Crítica Cinéfila: Pinocchio

Versión en acción real y CGI del aclamado cuento sobre una marioneta que se embarca en una trepidante aventura para convertirse en un niño de verdad. La historia también presenta a otros personajes, como Gepetto, el carpintero que fabrica a Pinocho y lo trata como a su propio hijo; Pepito Grillo, que hace las veces de guía y “conciencia” de Pinocho o el Hada Azul.

Pinocchio ha sido el outcast durante mucho tiempo dentro del universo clásico de Disney, a pesar de haber sido una de las primeras películas animadas que solidificaron la reputación de Walt Disney como un maestro narrador y formaron la base de los cuentos de hadas cinematográficos estadounidenses. Es difícil encontrar a alguien que reclamen hacer una adaptación del original de 1940, la segunda película animada jamás realizada por Disney, como su favorito. Muchos lo encontraron aterrador e inquietante. Es una historia extraña de un títere de madera inteligente que sueña con ser un niño de verdad, le crece la nariz cuando miente, y es testigo de cómo niños rebeldes se transforman en burros y son tragados por una ballena.

Por lo tanto, tiene sentido (e imaginemos que por razones comerciales) que la inevitable nueva versión live-action de Pinocho pase por alto los cines y se dirija directamente a Disney+. Es un ajuste extraño, menos publicitado que las demás versiones recientes, ni una película para niños ni una película para toda la familia. Hay una extrañeza en todo el procedimiento: un clásico no querido, lijado de la novela original de 1883 del autor italiano Carlo Collodi, visualmente estimulante pero emocionalmente aburrida.

La rotación de acción en vivo de Disney ha dado como resultado, en el mejor de los casos, adaptaciones fieles que luchan por capturar la magia de la animación (El Libro de la Selva y Aladdin) y, en el peor, robos no solicitados que se adentran profundamente en el valle inquietante (Dumbo, The Lion King, Cenicienta). Pinocho, dirigida por Robert Zemeckis, quien la co-escribe con Chris Weitz, se inclina más hacia la primera versión, aunque se ve obstaculizada por el hecho de que nunca deja de ser extraño, a nivel visual, ver una marioneta de madera CGI interactuar con humanos reales.

El atractivo central de la película es el reencuentro de Zemeckis con Tom Hanks, como el solitario carpintero Geppetto, y Pinocho ofrece indicios de ese sentimentalismo que llevó a sus colaboraciones anteriores: Forrest Gump, Cast Away, The Polar Express. Hanks es el ideal platónico de una figura conmovedora para los niños, y no puedes evitar animarlo a actuar con valentía en medio del CGI, intentando y ocasionalmente logrando anclar esta historia de un títere parlante a la emoción humana real. La película es más efectiva cuando Hanks se entrega por completo al papel de un hombre solitario que ha perdido a su hijo (un niño real, una vez, y ahora uno de madera) y desea desesperadamente volver a ser padre, tratando a sus mascotas y creaciones como su familia inanimada (aquí una gran nostalgia hacia Cast Away).

Ese deseo, desde "lo más profundo de su corazón", se hace realidad a través de la magia del hada azul (Cynthia Erivo), envuelta en un brumoso brillo y entonando "When You Wish Upon a Star", la canción característica de las producciones de Walt Disney, que se originó en la película de 1940. Cricket (Joseph Gordon-Levitt) quien queda encargado del manejo de los deberes morales de Pinocho hasta que este sea un niño real, también actúa como narrador y, por lo tanto, como principal interlocutor entre el diálogo moderno y el escenario del siglo XIX, para niños y padres.

Otros momentos hacen referencia al presente, y en particular al espectro de la fama que destroza la conciencia. “Ser famoso es ser real”, le dice a Pinocho el estafador zorro Honest John (Keegan-Michael Key), atrayendo al niño con la fama y la oportunidad de “ser un influencer”. Una escena en la que Pinocho se agita en el escenario entre carcajadas en un espectáculo de marionetas dirigido por el monstruoso Stromboli (Giuseppe Battiston) sugiere un metacomentario sobre el espectáculo explotador. Se pueden ver ecos de una acumulación de Twitter en el “rincón del desprecio” de la engañosa isla del placer del cochero (un diabólico Luke Evans) para niños destructivos e inconscientes.

Ninguno de estos es ofensivo o desafinado, particularmente para una historia cuyo personaje central carece de mucha caracterización o encanto; hasta el acto final, el pobre Pinocho es golpeado principalmente por las maquinaciones de los demás. El personaje nunca guía la historia, y de paso se abandona ese mensaje moral de la historia original de las consecuencias que puede tener cuando actúas al contrario de lo que te dicen tus padres. La película de Zemeckis lo compensa un poco en el arte: el espectáculo de Pleasure Island es visualmente deslumbrante, y el escape de Geppetto de la ballena acelera a cualquier miembro de la audiencia. El gato CGI de Geppetto, Figaro, pasa de ser una distracción falsa a entrañable, al igual que una servicial gaviota llamada Sofia (Lorraine Bracco). Sobre todo, Kyanne Lamaya se destaca como Fabiana, un personaje inventado que se hace amiga de Pinocho en el show de Stromboli.

A menudo, es difícil saber a qué culpar cuando los remakes de acción en vivo de Disney fracasan. ¿Es que la animación permite una suspensión de creencias que los actores humanos no pueden sostener? ¿Un problema con el material de origen? ¿Un aire de estrategia corporativa a todo el asunto? En el caso de Pinocho, es una combinación de los tres. De cualquier manera, algo está mal: la película está elaborada de manera competente, debidamente actuada, claramente trabajada con alma y, sin embargo, como su estrella, carece de un corazón palpitante.

Crítica Cinéfila: The Witches

Un niño y su abuela tienen extraños encuentros con algunas brujas aparentemente glamurosas pero absolutamente diabólicas, así que ella decide quitarse de en medio y llevarse al chico a un hotel de lujo en la costa. Por desgracia, llegan exactamente al mismo tiempo que la Gran Bruja, que ha reunido a sus compinches de todo el planeta para llevar a cabo sus horribles planes.

Ciertamente no necesitábamos otra versión de la novela de Roald Dahl de 1983 "The Witches" después de la interesante adaptación cinematográfica de 1990 del director Nicolas Roeg y el guionista Allan Scott, pero si la versión del 2020 de Robert Zemeckis no arroja un hechizo tan poderoso como su predecesor, tampoco es extremadamente terrible.

Colaborando con Kenya Barris en un guión escrito originalmente por Guillermo del Toro, Zemeckis arroja más ideas buenas que malas, lo cual es un alivio, considerando sus recientes fallos como "Welcome to Marwen" y extraños vistazos de CGI como "A Christmas Carol". Sin embargo, de la misma manera que Angelica Huston gobernó grandiosamente la pandilla maldita en la película de Roeg, Anne Hathaway asume perversamente el trono como reina de su propio aquelarre aquí.

La acción se desarrolla en el sur de Estados Unidos en la década de 1960, con Jahzir Bruno como nuestro héroe anónimo, que se va a vivir con la abuela (Octavia Spencer) después de la muerte de sus padres. Ella trata de sacarlo de su dolor, pero el niño comienza a abrirse después de que ella le da un ratón como mascota para que lo cuide.

Un día, en una tienda, una mujer extraña le ofrece dulces mientras una serpiente se desenrolla de su manga; cuando se lo cuenta a la abuela, ella le explica que el mundo está lleno de brujas, que desprecian a los niños (un niño o una niña limpios les huele “a caca de perro”) y quieren acabar con todos. Esta información también se comparte con nosotros a través de Chris Rock, como un narrador fuera de la pantalla que nos cuenta toda la película como un flashback.

Para eludir a la bruja local, la abuela y el niño visitan uno de los mejores complejos turísticos del sur, solo para descubrir una convención completa de brujas, dirigida por la propia Gran Bruja (Hathaway). Ella ha reunido a su rebaño para desatar un plan diabólico de convertir a los niños de todo el mundo en ratones a través de una poción entregada por las barras de chocolate más deliciosas. ¿Podrán este niño ingenioso y su abuela infatigable detener su malvado plan?

"The Witches" cobra mucha fuerza una vez que la película llega a la parte compleja, ya que permite que Hathaway se vuelva loca, vistiendo trajes de época increíblemente elegantes (diseñados por Joanna Johnston), desatando una boca terriblemente ancha llena de dientes puntiagudos (la perspicacia de Zemeckis y su equipo para los efectos visuales está a la vista), y hablando con un acento hilarante y sin sentido que parece desviarse del europeo del este al escandinavo, con lo que parece un poco de escocés incluido en buena medida.

Esas escenas de resort también nos dan a Stanley Tucci como un gerente de hotel engreído e insolente, proporcionando una inyección de tontería para los espectadores jóvenes que encuentran las cosas aterradoras un poco más de lo que pueden manejar. Ojalá la película hubiera encontrado algunos momentos divertidos para Spencer, capaz de crear comedia pero no lo suficientemente explotada por dejarla arrinconada como un ser protector feroz proporcionando algunas desviaciones del arma de Chejov sobre la salud de la abuela, y para todos los personajes principales que no son interpretados por Hathaway.

El material entre corchetes y la narración de Rock se sienten extraños y, de hecho, plantean preguntas sobre la trama y el paso del tiempo que no cuadran del todo. Los puristas de Dahl se alegrarán de saber que, dejando de lado el período y la geografía, esta es una adaptación más fiel que la película de 1990, pero a veces esa fidelidad parece excesiva: ¿por qué el joven glotón Bruno Jenkins (Codie-Lei Eastick) es el caso de prueba para el chocolate contaminado de las brujas? ¿Cómo es que van a exterminar a los niños sin imaginarse que los padres podrían tener más? ¿Cómo es posible que los ratones hablen pero la gallina no? Hay demasiada exposición en el diálogo en detalles que no necesitan ser expuestos, y algunos personajes se sienten un poco innecesarios y hasta olvidables.

Depende de cada niño, y de sus padres, se decide la línea divisoria entre "demasiado aterrador" y lo suficientemente aterrador", y este último "The Witches" atraviesa esa zona gris con algunas sacudidas divertidas y efectos visuales espeluznantes. Pero también lo hace la anterior, y en general, es una película mejor: las sensibilidades de Roeg y su colaborador Jim Henson se encontraron en el medio para capturar la misantropía y la perversidad de Dahl sobre el comportamiento humano de una manera que esta versión no puede manejar.

Pero aún así, dado lo mal concebidos que pueden ser los remakes en general y los remakes de las propiedades de Roald Dahl en particular, aún sintiendo escalofríos, y no del tipo bueno, esta comedia de terror para niños traerá una dosis vigorizante para una noche en familia.

Welcome to Marwen

Film inspirado en el documental "Marwencol" (2010), que narraba la historia real de Mark Hogancamp, un hombre que tras sufrir un terrible asalto estuvo en coma nueve días, tras el cual se despertó con una amnesia completa. Su única terapia fue construir en su jardín unas maquetas con figuras de soldados de la 2da Guerra Mundial.

Los fanáticos del documental Marwencol (2010) de Jeff Malmberg podrían confirmar comprensiblemente que el relato de la vida real que Robert Zemeckis ha construido ha llamado la atención de manera considerable. ¿Los antecedentes? Abril de 2000, Mark Hogancamp, residente en el estado de Nueva York, quien fue golpeado y dejado a su muerte después de que borracho le contó a algunos clientes del bar donde trabajaba que disfrutaba usar zapatos de mujer. Pasó nueve días en coma y más de un mes en recuperación. El ataque borró efectivamente todos los recuerdos de su pasado y erradicó su adicción al alcohol.

Hogancamp siempre había sido un reconocido ilustrador de la segunda Guerra Mundial, pero desde aquel encuentro que lo dejó con manos temblorosas, se dedicó a la fotografía y así fue que construyó un modelo a escala de una aldea belga ficticia durante la Segunda Guerra Mundial en el patio trasero de su casa y lo llenó de muñecas y figuras de acción restauradas, muchas de las cuales tenían análogos de la vida real. Él bautizó a la aldea como "Marwencol", una combinación de su nombre y dos personas de las cuales estuvo enamorado y le ayudaron a salir adelante de sus problemas físicos e inseguridades: Wendy y Colleen. Luego actuó y fotografió una serie de melodramas imaginados dentro de sus fronteras con un soldado estadounidense, un ejército de mujeres y villanos nazis. Esto lo ayudó a lidiar con su asalto y sus ausentes recuerdos, hasta que un encuentro casual con otro fotógrafo, David Naugle, le dio la oportunidad de mostrar su trabajo en una galería de arte de Nueva York, algo que la película no cuenta con especificidad. Pero todo lo anterior es retratado con mucha altura y sensibilidad sobre el tema.

La publicidad de "Welcome to Marwen" sin duda intenta vender una película genérica y dramática a la vez. Sin embargo, Zemeckis y la co-guionista Caroline Thompson logran equilibrar las demandas de una producción que satisface a la multitud, manteniendo la idiosincrasia de Hogancamp (su afición por los zapatos de mujer es parte integral de su personaje; lo define como una "esencia" en lugar de un "fetiche") así como sus tendencias introvertidas totalmente intactas.

Ayuda que el mismo Zemeckis sea un cineasta muy particular de su estilo, especialmente cuando se trata de asuntos técnicos. La escena inicial de Welcome to Marwen visualiza uno de los elegantes vuelos de Hogancamp cuando su alter ego en miniatura, el capitán de la Fuerza Aérea de los Estados Unidos, Hoagie, se estrella en un avión justo fuera de la ficticia aldea belga. Hoagie fue creado a través de la captura de movimiento, por lo que su rostro tiene ese aspecto de "valle extraño" (Steve Carell, pero suavizado y de plastilina) por el cual muchos críticos y espectadores han golpeado a Zemeckis repetidamente desde sus primeros experimentos de mo-cap en The Polar Express (2004) y Beowulf (2007). No obstante, este resulta ser el mayor atractivo de esta película, creando dos historias paralelas: las aventuras de Hoagie y como él logra ser feliz junto a una mujer durante sus enfrentamientos con los nazis, y un fracturado (física y emocionalmente) Mark que trata de dar la cara en el juicio contra sus agresores y a la vez poder ser protagonista de su propia exhibición sobre Marwen.

El efecto de los muñecos es muy apropiado aquí, como lo fue en su adaptación subestimada de A Christmas Carol (2009), ya que la inmoralidad encaja perfectamente en la fantasía autocreada de Hogancamp, y porque Zemeckis contrasta el sueño terapéutico de su protagonista con su sueño menos complejo: la realidad ideal. Hogancamp es demasiado humano y rápidamente se hace evidente que está utilizando este universo que ha creado sus fotografías de la misma, para ahogar una realidad triste y dolorosa.

Steve Carell y Diane Kruger son los rostros principales que se encargan de que los mensajes de esperanza y aceptación sean bien aceptados por los seguidores de la trama. Zemeckis y Thompson condensan la verdadera historia para lograr un efecto dramático. La muestra de arte de Hogancamp, sus cálculos en la cancha con sus atacantes y su nueva amistad con Nicol (Leslie Mann) ocurren en el mismo lapso de tiempo. Esto refleja la frenética acción en Marwen, donde Hoagie, con su alto nivel de tacones, cuenta con un batallón de mujeres interpretado por Mann, Eiza González, Merritt Wever, Gwendoline Christie, Janelle Monae y Leslie Zemeckis, la esposa del director.

El grupo se enfrenta a una pandilla de oficiales de las SS, que son alteregos de los atacantes de Hogancamp y el abusivo ex novio de Nicol, Kurt (Neil Jackson). Estos nazis nunca quedan muertos, algo que parece ser el trabajo de bruja de Deja Thoris (Diane Kruger), una psicópata que acosa a Mark en su fantasía y realidad.

Como era de esperar, Zemeckis está en casa en las escenas de Marwen, que se deleitan en los anacronismos y en un aura de adolescentes detenidos. La decoración puede ser la Segunda Guerra Mundial, pero eso no impide que las heroínas armadas de Hoagie se pasean por la plaza de la ciudad con "Adicto al amor" de Robert Palmer. Abundan los toques ingeniosos: cada vez que una muñeca muere, se rompe en las articulaciones con un chasquido demasiado suave  o se colapsa en un rigor mortis hilarantemente exagerado. Zemeckis también saquea hábilmente varias filmografías, incluida la suya. La secuencia de batalla climática implica un campanario directamente del vértigo de Hitchcock, una película que el crítico estimable y defensor de Zemeckis, Dave Kehr, ha comparado temáticamente con Marwen. Así mismo, hay una máquina de tiempo improvisada que se asemeja a un cierto DeLorean alimentado con 1.21 gigavatios.

Sin embargo, el VFX no existe en el vacío, pero comenta y se mezcla de manera provocativa con la existencia inadaptada de Hogancamp. Zemeckis no trata las escenas de acción en vivo como respiro o relleno; los usa para iluminar las muchas formas en que la vida de ensueño de su protagonista invade sus terrores y temores verosímiles.

En su abortiva primera visita a la corte, un Hogancamp petrificado imagina a sus atacantes transformándose en los antagonistas nazis de plástico, disparando a jueces y abogados, causando estragos hasta que Hoagie aparece y lo lleva a la seguridad. No menos angustiosas son las escenas en las que la fantasía no se entromete, como cuando Hogancamp confiesa su amor por Nicol y la cámara se mantiene firme mientras se produce un encuentro extremadamente incómodo. Ambas secuencias demuestran la inclinación de Zemeckis y su excelente director de fotografía C. Kim Miles por tomas largas y expresivas que delinean a los personajes.

El único eslabón débil en la producción es Carell como el Hogancamp del mundo real. A menudo exagera los tics de sabio de su personaje y, en el peor de los casos, se acerca a la parodia. Por otro lado, como un juguete plástico macho y sexualmente simultáneo, es perfecto.

El hecho de que esta mitad de la falla no altere completamente la película es una prueba de cómo Zemeckis y sus colaboradores generan los mundos duales de Hogancamp: realidad y arte, siempre en colisión, siempre en combinación. Los aspectos nudosos de la historia reverberan bajo su superficie sentimental y inspiradora. Con el pretexto de un entretenimiento brillante, Welcome to Marwen descubre algunas verdades inquietantemente irresolubles sobre la humanidad.