Crítica Cinéfila: Cocaine Bear

Un grupo formado por policías, delincuentes, turistas y adolescentes converge en un bosque de Georgia donde un oso negro de 500 libras se vuelve loco después de ingerir cocaína, que cayó del avión de un narcotraficante.

En septiembre de 1985, las autoridades de Tennessee descubrieron el cuerpo de Andrew Carter Thornton II, un ex oficial de narcóticos convertido en contrabandista de drogas que había muerto al caer de un avión. Las bolsas llenas de cocaína que transportaba al país tardaron más en recuperarse. Cuando se encontró la carga ilícita en el Bosque Nacional Chattahoochee-Oconee de Georgia, gran parte ya había sido ingerida por un desafortunado oso negro de 175 libras, que se encontró muerto cerca de una sobredosis masiva. De esta historia real de avaricia, estupidez y el irreflexivo abuso de la naturaleza por parte de la humanidad, surge una pregunta natural: ¿Qué pasaría si el oso, en lugar de morirse, se hubiera convertido en un asesino drogadicto impulsado por un hambre no solo de carne humana fibrosa (aunque hay mucho de eso), sino también de ese polvo blanco abusivo?

Desagradable, brutal y llena de momentos "cómo fue...", "Cocaine Bear" proporciona una respuesta extremadamente sangrienta y divertidamente especulativa. Habiendo acaparado los titulares con su tráiler viral, título alegremente autoexplicativo y astuta redefinición de "concepto elevado", la película ya ha invitado a obvias comparaciones previas al lanzamiento con "Snakes on a Plane", el thriller de 2006 que se disparó durante meses como una sensación de Internet antes de estrellarse en la tierra de la taquilla. Ya sea que el público forme líneas o no para "Cocaine Bear", es difícil descartar por completo una comedia de terror convencional que ofrece una buena cantidad de momentos agudos y espeluznantes, al menos hasta que toma un giro decepcionante para concluir con una acción suave y tierna. Pero seguro que han visto peores películas nuevas este año.

Lo que probablemente no hayas visto es un oso de 500 libras (porque todo es más grande en Hollywood) abriéndose camino a través de un tramo de bosque protegido por el gobierno federal que alguna vez fue idílico. En consonancia con la mayoría de los entretenimientos actuales de depredadores ápices y enloquecidos, incluida la sólidamente entretenida “Beast” del año pasado, esta versión ficticia de “Pablo Escobear” (un apodo acuñado localmente) es completa y convincentemente generada por computadora, desde sus garras letales hasta el final de su hocico cada vez más manchado de sangre y espolvoreado con cocaina.

Después de provocarnos con un primer vistazo de la acción del oso que ataca a los turistas y le amputa las piernas de un mordisco, el guión de Jimmy Warden presenta una ajetreada variedad de subtramas humanas. Keri Russell interpreta a una amorosa madre soltera; Brooklynn Prince ("The Florida Project") es su hija adolescente, que elige el peor día posible para adentrarse en el bosque con su mejor amigo (Christian Convery). O'Shea Jackson Jr., Alden Ehrenreich y Aaron Holliday están muy bien agrupados como tres ladrones torpes en una misión para recuperar la cocaína perdida. También en la mezcla están la indispensable Margo Martindale como una guardabosques malhumorada, Jesse Tyler Ferguson como un desafortunado activista por los derechos de los animales, Kristofer Hivju ("Game of Thrones") como un excursionista traumatizado e Isiah Whitlock Jr. como un detective de la policía obsesionado con el caso del descubrimiento de las bolsas de cocaina que cayeron del cielo.

No todos son afortunados de sobrevivir en esta película, y "Cocaine Bear", como la mayoría de las aventuras canívales que convierten el gore en entretenimiento, hace un trabajo razonablemente bueno tanto para revolver como para satisfacer sus expectativas. La directora Elizabeth Banks, realizando su tercer largometraje (después de “Pitch Perfect 2” y el reciente remake “Charlie's Angels”), tiene una manera limpia para manipular la acción desordenada, como vemos en la mejor escena de la película: un punto culminante de acción delirante con música de Depeche Mode que involucra una camilla, una ambulancia a toda velocidad y algunas heridas protésicas verdaderamente asombrosas que rompen las muñecas de cualquiera con el asiento del cine. No todas las víctimas del oso solicitan su desprecio, que es otra forma de decir que no es fácil predecir quién vive y quién muere, aunque puede apostar que este último incluirá al idiota que retrocede hacia una ventanilla convenientemente ubicada en el mismo centro de una puerta de la oficina de guardabosques.

El suspenso se deriva en parte del esfuerzo trepidante de la partitura de Mark Mothersbaugh, y también de la suposición de los personajes de que los osos negros son menos peligrosos que los osos pardos y siempre sobrios. Pero también surge de cierta cirugía cinemática aficionada por parte de Banks y Warden, quienes presentan algunas ideas graciosas y fantasiosas sobre cómo el oso podría responder a amenazas y otros estímulos. ¿Se abalanzaría sobre todas las personas que se crucen en su camino, o solo sobre las que huelen a coca? ¿Su último subidón le dará hambre o sueño? ¿Sobrevivirán los niños a su ola de asesinatos? 

Que el oso resulte ser una mamá ella misma, completa con su propia manada de osos, podría ayudar a responder algunas de estas preguntas. Es aquí donde la película, después de aproximadamente una hora de caos cada vez mayor, se vuelve ingratamente suave. La acción comienza a alargarse, los giros se vuelven más elaborados y lo que al principio parecía un ejercicio de película de explotación alegre y sin disculpas amenaza con convertirse en una obra de moralidad de última hora. Eso es dulce y defendible en teoría pero también sugiere una falta de valor en una película lo suficientemente atrevida como para mostrar a dos niños probando cocaína por primera vez, desafiando alegremente los comerciales antidrogas que se apoderaron de las ondas en los años 80 y 90.

Banks nos muestra algunos de esos comerciales desde el principio, aunque no llega a satirizar la campaña "Abrazos, no drogas" que era un elemento fijo de tantas escuelas primarias, con nada menos que Hugs the Bear como su peluda y amigable mascota. En otra parte, rinde un homenaje agradable y poco sutil al momento específico de esta historia, abarrotando la banda sonora con éxitos de los 80 y con Matthew Rhys, el coprotagonista de "The Americans" de Russell, interpretando al destinado Thornton en un rápido prólogo. También el reparto de guiños tiene a un difunto Ray Liotta, quien inhaló cantidades masivas de coca en "Goodfellas" y aquí interpreta a un despiadado narcotraficante en su último papel en la pantalla. ¿Tiene su personaje una salida digna de él?

Cocaine Bear ofrece una buena cantidad de risas y emociones. Tiene momentos realmente divertidos: la entrega de Ehrenreich de "¡UN OSO tomó COCAÍNA!" es inmaculado, y sus mejores muertes te dejarán gritando de emoción/terror. Pero a pesar de lo divertido y estúpido que es la trama, no se puede evitar pensar mientras se observa que podría haber sido aún más divertido y aún más estúpido. En cambio, la película entra en control de crucero entre piezas centradas en osos, casi como si hubiera llegado demasiado alto en su propia premisa para impulsarse a alturas verdaderamente exhorbitantes. La propia historia del Cocaine Bear original es una leyenda instantánea; ojalá pudiera decir lo mismo de su película homónima.

Crítica Cinéfila: The Turning

Una joven institutriz es contratada por un hombre que se ha convertido en el tutor de sus sobrinos tras las muerte de sus padres. Pronto descubrirá que tanto los niños como la casa esconden oscuros secretos y las cosas no son lo que aparentan.

La directora de The Turning, Floria Sigismondi, debe recordar que comenzó a hacer videos musicales en la década de 1990, eventualmente acumulando una impresionante lista de clips para artistas como David Bowie, Marilyn Manson, Fiona Apple, The White Stripes y Christina Aguilera. Apropiadamente, su segundo largometraje después de la película biográfica de rock The Runaways de 2010 vuelve a la era en la que comenzó. Esta adaptación de la novela de Henry James The Turn Of the Screw anuncia de inmediato, a través de un fragmento sobre la reciente muerte de Kurt Cobain, que se desarrollará en la primavera de 1994, casi 100 años después de que el libro se publicara por primera vez, pero ahora es tiempo suficiente para presentar una pieza más original y adecuada a la era.

Esto significa que Kate (Mackenzie Davis) ya no es una institutriz, al menos no en muchas palabras. Ella es descrita como una tutora y cuidadora de Flora (Prince Brooklynn de The Florida Project), cuyos padres murieron en un accidente automovilístico y cuya niñera anterior desapareció abruptamente, mientras su hermano mayor Miles (Finn Wolfhard) asiste a un internado. Flora se pierde en los terrenos de la vasta propiedad de su familia, ligeramente cuidados por una fiel y anciana criada (Barbara Marten) hasta que Kate llega a la escena. Flora y Kate desarrollan rápidamente una relación amistosa, que se ve igualmente debilitada por el sorpresivo regreso de Miles.

Kate escucha los habituales misteriosos crujidos y traqueteos nocturnos, y ve las figuras espectrales habituales por el rabillo del ojo. Pero Miles le proporciona una tensión más sigilosa y más provocativa cuando le habla y se niega a respetar su espacio personal. Muchas semillas malas de películas hacen un contraste entre un exterior plácido o adorable y la amenaza inesperada debajo. Aquí, al envejecer al niño "malo" por unos pocos años, The Turning plantea algunas preguntas astutas sobre si Miles es malvado, poseído o simplemente un idiota hormonal. Esa ambigüedad casi justifica la hosca monoexpresividad de la actuación de Wolfhard, lo que implica que afecte a un medio burlón con la boca floja durante gran parte del tiempo de ejecución.

Wolfhard también tiene la difícil tarea de crear una relación con un personaje imaginario. Se supone que Miles tiene algún tipo de vínculo con el jardinero muerto Quint, que será familiar para cualquier lector del libro original de James. Pero a pesar de una fidelidad general a su material original, The Turning difunde su inmediatez manteniendo no menos de cuatro personajes importantes muertos, desaparecidos, posiblemente fantasmales o fuera de pantalla, y el recuento sube a cinco o seis una vez que se tiene en cuenta la historia de fondo de la propia familia de Kate. Se supone que esto presume las posibilidades inquietantes de la película, pero en su lugar muchas de las cosas espeluznantes se sienten predeterminadas, como un misterio de asesinato que es todo sospechoso y aburrido a la vez, y no incitan al crimen. Cuando Kate deambula por los terrenos que incluyen una piscina poco cuidada, una sala de costura desordenada e innumerables espejos ornamentados, los posibles sustos se reducen a simples sustos.

Davis ofrece una actuación de su altura como una mujer cuya facilidad con los niños enmascara sus propios miedos, al menos hasta que queda atrapada en un juego extendido; sin embargo, la ambigüedad y poca seguridad del personaje no le favorece en las escenas más importantes, quedando atrapada como una fácil víctima. Prince es fuerte, siendo una rara actriz infantil con un efecto creíblemente animado pero no cursi, y igualmente abandonada por la historia. Realmente, todos en The Turning se deja en alto y seco por un final tan desconcertante que es casi a prueba de spoilers: estropearlo requeriría incluso una comprensión rudimentaria de lo que está sucediendo en sus momentos finales, más allá de eso parece descartar el final de la novela. Aún más extraño, la película se las arregla para terminar abruptamente mientras se apaga; las imágenes flotando sobre los créditos finales, burlándose vagamente de información adicional que nunca llega. El final de la vuelta puede quemar teatros que muestren The Turning. 

Sería más fácil convertir esta burla de las expectativas de la audiencia en una causa célebre si el fuerte sentido del estilo de Sigismondi pudiera dominar la historia esencialmente inacabada. El diseño de producción de buena fe de la película es, por turnos, llamativo y desorientador. En una mejor película, este sería un toque sutilmente desconcertante, evocando un período de tiempo sin la familiaridad reconfortante de la nostalgia. En una película tan completamente perdida como The Turning, todo, desde las actuaciones hasta el diseño de la producción y las señales musicales, equivale a un gran montón de espejos sucios y partes de muñecas.