Crítica Cinéfila: Cocaine Bear

Un grupo formado por policías, delincuentes, turistas y adolescentes converge en un bosque de Georgia donde un oso negro de 500 libras se vuelve loco después de ingerir cocaína, que cayó del avión de un narcotraficante.

En septiembre de 1985, las autoridades de Tennessee descubrieron el cuerpo de Andrew Carter Thornton II, un ex oficial de narcóticos convertido en contrabandista de drogas que había muerto al caer de un avión. Las bolsas llenas de cocaína que transportaba al país tardaron más en recuperarse. Cuando se encontró la carga ilícita en el Bosque Nacional Chattahoochee-Oconee de Georgia, gran parte ya había sido ingerida por un desafortunado oso negro de 175 libras, que se encontró muerto cerca de una sobredosis masiva. De esta historia real de avaricia, estupidez y el irreflexivo abuso de la naturaleza por parte de la humanidad, surge una pregunta natural: ¿Qué pasaría si el oso, en lugar de morirse, se hubiera convertido en un asesino drogadicto impulsado por un hambre no solo de carne humana fibrosa (aunque hay mucho de eso), sino también de ese polvo blanco abusivo?

Desagradable, brutal y llena de momentos "cómo fue...", "Cocaine Bear" proporciona una respuesta extremadamente sangrienta y divertidamente especulativa. Habiendo acaparado los titulares con su tráiler viral, título alegremente autoexplicativo y astuta redefinición de "concepto elevado", la película ya ha invitado a obvias comparaciones previas al lanzamiento con "Snakes on a Plane", el thriller de 2006 que se disparó durante meses como una sensación de Internet antes de estrellarse en la tierra de la taquilla. Ya sea que el público forme líneas o no para "Cocaine Bear", es difícil descartar por completo una comedia de terror convencional que ofrece una buena cantidad de momentos agudos y espeluznantes, al menos hasta que toma un giro decepcionante para concluir con una acción suave y tierna. Pero seguro que han visto peores películas nuevas este año.

Lo que probablemente no hayas visto es un oso de 500 libras (porque todo es más grande en Hollywood) abriéndose camino a través de un tramo de bosque protegido por el gobierno federal que alguna vez fue idílico. En consonancia con la mayoría de los entretenimientos actuales de depredadores ápices y enloquecidos, incluida la sólidamente entretenida “Beast” del año pasado, esta versión ficticia de “Pablo Escobear” (un apodo acuñado localmente) es completa y convincentemente generada por computadora, desde sus garras letales hasta el final de su hocico cada vez más manchado de sangre y espolvoreado con cocaina.

Después de provocarnos con un primer vistazo de la acción del oso que ataca a los turistas y le amputa las piernas de un mordisco, el guión de Jimmy Warden presenta una ajetreada variedad de subtramas humanas. Keri Russell interpreta a una amorosa madre soltera; Brooklynn Prince ("The Florida Project") es su hija adolescente, que elige el peor día posible para adentrarse en el bosque con su mejor amigo (Christian Convery). O'Shea Jackson Jr., Alden Ehrenreich y Aaron Holliday están muy bien agrupados como tres ladrones torpes en una misión para recuperar la cocaína perdida. También en la mezcla están la indispensable Margo Martindale como una guardabosques malhumorada, Jesse Tyler Ferguson como un desafortunado activista por los derechos de los animales, Kristofer Hivju ("Game of Thrones") como un excursionista traumatizado e Isiah Whitlock Jr. como un detective de la policía obsesionado con el caso del descubrimiento de las bolsas de cocaina que cayeron del cielo.

No todos son afortunados de sobrevivir en esta película, y "Cocaine Bear", como la mayoría de las aventuras canívales que convierten el gore en entretenimiento, hace un trabajo razonablemente bueno tanto para revolver como para satisfacer sus expectativas. La directora Elizabeth Banks, realizando su tercer largometraje (después de “Pitch Perfect 2” y el reciente remake “Charlie's Angels”), tiene una manera limpia para manipular la acción desordenada, como vemos en la mejor escena de la película: un punto culminante de acción delirante con música de Depeche Mode que involucra una camilla, una ambulancia a toda velocidad y algunas heridas protésicas verdaderamente asombrosas que rompen las muñecas de cualquiera con el asiento del cine. No todas las víctimas del oso solicitan su desprecio, que es otra forma de decir que no es fácil predecir quién vive y quién muere, aunque puede apostar que este último incluirá al idiota que retrocede hacia una ventanilla convenientemente ubicada en el mismo centro de una puerta de la oficina de guardabosques.

El suspenso se deriva en parte del esfuerzo trepidante de la partitura de Mark Mothersbaugh, y también de la suposición de los personajes de que los osos negros son menos peligrosos que los osos pardos y siempre sobrios. Pero también surge de cierta cirugía cinemática aficionada por parte de Banks y Warden, quienes presentan algunas ideas graciosas y fantasiosas sobre cómo el oso podría responder a amenazas y otros estímulos. ¿Se abalanzaría sobre todas las personas que se crucen en su camino, o solo sobre las que huelen a coca? ¿Su último subidón le dará hambre o sueño? ¿Sobrevivirán los niños a su ola de asesinatos? 

Que el oso resulte ser una mamá ella misma, completa con su propia manada de osos, podría ayudar a responder algunas de estas preguntas. Es aquí donde la película, después de aproximadamente una hora de caos cada vez mayor, se vuelve ingratamente suave. La acción comienza a alargarse, los giros se vuelven más elaborados y lo que al principio parecía un ejercicio de película de explotación alegre y sin disculpas amenaza con convertirse en una obra de moralidad de última hora. Eso es dulce y defendible en teoría pero también sugiere una falta de valor en una película lo suficientemente atrevida como para mostrar a dos niños probando cocaína por primera vez, desafiando alegremente los comerciales antidrogas que se apoderaron de las ondas en los años 80 y 90.

Banks nos muestra algunos de esos comerciales desde el principio, aunque no llega a satirizar la campaña "Abrazos, no drogas" que era un elemento fijo de tantas escuelas primarias, con nada menos que Hugs the Bear como su peluda y amigable mascota. En otra parte, rinde un homenaje agradable y poco sutil al momento específico de esta historia, abarrotando la banda sonora con éxitos de los 80 y con Matthew Rhys, el coprotagonista de "The Americans" de Russell, interpretando al destinado Thornton en un rápido prólogo. También el reparto de guiños tiene a un difunto Ray Liotta, quien inhaló cantidades masivas de coca en "Goodfellas" y aquí interpreta a un despiadado narcotraficante en su último papel en la pantalla. ¿Tiene su personaje una salida digna de él?

Cocaine Bear ofrece una buena cantidad de risas y emociones. Tiene momentos realmente divertidos: la entrega de Ehrenreich de "¡UN OSO tomó COCAÍNA!" es inmaculado, y sus mejores muertes te dejarán gritando de emoción/terror. Pero a pesar de lo divertido y estúpido que es la trama, no se puede evitar pensar mientras se observa que podría haber sido aún más divertido y aún más estúpido. En cambio, la película entra en control de crucero entre piezas centradas en osos, casi como si hubiera llegado demasiado alto en su propia premisa para impulsarse a alturas verdaderamente exhorbitantes. La propia historia del Cocaine Bear original es una leyenda instantánea; ojalá pudiera decir lo mismo de su película homónima.

Crítica Cinéfila: Antlers

En Antlers, una pequeña ciudad de Oregón, una profesora (Keri Russel) y su hermano (Jesse Plemons), el sheriff de la localidad, se empiezan a interesar por un estudiante misterioso y distante. A medida que se van conociendo, descubren que el joven esconde un peligroso secreto que podría tener consecuencias fatales.

El nombre de Antlers encaja y tiene sentido una vez que te das cuenta de que esta película de monstruos ambientada en Oregón y de combustión lenta se centra en el "wendigo" nativo americano, una leyenda por la cual un espíritu maligno posee a las personas y las transforma en criaturas mortales con cuernos de alce con un apetito por la carne humana.

Cooper ha incursionado en muchos géneros a lo largo de su carrera como director de cinco películas, aunque ha habido una oscuridad constante en todo eso que pone el horror de lleno en su timonera. Ejecutado con estilo y quizás con demasiada importancia, su trabajo se ha centrado tradicionalmente en las líneas de falla de la condición estadounidense, ya sea la violencia ("Black Mass"), el racismo ("Hostiles") o la adicción ("Crazy Heart"), y todos esos temas se juntan aquí con un efecto escalofriante.

Lo que hace que "Antlers" sea tan inquietante no es la mecánica de crear tensión y temor de la película, sino la forma en que el cineasta se mete en las mentes de sus dos personajes principales: la sobreviviente de abuso convertida en maestra de escuela primaria Julia Meadows (Keri Russell) y su alumno Lucas (Jeremy T. Thomas), en quien es capaz de reconocer señales de alerta que le recuerdan el trauma que experimentó cuando era niña. Algo increíblemente mal está sucediendo en casa de Lucas, y Julia está bien preparada para identificar el problema e intervenir en su nombre, o eso es lo que sostiene "Antlers", aunque la filosofía de "se necesita uno para conocerla" puede parecer un poco simplista a veces.

Desarrollada y apadrinada por el productor Guillermo del Toro, la película se basa en el cuento corto de Nick Antosca "The Quiet Boy", que el autor adaptó con el coguionista Henry C. Chaisson. En manos de Cooper, conserva el elemento central de una maestra que muestra preocupación por un niño cargado con mucha más responsabilidad de la que debería tener que enfrentar alguien tan joven. Las películas de terror más efectivas no solo tratan de asustar a la audiencia, aunque esta tiene algunos sustos genuinamente extraños, sino de explorar los problemas sociales más profundos que nos ponen nerviosos. En este caso, nos enfrentamos a una pequeña ciudad estadounidense en declive, donde las oportunidades de empleo son escasas, los opioides abundan y las relaciones con los nativos americanos locales están atrasados ​​por un ajuste de cuentas.

Tras una escena de apertura siniestra en la que el padre de Lucas, Frank (Scott Haze) y su hermano menor, Aiden (Sawyer Jones), son atacados por una criatura gigante en una mina abandonada, Julia nota cierta oscuridad en su alumno. Cuando se le pide que comparta una historia en clase, Lucas cuenta una demasiado sombría para alguien de su edad. Tras una mayor investigación, encuentra una pila de dibujos escondidos en su escritorio que parecen haber sido hechos por un asesino en serie, todos dientes afilados y animales ensangrentados. Su alarma puede parecer obvia, pero tenga en cuenta que nadie en la ciudad sabe lo que sucedió en esa mina, ni saben cómo pasa Lucas su tiempo después de la escuela: atrapar animales salvajes, cortarlos y dárselos de comer a Frank y Aiden que se mantienen gruñendo y gimiendo detrás de una puerta fuertemente cerrada.

Las películas de terror que presentan transformaciones aterradoras suelen estar motivadas para dejar salir a los monstruos, donde pueden acumular a las víctimas en beneficio de un público sediento de sangre. En este caso, cualquier estrago que el wendigo pueda causar en la ciudad no es nada comparado con lo que le está haciendo al pobre Lucas en casa. Allí, con su padre incapacitado, se ve obligado a jugar al cazador, padre y tomador de decisiones, y el peso de esa responsabilidad claramente lo está comiendo vivo, por no hablar de los moretones y desnutrición en su frágil cuerpo.

Hay múltiples metáforas en funcionamiento aquí, la más obvia es el arquetipo de un espíritu nativo enojado que busca venganza por lo que el hombre blanco ha hecho para explotar tierras que no eran suyas para empezar. Mucho más inquietante es el enfoque de la película en cómo un niño se las arregla para ser forzado a asumir el papel de adulto cuando sus padres son incapaces de otra manera. Cuando el hermano del oficial de policía de Julia, Paul (Jesse Plemons), explica que Frank es un adicto, entendemos que Lucas probablemente tuvo que dar un paso al frente en el pasado, cuidando a su hermano cuando su papá estaba ausente o drogado.

Los flashbacks de la complicada infancia de Julia, junto con tomas no demasiado sutiles en las que lucha por resistirse a comprar licor en el mercado local, refuerzan la conexión que siente con Lucas y por qué es tan importante para ella protegerlo, sin importar cuán terrible su situación doméstica podría ser. No tiene idea de lo que le espera, por supuesto, pero enfrentarlo sirve como penitencia por la huida de Julia todos esos años antes y haber dejado a Paul a cargo de su padre abusivo.

En cierto punto, el wendigo se suelta, lo que resulta en la carnicería que el público probablemente esperaba desde el principio. En cualquier caso, eso no es tan aterrador como lo que Lucas está enfrentando, especialmente cuando llega el momento de que acepte que Frank y Aiden no pueden salvarse y, en cambio, deben ser destruidos. 

Se ha convertido en una necesidad de género que películas como esta nunca puedan matar por completo al monstruo, pero sería un error interpretar mal el final como una burda configuración de secuela. Solo mire lo que Julia obliga a hacer a Lucas y ahora considere lo que le pide.

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