Crítica Cinéfila: La Ola

En el campus estallan oleadas de cambio, y entre las ocupaciones y concentraciones se encuentra Julia, una estudiante de música que se une a la causa para denunciar el acoso y los abusos que han soportado durante demasiado tiempo. Pero mientras canta y baila al ritmo de los cánticos, un episodio no resuelto la atormenta: un confuso encuentro con Max, el ayudante de su profesor de canto. ¿Qué ocurrió aquella noche? ¿Fue una cita más? ¿Dijo que sí? ¿O fue algo mucho peor? Arrastrada por la euforia colectiva y por sus propios fantasmas, Julia se convierte en el corazón del movimiento. Su testimonio, íntimo y complejo, se convierte en una ola que empuja, sacude y trastorna una sociedad polarizada.

El orgullo y la rabia feministas se desbordan en un estallido de canciones y bailes en el homenaje de Sebastián Lelio a la Ola Feminista Chilena de 2018, que conmocionó a su país natal con protestas y huelgas. Estas movilizaciones lideradas por mujeres, que tuvieron repercusión internacional, se iniciaron en universidades que habían tardado en responder a las denuncias de acoso y abuso contra profesores varones. En su punto álgido, entre abril y mayo, llegaron a ocuparse hasta 32 universidades de todo el país. 

El director de la ganadora del Oscar "Una Mujer Fantástica" se ha propuesto el reto de condensar meses de debate y denuncia del abuso y la discriminación de género en un musical. El objetivo no es solo convertir en melodía frases de denuncia, sino también hacerlas pegadizas. Quizás inevitablemente, solo lo consigue parcialmente. Hay un cierto aire de teatro en "La Ola" que nunca se disipa del todo a pesar de su cuidada producción. Esto, junto con una duración de más de dos horas, dificultará su recepción. Sin embargo, el mensaje es urgente.

Esas turbulentas semanas y meses de 2018 se canalizan a través de la historia de Julia, interpretada por Daniela López. Julia es estudiante de segundo año de música en la Universidad de Chile (la forma en que usa su voz, tanto en el canto como en la solidaridad, se convierte en una metáfora clave). Un número de apertura impactante, ambientado en el patio principal de su facultad, la muestra inmersa en el creciente movimiento de protesta contra una institución académica que «otorgan títulos a violadores», como se lee en mayúsculas en una enorme pancarta que se despliega sobre las cabezas de Julia y sus amigas mientras realizan una especie de haka de empoderamiento femenino.

Al ofrecerse como voluntaria para recopilar testimonios de estudiantes que han sufrido abusos, la propia Julia comienza a desenterrar recuerdos reprimidos de un encuentro sexual con Max (Nestor Cantillana), el asistente de su profesora de canto, que sintió como una violación.

Seguimos a Julia hasta su casa, al minimercado que ayuda a su madre a administrar en los suburbios obreros de Santiago, y empezamos a comprender que las protestas y las ocupaciones a veces son lujos para aquellos estudiantes que pueden permitírselas. El compositor Matthew Herbert colaboró ​​con 17 compositoras chilenas en las canciones originales de la banda sonora, pero estas se distribuyen de forma desigual en una película que habría resultado más impactante y concisa si se hubiera interpretado de principio a fin. Hay una larga pausa antes de que la ocupación arranque con fuerza con el vibrante tema "Diluvio Universal" una explosión de justa ira y energía femenina mientras las estudiantes, ataviadas con pasamontañas carmesí, irrumpen en los modernos pasillos y escaleras de la universidad y llenan los salones revestidos de madera del despacho del rector, donde severos retratos masculinos las observan.

Los números de baile, enérgicos y dinámicos, se capturan con un estilo bastante convencional, con muchos planos secuencia lentos y tomas con grúa. Se observa la resistencia de los estudiantes varones, sus madres protectoras y los miembros del profesorado a quienes estas activistas feministas denuncian, exigiendo ser escuchadas con imparcialidad. Las propias mujeres que participan en la ocupación no forman un frente unido; están divididas entre las que favorecen el diálogo y el cultivo de aliados masculinos, y las verdaderas secesionistas. Este conflicto también se musicaliza.

Si bien sus lemas reflejan con precisión lo que sucedió en aquel entonces —incluso la reserva a identificarse con el movimiento MeToo, pues la resistencia al arraigado patriarcado latinoamericano exige tácticas menos ortodoxas—, el tono resulta con demasiada frecuencia crudo e imperativo, sobre todo en una secuencia satírica burda que parodia el enfoque ineficaz y culpabilizador de la policía ante las denuncias de abuso sexual. En un momento dado, se rompe la cuarta pared para que las facciones feministas enfrascadas en una discusión puedan arremeter contra el propio director y preguntarle por qué demonios un hombre está haciendo esta película.

"La Ola" es, ante todo, ambiciosa, y en su final agridulce alcanza una comprensión melancólica y matizada de que, una vez que estalló la ola feminista, comenzó la reacción adversa. Pero el tipo de debates complejos sobre consentimiento, justicia por mano propia y empoderamiento que se plantean aquí desentonan en lo que, en cierto modo, es un musical clásico de autodescubrimiento femenino. Quizás esto explique cierta reserva en el estilo interpretativo de la debutante López. Para el público, su vacilación es contagiosa.

Crítica Cinéfila: Springsteen: Deliver Me from Nowhere

 Adaptación cinematográfica del relato de Warren Zanes sobre la grabación del álbum "Nebraska", de Bruce Springsteen, de 1982. La película sigue a 'The Boss' cuando era un joven músico en los albores de la fama mundial, tratando de reconciliar las presiones del éxito con los fantasmas de su pasado. Grabado en un viejo cassette de cuatro pistas en su habitación en Nueva Jersey, 'Nebraska' refleja un periodo trascendental de su vida y está lleno de personajes perdidos en busca de una razón para creer.

 

Así como "A Complete Unknown" escapó de la tediosa convencionalidad de las biografías musicales que abarcan toda la vida de un artista al explorar los inicios de su enigmático protagonista, Bob Dylan, "Springsteen: Deliver Me From Nowhere" logra un impacto conmovedor al centrarse en el artista como un joven deprimido. Esto no significa que el retrato de Bruce Springsteen realizado por Scott Cooper sea deprimente. Si buscas celebrar los himnos del hijo predilecto de la clase trabajadora de Nueva Jersey, esta película tan personal quizá no cumpla con tus expectativas. Pero los verdaderos fans —en especial aquellos que admiran el álbum Nebraska de 1982— conectarán con este drama íntimo.

Publicado entre el influyente álbum doble de 1980, The River, y el salto definitivo al estrellato cuatro años después con Born in the USA, Nebraska representó una audaz apuesta profesional, lejos de ser la cosecha de sencillos Top 10 que Columbia Records probablemente esperaba. Se trata de una colección acústica de temática oscura, grabada de forma casera, inspirada en los relatos de Flannery O'Connor, la película "Badlands" de Terrence Malick, el asesino en serie de finales de los 50, Charles Starkweather, y el trauma infantil no resuelto de Springsteen.

Todo esto supone un reto para Jeremy Allen White en el papel protagonista, y aunque su parecido con Springsteen es mínimo, profundiza en la melancólica interioridad del músico durante una época difícil que finalmente lo llevó a buscar tratamiento para la depresión. Interpreta al personaje recio, vestido con su uniforme de camisa de franela a cuadros, vaqueros y chaqueta de cuero, como un hombre agobiado por sus demonios. White también impresiona con su voz en directo; su voz solo se mezcla con la de Springsteen en algunas de las grabaciones de Nebraska.

Al principio, Cooper incluye un emocionante interludio con Bruce y la E Street Band arrasando en el escenario del Cincinnati Coliseum en 1981 con “Born to Run”. Pero esta es una película mucho más introspectiva de lo que sugiere esa escena. Tras la extenuante gira River Tour de doce meses, Bruce tiene 32 años y se siente perdido. Le dice a su amigo y representante de toda la vida, Jon Landau (Jeremy Strong): “Necesito volver a casa y bajar un poco el ritmo”.

Jon le consigue un alquiler en una zona tranquila y boscosa de Colts Neck, Nueva Jersey, donde intenta encontrar su camino. De vez en cuando, rememora sus días de músico en el Stone Pony de Asbury Park, pero mientras Columbia presiona a Jon para que lo guíe hacia el próximo éxito de "Hungry Heart", Bruce está más preocupado por sentirse ajeno al mundo que mejor conoce.

Incluso una chispa de romance con Faye (Odessa Young), una camarera soltera que trabaja en un restaurante y es la hermana menor de un compañero de escuela al que se esfuerza por recordar, se vuelve difícil de mantener para él en algunas de las escenas más conmovedoras.

El recuerdo se abre ante él cuando Bruce pasa en coche por la casa de su infancia, ahora una triste y destartalada vivienda en un barrio obrero, ya que sus padres se han mudado a California. Pero el miedo que a menudo sentía hacia su volátil padre, Doug (Stephen Graham), un alcohólico con violentos cambios de humor, y la ansiedad de su sobreprotectora madre, Adele (Gaby Hoffman), siguen muy presentes.

Cooper recurre al blanco y negro para los flashbacks, un recurso narrativo muy utilizado que funciona aquí gracias a la rica estética visual de Masanobu Tayayanagi, su colaborador habitual en la fotografía, y a su convincente ambientación. La vulnerabilidad del joven actor Matthew Anthony Pellicano Jr. en el papel del preadolescente Bruce también da vida a estos episodios; una escena en la que su padre lo lleva a ver "The Night of the Hunter" es especialmente memorable. Y Graham (Adolescence) introduce sutilmente matices redentores que se profundizarán en algunas escenas realmente conmovedoras entre padre e hijo hacia el final.

En cierto modo, se siente como un documental sobre la creación de un álbum, dedicando gran parte de su tiempo a Bruce componiendo y grabando canciones en una grabadora de cuatro pistas en su habitación de la casa de Colts Neck. Trabajando únicamente con el técnico de guitarra Mike Batlan (Paul Michael Hauser), graba versiones básicas de canciones que originalmente iban a ser desarrolladas en el estudio con la E Street Band. Pero durante las frustrantes sesiones en el legendario estudio de grabación Power Station de Hell's Kitchen, Bruce siente que la banda está eclipsando las canciones e insiste en reducirlo todo a lo esencial, masterizando el álbum directamente desde las cintas, con todas sus imperfecciones.

Los detalles del proceso de grabación resultarán fascinantes para cualquiera interesado en cómo se hace música, aunque la lucha de poder entre Bruce y el ingeniero Chuck Plotkin (Marc Maron) para conseguir el sonido minimalista y con eco que busca no sea precisamente el material más dramático. Pero hay humor en la reacción del ejecutivo de Columbia, Al Teller (David Krumholtz), a la noticia de Jon: "¿¡Va a sacar un disco de folk!?". Aunque los personajes secundarios podrían haber estado más desarrollados, hay una tierna sensación de que la gente intenta proteger a Bruce, incluso Faye, el personaje de Young, que tiene escenas desgarradoras en las que está tan preocupada por él como por su propio dolor.

Strong parece interpretar a Landau siguiendo su estilo habitual, pero la lealtad de Jon es conmovedora, actuando como un escudo entre Bruce y los ejecutivos de CBS. También comparte en casa con su esposa (Grace Gummer) sus preocupaciones sobre cómo las canciones de Nebraska abordan temas perturbadores de culpa, de los que se siente incapaz de hablar con su amigo. En un momento desgarrador más adelante en la película, Bruce le dice: «Creo que ya no puedo huir de esto». El dolor de Jon al confesar que se siente incapaz de ayudar es casi igual de palpable.

Además de Graham, Hoffman también causa una gran impresión como Adele. Su lealtad a su atormentado esposo, a pesar de todo lo que él le hizo pasar, sugiere un estoicismo arraigado, probablemente común entre las esposas de mediados de siglo, para quienes la idea de abandonar el hogar era impensable.

La producción, visualmente atractiva, destaca especialmente en la parte sonora. La escena en la central eléctrica, donde la E Street Band interpreta por primera vez "Born in the USA", es apoteósica, aunque la música en general tiene menos protagonismo del esperado. Por momentos, el biodrama se siente emocionalmente débil, pero hay una melancólica belleza en el hecho de que Springsteen sintiera la necesidad de posponer éxitos seguros como "Born in the USA", "Glory Days" e "I'm on Fire" hasta haber superado el impacto de "Nebraska".

La decisión de retratar al artista no como una estrella de rock, sino como un ser humano frágil pero también como un artista intransigente, dota a "Deliver Me From Nowhere" de una solemne integridad. Algunos argumentarán que faltan canciones clave de Nebraska. Y quien desee un análisis detallado, canción por canción, debería consultar el libro de Warren Zanes, que sirvió de base para el guion de Cooper. Lo que la película y la angustiosa e introspectiva interpretación de White transmiten con creces es el estado mental del que surgió uno de los álbumes más importantes de la discografía de Springsteen, el que él considera su mejor trabajo. Las películas sobre la depresión son difíciles, pero los fans que se involucren con el tema durante un momento de transición, de catarsis artística y personal, se verán recompensados.

Crítica Cinéfila: Wicked

Ambientada en la Tierra de Oz, mucho antes de la llegada de Dorothy Gale desde Kansas, la trama abarca los acontecimientos del primer acto del musical. Elphaba (Cynthia Erivo) es una joven incomprendida por su inusual color verde de piel que aún no ha descubierto su verdadero poder. Glinda (Ariana Grande) es una popular joven marcada por sus privilegios y su ambición que aún no ha descubierto su verdadera pasión. Las dos se conocen como estudiantes de la Universidad Shiz, en la fantástica tierra de Oz, y forjan una insólita pero profunda amistad.

Visto por más de 65 millones de personas, los temas del musical "Wicked" sobre la amistad femenina, el empoderamiento y la discriminación claramente tocaron una fibra sensible en toda la audiencia, impulsando casi $1,7 mil millones en ingresos brutos en Broadway y alrededor de $6 mil millones en todo el mundo. Los productores no han tenido prisa por llevar la propiedad teatral a la pantalla, y su paciencia ahora da sus frutos generosamente en la deslumbrante versión cinematográfica de Jon M. Chu, que enriquece el material original al tiempo que rinde homenaje a la Edad de Oro de los musicales en Technicolor de MGM, entre ellos "Wizard of Oz".

Universal puede contar con una gigantesca audiencia incorporada formada por dos décadas de superfans que han adquirido apodos colectivos como “Los Ozianos” o “Los Wickhards”. Es fácil imaginarlos poniéndose de pie y aplaudiendo después de escuchar sus canciones favoritas cuando el estreno llegó a todos los cines (las proyecciones para cantar a coro parecen inevitables) y un par de cameos prolongados al final de la acción harán estallar a muchos fanáticos. Los cineastas saben exactamente lo que quiere su público principal y se lo entregan, a lo grande.

Una de las críticas que recibió la obra cuando se estrenó fue que su narrativa era sobrecargada. Cuando se anunció que la película sería un evento de dos partes (la Parte 2 está programada para noviembre de 2025), la reacción de muchos fue "¿Por qué?". Con la Parte 1 que dura dos horas y 40 minutos, no se la puede acusar de desafiar la brevedad. Pero la expansión de la pantalla le da al material más espacio para respirar, lo que produce recompensas especialmente en términos de acceso íntimo a los personajes y emoción. Puede que Chu no sea Vincente Minnelli, pero logra dar en el clavo con lo que más importa: los afectos cambiantes entre dos jóvenes brujas. Una es una princesa rubia alegre, vanidosa que se da el permiso de hacer lo que se le antoje y que aún no ha descubierto su tierno corazón; la otra es una forastera defensiva, considerada un monstruo porque nació con la piel verde brillante pero posee poderes formidables.

El reparto de los papeles —Ariana Grande como la estudiante de brujería con un mínimo talento que luego se convertirá en Glinda, la Bruja Buena del Norte, y Cynthia Erivo como Elphaba, la futura Bruja Mala del Oeste— es la clave del éxito de la película. Sus voces son claras, fuertes y ágiles en un grado que muchos de nosotros ya pensamos que nunca esperaremos después de tantas películas musicales que eligen cantantes apenas adecuados y luego los autotunean hasta el cansancio. Grande y Erivo le dan a las canciones de Stephen Schwartz una espontaneidad sin esfuerzo. Nos ayudan a aceptar la idea musical intrínseca de que estos personajes se ponen a cantar para expresar sentimientos demasiado grandes para las palabras habladas, no solo para pronunciar letras y melodías que alguien pasó semanas limpiando en un estudio. La decisión de grabar las canciones en vivo en el set siempre que sea posible es una gran ventaja. 

Ambas actrices tienen profundas raíces en el teatro musical, lo que les permite mantener fluidas las transiciones entre las escenas de diálogo y las canciones. Integran por completo una parte con la otra, sin ninguno de esos momentos incómodos en los que algunas estrellas parecen hacer una pausa y recomponerse, casi anunciando: "Voy a cantar para ti ahora". Si bien la suspensión de la incredulidad puede ser difícil de lograr en los musicales cinematográficos contemporáneos, Grande y, especialmente, Erivo (que hace su mejor trabajo en pantalla hasta la fecha, convirtiendo a Elphaba en el corazón herido y palpitante de la película con una actuación de impresionante vulnerabilidad cruda y matices emocionales) nos atraen hacia la historia y las experiencias de los personajes a un grado que nos permite olvidar la artificialidad inherente del género.

La vibrante creación de mundos de Chu es una parte importante de eso. Trabaja con el excelente equipo formado por la directora de fotografía Alice Brooks, el diseñador de producción Nathan Crowley y el diseñador de vestuario Paul Tazewell para crear un entorno de fantasía totalmente dimensional e inmersivo. Los efectos visuales se emplean en todas partes, pero a diferencia de tantas películas que se limitan por el peso de los efectos visuales generados por computadora, la tecnología digital se utiliza menos como un atajo que como un potenciador, o para propósitos específicos como incluir personajes animales que hablan y unir tomas compuestas. 

Crowley ha hecho maravillas al evocar el mundo mágico de Oz con construcciones a gran escala en platós y sets de rodaje, y las actuaciones del elenco se benefician de estar en escenarios tangibles en lugar de estar atrapados frente a fondos de pantalla verde. Lugares como la Universidad Shiz, donde Galinda, como se la llama originalmente, y Elphaba son estudiantes de primer año, o los bosques circundantes, o Ciudad Esmeralda, donde van a conocer al "Gran y Poderoso Oz" (Jeff Goldblum) están representados con encanto e imaginación. La creación más encantadora es, sin duda, Munchkinland, un pueblo de casas de formas extrañas y techos de paja enclavado entre campos ondulados prolijamente rayados con hileras de tulipanes de tonos deslumbrantes. Últimamente, muchas películas parecen filmadas a través de lentes manchadas de barro, lo que hace que el color luminoso y la luz de "Wicked" sean placenteros en sí mismos.

Al adaptar el material del libro de Winnie Holzman y las canciones de Schwartz para el musical, que a su vez se basó en la novela homónima de Gregory Maguire, las guionistas Holzman y Dana Fox ("Cruella") se apegan al modelo de la obra mientras desarrollan la historia y los personajes de maneras gratificantes. Chu también mantiene un ritmo rápido para que no haya sensación de relleno narrativo. La historia revisionista de "El maravilloso mago de Oz", la clásica novela infantil de L. Frank Baum de 1900, comienza como en el escenario, con los ciudadanos de Oz celebrando la supuesta muerte de la Mala Bruja del Oeste, sobre la cual se revelará más en la Parte 2.

La noticia es confirmada por Glinda, que flota en Munchkinland dentro de una burbuja, luciendo un vestido de tul rosa. No ha habido tanto rosa en una protagonista desde "Legally Blonde". Un Munchkin pregunta si es verdad que Glinda y Elphaba alguna vez fueron amigas, lo que da lugar a un salto al principio de la historia para reflexionar sobre la pregunta definitoria de si una persona nace malvada o si la maldad le es impuesta. 

Suceden muchas cosas antes de que aparezca el título principal, sobre todo un resumen del nacimiento de Elphaba. Atendida por su niñera osa Dulcibear y un obstetra cabrío, la llegada de Elphaba al mundo es recibida con sorpresa. Cuando su padre, el gobernador Thropp (Andy Nyman), ve la piel verde del bebé, grita: "¡Llévensela!". En un momento ingenioso sacado de Carrie, Elphaba demuestra sus poderes instintivos incluso cuando es recién nacida con los instrumentos quirúrgicos volando hacia el techo. El rechazo del gobernador hacia su hija se agrava cuando aparece su hermana menor, Nessarose (Marissa Bode). Más tarde nos enteramos de que las precauciones a base de hierbas que le administraron a su madre (Courtney Mae-Briggs) durante el embarazo para asegurarse de que Nessarose no fuera verde hicieron que naciera con paraplejia, la fuente de la culpa injustificada de Elphaba.

Es Nessarose, no Elphaba, quien está inscrita en Shiz. Pero la hermana mayor protectora la acompaña el día de la mudanza, y cuando percibe una amenaza para su hermana menor, involuntariamente desata una exhibición de brujería amenazante. El poder de Elphaba es observado por Madame Morrible (Michelle Yeoh), famosa Decana de Estudios de Hechicería, quien insiste en inscribirla en Shiz y darle clases particulares. Hay una clara atmósfera de Hogwarts en esta escena introductoria, en la que los excéntricos cortes de los uniformes de género fluido de Tazewell parecen una colección perdida de Thom Browne. La supremacía naturalmente asumida de Glinda es evidente desde su llamativa llegada a lo largo de los canales en una góndola cargada con equipaje rosa. Inmediatamente atrae a un par de aduladores chismosos en Pfannee (Bowen Yang) y ShenShen (Bronwyn James), así como la adoración instantánea del dulce Munchkin Boq (Ethan Slater), cuyos afectos Glinda manipulará a sabiendas.

Al mismo tiempo, Elphaba es presentada como una paria cruelmente ridiculizada, y su relación con Glinda comienza con un resentimiento mutuo cuando se ven obligadas a compartir una habitación. En el divertido dueto "What is this feeling", las dos protagonistas cantan sobre su odio, mostrando una química en pantalla que evolucionará y se profundizará a medida que cambie el vínculo de los personajes.

Elphaba, que reconoce a los forasteros, se solidariza con ellos cuando se entera de que el amable profesor de historia Dr. Dillamond (una cabra erudita con la voz de Peter Dinklage) es uno de los últimos animales a los que se les permite enseñar. Más tarde, escucha a escondidas una reunión en las dependencias de Dillamond con otros animales de la fauna. Hablan de la marginación sistemática de los no humanos en todo Oz, y prevén un futuro cercano en el que los animales serán completamente apartados de las posiciones de influencia, privados del derecho a hablar y posiblemente encarcelados. Si bien esta subtrama de discriminación está incorporada en el material, el ejemplo de una minoría que es demonizada, silenciada y efectivamente neutralizada por la sociedad adquiere una relevancia que sin duda no se esperaba a la luz del reciente ciclo electoral y el candente tema de la inmigración. 

Mientras tanto, bajo la guía aparentemente benévola de la señora Morrible, Elphaba comienza por primera vez a pensar en su "extraña peculiaridad" como un talento, no como una desventaja, y comienza a aprender a controlar sus poderes. Se convierte en la perdedora en las primeras etapas de un triángulo romántico con Glinda (su hostilidad inicial para entonces se ha suavizado hasta convertirse en amistad) y el estudiante de ensueño Fiyero (Jonathan Bailey), que comparte su credo de búsqueda de placer en "Dancing Through Life". Ese exuberante número se interpreta en la biblioteca Shiz, una de las muchas maravillas del diseño de Crowley, con sus estanterías cilíndricas giratorias y escaleras móviles. Pero Fiyero podría no ser tan superficial y egocéntrico como parece.

Mientras Morrible plantea la idea de que los poderes de Elphaba podrían convertirse algún día en su boleto a Ciudad Esmeralda, Erivo obtiene la primera de sus pocas canciones sensacionales, “The Wizard and I”, un título de canción que ha vuelto locos a los nerds de la gramática durante más de 20 años. Comienza como una reflexiva canción de deseo de una chica que nunca se ha atrevido a querer nada, y se desarrolla hasta una entusiasta declaración de autoafirmación en el gran final. Chu calcula hábilmente el crescendo para colocar a Elphaba en lo alto de un espectacular acantilado, una imagen que evoca tanto los cuentos de hadas como los musicales de películas antiguas. Cuando Elphaba es convocada para encontrarse con el Mago, insiste en que Glinda la acompañe a bordo de un reluciente tren expreso a Ciudad Esmeralda impulsado por un mecanismo de relojería, otra maravilla de Crowley. Pero su experiencia allí, si bien intensifica los poderes de Elphaba, trae consigo una desilusión estrepitosa y provoca una acción decisiva, amplificada en la interpretación espectacular de Erivo de “Defying Gravity”. Esa canción característica cerró el Acto I en el escenario y ocupa la misma posición destacada en la película de dos partes.

El guión de Holzman y Fox extrae mucho humor de las peculiaridades lingüísticas de Oz y especialmente de la presuntuosa condescendencia de Glinda. Grande, encantadora en su papel más importante en una película hasta la fecha, encarna esa cualidad con una generosa pizca de azúcar y atractivos instintos cómicos. Su vertiginosa interpretación de “Popular” mientras intenta darle un cambio de imagen a Elphaba es una delicia. Pero el guión también realza los temas dramáticos de la injusticia, la persecución y el concepto del mal como una útil herramienta para encontrar chivos expiatorios. Al interpretar una versión más desdentada de dúos antagónicos, Yang y James son ligeramente divertidos pero poco utilizados, y en última instancia sirven para poco. Bailey, Slater y Bode son más efectivos, sentando las bases para desarrollos significativos con sus personajes en la Parte 2 (al menos en la narrativa del musical), mientras que Yeoh y Goldblum revelan poco a poco las intenciones más oscuras ocultas bajo el manto de la autoridad. 

Pero "Wicked" pertenece a Erivo. Elphaba siempre fue el papel más importante y el arco del personaje tiene aún más peso en esta adaptación. O tal vez sea porque Erivo aporta una inversión personal tan conmovedora a su actuación, una cualidad que recuerda el papel ganador del Tony que la puso en el mapa, en la reposición de Broadway de 2015 de "The Color Purple". Sus ojos son una ventana expresiva a una vida de dolor, exclusión, orgullo desafiante y rabia, que a veces abarca ese rango y más en una escena o canción o lectura de una sola línea. Su Elphaba es una heroína marginada por la que vale la pena apoyar.

Sin duda, "Wicked" es una experiencia completa, demostrando que un musical es capaz de traspasarse a la pantalla, manteniendo la esencia del material original y agregándole su propio toque, siendo este uno de los musicales cinematográficos mejor elaborados hasta la fecha. Esperamos que la 2da Parte mantenga ese toque narrativo y teatral, y que la espera no se haga tan larga.

Crítica Cinéfila: Tick, tick... boom!

Basada en el musical autobiográfico de Jonathan Larson, sigue a un aspirante a compositor de obras teatrales que trabaja de camarero en Nueva York mientras escribe Superbia, que espera que sea el próximo gran musical americano y lo que finalmente le dé su gran oportunidad.

Concebido inicialmente como un "monólogo de rock" de un solo hombre, y luego adquiriendo una nueva profundidad inesperada después de la temprana muerte de su creador a los 35 años, "Tick, Tick ... Boom!" de Jonathan Larson es un espectáculo especialmente adecuado para el público del teatro musical, y no solo para las masas de fanáticos que Larson ganó con "Rent". Resuena especialmente con los escritores, artistas intérpretes o ejecutantes y compañeros creativos que pueden identificarse con la forma en que articuló la lucha por ser reconocido y sacar sus proyectos más pasionales adelante, por hacer un trabajo significativo y, según el alto listón que Larson se propuso, por "despertar a una generación". Así fue cómo despertó a Lin-Manuel Miranda.

Antes de "Hamilton", incluso antes de "In the Heights", Miranda se inspiró en lo que Larson había logrado con"Rent", descubriendo en el musical, caracterizado por un sonido contemporáneo, personajes con luchas reconocibles y un carácter poco común con un reparto diverso. En un terrible giro del destino, Larson murió de un aneurisma aórtico el día antes de que "Rent" tuviera su primera vista previa en Off Broadway, haciendo que el proyecto anterior pareciera irónicamente profético. En él, se preocupaba por no encontrar el éxito antes de los 30 años, como si sintiera que su tiempo era limitado y que su corazón podría apagarse.

Para que Miranda elija "Tick, Tick ... Boom!" como su debut como director de largometrajes dice mucho sobre lo que Larson significa para él. No es un proyecto fácil de adaptar, que requiere algunas modificaciones inteligentes para hablar con un público más amplio que la película. En 2001, el dramaturgo David Auburn rediseñó "Tick, Tick ... Boom!" en una producción de tres personas, y esa es la versión que se ha representado varias veces durante las últimas dos décadas (ya que la encarnación original de Larson requería que interpretara varios papeles), pero Miranda lo trata de manera diferente.

Él y el guionista Steven Levenson encuentran hábilmente una estrategia para hacerlo en ambos sentidos. Empiezan con lo que parece una cinta de archivo de una de las representaciones de Larson de principios de los 90, excepto que es el actor Andrew Garfield sentado al piano, y tratan esto como el dispositivo de encuadre de un conjunto mucho más grande. De esta manera, el círculo social de Jonathan se asemeja a la comunidad que imaginó para "Rent": bohemios, artistas, gente queer y gente de color, además de un contingente detrás de escena de personajes del mundo del teatro que espera sorprender en un taller interno.

Es 1990, y Jonathan está a días de cumplir los 30. Se siente como un fracaso, ya que su ídolo Stephen Sondheim (encarnado aquí de manera impresionante por Bradley Whitford) hizo su debut en Broadway en 27. Por el contrario, el nerviosismo de Jonathan de que su propia obra maestra, una obra musical de ciencia ficción inspirado en "1984" llamado "Superbia", tendrá una presentación única en un taller en Playwrights Horizons, pero le falta una canción clave. Por supuesto, "Superbia" no fue el musical que puso a Larson en el mapa - "Rent" lo fue, más de media década después - así que no espere que la película termine con el mundo descubriendo repentinamente su brillantez.

Honestamente es mejor que no sea así, ya que los finales felices pueden darle paz al público a corto plazo, pero estos no logran reconocer la dificultad de lo que alguien tan talentoso como Larson estaba tratando de hacer. Aquí, el personaje está decidido a aferrarse a su integridad artística mientras sus compañeros más cercanos, el ex actor Michael (Robin de Jesús) y la ex bailarina Susan (Alexandra Shipp), están cobrando dinero y consiguiendo trabajos tradicionales y seguros. Pero el enfoque resuelto de Jonathan también puede hacerlo insoportable para sus seres queridos (incluso si Garfield es un actor demasiado agradable para lograr esto), y en sus escenas sin canciones, la película es honesta sobre cómo su auto-participación le cuesta esas conexiones.

A la mayoría de las audiencias no les importa ver a los escritores que luchan por el reconocimiento y la bendición de "Tick, Tick ... Boom!" no es que lo encuentre, sino que observamos a Jonathan identificando gradualmente sus prioridades y reconociendo las fuentes a las que recurriría para concebir “Rent” (como “Godspell” de Stephen Schwartz o “Sunday in the Park With George” de Sondheim). Allí, en la Nueva York de 1990, o lo poco que Miranda y el diseño de producción Alex DiGerlando pueden mostrar con su presupuesto, hay constantes recordatorios de la pandemia del SIDA, cuyas pérdidas son una llamada de atención.

Su legendaria pero inútil agente (Judith Light) le aconseja a Jonathan: "Intenta escribir lo que sabes", que es un mantra de Hollywood lo suficientemente familiar como para parecer un buen consejo. Sin embargo, si Larson quiere que su trabajo importe, cantar sobre sí mismo es un paso, pero no el objetivo final, y lo mismo ocurre con este musical. "Tick, Tick ... Boom!" importa porque es una especie de ritual de limpieza, el ejercicio que lo obliga a confrontar sus ansiedades interiores más profundas, mientras le sirve como un boceto suelto de esa obra maestra posterior, para la cual volvería a dirigir su atención a quienes lo rodean.

A excepción del éxito no completamente logrado de "Superbia", Miranda encuentra formas de hacer que las canciones se sientan entretenidas, incluso cuando son leves, como en el homenaje a Sondheim "Sunday”, ambientada en el Moondance Diner donde Jonathan atiende mesas, y que se convierte en un escaparate para que el director presente sus respetos a algunas de sus leyendas de Broadway más queridas (decir más estropearía la sorpresa). Miranda grita "Tick, Tick ... Boom!" con tesoros escondidos para los tipos de teatro mientras trata los eventos contenidos en la película como influencias formativas en "Rent". Cuando los miembros del elenco del taller de Jonathan (un conjunto dirigido por Vanessa Hudgens) se unen al unísono, es posible que también estén haciendo una audición para cantar "Seasons of Love", el tema más reconocible de "Rent".

Entonces, aunque la línea de tiempo de "Tick, Tick... Boom" terminan antes de que Larson dirija su atención a ese musical, sabemos que todas las frustraciones con las que estaba luchando en 1990 valen la pena. En teoría, Miranda ve aspectos de su propio proceso creativo en la lucha de Larson, que potencialmente agrega un segundo nivel de autobiografía a la mezcla. ¿Cuánto de Miranda podemos leer en el personaje de Jonathan, cuya obsesión por quedarse sin tiempo se puede escuchar en “One Song Glory” de “Rent” así como en “Non-Stop” en “Hamilton”? Quédense pensando en su respuesta.

Mientras tanto, lo refrescante del enfoque del director debutante es que se siente tan orgánico. Su estilo es juguetón y enérgico, a menudo intercalado entre múltiples hilos dentro de una canción o escena determinada, pero no parece que Miranda esté llamando la atención sobre sí mismo tanto como tratando de abrir el espectáculo, para darle las alas que canta Jonathan en el número final. 

Crítica Cinéfila: Rocketman

Esta es la historia de Elton John, desde sus años como niño prodigio del piano en la Royal Academy of Music hasta llegar a ser una superestrella de fama mundial gracias a su influyente y duradera asociación con su colaborador y letrista Bernie Taupin. 

Elton John es uno de los artistas más importantes de la historia de la música. No solo es un compositor impresionante, sino que sus producciones de vestuario son parte de su servicio de entretenimiento para la audiencia. Ha trabajado en al menos 19 películas como compositor musical. Su actual tour, titulado Farewell Yellow Brick, será el último de su carrera, el cual será en cinco continentes con 300 conciertos. Es una persona que no solo se ha destacado en el ámbito artístico sino también en actividades humanitarias, donaciones, organizaciones sin fines de lucro y demás. Pero, ¿alguien conoce al Elton John de los años 70? Cuando su carrera apenas comenzaba y aparentemente muchas de sus locuras. Rocketman es esa versión que pocos conocen. 

De niño, Elton John era en realidad Reginald "Reggie" Dwight, criado por su fría madre Sheila (Bryce Dallas Howard) y por su abuela Ivy (Gemma Jones), mientras que su padre Stanley se encuentra en la Royal Air Force. Reggie mostraba interés en tocar el piano, y pronto comenzó a estudiar en la Royal Academy of Music. Stanley, que nunca ha mostrado ningún amor hacia su hijo, finalmente abandona a su familia después de que Sheila tiene una aventura con otro hombre. Para evitar más encontronazos con el drama familiar, Reggie se interesa por artistas de música rock como Elvis Presley, y comienza a presentarse en pubs locales antes de unirse a la banda, Bluesology.

Como adulto, Reggie (Taron Egerton) decide cambiarse su nombre a Elton John y trata de encontrar el éxito con la editorial Dick James bajo la dirección de Ray Williams. Williams presenta a Elton al compositor Bernie Taupin (Jamie Bell) y los dos forman una amistad rápidamente. El dúo impresiona a James con la canción "Your Song" y él prepara una actuación para ellos en el Trovador en Los Ángeles. La audiencia ama la actuación de Elton. En una fiesta, Elton es abordado por John Reid (Richard Madden), un gestor musical que se siente atraído por Elton. La influencia de Reid sobre Elton hace que se sumerja en una vida de libertinaje a medida que su carrera despega y se convierte en un músico de éxito, abrazando a una personalidad escénica extravagante. Sin embargo, mientras lucha con sus problemas parentales y un creciente abuso de Reid, Elton se vuelve adicto al alcohol, la cocaína, las compras compulsivas y el sexo.

El guión es de Lee Hall (Billy Elliot, Pride and Prejudice) es quién tuvo la ardúa tarea de hacer un contraste entre la historia del cantante y sus canciones, convirtiendo esta película en un musical de sus mejores hits. El título de Rocketman es apropiado porque este retrato audazmente poco convencional de Elton John, que traza las pistas paralelas de su ascenso meteórico al superestrella y su descenso simultáneo a un abismo de soledad y adicción, tiene un lanzamiento espectacular, todos los motores en llamas. Es en medio del vuelo que comienzan a surgir las maravillas narrativas, con una sucesión de secuencias de fantasía musical estilizadas surrealmente que son fabulosamente entretenidas y que permiten un tejido conectivo dramático sustancial que invitaría a una verdadera relación emocional con el protagonista. 

Con una melancólica voz, Egerton hace justicia al nombre del grandioso Elton John, otorgando una de sus mejores interpretaciones hasta estos tiempos, no solo demostrando que su talento es más que actoral, sino también dándole vida al músico de los 70 que pocos conocían. Entre clásicos y vestimentas extrambóticas, Egerton logra lo que el mismo cantante en vida hacía en cada uno de sus conciertos: esconder las cicatrices y moretones detrás de una vida llena de maltratos. A su vez, este famoso actor, reconocido por sus atractivos y seductores personajes, se transforma completamente en el cantante, mostrando no solo sus elocuentes estilos de peinado y sonrisa incómoda, sino también su actitud embarazosa, ataques de pánico y sus excesos salvajes del papel que lograron alejarlo de sus anteriores roles. Dejó su nombre y fama a un lado para otorgar un personaje que seguramente será foco de muchas nominaciones el próximo año en la temporada de premios. 

Definitivamente, ha sido una actuación totalmente comprometida que va desde la exuberante demostración teatral hasta la soberbia sensiblera y la miseria privada, y luego vuelve a subir con la vulnerabilidad bruta y el duro autoexamen de alguien que se aleja del precipicio para asumir la responsabilidad. El hecho de que Egerton verdaderamente cante con tanta confianza agrega una capa completamente distinta a la caracterización, apropiándose del estilo de John sin desviarse nunca en la personificación, pero claramente complementado por un juego de vestuarios que hacen referencia a los mejores momentos en escenario que el artista ha tenido a lo largo de su carrera.

El dispositivo de enmarcado de Hall funciona sorprendentemente bien. La película comienza con una magnífica versión instrumental lenta de la canción del título, mientras Elton irrumpe a través de una puerta con un halo de luz celestial y adornada con lentejuelas y plumas como un ardiente demonio de alas rojas. Toma asiento en ese grupo incongruente entre un grupo de terapia en un centro de rehabilitación de lujo, donde comienza a enumerar sus muchas adicciones, desde las drogas y el alcohol hasta el sexo y las compras, y también le dan problemas con la bulimia y el manejo de la ira. Esto hace que el punto de vista de la película se desvíe completamente: la introducción no busca que empaticemos sino simpatizar y reconocer que, alguien con tanta fama también tuvo momentos oscuros. Es aún más impresionante como todo se continúa contando desde ese mismo grupo de adictos, enseñándole a la audiencia cómo, al pasar su historia sobre sus años de adicción, el mismo Elton se fue recuperando.

Pero no se puede dejar de mencionar el trabajo de un elenco que no solo retratan a sus respectivos personajes, sino también logran tener su momento de gloria, y demostrar el papel constructivo y/o destructivo que representaron en la vida de Elton John. Entre los que más resaltan, Jamie Bell como su mejor amigo, Bryce Dallas como su madre y Richard Madden como su amante y manager, ellos hicieron soporte para resaltar las grandes debilidades que el artista poseía.

Musicalmente, dramáticamente, cinematográficamente hablando, este es un biopic bien hecho. Sin desperdicios ni escenas innecesarias, la película desarrolla un buen tiempo de entretenimiento, haciéndonos cantar con los clásicos más memorables, enseñándonos como surgieron importantes canciones y educándonos sobre la vida de una persona que ha sido de gran importancia para películas como El Rey León, Monalisa Smile, Tommy, entre otros títulos. Es un musical duro y mucho más oscuro que Bohemian Rhapsody, pero tan colorido y real al nivel de su cantante. 

Crítica Cinéfila: Guava Island

En la isla de Guava, un músico local (Donald Glover) está decidido a organizar un festival para que todos sus habitantes lo disfruten.

Donald Glover, aka Childish Gambino, es uno de los artistas más influyentes de nuestra generación. No solo se ha convertido en uno de los más destacados productores de televisión con su programa Atlanta, sino que también se ha convertido en una voz de lucha a través de sus canciones, las cuales siempre (o en la mayoría de las ocasiones) siempre van dirigidas a situaciones o problemas que afectan a un determinado grupo en la sociedad. Así es como unifica su estilo narrativo musical con su creatividad cinematográfica, y le da vida a Guava Island.

Escrita por su hermano, Stephen Glover, dirigida por Hiro Murai, filmada en Cuba y con Rihanna en un papel de apoyo no cantante, logra envolver buenas vibraciones en torno a una parábola del impacto fatal del capitalismo en el arte; es lo contrario de una historia de origen, pero sonríe a través de su fatalismo.

Deni, una estrella en una pequeña isla ficticia, interpreta canciones para sentirse bien en un programa de radio diario. La Isla Guava es un paraíso del Caribe convertido en un centro de trabajo: todos trabajan para un solo hombre rico, Red (Nonso Anozie), que ha acaparado el mercado en sedas locales y no cree en días libres o de descanso. "Red te ve", declara carteles en la pared de una fábrica de ropa donde Kofi (Rihanna), la novia de Deni, trabaja junto a su mejor amiga Yara. 

La creación es lo que mejor hace Glover, redefiniendo constantemente las ideas del público de lo que es capaz de hacer y cómo elige expresarse: desde sus raíces como dibujante de bocetos y escritor de comedia para una carrera de actuación ya muy amplia, Glover inventa constantemente, y luego se aparta cuando el impulso parece mayor para probar su mano ante un nuevo desafío.

No importa lo que los fanáticos de Glover tuvieran en mente, "Isla Guava" no puede ser lo que esperaban. A solo 55 minutos, la película sirve como una “Lluvia púrpura” más corta y más estrecha, una historia de origen auto-mitológica del artista anteriormente conocido como Childish Gambino, reintroducido aquí como Deni Maroon. Deni está decidido a impresionar a la novia de la infancia Kofi Novia (Rihanna) a través de la canción perfecta. Prince pudo haber sido una inspiración, pero la película "Guava Island" se parece más a ese clásico de Jimmy Cliff, "The Harder They Come", posicionando a Deni como un héroe rebelde similar, arriesgando su vida para lanzar un festival de música para sentirse bien en una isla donde un matón llamado Red Cargo (Nonso Anozie, quien interpreta su villanía como un encanto vicioso) obliga a todos a trabajar siete días a la semana en sus talleres.

Co-concebido y dirigido por el colaborador de "Atlanta", Hiro Murai, "Guava Island" presenta menos música de lo que uno podría esperar, pero se abre y se cierra con una nueva canción, iniciando un prólogo animado de cinco minutos con la balada animada caribeña "Muere contigo". Las imágenes que lo acompañan son un arte pop brillante y un libro de imágenes nostálgico, presentado en una relación de aspecto casi cuadrada, cuadrado como un viejo televisor, contra el cual Rihanna narra la historia de la Isla Guava (cuya forma se asemeja a la de Hispaniola, que se divide de manera similar en el centro, y el deseo de toda su vida de dejar este paraíso caído.

Actuar nunca ha sido el palo fuerte de Rihanna, y cuando la película se acerque a ella, es imposible ignorar una de las limitaciones fundamentales de "Isla Guava": que realmente debería estar cantando, en lugar de limitarse a interpretar el interés amoroso de Deni. Tal vez en un punto ese fue el plan. Ciertamente, hay lugares en la película donde Rihanna podría haber ido, incluyendo un corte incómodo a mitad de camino a través de su serenata "Summertime Magic" cuando debería haber respondido a Deni, potencialmente transformando el pegadizo pero familiar single de 2018 en un dúo más robusto. En cambio, en su mayoría la vemos soñando despierta sobre su futuro.

Como todos los demás en la isla, Deni está obligado a trabajar de esclavo de Red Cargo, quien permite que el joven sin camisa toque sus canciones en la radio dos veces al día porque le gusta el himno propagandístico que Deni canta para mantener felices a los trabajadores. Las audiencias que conocen y han intentado desempaquetar el video musical de "This Is America", infinitamente rico de Glover (reconfigurado aquí con coreografías actualizadas de adultos negros como zombies en monos rojos) reconocen la ironía: "Red Cargo" representa la tiranía, gesto que el cantante criticó previamente, pero aquí se sienten un poco fuera de lugar en una isla caribeña.

Glover no pudo haber anticipado cómo Jordan Peele tomaría esos mismos monos carmesí y los haría diabólicos en su película "Us", ni podría haber imaginado que "Isla Guava" caería el mismo día que el asesinato del rapero Nipsey Hussle. Sin embargo, esas coincidencias prestan una extraña resonancia al proyecto, que se conecta directamente al Zeitgeist, respondiendo al conflicto con un llamado al amor.

Con todo lo que se habla de la jubilación, ¿marca esta película el final de Childish Gambino? En todo caso, renace aquí en otra persona, y tan rápidamente martirizado. Como artista, Glover puede estar completamente comprometido con la reinvención, pero los personajes como Childish Gambino y Deni Maroon no se pueden borrar tan fácilmente. Guava Island lo ilustran maravillosamente, no solo presentando los desafíos que enfrentan las personalidades creativas en esta cultura, sino también mostrando cómo viven sus legados.