.

Para los que no saben, la Semana Más Corta es un festival de Cortometrajes que celebra la Escuela de Comunicación y Artes Cinematográficas de la PUCMM, donde se presentan tanto audiovisuales realizados por los estudiantes de la escuela, como de otras universidades y escuelas de cine. Es toda una semana de cortos, documentales, campañas, cortos animados, reportajes, propuestas de largometrajes, entre muchas otras, dándole una noche de premiación al arduo trabajo de los jóvenes cineastas. 

Este año se estarán proyectando 61 audiovisuales durante toda la semana, tanto producciones de la PUCMM, como de las escuelas de cine de Chavón, INTEC y UNIBE. Pero además de esto, tendremos la participación de panelistas nacionales e internacionales, con temas sumamente interesantes, desde el actual tema popular "Cine y Covid-19", como otros temas más específicos como cine de animación, construcción de personajes en guiones, Función del compositor musical en cine, entre muchas otras.

Como estudiante siempre lo vi como una oportunidad de exponer mi persona como creadora y mis producciones; como crítica lo veo como una oportunidad para evaluar el talento creciente y los que vienen en camino; pero como docente es un sazón diferente: es el mejor momento para impulsar a los estudiantes a hacer mucho más de lo que ellos se limitan a hacer y motivarlos a expandir su creatividad en cuanto a los formatos que ya se han visto.

Los invito a todos a la Semana Más Corta 2020, en su Edición virtual. 

Se transmitirá en vivo del 27 al 31 de julio a través de los canales de la universidad, Exprésate en PUCMM en Facebook y @expresatepucmm en Instagram, y los canales digitales del Listín Diario.

Crónicas de California: Hollywood, el Coronavirus y yo

¡Que tiempos tan interesantes para estar en California! 

Mientras más días pasan, más me pregunto: ¿será un plan para salir de esta ciudad tan desesperadamente? ¿o quizás se trata de una película interactiva en la que todos somos parte del elenco y el antagonista principal es un virus "mortal" que su arma más mortal es la tos seca? Sonará a forma de burla, pero así me lo he estado tomando desde el inicio. La realidad es que el asunto es peor por cómo los medios lo ponen. Es una gripe como muchas que si no te cuidas pues te mueres. Al final del día, así son todas las gripes. Pero por el otro lado, puedo reconocer que el tema es serio.

Sin embargo, y a pesar de toda la chercha y poco interés que le pongo al tema, el Coronavirus está afectando todo el mundo, muy especialmente la industria del entretenimiento. Así como muchos negocios y escuelas están cerrando sus puertas para proteger a los suyos de la pandemia, así Hollywood está teniendo que tomar medidas de precaución en contra de su voluntad emocional y económica, al punto de que ya se está volviendo personal.

Amigos me han comentado de varios rodajes que han despachado al personal a sus casas, y el problema no fue la precaución, sino la manera en que fueron despachadas con un rechazo total peor que las películas de zombie o de contagio. 

Así se han cancelado rodajes más grandes:

Disney Live-Action Shows and Films

Marvel's Disney + Shows

Vengeance

Red Notice

The Batman

Universal Live-Action Movies

The Hallmark Channel

Warner Bros. Shows

Netflix Shows

NBCUniversal Shows

CBS Shows

Official Competition

The Prom

Jeopardy! and Wheel of Fortune

The Morning Show

Bros

The Wendy Williams Show

Daytime TV

The Ellen DeGeneres Show

Tamron Hall

Late-Night TV

Survivor

Debate demócrata de CNN

Riverdale

Real Time with Bill Maher

Falcon & the Winter Soldier

Mission: Impossible 7

Blossoms 

The Amazing Race

Tong Wars 

General Hospital

Los cines estadounidenses han limitado los accesos a un 50%, mientras que en países europeos han cerrado completamente los cines. Y así se han decidido cancelar o posponer estrenos de múltiples de películas:

Big Time Adolescence

F9

Mulan

A Quiet Place Part 2

Antlers

Little Fires Everywhere

New Mutants

Kill Chain: The Cyber War on Elections

The Lovebirds

Quibi Launch Event

Peter Rabbit 2

After Truth: Disinformation and the Cost of Fake News

No Time to Die

Ozzy Osbourne

Disney+ European Press Launch

Sonic The Hedgehog Chinese Release

Swipe Night

Superman: Red Son New York Premiere

Enter the Fat Dragon

Lost in Russia 

Estar en lugares públicos se ha convertido en una situación de mal gusto, cancelando importantes festivales de cine, como:

Cualquiera que tome lugar en Francia (no ha sido anunciado pero Cannes seguro también será cancelado)

Venice Film Festival

Tribeca Film Festival

Network Upfronts

Roger Ebert’s Film Festival

Montclair Film Festival

TCM Classic Film Festival

CinemaCon

ASCAP Experience

SXSW Participants

Nickelodeon’s Kids’ Choice Awards

RuPaul’s DragCon LA

Full Frame Documentary Film Festival

PaleyFest

Prague Film Festival

Facebook F8 Developers Conference

Sun Valley Film Festival

CinemaCon 2020

Entre muchos más así también como muchos festivales (Coachella, Tomorrowland, Gay Pride Parade, WonderCon, y más).

Hace poco fui al cine, y viví como el coronavirus les afecta a todos, al generar pánico cuando alguien estornuda; que alguien entra y los empleados limpian rápidamente el piso y los stands; que en una fila del teatro todos se sientan dejando dos asientos de distancia. 

Hollywood nunca se dio cuenta, pero siempre avisó en sus películas como el mundo caería por una enfermedad, él mismo siendo uno de los grandes afectados. Lo bueno es que todos están positivos de que se recuperarán eventualmente, pero no hay una fecha estimada de cuándo eso será. 

Ha sido muy interesante estar en California con todo este caos. Más interesante aún cuando el futuro de nadie esté garantizado, por más contratos firmados, calendarios establecidos y equipos reservados. No se preocupen que yo estoy bien. Lo único que me ha afectado es el retraso de tantas películas que esperaba con ansias. Si me ponen en cuarentena pues me la paso escribiendo entonces.

Crónicas de California: LALIFF 2019

Por 18va ocasión, el Los Angeles Latino International Film Festival (LALIFF) celebra su devoción al cine y la cultura latina en las famosas salas del Chinese Theater en Hollywood, California. El festival es el espacio donde perfecto para compartir con la comunidad latina, y conocer las visiones de los artistas cinematográficos, musicales y jóvenes talentos ofrencen a la industria del entretenimiento. 

La gala de apertura le da inicio a cuatro días repletos de largometrajes, cortometrajes y películas episódicas dirigidas por Latinx. El festival también alberga presentaciones en vivo, exhibiciones de arte y podcasts, así como un programa llamado Legacy que brinda a jóvenes cineastas de preparatoria un foro para proyectar sus cortometrajes en la pantalla grande.

En este año, la mayoría de las películas seleccionadas a ser proyectadas comparten la temática de migración en común, enfocada desde varios enfoques pero a la vez demostrando los puntos de vista y las reacciones que otras personas tienen a este tema social, desde historias sobre inmigrantes ilegales hasta el reencuentro de migrantes con la tierra madre. 

Los cineastas Cristina Ibarra y Alex Rivera abrieron el festival con su película The Infiltrators, la historia sobre un grupo de indocumentados que se infiltran en el Broward Transitional Center con el plan de sacar a alguien que se encuentra injustamente detenido y exponer los casos de abuso que se dan allí. The Infiltrators se basa en la historia real de los activistas de la Alianza Nacional de Jóvenes Inmigrantes (NIYA) que en 2012 entraron a un centro de detención para localizar a un hombre llamado Claudio Rojas que había sido separado de su familia en el condado de Broward, Florida. Desde el interior de los muros de un centro de detención, los dos jóvenes activistas conocían las condiciones que el sistema de inmigración de los Estados Unidos impone a los inmigrantes indocumentados. A partir de ahí, utilizaron sus posiciones y conocimientos externos para organizarse en contra de las condiciones a las que habían estado sometidos detenidos como Rojas. 

Otras películas que continúan la temática son De lo Mio de la cineasta dominicana Diana Peralta, Building the American Dream de la cineasta texana Chelsea Hernandez, Chulas Fronteras de Les Blank, y Pahokee de Ivete Lucas & Patrick Bresnan. A la vez, el productor y actor Edward James Olmos, cofundador de este festival, presentó su más reciente obra The Devil Has a Name, donde el tema de migración resulta secundario en comparación con la situación principal que abarcaba la historia en relación a la contaminación que las compañías petroleras provocan en los cultivos alrededor de California.

Este año, el festival incluye 15 largometrajes, 17 cortometrajes, cinco episodios, dos eventos especiales y dos podcasts latinos en vivo desde el festival además de destacar a cineastas latinos nacidos en Estados Unidos como Cristina Ibarra, Alex Rivera, Rashaad Ernesto Green, Ben DeJesus, Chelsea Hernandez, Diana Peralta, entre otros. Además de las proyecciones, el festival contó con el desarrollo de programas educativos cortos, uno de ellos el Latinx in Animations, una clase magistral donde animadores y creadores comparten sus influencias y sus orígenes, y cómo esto les inspira en la elaboración de sus proyectos. 

Entre los invitados que desfilaron por la alfombra roja, la comunidad latina se hizo sentir, desde jóvenes talentos en series de televisión tan famosas como The Walking Dead y The Mayans, hasta figuras del cine que se han destacado desde hace muchos años, como Luis Guzmán y Celinés Toribio.

LALIFF ha sido un elemento fijo en Hollywood, gracias en parte al trabajo constante que Edward James Olmos ha puesto en la apertura de puertas en el mundo del espectáculo para la comunidad Latinx. Olmos fundó LALIFF en 1997 junto a Marlene Dermer, Kirk Whisler y George Hernández. El festival de este año, el segundo desde un paréntesis reciente de cinco años, está bajo la dirección ejecutiva de Rafael Agustín, quien fue guionista de Jane the Virgin. 

Crónicas de California: Estudiar cine es un lujo

El último proyecto que produje fue de una estudiante de dirección. La chica me pidió que me encargara de logísticas porque estaba frustrada con el tema del dinero y contratos. Yo tomé el proyecto a pesar del corto tiempo y el hecho de que tenía que reorganizarme con todos los demás proyectos que tenía en camino. Pero mientras me hablaba de lo que buscaba, más números se agregaban a algo que prometía ser una historia de 8 minutos en tres locaciones diferentes. A pesar de mis arduos intentos por producir con un presupuesto de US$4,000, el rodaje subió a US$5,200.

Unos días antes, había sido Supervisora de Guión de un amigo. Entre descansos, me comentaba cómo fue el proceso de preproducción de este corto que era en tan solo dos locaciones y 10 páginas de guión, pero con una gran cantidad de actores, tomas y equipos. El gastó US$15,000.

Cuando alguno de mis familiares o amigos (que no están relacionados a cine) me dicen que quieren estudiar esto, mi primera reacción es "Qué bien..." porque el tema de estudiar cine no es solo ir a la universidad y aprender cómo hacer una película o serie de televisión, sino también a hacer varios proyectos para poner en práctica todo lo que vas aprendiendo en clase. Sin importar el área que escojas, incluso si es Guion de Cine (que muchos creerán que es únicamente escribir), todos los semestres habrá algo que te obligará a gastar dinero en algún proyecto.

Esto es lo que las universidades no advierten cuando aplicas para estudiar algún área de cine:

- Gasto en rodajes: Independientemente si es tuyo o en grupo, este gasto es constante. Dependiendo del tipo de rodaje que sea y las locaciones, se podría gastar entre US$500 a US$2,000 en un proyecto de semestre. Si ya es algo que pasa de 8 páginas de producción y tres locaciones, lo más probable es que los gastos sobrepasen los US$3,000. Entre los gastos (que nadie te advierte) está la contratación de equipos, renta de locaciones, pago de permisos, diseño de producción, transportación, seguros, solicitud de catering más crafties en set, e imprevistos que siempre ocurren durante el rodaje.

- Contratación de staff: Si el proyecto no se está haciendo con compañeros de clase, y no encuentras quién pueda colaborarte, deberás contratar personal para el rodaje. Los puestos que siempre requieren contratación son Asistente de Cámara (min. US$150 el día), Productor de diseño (min. US$100 el día), Gaffer (min. US$150 el día), Grip (min. US$100 el día), y Supervisor de guión (min. US$150 el día). Otros puestos como el de Asistente de Producción también requieren contratación pero la mayoría del tiempo son fáciles de llenar, así que normalmente no son pagados. 

- Compra de programas y equipos: Sí, estás pagando una matrícula que seguramente incluye el uso de programas y equipos en la universidad y/o para proyectos de la universidad. Sin embargo, esto no significa que muchas clases no te requieran comprar o suscribirte a programas y uso de equipos. En mi carrera, tuve que comprar el paquete de Final Draft (el mejor programa para escribir guiones), suscribirme no solo a Netflix, sino también a Hulu, Amazon Prime y IMDb Pro, y tuve que adquirir el paquete de Adobe Collection y Avid. Y yo "solo estudié Guión de Cine". Mientras tanto, los que estudian Dirección o Cinematografía, deben no solo adquirir todo lo que acabo de mencionar, sino también comprar luces, utilerías de gaffers, y hasta cámaras, si se les es posible.

- Suscripción a eventos y festivales: Esto no será en requerimiento de las universidades, pero poco a poco es posible que lo incluyan, debido a que para que tu carrera comience a mobilizarse, asistir a eventos y festivales siempre será un buen plus. Estos eventos son para conectar con otros cineastas en crecimiento, pero las entradas siempre variarán entre US$15 a US$600 (sobretodo los que son de las Asociaciones de Productores o Actores).

Cuando escribía un guión que iba a ser producido para una clase, siempre tenía en cuenta el tipo de presupuesto que quería mantener. Trataba de limitarme a lo que se podía y no a las grandes escalas que quería llegar. Pero gracias a esas pocas producciones que tuve en mis propias asignaturas es que pude participar en producciones de otros estudiantes y ver cómo eran las magnitudes de gastos que ellos tenían en proyectos similares, pero todos los semestres y en más de una ocasión por semestre.

Realmente, estoy agradecida de no tener que haber producido ninguno de mis grandes proyectos de la maestría. ¿Se imaginan el gasto que hubiese sido producir una serie de comedia/terror sobre demonios o una película de época en Cuba del siglo XIX? Sí... yo tampoco quiero imaginármelo hasta que de verdad vaya a producirlas.

Crónicas de California: AFI FEST

Si estuviste en Los Angeles entre el 8 y el 15 de noviembre, seguro que escuchaste bastante sobre AFI FEST, el festival del American Film Institute que presenta una variedad de las películas más significantes del año, entre ellas pertenecientes a cineastas emergentes, independiente y/o internacionales.

Este año, el festival estuvo caracterizado por cine inclusivo, clásicos restaurados, algunas de las más esperadas del año y otras que quizás no han sido mencionadas, pero el talento y la calidad se rebozan en cada una de sus escenas, sin dejar de mencionar que se convirtió en el escenario de estreno de algunas de las mejores películas del 2018; postdata: las mejores películas del festival fueron definitivamente Roma (Alfonso Cuarón), Green Book (Peter Farrelly) y Capernaum (Nadine Labaki).

A continuación les compartiré los 8 momentos más importantes del festival:

La sorpresa de On the Basis of Sex

A pesar de que el trailer de esta película no me parecía muy prometedor, el filme resultó una verdadera sorpresa, gracias al talentoso arco de la actriz Felicity Jones a lo largo de la historia y la estructura en que fueron narrando el cambio de Ruth Bayer de feminista a luchadora en contra de la discriminación de género. Previo al screening, el cast y el elenco de la película subieron al escenario, otorgando unas breves palabras sobre el proceso de producción de esta historia.

La película fue escrita por el sobrino de Ruth Bayer, Daniel Stiepleman, quien dijo que le pidió permiso una vez que descubrió los hechos sobre ese caso inicial basado en la discriminación de género y pensó que sería una buena película. "Bueno, si así es como quieres pasar tu tiempo", fue la respuesta que Ruth le dio a su sobrino, junto con el acceso a todos sus archivos e investigaciones.

Natalie Portman y Vox Lux

Cómo la habían anunciado, Natalie Portman y el director Brady Corbet dijeron presente durante la segunda noche del festival, para hablar de su más reciente película, Vox Lux. Debido a la cercanía que tiene la temática de la historia con los tiroteos masivos y el más reciente ocurrido en Thousand Oaks, el director dirigió unas palabras a la audiencia, advirtiendo: "si te sientes vulnerable y quieres ver esta película en otro momento, no te preocupes por eso, pero gracias por estar aquí", dijo Corbet.

Más tarde, Portman explicó su preparación para encarnar el personaje que Corbet había creado, desde aprender coreografías hechas por su propio esposo, hasta instalarse en su ciudad natal para grabar las escenas. "Brady filmó toda esta película en 22 días; todas mis escenas fueron grabadas en 10 días. Abrieron un estudio justo a la vuelta de la esquina de la casa donde crecí, justo a la vuelta de la esquina de mi escuela donde crecí, por lo que era legítimamente como un sentimiento de bienvenida", expresó la actriz.

El mensaje de los cineastas internacionales

Los directores detrás de cuatro de los participantes de este año en la carrera por el Oscar a la Mejor Película en Idioma Extranjero compartieron ideas sobre sus inspiraciones creativas y sus colaboradores clave durante una sesión titulada "El lenguaje del cine: Directores internacionales". El panel de discusión presentó a los cineastas Rima Das, con Village Rockstars; Sophie Dupuis, con Family First; Florian Henckel von Donnersmarck con Never Look Away; y László Nemes, con Sunset. La sesión fue moderada por el productor de cine, Barry Sabath.

Los cuatro directores hablaron de la forma en que crearon u obtuvieron las ideas que les inspiraron a realizar estas películas, el tiempo de duración escribiendo los guiones y lo que más disfrutaron al realizar estas producciones. "A través del cine, puedes crear tu propio mundo", dijo Rima Das, explicando el encanto del cine y las complicaciones que ha tenido en su carrera. Cuando se dio cuenta de que quería ser directora de cine, Das se consideraba muy mayor para ir a la escuela de cine. Así que se educó a sí misma para "contar historias" y vivir su visión.

El semibiopic de Alfonso Cuarón

Alfonso Cuarón no pudo estar presente en el screening especial de su más reciente obra, "Roma", pero envió un mensaje a toda la audiencia, hablando de cómo su propia niñez y su nana le inspiraron a escribir y dirigir esta historia. Pero su ausencia no limitó a que parte del cast y crew subieran al escenario y contaran su experiencia durante el rodaje de esta película.

La actriz Marina De Tavira, uno de los pocos rostros conocidos de la película, le compartió a la audiencia la forma en que Cuarón preparó al elenco, quienes convivieron por semanas para acostumbrarse a la idea de que eran familia. Así mismo, expresó como el director les hablaba de manera individual para ayudarles a entender los personajes y la personalidad de cada uno en escena. "Nunca nos dió un guión con las líneas, previo al rodaje. Siempre llegábamos el mismo día para saber que diríamos o haríamos", expresó la actriz.

Los rostros del cine independiente 

Las estrellas de ocho de las mayores Indies de esta temporada subieron al escenario en el salón Blossom Ballroom del Hollywood Roosevelt Hotel, la misma sala donde se celebró la primera ceremonia de los Oscars hace 90 años, para celebrar el cine independiente. En la mesa redonda participaron Willem Dafoe (At Eternity’s Gate), Richard E. Grant (Can You Ever Forgive Me?), Kathryn Hahn (Private Life), Felicity Jones (On the Basis of Sex), Joanna Kulig (Cold War), Thomasin McKenzie (Leave No Trace), Rosamund Pike (A Private War), y John C. Reilly (The Sisters Brothers, and Stan & Ollie), quienes hablaron apasionadamente y con franquesa sobre sus nuevas películas y sus anteriores producciones.

Los ocho actores contaron sobre su experiencia pasando de cine comercial a cine independiente, cómo en muchas ocasiones este tipo de cine ha sido malentendido y lo difícil que es salir de ser vistos por un tipo de papel en específico. Rosamund Pike tuvo problemas en los primeros días de su carrera. La actriz de Gone Girl obtuvo su primer crédito en la pantalla grande como Miranda Frost, una chica de Bond, en Die Another Day (2002), y pasó los años siguientes tratando de reorientar su carrera. "Bond es una franquicia maravillosa, recibes mucha exposición pero muy poco respeto cuando empiezas como una chica Bond. La gente asume, de una manera que no lo hacen con cualquier otra película, que así es como eres. Y me di cuenta rápidamente que no había nada que pudiera hacer al respecto".

También hablaron de sus opiniones personales sobre cómo la gente ve el cine independiente y cómo debería ser visto. "He trabajado en películas de bajo presupuesto donde los directores pobres son atacados por productores de izquierda y derecha, y he trabajado en películas de $100 millones donde ese mismo director hace exactamente lo que quiere todos los días", dijo John C. Reilly. "Para mí, una película independiente es cualquier película en la que el director pueda hacer exactamente lo que quiere, sin darle mucha mente al presupuesto".

Los Coen dijeron presente

Entre algunos de los grandes nombres que estuvieron presente en el festival fueron los hermanos Coen, quienes participaron en la apertura de su más reciente película "The Ballad of Buster Scruggs". A pesar de que Netflix canceló la alfombra roja del filme como forma de respeto a los incendios forestales ocurridos en Malibu, esto no impidió a los famosos hermanos a subir a escenario y agradecer todos los presentes, así como brindar unas palabras de apoyo a aquellos afectados por los fuegos.

Brevemente compartieron el apoyo/interés que recibieron de diferentes casas productoras interesadas en la producción y distribución de esta película, y su experiencia creando esta historia. "Estábamos escribiendo estas películas cortas sin ninguna expectativa de hacerlas. Eran simplemente divertidas. Eran ejercicios. Se metían en un cajón", dijo Joel Coen. "En cierto momento, nos dimos cuenta de que todas las ideas eran occidentales. Pensamos, 'como están genéricamente relacionadas, tal vez podrían estar reunidas en algún tipo de antología'".

Capernaum en el corazón de la audiencia

Otra gran sorpresa fue la película libanesa Capernaum, que narra la historia de un niño luchando por obtener su certificado de nacimiento y una mejor vida, en una sociedad donde los padres producen más niños que dinero y donde el matrimonio por intercambio y el trabajo forzado son situaciones reales de sobrevivencia. La película es angustiosa y triste, pero con un final que brindará satisfacción a toda su audiencia.

Después del screening, la directora Nadine Labaki subió al escenario acompañada del protagonista de esta película, Zain Al Rafeea, quien recibió la completa ovasión de los espectadores. La directora expresó que Zain, en su vida real, pasó por muchas de las situaciones que fueron presentadas en sus escenas, y que, por el hecho de que ya las conocía, su actuación y encarnación del personaje fue aún más natural.

Cerrando con rostros femeninos

El festival culminó con Mary Queen of Scots, otra de las tantas películas dirigidas por mujeres que se presentaron en el AFI FEST. Josie Rourke, directora de la película de cierre, estuvo acompañada del elenco de la producción, y tuvo la oportunidad de compartir palabras de agradecimiento al festival y a toda la audiencia que asistió a ver el estreno de este filme, sobretodo su apoyo al cine realizado por rostros femeninos.

La gala presenta a la próxima generación de cineastas, incluidas 65 películas dirigidas por mujeres.

Crónicas de California: 5 formas de conseguir un agente en Los Angeles

Cuenta la leyenda que para conseguir un agente en Los Angeles, tienes dos opciones: darte a conocer sin un agente o tener contactos dentro de la industria que te puedan presentar a agencias de talentos. La segunda es la más posible, pues, como en casi todas las áreas de trabajo, mientras más relaciones tengas, más ayuda puedes conseguir.

Y por más color de rosa que muchos quieran pintarlo, Los Angeles es una ciudad  muy competitiva y costosa. Todos llegan con los mismos planes, sin imaginarse la cantidad de obstáculos que hay de por medio, pues no solo se trata de poder presentarle una idea o guion a un productor, sino de que debes estar representado por una agencia para poder lograr esto, por el simple hecho de que nadie va a recibirte un guion, sin un proceso legal de por medio, y los procesos legales los gestionan los agentes.

Te preguntarás entonces: si esta ciudad es tan competitiva, costosa y, probablemente, no tengas ningún contacto en la industria, ¿cómo consigues un agente que te pueda dar a conocer?

Aquí te propongo 5 formas:

1. Escribe algo. Si apenas estás iniciando como guionista, seguro te lo encontrarás canzón, pero es una de las maneras que le dirán a ese agente que tienes talento y que quieres explotarlo con su compañía. Pero cuando digo "escribe algo" no me refiero a que hagas un solo guión. Para conseguir una entrevista con un agente, debes de tener, por lo menos, 3 guiones escritos. Así, si te firma en su agencia, pueden comenzar de inmediato a promocionar tu trabajo.

2. Relaciones. Creo que debí comenzar por esta opción porque, según muchos, es la manera más fácil de conseguir un agente. Las relaciones las puedes conseguir en los eventos de Networking, donde asisten agentes, managers, publicistas y otros escritores, con el plan de crear lazos. Estos eventos se realizan todas las semanas en diferentes puntos de Los Angeles. Pero también, verifica si alguno de tus amigos tiene la fama suficiente para tener contactos directos con agencias. Un famoso escritor de televisión conoció a su agente porque un amigo de la Universidad ya trabajaba en la industría como productor de televisión. El le envió a su amigo productor dos guiones que tenía escritos, y su amigo los compartió con distintas agencias. Dos semanas después, ya tenía 2 entrevistas con agentes. Es cuestión de suerte y de relaciones.

3. Query Letters. Estas cartas tienen un único y gran objetivo: motivar a agentes de que tienes un verdadero talento que ellos pueden explotar. Es lo que los va a convencer de que tu historia vale la pena, no solo para ser leída, sino también para ser producida o vendida. Pero para escribir esta carta, existen una serie de parámetros que hay que tener en cuenta, antes de mandarla a cualquier agente, pues no le puedes mandar cualquier carta. Imagina que es solicitando trabajo, de modo que tienes que sonar convincente, sin exageraciones y rentable (pronto les comento cuáles son esos parámetros). 

4. Competencias y Festivales. Otra manera, principalmente si ganas o quedas como finalista, pues si en este evento están participando o asistiendo agentes de talentos, y ellos tienen la oportunidad de ver tus proyectos como audiencia, pueden considerar o no trabajar contigo. Desde concursos y festivales de cine pequeños, hasta los más grandes como Cannes y Sundance, son una excelente plataforma para conocer y enlazarse con agentes.

5. Pitch Fest. ¿Se recuerdan hace unas semanas que les hablaba del pitching? Si no se recuerdan, hagan click aquí. Los Pitch Fest son otros eventos donde se tiene la oportunidad de conocer y enlazarse con agentes, pero sobre todo, pitchearles tus ideas y demostrarles la capacidad artística que tienes como guionista, cineasta o actor. Cuando eres estudiante del New York Film Academy, en tu semestre de tesis, la escuela organiza un Pitch Fest, en donde los casi egresados tienen la oportunidad de conocer productores y agentes de talentos de Los Angeles, en busca de nuevas voces. Oh sí... yo participaré en ese Pitch Fest dentro de unos semestres, y es posible de que a) conozca un productor que se pueda interesar en alguna de mis historias o b) conozca un agente que quiera firmarme en su agencia de talentos.

¿Quieres venir a Los Ángeles con el plan de trabajar en la industria? Vaya planificando como conseguir un agente, porque eso es lo que te garantizará si vale la pena o no enfrentarse a esta competitiva odisea.

Crónicas de California: ¿Por qué debo participar en los festivales de cine?

El segundo lugar más importante donde todo cineasta debe llevar sus películas son los festivales de cine. Estos escenarios son creados por una institución o grupo de personas para exhibir una cartelera de filmes, que pueden ser de directores y productores nuevos en la industria, o más experimentados pero con un estilo autoral.

Nunca (o casi nunca) encontrarás una película comercial en un festival de cine, porque están destinadas para historias y producciones de tonalidad independiente, bajo presupuesto y con la intención de mandar un mensaje a su audiencia.

Existen festivales para todo tipo: largometrajes, cortometrajes, video experimentales, documentales, ¡hasta de guiones! Y también de diferentes temáticas, idiomas, países y demás. Por eso, como estudiante, lo más apropiado es prepararse para esto, porque es (en la gran mayoría de las ocasiones) lo que nos abre las puertas a las grandes producciones. Aquí les comparto 5 razones por las que todo cineasta en crecimiento debe participar en los festivales de cine.

La oportunidad de darse a conocer

Esta es la más importante. Muchas personalidades del cine (productores, directores, actores, agentes) asisten como invitados y también cazatalentos. Por eso siempre se debe estar atento y tratar de conocer tantas personas se puedan, pero hay que estar preparado. Si solo estás asistiendo como audiencia, debes andar siempre con muestras de tus audiovisuales, portafolio, tarjetas de presentación y dispuesto a hablar de tus próximos proyectos. Si asistes como director de un audiovisual que se presente, siempre debes tener contigo volantes y objetos promocionales de la película y DVDs con cortes del audiovisual.

El nacimiento del siguiente gran proyecto

En Los Angeles he conocido personas que sus cortometrajes fueron presentados en festivales de cine y lo siguiente que les ocurrió es que estaban trabajando en un largometraje. Esto se debe a que los motivan a ampliar la historia de su audiovisual a un largometraje, o porque los invitan a ser parte de una producción más grande. 

El crecimiento del portafolio

Esto no solo aplica en el sentido de los audiovisuales que presentas, sino también en los premios y menciones que se obtienen al participar. Los festivales normalmente cierran con una noche de premiaciones a los más destacados de la convocatoria. 

Un mejor conocimiento de tu temática de preferencia

Existen festivales de todo tipo: dedicados a un país, situaciones o grupos de personas en específico. Lo adecuado es encontrar en cuál/cuáles quieres participar, comenzar a trabajar en el proyecto con esa temática y aplicar con tiempo para poder calificar a presentación. De esta manera también se descubre cuál es la temática y género con el que se prefiere trabajar, y a cuál conglomerado de audiencia le quieres entretener. 

Ayuda a obtener la visa de trabajo

Este no es mi caso, porque pretendo regresar a mi querida República Dominicana, pero muchas personas que participan en festivales de cine nacionales e internacionales, lo hacen con la doble intención de reunir más requisitos que le ayuden a obtener la visa de trabajo. Según lo que me han explicado algunos amigos internacionales más experimentados, el hecho de participar en los festivales va acumulando puntos a favor que justifican tu estadía en Estados Unidos y la razón por la que debes continuar estando en este país.

En mi caso como guionista, existen festivales exclusivos para nosotros: el Austin Film Festival, el Vail Film Festival, el Slamdance Film Festival y el Nantucket Film Festival, que además de presentaciones de los guiones, se premian aquellos que estén lo suficientemente desarrollados para ser llevados a la producción. También, el festival de Sundance tiene un espacio donde guionistas perfeccionan sus proyectos con profesionales del área; el festival de Cannes tiene una competencia exclusiva para guiones; y no se puede dejar de mencionar el Black List, un espacio online que conecta guionistas de cine con agentes y productores en busca de los próximos grandes proyectos de la industria. 

Ya yo me inscribí en el Black List para presentar mi próximo hijo que pronto les comentaré detalles sobre él, pero esto no significa que dejaré de asistir a todos las demás muestras que se realicen en esta ciudad, donde todas las semanas hay festivales de distintos tipos. La ventaja de ser estudiante del New York Film Academy es que nos regalan taquillas para asistir, así que es una oportunidad que no se debe dejar de aprovechar.

Mi 6ta Semana Más Corta

Siempre me siento famosa cuando voy a la PUCMM, y no es que trabaje como presentadora de TV, radio o como una súper productora de cine (aunque sé que eso viene), sino porque siempre me recuerdan el granito de arena que dejé allí. Y creánme, siento que esta universidad, y principalmente mi querida carrera y la Semana Más Corta, aportaron más a mi de lo que yo debí haberles dejado.

Por allá en el 2012, mientras deambulaba por los pasillos del B1 en espera de una clase, me acerqué al estudio de televisión y radio, donde se reunía Gina Trejo, la Productora General del SMC 2012 y mi querida profe Elvira, la Directora de nuestra carrera. Sin pensarlo mucho y sin saber que era en realidad, me inscribí para ser parte del equipo de producción y trabajar en la Semana Más Corta. Ya han pasado 6 ediciones desde aquel momento y todavía recuerdo cada participación que tuve. Es a partir de allí que hay un antes y un después en mi vida personal y profesional.

Ahora esta carrera está más dividida y especializada, lo cual hace que los estudiantes puedan producir mejores producciones, incluso con una calidad muy similar a lo que se ve en nuestras salas de cine. Este año es la 10ma edición del festival, centrado en la identidad dominicana, nuestra cultura, gastronomía y costumbres, y cada uno de los audiovisuales que he tenido la oportunidad de ver SON INCREÍBLES. Es impresionante el talento que hay en estas mentes tan jóvenes, pero con una profesionalidad y un carácter de responsabilidad en cada una de las historias que narraron.

Por otro lado, esta muestra ha crecido bastante. En mi primer año participando, ya era todo un espectáculo, pero ahora se ve que hay más integración estudiantil, más participación de marcas y empresas, y más personalidades siendo parte de esto. Pero sobretodo, más organización. Ya quienes producen tienen un mejor entendimiento de a lo que van, y que aunque haya tesis, otras materias y trabajo (porque sé que es así, también pasé por eso), se demuestra lo multitasking que somos cuando se trata de montar este evento.

En toda mi trayectoria dentro de la universidad, el único espacio donde siempre sentí que tenía la oportunidad de demostrar mis habilidades y mi talento dentro de mi área de estudio fue en la Semana Más Corta, y sé que los estudiantes que se involucren les pasará igual. No solo será una indicación de un maestro o maestra, o una tarea de una clase, también será la puesta de escena de todo lo aprendido en la carrera, demostrando que cada asignatura tiene una razón de ser dentro del pensum.

Cuando me tocó producir la Semana Más Corta, me invadieron tantos sentimientos, porque el hecho de haber llegado allí, después de que había pasado por casi todos los roles, fue un logro. Y lo sigue siendo. Se me crece el corazón de orgullo cuando digo que salí de la PUCMM y que tuve la oportunidad de ser productora general de este festival, de proyectar mis audiovisuales, de haber ganado uno que otro premios y de tener mi nombre grabado en él. Es uno de mis mayores logros y siempre lo recordaré con mucho cariño.

El haberme reencontrado con mis compañeros, conversar con antiguos productores de este festival, ver nuevos cineastas en construcción y sentarme en la silla de jurado fueron mis momentos más memorables de esta edición. Felicito a sus integrantes y motivo a todos aquellos que quieran seguir siendo parte de esto.

A los futuros productores: no dejen caer este festival, esta es una tremenda oportunidad para demostrar su talento y que todo lo que han aprendido no ha sido en vano. Aprovechen que tienen a nuestra querida profe Elvira ahí. Y que ella no sea la líder, USTEDES sean líderes, llévense de sus consejos, empoderen sus ideas y lleven la Semana Más Corta por todo lo alto de esta media isla y hasta donde pueda llegar.

Gracias por invitarme, siempre querré ser parte.

La Semana Más Corta y mis deseos de agarrar un guión

Hace cinco años, cuando mantenía mi postura de que quería estudiar cine en Estados Unidos, mi papá me presentó el pensum de Comunicación Social de la PUCMM y, entre ellos, unas informaciones sobre el festival de audiovisuales de la universidad. Al llegar el verano del primer año, fue amor a primera vista. 

Cuatro años consecutivos participando, de edecana a productora general; debo admitir que la Semana Más Corta no solo me dio la oportunidad de conocer y practicar mi carrera desde la butaca de la universidad, significó un momento que ha marcado mi vida profesional y personal.

Ahora, cinco años después, asisto como espectadora por primera vez y me siento extrañada de no tener un guión en la mano o la cámara en el cuello. Solo me quedaba reclinar la silla y disfrutar de lo que se presentara.

Aunque había tenido la oportunidad de ver los cortometrajes como jurado, una segunda vez me hace darme cuenta de lo creativo que un estudiante puede ser al tratarse del tema de la igualdad: entre niños que saben quien es Platón, un chef sordo y una periodista en un manicomio, se nota que hubo algo más que tener una buena idea. Los movimientos de cámara limpios, algunos diálogos sin exceso de actuación y hasta lágrimas: puedo decir que hay un avance y es bastante notorio.

Pero a parte de los audiovisuales, todo el trabajo del equipo estudiantil y profesoral, más el talento de los presentadores y de los artistas se conjugó en una única frase: una producción a la altura de Fine Arts.

La nostalgia de sentir la presión del momento me hizo recordar los buenos momentos que viví durante la Semana Más Corta, las personas que conocí y los premios que recibí, pero más que nostalgia, es orgullo de decir que alguna vez estuve ahí y que todas esas personas tienen la oportunidad de ser protagonistas de vivir la puesta en escena de un verdadero evento.

Solo me queda decir: ¡Felicidades a todos! Se puede ver todo el empeño de un año de trabajo. Que el evento siga fluyendo tan bien como inició y que termine con mucho éxito, muchas risas, muchas lagrimas y anécdotas para toda una vida.