Crítica Cinéfila: Deadpool & Wolverine

Un apático Wade Wilson se afana en la vida civil tras dejar atrás sus días como Deadpool, un mercenario moralmente flexible. Pero cuando su mundo natal se enfrenta a una amenaza existencial, Wade debe volver a vestirse a regañadientes con un Lobezno aún más reacio a ayudar.

En un momento dado, la historia del Universo Cinematográfico de Marvel se volvió mucho más convincentes que cualquiera de las historias de cualquier Universo Cinematográfico. Para mí, ese momento llegó durante los créditos finales de la primera película de “Iron Man” en 2008. Para el propio MCU, ese momento llegó con “Avengers: Endgame” unos 11 años después, cuando la megafranquicia definitoria del siglo XXI alcanzó su momento más sumativo, atravesó la nube de lo inalcanzable y, en una medida aún mayor de lo que lo había hecho hasta ahora, comenzó a volver a centrar el milagro de su propio éxito como su mito prevaleciente. 

Ese proceso condujo inevitablemente a la creación de un multiverso, que convirtió al MCU en un rompecabezas metatextual que solo podía volver a armarse buscando piezas sueltas fuera de la pantalla. No pasó mucho tiempo antes de que el tipo de conocimiento que solía mejorar estas películas se volviera necesario para comprenderlas, ya que éxitos de taquilla como "Spider-Man: No Way Home" y " Doctor Strange in the Multiverse of Madness" se basaban en una familiaridad práctica con el tipo de líos corporativos (por ejemplo, derechos de los personajes, ambiciones de transmisión y datos de taquilla) que solo los nerds y los accionistas deberían tener que conocer. 

Ese giro pareció una respuesta natural a un momento en el que la conversación en torno a la cultura cinematográfica se había vuelto completamente inseparable de la cultura misma, pero las películas sufrieron sin una fuerza sustentadora propia, y se desencadenó un grado de fatiga de superhéroes que ninguno de los Vengadores fue lo suficientemente poderoso para combatir.

Ojalá hubiera alguien en ese mundo (o al menos adyacente a él) que pudiera reconciliar la realidad emocional del MCU con toda su sustancia extracurricular que se había acumulado a su alrededor. Alguien que pudiera hacer agujeros en la cuarta pared con la misma fluidez con la que el Dr. Strange baila un vals a través del continuo espacio-tiempo, usar ese don especial para reparar la relación de su estudio con las masas y adoptar felizmente varias décadas de destructivo disparate corporativo como su propia cruz. Ojalá hubiera alguien que pudiera salirse con la suya llamándose a sí mismo "Jesús de Marvel" en una película de superhéroes, porque el género se ha desgastado hasta un punto en el que nadie menos consciente de sí mismo podría esperar redimirlo. 

Por suerte para Disney, su decisión de tragarse a 20th Century Fox le ha permitido a Deadpool entrar en el MCU. Y por suerte para Deadpool, entrar en el MCU le ha permitido evolucionar hasta convertirse en algo más que el hermano menor desagradable del cine de superhéroes. Deadpool sabe que está en el MCU. No solo eso, Deadpool sabe que el MCU necesita desesperadamente que lo salven. Y además, Deadpool también sabe que salvarlo podría ser su única oportunidad de demostrar, tanto a los Vengadores como a la audiencia, que no es el "pony molesto de un solo truco". 

En ese sentido, Deadpool & Wolverine, de Shawn Levy, es un éxito triunfal a medias, lo que la convierte en la mitad más exitosa que cualquier otra película que haya dirigido Shawn Levy. La mitad buena tiene poco que ver con Deadpool como personaje, ya que el mercenario aún combina el patetismo emocional de una papa frita con el rango cómico de un estudiante de sexto grado que cree que está a un chiste gay de conseguir un especial de HBO. Por el contrario, tiene todo que ver con Deadpool como una presunción, ya que la autoconciencia desenfrenada del personaje lo coloca en una posición singularmente buena para recordarle a la "gente" por qué "amaban" las "películas" de superhéroes en primer lugar. 

¿Los reinicios interminables? ¿Las franquicias huérfanas? ¿La transparencia desnuda de explotar la lealtad nostálgica de una audiencia a los personajes con los que crecieron? "Deadpool & Wolverine" es una cinta de megapresupuesto de una película que está decidida en convertir esos defectos en fortalezas que definan el género. Toda la premisa de su historia depende de su capacidad para recuperar la molestia más constante del público casual: el hecho de que la gente casi nunca permanece muerta en estas películas.

Deadpool, que se ha vuelto tan inseparable de la personalidad pública de Ryan Reynolds que su referencia a Blake Lively, que rompe con la realidad, apenas parece una broma, es rechazado para unirse a los Vengadores y se resigna a pasar el resto de sus días trabajando como vendedor de coches usados ​​en una triste línea temporal en la que está soltero y comparte un apartamento con una ciega adicta a la cocaína de 80 años llamada Blind Al (Leslie Uggams). Pero la esperanza se hace presente cuando un gerente intermedio cósmico llamado Paradox (Matthew Macfadyen) convoca a nuestro héroe ante la Autoridad de Variación Temporal y le dice que todo su universo se reducirá hasta desaparecer a menos que encuentre a alguien lo suficientemente interesante como para relacionarlo. 

Deadpool no podría alcanzar esa meta ni de broma, pero Wolverine definitivamente encajaría en el perfil.  El único problema: en esta línea temporal, murió al final de "Logan", una situación que Deadpool intenta -y no logra - arreglar en una secuencia de créditos iniciales que personifica lo bueno y lo malo de la audacia conceptual, la bancarrota artística y la alegre clasificación R de Marvel para salvar su marca.

"¿Cómo podemos [exhumar a Hugh Jackman] sin faltarle el respeto a la memoria de Logan?", nos pregunta Deadpool. Luego responde a su propia pregunta: "No lo haremos". Señal: Deadpool usa alegremente los huesos cubiertos de adamantium del cadáver de Wolverine para desmembrar a un pequeño ejército de militares mientras baila "Bye Bye Bye" de NSYNC. La acción es endeble y estridente, el chiste es más fuerte que el de cualquiera de los malos, y lo irónico es que Deadpool ha abierto la caja de Pandora. Como tantas escenas en esta película, el hecho básico de que esté sucediendo es más divertido que todo lo que realmente sucede en ella. 

De todos modos, el resultado es que Deadpool tiene que viajar a otras líneas temporales para encontrar un Wolverine que pueda arrastrar de vuelta a la suya, una búsqueda alimentada por el montaje que llega a su fin cuando se decide por el peor Logan del multiverso: un alcohólico volátil que lleva su trauma tan pesadamente como el icónico traje amarillo que se niega a quitarse. Por desgracia, nuestros enemigos desiguales son enviados al desierto incoloro donde los personajes de Marvel poco rentables van a morir y/o a quedar atrapados en la memoria, una pesadilla purgatoria gobernada por una mutante psíquica que sueña con convertir cada línea temporal en el Vacío. Su nombre es Cassandra Nova (Emma Corrin), es la hermana pequeña retorcida de Charles Xavier, y su ambición enfermiza representa la amenaza existencial que enfrenta todo el género de Deadpool. Películas de superhéroes: imagina el mundo sin ellos. 

Los cameos son espectaculares de una manera que resonará en cualquiera que haya estado yendo a los multicines durante los últimos 30 años, y los mejores de ellos se extienden con cariño a papeles secundarios genuinos. La lógica rara vez es coherente y la trama nunca es más que una excusa débil para poner a estos personajes en el mismo lugar, pero "Deadpool & Wolverine" logra millas a su ventaja al convertir los recuerdos de 20th Century Fox en una isla de juguetes inadaptados, una que permite que algunos de los chistes más grandes y las promesas abandonadas en la historia del cine de superhéroes tengan la segunda oportunidad que ningún otro género podría esperar darles. 

Los actores que encarnan esa oportunidad la abrazan con todo su corazón, entregando un puñado de actuaciones entrañablemente hilarantes que se alimentan de la naturaleza metatextual de su existencia para crear un sentimiento real a partir de las tonterías de la industria cinematográfica. Es como ver una producción de "Our Town" donde Deadpool ha sido elegido como el director de escena, que se queda a un lado y deja que una serie de fantasmas cuenten una historia que en realidad solo lo necesita para hacer comentarios, y para participar en una fiesta de puñaladas ocasional con Wolverine, los dos inmortales luchando para extraer una película entera del combate de entrenamiento sin muerte que hizo que el duelo culminante de Jack Sparrow con el Capitán Barbossa se sintiera como una pérdida de tiempo. Fiel a su estilo, Levy desperdicia por completo a Wolverine como personaje, pero el propio Jackman es capaz de ser una fuente frecuente de deleite; la recompensa emocional al final de su actuación no tiene nada que ver con el Logan que interpreta aquí, sino con cómo la película le permite al actor completar el círculo con el Logan que interpretó en la primera “X-Men”. 

Por más doloroso que pueda resultar ver a Reynolds posar frente a la cámara y desgranar sus peores partes mientras el director de “Free Guy” usa el dinero restante de Marvel para darle su propio toque al nivel de “Mad Max”, “Deadpool & Wolverine” rescata algo hermoso de la fealdad que las películas de superhéroes han perpetuado durante tanto tiempo. No visualmente, por supuesto (aunque ubicar la mayor parte de la historia en un lugar llamado “el Vacío” al menos hace que esta película de aspecto imposiblemente monótono parezca haber logrado su objetivo estético), pero sí en varios otros aspectos clave.

Nadie es nunca un inútil. Nadie está nunca más allá de la salvación, incluso décadas después de que el mundo le haya dado la espalda. Nadie está nunca verdaderamente muerto, al menos mientras la gente siga amándolo en su corazón y/o esté dispuesta a dejar que Ryan Reynolds haga bromas desagradables/sexualizadas. Estos sentimientos parecerían plásticos en el vacío, pero el contexto de su género permite reubicarlos en un mito de spandex desordenado que lleva gestándose varias décadas y, al hacerlo, les otorga el peso de varias vidas de Hollywood. “Deadpool & Wolverine” nos dice que el multiverso no importa más allá de su capacidad de darle a todos el final que merecen.

Sí, la historia del Universo Cinematográfico de Marvel ha sido durante mucho tiempo más convincente que cualquiera de las historias contadas en el Universo Cinematográfico y, en el proceso de reconciliar esas dos historias como solo Jesús de Marvel podría hacerlo, Deadpool presenta un argumento muy persuasivo de que esta debería ser la última película de superhéroes jamás realizada. No lo será. Ya no lo es. Lo mejor que probablemente podamos esperar es que “Deadpool 4” esté igualmente dispuesta a morir por todos los pecados que su género cometerá de aquí a entonces.

Crítica Cinéfila: The Son

La ajetreada vida de Peter junto a su nueva pareja Emma y su bebé se convierte en un caos cuando su ex esposa Kate reaparece con su hijo adolescente, Nicholas, un joven problemático con el que es difícil comunicarse, por agresivo y distante, y que acaba de abandonar la escuela. 

Desde Sófocles hasta Shakespeare, todo vuelve a la familia. Los escritores pueden obtener conceptos tan elevados como quieran, pero al final, los mejores narradores del mundo reconocen que nada es más potente, ni siquiera el amor romántico y banal, que las conexiones entre los niños y sus padres. Florian Zeller lo entiende. Antes de centrar su atención en la pantalla, este talentoso narrador escribió al menos una docena de obras, la más aclamada de las cuales fue una trilogía centrada en cómo los problemas de salud mental devastan a las familias burguesas aparentemente funcionales: “The Mother” (depresión), “The Father (demencia) y “The Son” (ya verás).

En el escenario, su estrategia ha sido mantener las situaciones visualmente simples, honestas y lo más universales posible. En 2020, dirigió a Anthony Hopkins y a sí mismo a un Oscar con “The Father”. Y ahora, con tantos mirando para ver qué hará a continuación, Zeller adapta su obra más personal, "The Son", sobre un adolescente depresivo de Nueva York que nadie parece entender, ni siquiera él mismo. “No soy como otras personas”, insiste Nicholas, de 17 años (Zen McGrath). "Estoy sufriendo todo el tiempo".

Es un grito de ayuda en una película en la que la gente quiere desesperadamente hacer lo correcto, pero nadie parece saber qué es eso, o de qué es capaz Nicholas. Esa incertidumbre le da a “The Son” su tensión: un bajo temor subconsciente de que algo terrible vaya a suceder, como si la tragedia fuera inevitable, pero no puedes estar seguro de qué forma tomará. La madre de Nicholas, Kate (Laura Dern), le dice al exmarido Peter (Hugh Jackman) que está asustada de su hijo en un tono que sugiere que lo admite por primera vez. Kate se presentó en la casa de Peter, un apartamento elegante que el abogado comparte con su nueva esposa Beth (Vanessa Kirby) y su bebé recién nacido, a una hora inapropiadamente tarde en busca de ayuda.

Nicholas ha faltado a la escuela durante casi un mes. Algo anda mal, pero el joven se niega a confiar en Kate. Quizá Peter pueda razonar con él, espera ella. Al día siguiente, Peter llega, duro pero preocupado, y trata de animar al niño a salir de lo que los padres llaman con optimismo una "fase", pero que, de hecho, es posible que nunca superen. Peter quiere que su hijo se sienta respetado. En la conversación de hombre a casi hombre que sigue, Nicholas termina preguntando si puede vivir con su padre, lo que pone en marcha el resto de "The Son".

En lugar de sentirse suelto y habitado, la adaptación de Zeller de su propia obra tiene una calidad ligeramente mayor, que no debe confundirse con "teatral": los decorados se sienten desconcertantemente poco decorados, como si los personajes estuvieran viviendo en una sala de exposición. El diseño de sonido se ha reducido, de modo que las sirenas y el ruido de la calle (casi constante en Nueva York) apenas se registran. El diálogo, adaptado al inglés con la ayuda de Christopher Hampton, sugiere lo que la gente podría decir en tal situación. Estas mismas preocupaciones han alimentado innumerables películas para televisión y, sin embargo, Zeller busca el tratamiento más "de buen gusto" posible. En lugar de simplemente desgarrarnos emocionalmente, lo que "The Son" inevitablemente logrará (y lo que quiere) es que el público piense.

Sobre todos los elementos, lo más destacable es la cuidadosa dinámica entre padre e hijo, un truco fascinante en el trabajo, incluso más sutil que el juego de manos que Zeller usó para hacer sentir al público como si estuviera perdiendo la cabeza lentamente (como el personaje de Hopkins) en “The Father”. En el papel de Peter, Jackman se convierte en un hombre atrapado en su propio tipo de actuación. El adicto al trabajo que rara vez está en casa quiere desesperadamente ser percibido como un patriarca ideal, pero parece saber (o sospechar) en el fondo que es un fracaso en ese departamento. Eso significa que Jackman está interpretando esencialmente a un hombre que quiere hacer el papel de un padre.

Si duda, considere una de las escenas definitorias de la película, cuando Peter se toma un raro descanso del trabajo para ver a su propio padre (Anthony Hopkins) para hacerle saber que está pensando en rechazar la oferta de un político de DC a supervisar su campaña, ya que Nicholas lo necesita. A Peter le parece la decisión correcta, pero Anthony ve a través de su agenda y le aconseja superar las cicatrices de su niñez.

Y ahí emerge otra dimensión del personaje de Jackman, que proviene de una generación en la que quedarse callado y soportar el dolor es visto como un signo de fortaleza personal. Hoy, la madurez emocional se asocia con las cualidades opuestas: la capacidad de identificar el propio trauma y aceptar el tratamiento, como intenta hacer Nicholas. Para su crédito, cuando no está demasiado distraído con el trabajo, Peter intenta comunicarse con su hijo. Es a través de una de estas conversaciones que Peter se entera de que el niño está profundamente traumatizado por la separación de sus padres. Esta revelación no se ofrece tanto como una "explicación". Nicholas claramente se siente traicionado y abandonado por su padre. 

Para los padres de Nicholas, así como para los padres y madres de la audiencia, es molesto ver a alguien tan joven abrumado por el mundo que lo rodea, un estado mental que McGrath interpreta de manera más sutil que Laurie Kynaston en la versión teatral del West End, donde el personaje garabateaba en las paredes y volcaba muebles agitado. No este Nicolás. Es en gran parte un cifrado, esconde un arma debajo de su colchón y muestra un interés inquietante en su hermanastro pequeño, a quien claramente ve como una especie de reemplazo. Este no es un papel fácil, ya que la más mínima amenaza probablemente sabotearía la sensibilidad de la interpretación de Zeller.

“The Son” no es un espectáculo fácil, pero es importante en un momento en que los jóvenes están en crisis constante. Solo mire las estadísticas, y está claro que la depresión, las autolesiones y el suicidio están aumentando en tasas alarmantes entre los adolescentes, y eso incluso antes de tener en cuenta los desafíos de la pandemia. Cuando Nicholas le pregunta a su padre sobre el rifle que vio en el cuarto de lavado, no está claro si este adolescente descontento planea usarlo contra sus compañeros de clase o contra él mismo. 

Beth está asustada, pero hace todo lo posible por ser una madrastra cariñosa, como en una escena atípicamente liviana cuando presiona a Peter para que demuestre su "famoso movimiento de cadera". Sale a la luz un vistazo detrás de la personalidad estelar de Hugh Jackman. Entre esto y "Bad Education", estamos viendo un nuevo capítulo de su carrera, ya que Jackman subsume su carisma natural para sugerir la inseguridad fundamental de Peter: quiere romper el ciclo, ser un mejor padre que el que tuvo. Pero él no entiende a lo que se enfrenta, y al ver el desarrollo de "The Son", la tragedia de esta familia se convierte en la nuestra, y la advertencia de Zeller se vuelve imposible de ignorar.

Crítica Cinéfila: Reminiscence

Nick Bannister, un investigador privado que se interna en el oscuro y seductor mundo del pasado, ayuda a sus clientes a recuperar recuerdos perdidos. Un día, su vida cambia cuando aparece Mae, una nueva clienta que se convertirá en una peligrosa obsesión. Mientras Bannister intenta encontrar el motivo de la desaparición de Mae, descubre una violenta conspiración.

Con un elenco espectacular que incluye a Hugh Jackman, Thandiwe Newton y Rebecca Ferguson, una prometedora guionista, directora y productora de la showrunner de "Westworld" Lisa Joy, que hace su debut en el largometraje, y un elegante concepto de ciencia ficción, "Reminiscence" tiene todos los ingredientes para el entretenimiento de verano electrizante. Pero a pesar de su considerable poder de estrella y sus impresionantes piezas, la meditación en expansión sobre la memoria se estanca por momentos.

En un Miami futurista cuya costa se ha hundido bajo las mareas crecientes, Nick de Jackman dirige un negocio inusual, con la ayuda de un asistente (Newton): venden el pasado. Los clientes habituales de Nick conocen el ejercicio: se meten en un tanque de agua, se colocan unos auriculares y reviven sus recuerdos más preciados. Dado que este contenido recuperado se proyecta en un holograma de tamaño real, sus anfitriones también pueden mirar y mantienen archivos de este contenido para una fácil referencia.

De todas las articulaciones que recuperan la memoria en todas las ciudades hundidas del mundo en las que podría haber entrado, la misteriosa y hermosa Mae (Rebecca Ferguson) entra en esta. Ella afirma que necesita el servicio para ayudarla a encontrar las llaves de su casa, pero ¿hay algo más que esté buscando?

El guión de Joy usa su embriagadora premisa para jugar con la cronología; justo cuando crees que estás viendo una escena en tiempo real, Nick sale de su propio tanque de agua con una sacudida; ha estado reproduciendo obsesivamente sus propios datos, con Mae, quien tuvo un romance vertiginoso con Nick, pero un día simplemente desapareció.

No es una mala configuración, por mucho que toque “La Jetée”, “Vértigo”, “Eternal Sunshine of the Spotless Mind” y otras películas con temas de memoria. Pero la distopía dura está sobreexcitada, con la narración de Nick volviéndose violeta a veces (intentando ser Noir cuando no hay suficientes elementos para esto, o cuando provoca una intención más de ciencia ficción pero es un futuro medioambiental un poco cercano. Cada momento extraído, dice, es "una cuenta en el collar del tiempo". Si lo olvidas la primera vez, no te preocupes, te lo recuperarán de tanto que lo mencionan. Y esto trae consigo el mayor inconveniente que tuve con el guión: la sobreexposición de explicar tanto qué hacen y por qué lo hacen, sin darle la libertad a sus personajes de demostrarlo con sus acciones. Aquí se tiene la oportunidad de conocer entes muy interesantes, pero no se explotan al mismo nivel de cómo explotan sus diálogos.

Es difícil apartar la vista de este elenco, pero incluso el talento más popular de Hollywood no puede vender un neo-noir demasiado maduro que juega como un piloto de televisión. Así que es un alivio cuando, después de un primer acto atmosférico, "Reminiscence" se convierte en una película de acción y ciencia ficción, poblada por coloridos antagonistas como el líder del hampa de Nueva Orleans, Saint Joe (Daniel Wu) y el policía corrupto Cyrus Booth. (Cliff Curtis). Este escenario criminal proporciona una escena de pelea fabulosa y le da al personaje de Newton la oportunidad de romper con su papel de compañero. 

Además de esto, "Reminiscence" toma desvíos completamente inesperados que van reactivando por momentos las secuencias que parecían estar en declive. Por cada escena que parecía no funcionar, y hay varias que la ayudan a volver al camino que deben seguir. Y el elenco nos mantiene muy interesados de la trama, preocupándonos por la decisión que vayan a tomar y que sea muy demandante de la misma temática que persigue la historia: cómo uno se preocupa tanto por revivir los recuerdos que se olvida de vivir el presente. Al final, los ecos de “Blade Runner” (la original) que se siguen acumulando culminan en un recuerdo igual de inesprado. Recordarás “Reminiscencia” y anhelarás que esos recuerdos y vacíos vayan complementados con una posible verdadera película Noir de secuela.

The Front Runner

Narra la campaña presidencial del senador estadounidense Gary Hart, que tuvo lugar en 1988, momento en el que los medios de comunicación difundieron un escandaloso romance extramatrimonial del político.

Hugh Jackman se trajea para interpretar a Gary Hart, el reconocido candidato a las elecciones del 1988 que decidió renunciar a candidatura para proteger su vida privada. 

Tras perder la candidatura democrática contra Walter Mondale en 1984, Gary Hart hizo un regreso triunfal a la candidatura a Presidente en 1987, en un momento en que su partido estaba desesperado por arrebatarle el poder a los republicanos después de dos mandatos de Reagan. Hart tenía todo para él: inteligencia, carisma y experiencia como abogado, director de campaña y senador, sin mencionar a una Primera Dama ideal en su adorable esposa Lee. Pero todo comienza a desmoronarse cuando corre la voz de que Hart es un mujeriego, un rumor seguido rápidamente por informes de que ha tenido una aventura con Donna Rice. 

The Front Runner anima a a contemplar los enormes cambios en las actitudes de la audiencia sobre las relaciones extramaritales de los políticos. Los rumores sobre los asuntos de Franklin D. Roosevelt, John F. Kennedy, Lyndon B. Johnson e incluso Eisenhower se mantuvieron ocultos y nunca interfirieron con las campañas exitosas de estos hombres. Pero eso cambió cuando los reporteros de The Miami Herald se enteraron de la relación de Hart con Donna Rice, y el resto de los medios rápidamente les cayó atrás con preguntas y más secretos.

Esta película, adaptada del libro de Matt Bai sobre la campaña de Hart, es tanto provocativa como algo decepcionante. Sin embargo, la puntualidad del tema y el rendimiento imponente de Hugh Jackman como Hart deberían generar una taquilla saludable.

El Front Runner se beneficia de una narración apretada e importante. Después de un breve prólogo sobre la fallida campaña de Hart en 1984, la película se enfoca en el lanzamiento de su campaña de 1988, donde fue rápidamente calificado como un posible ganador. Suave e inteligente, pronto se convirtió en un favorito de los medios de comunicación. Pero había estado plagado de rumores de mujeres, y su reunión con Rice en un bote rápidamente provocó una explosión de informes de los periódicos.

Aunque la película dedica tiempo a la relación de Hart con su esposa (interpretada magníficamente por Vera Farmiga) y su hija (Kaitlyn Dever), dedica aún más tiempo a su personal de campaña y a los periodistas que giran a su alrededor. Reitman ha dicho que fue influenciado por la película de Michael Ritchie-Robert Redford, The Candidate (1972), que desea sumergirse en las rutinas poco atractivas del día a día de una campaña política.

En cierto sentido, The Front Runner es más una película de conjunto que un vehículo protagonista de Hugh Jackman, y hace un buen trabajo para dar textura a los desafíos diarios de la estrategia y la gestión de crisis. El reparto es enorme y, sin embargo, gracias a la escritura bien elaborada y la rápida edición de Stefan Grube, la mayoría de los personajes individuales tienen la oportunidad de impresionar. J.K. Simmons contribuye con otro giro espléndido como gerente de campaña dedicado a su candidato, pero también preocupado por el efecto de los errores de Hart en todos los miembros dedicados del personal.

Los reporteros que buscan en Hart y Rice también se registran vívidamente. Kevin Pollak tiene un atractivo cameo como el editor agresivo que defiende a sus reporteros un tanto sórdidos, y Mamoudou Athie tiene un buen desempeño como reportero de más principios para The Washington Post . Una escena inteligente inventada por los escritores muestra a Hart calmando las inquietudes del reportero mientras estaban en un avión con turbulencia. El vínculo entre ellos hace que la sensación posterior de traición del reportero sea más penetrante.

Todos estos detalles crean buenos momentos en la película, pero a expensas de no profundizar aún más en el personaje central. La película nunca aclara su propia actitud hacia Hart. Simplemente no le dedica el tiempo suficiente a él para permitir que la audiencia decida si fue un político verdaderamente transformador, deshecho por reporteros de la prensa o simplemente por otro operador astuto. Esto le roba a la película una dimensión trágica que podría haber logrado.

Sin embargo, dadas las limitaciones del rol, Jackman ofrece una de sus mejores actuaciones. Nos permite ver el carisma y la decencia esencial del personaje, junto con un pensamiento egoísta que ha deshecho a muchos líderes. Cuando Hart comienza a darse cuenta de lo que está en juego, le pregunta a su esposa: “¿Me dejas?” Y esa línea, que transmite sutilmente la vergüenza y el miedo, puede ser una de las líneas más efectivas que Jackman haya presentado. Farmiga captura la fuerza junto con el dolor de una mujer sometida a la forma más extrema de humillación pública. La película también extiende simpatía a Rice, interpretada por Sara Paxton, aunque su papel no está tan bien escrito como algunos de los otros.

El tema de The Front Runner parece ser que Hart abrió las compuertas a la prensa sensacionalista y se convirtió en una especie de mártir ante el repentino afán de los medios por desollar las faltas sexuales de los políticos. Para cuando llegaron Bill Clinton y Trump, estos escándalos se habían vuelto tan rutinarios que estos hombres lograron salir relativamente ilesos de revelaciones mucho más escandalosas. Pero la película habría tenido un impacto mayor si nos hubiera convencido de que Hart, quien fue destruido por una prensa indiscreta, tenía el potencial de grandeza que sus sucesores nunca igualaron.

El Gran Showman (The Greatest Showman)

Biopic sobre Phineas Taylor Barnum (1810-1891), un empresario circense estadounidense, fundador del "Ringling Bros. and Barnum & Bailey Circus" conocido como "el mayor espectáculo en la tierra". (FILMAFFINITY)

Hace cinco años, Hugh Jackman fue protagonista del musical dramático The Miserables. Era la primera vez que yo lo veía en un rol donde, a parte de actuar, debía cantar. Y me sorprendió su entrega al personaje. Una vez más, vuelve a ser protagonista en un musical mucho menos miserable pero con intenciones similares.

Jackman encarna a Barnum, un cirquero que, después de casarse con su amor de niñez y perder su trabajo, decidió abrir un museo de animales de cera. Sin embargo, las circunstancias de la vida y su curiosidad lo impulsaron a abrir un espacio donde las atracciones principales eran personas con características biológicas, distintivas del resto. Sin embargo, estas personas eran consideradas monstruos y el circo siempre corrió peligro de su destrucción, ya sea por los ataques de los escépticos o el descuido de Barnum.

La historia adapta la vida del cirquero, protagonizada exquisitamente por Hugh Jackman, donde los momentos más importantes fueron las interpretaciones de las canciones que representaban cada etapa superada en la vida del personaje. Gracias a su actuación, le permite a la audiencia conocer mejor a Barnum y todo lo que tuvo que pasar para poder llegar a considerarse un empresario conocido en Estados Unidos.

Del mismo modo, la película cuenta con la participación de otros actores como Michelle Williams (otra sorpresa, para mi, en el mundo del canto), Zac Efron (a quien siempre nos recordará a Troy Bolton de High School Musical) y Zendaya, quienes saben complementar la historia con diferentes números musicales particulares que sirven para desviar la atención fija del protagonista y crear subtramas a su alrededor que a su vez afectaron la vida del cirquero.

Los escritores Michael Arndt, Jenny Bicks y Bill Condon se tomaron su tiempo para construir esta historia y darle una forma completa en la que no hiciese falta preguntarse qué sucede en la vida de cada personaje, pues dejan todo lo suficientemente claro para dejarse envolver por las situaciones y dejarse llevar con las canciones.

Los mejores momentos de la película son recreados dentro del circo, donde la coreografía y la musicalización son elementos esenciales que proyectan la atmósfera perfecta para creerse que la misma audiencia está dentro de la película. La fotografía sirve de complemento para destacar las atracciones, bailes y números artísticos que, incluso fuera del circo, parecen como si fuese un cuento de hadas adaptado a la vida real.

Para los amantes de musicales, esta película es una manera entretenida de terminar el año, caracterizada por la combinación perfecta de historia y musica, y complementada por un elenco envidiable que lo entregan todo para otorgar un verdadero espectáculo a la audiencia.

Logan

Sin sus poderes, por primera vez, Wolverine es verdaderamente vulnerable. Después de una vida de dolor y angustia, sin rumbo y perdido en el mundo donde los X-Men son leyenda, su mentor Charles Xavier lo convence de asumir una última misión: proteger a una joven que será la única esperanza para la raza mutante... Tercera y última película protagonizada por Hugh Jackman en el papel de Lobezno. (FILMAFFINITY)

Después de cinco películas, una precuela y dos spin-off, la saga X-Men parece estar llegando al final de su producción cinematográfica, con el último filme de la trilogía de Wolverine y con la despedida respetable de Hugh Jackman al personaje que lo hizo famoso. Sin embargo, Logan no es la típica película de superhéroes, y mucho menos es lo que ya nos ha presentado su saga.

En esta película nos encontramos con un Logan entregado a la muerte, abatido de todas las luchas que ha tenido y con el cuerpo que ya no resiste ni una herida más, lo cual lo está envenenando y debilitando a medida que pasan los días. Su único propósito de seguir viviendo es el profesor X (interpretado por Patrick Stewart), quien a su vez ha sido afectado por una enfermedad neurodegenerativa, extinguiendo toda la lucidez que alguna vez lo convirtió en uno de los seres más sabios e inteligentes del planeta; está convertido en otro cadaver andante debido a todos los medicamentos que Logan le obliga a tomar para evitar que le den ataques de epilepsia, los cuales provocan parálisis cerebrales en todos los humanos que estén cerca de él. 

Es difícil imaginarse a Logan siendo interpretado por otra piel que no sea la de Hugh Jackman, porque la entrega física y psicológica que le ha dado ha sido innegable y sorprendente hasta para los que no son tan fanáticos de esta saga. El final del papel de Lobezno nos muestra un lado más psicológico y antiheróico que logra dejar su propio legado a una nueva generación de mutantes. A su vez, su muerte no pudo ser más dramática y dolorosa, recalcando que este personaje será verdaderamente extrañado.

Por otro lado, a pesar de todas las reflexiones del profesor y la decrépita imagen de Logan, la película estuvo cargada de escenas sumamente violentas y sangrientas, demasiado para lo que yo esperaba, pero lo suficiente para recordarnos los orígenes de esta historia y las razones por las que los mutantes siempre trataron de ocultarse de los humanos. En el caso especial de Laura, la hija ilegítima de Logan, la causante de su nuevo problema y la futura cabeza de un nuevo grupo de mutantes, es un papel que logra resaltar el talento actoral de Dafne Keen, reencarnando el pasado Wolverine que ya habíamos visto en su spinoff y el primer filme de X-Men. 

Con muchos momentos bien coreografiados entre Logan y Laura, efectos especiales que le daban un toque más "real" a la película y sabias palabras del profesor X, Logan despide una saga que entierra con éxito a uno de los mejores personajes de acción que tiene el universo de DC y a una de las historias que hizo la niñez de muchos millennials.