Crítica Cinéfila: Die, My Love

Una pareja joven y enamorada, cargada de ilusiones (Grace y Jackson), se muda de Nueva York a una casa heredada en el campo. Grace intenta encontrar su identidad con un nuevo bebé en ese entorno aislado. Pero al redescubrirse a sí misma tras un periodo de desmoronamiento, no lo hace en la debilidad, sino en la imaginación, en la fortaleza y en una impresionante e indómita vitalidad. 

Jennifer Lawrence regresa con una fuerza arrolladora en "Die, my love" de Lynne Ramsay. Desde sus inicios en las franquicias, Lawrence ha sido muy selectiva con los proyectos que acepta, protagonizando la sutil "Causeway" y la polémica película de Netflix de Adam McKay, "Don't look up". Aquí, la actriz vuelve a sus raíces, ofreciendo una interpretación conmovedora como una madre al borde del abismo. Visceral, desgarradora y con un humor negro, "Die, my love" impacta como un mazo gracias a la visión implacablemente sombría de la vida doméstica que Lawrence y la directora Lynne Ramsay plasman.

Lawrence interpreta a Grace, quien, junto a su novio Jackson (Robert Pattinson, en otra actuación magistral), se muda de Nueva York a la inmensidad de Montana para estar más cerca de la madre de Jackson, Pam (Sissy Spacek, en una interpretación de una sutileza conmovedora). Se instalan en la antigua casa del tío de Jackson, quien se suicidó recientemente. Jackson y Grace son artistas que luchan por abrirse camino; Jackson aprovecha la tranquilidad de la casa para grabar un álbum que nunca llega a publicarse.

Grace es escritora, pero, al igual que con Jackson, nunca la vemos trabajar en un proyecto y, finalmente, su ambición es una de las primeras cosas que se desvanecen cuando queda embarazada. Sus primeros meses en Montana se narran en secuencias oníricas ambientadas bajo el tenue sol de Montana o el verde oscuro de la noche, con los amantes gateando desnudos por la casa desolada o bailando al ritmo de la música que ahora pueden escuchar a un volumen ensordecedor. A pesar del estado ruinoso de la casa y el aislamiento de la Montana rural, la pareja es feliz, irradiando una alegría contagiosa y extática, con Pattinson y Lawrence prácticamente vibrando en pantalla.

Eso hace que la desaparición de esa alegría sea aún más devastadora. No sucede de la noche a la mañana; Grace se aferra desesperadamente a una sensación de normalidad, insistiendo en que adopten un gato para que acompañe a su recién nacido o esforzándose por tener la cena lista para cuando Jackson regrese del trabajo. Es difícil saber quién se aleja primero, pero Jackson está cada vez más ausente y, aunque "Die, My Love" trata inicialmente sobre el descenso de Grace a la oscuridad de la depresión posparto, la película se comprende mejor a través de la perspectiva de su relación de codependencia.

La violencia de Jackson es mucho más sutil: condones inexplicables en la guantera de su camioneta, la adopción de un cachorro cuyos ladridos incesantes no hacen más que empeorar el deterioro mental de Grace. Él se aleja mientras Grace se acerca, buscando conexión y, cuando él se niega, lo provoca a su vez, mientras entabla una relación con un misterioso motociclista (Lakeith Stanfield) que pasa por su casa todas las noches, despertando al bebé (y a Grace) en el proceso.

En "Die, My Love", Lawrence ofrece su mejor interpretación desde "Mother!" (2017) , con la que esta película podría tener ciertas similitudes. Grace es el alma de la película, y los destellos de ira y violencia de Lawrence se equilibran con su sutil sentido del humor en escenas clave. Es una risa incómoda: nada en "Die, My Love" es realmente graciosa, aunque haya escenas que parecen diseñadas para evocar un humor irónico.

En realidad, "Die, My Love" es un terror psicológico de suspense doméstico, aunque sus momentos de máxima tensión no provienen del misterio ni de significados ocultos. La incertidumbre sobre qué hará Grace después o cómo reaccionará ante algo en su entorno es la fuente de tensión, lo que hace aún más difícil presenciar su descenso a la locura y cómo quienes la rodean intentan apoyarla. Pam anhela conectar con Grace tras la pérdida de su propio esposo, pero se siente desconcertada por el comportamiento cada vez más errático de su futura nuera, incluso cuando esta muestra destellos de su propio deterioro.

Ramsay no rehúye los defectos de sus personajes, y este rincón de la Montana rural está lleno de personas que luchan por ocultar sus deseos más profundos y sus impulsos más oscuros. Quienes mejor lo hacen son también quienes pueden fingir con facilidad una felicidad doméstica idílica en medio del caos. Sin embargo, lo más impactantemente bello de "Die, My Love" es la disposición de Ramsay y Lawrence a desnudar la realidad y mostrar una faceta más cruda del amor y la maternidad, una que a menudo se pasa por alto.

Crítica Cinéfila: Don't Look Up

Kate Dibiasky (Jennifer Lawrence), estudiante de posgrado de Astronomía, y su profesor, el doctor Randall Mindy (Leonardo DiCaprio) hacen un descubrimiento tan asombros como terrorífico: un enorme cometa lleva un rumbo de colisión directa con la Tierra. El otro problema es... que a nadie le importa.

Las películas de Adam McKay suelen ser difíciles de digerir. “The Big Short” nos dio una bofetada cuando utilizó a una Margot Robbie desnuda para explicar qué era la crisis de las hipotecas de alto riesgo, y el sobrevalorado “Vice” contó la historia de la vida de Dick Cheney con impresiones de “Saturday Night Live”. Sin embargo, el estilo informativo del director y el oscuro sentido del humor contrastan en "Don't Look Up", una divertida sátira sobre un cometa que está a punto de chocar con el planeta Tierra. La película no es explosiva, pero la trama sí lo es.

Leonardo DiCaprio y Jennifer Lawrence interpretan a Randall y Kate, dos astrónomos que ven una roca espacial de 10 kilómetros de ancho que se precipita hacia el mundo y determinan que tendrá un impacto en seis meses, 14 días, un evento a nivel de extinción. 

El dúo alarmado lleva sus hallazgos a la presuntuosa presidenta de los Estados Unidos (Meryl Streep), y se sorprenden al descubrir que ella se ríe de la situación. Luego, un periódico de Nueva York publica la historia, pero nadie hace clic en ella. Entonces, van a un programa de noticias parecido a “Scarborough Country” llamado “The Daily Rip”, donde un productor les dice que los presentadores (Cate Blanchett y Tyler Perry) aman los segmentos de ciencia. Pero cuando el cometa se vuelve visible a simple vista, la población finalmente cree la historia, y se forman dos hashtags en competencia: #Justlookup y #Dontlookup. Sí, el mundo ha logrado politizar su propia destrucción inminente.

Obvio, estos eventos en cascada son probablemente una metáfora de la pandemia. Pero es entretenido y divertido. 

Si hubiera categoría en los Oscars para casting, Francine Maisler sería una apuesta segura para el 2022. Porque ha reunido indiscutiblemente, el elenco más envidiable del año para Don't Look Up. Actores identificables solo por el nombre de pila: Leo, Meryl, Cate, Jonah, Timothée. El poder de atracción es tanto el director Adam McKay (The Big Short y Vice) como la premisa. Don't Look Up es esencialmente Deep Impact conoce a Armageddon. Puede que muerda más de lo que puede masticar, pero con frecuencia es un alimento para el cerebro divertido y muy ambicioso. 

Hay muchas risas y a lo largo de su viaje hay un grupo de celebridades, las mejores de las cuales se acercan de puntillas a “Dr. Strangelove”. Mark Rylance interpreta a un titán tecnológico y orador motivacional llamado Peter Isherwell con una sonrisa enyesada y la voz inquietantemente tranquila de alguien que está a punto de sufrir un colapso mental. Ariana Grande es una estrella del pop que es un riff de sí misma. Y Timothée Chalamet es un gamer evangélico de Illinois que se besa con Kate.

Si McKay elaboró ​​las partes más divertidas de su sátira con un bisturí, alguien debería haberle entregado un machete para cortar un poco el guión. La película dura casi dos horas y diez minutos, y nos agotamos cuando las sorpresas se detienen y el final se vuelve inevitable. No obstante, DiCaprio y Lawrence tienen una buena química natural.

Lawrence y DiCaprio son guías agradables y especialmente complejas a través del caos: la primera con todo el corte de pelo y la actitud de Lisbeth Salander, el segundo una bola de nervios y dolencias. La dirección de McKay a veces se mueve al ritmo de una película de desastre y en otras ocasiones se detiene para realizar montajes que representan la vida en marcha frente a la destrucción inminente (un estilo muy bien establecido por el director en sus presentaciones anteriores). Es una película sobre malestares muy modernos: cómo no asumimos la responsabilidad personal, ya sea en las relaciones o en el escenario político; cómo se socava constantemente la experiencia; y cómo muere la verdad en las noticias. Quizás están sucediendo demasiadas cosas y no todo funciona. Aún así, McKay pega el final maravillosamente, agregando una picadura asesina que ojalá no muchos esquiven gracias a los créditos cortados de la plataforma de Netflix.

Crónica Cinéfila: Dark Phoenix

Los X-Men se enfrentan a su enemigo más poderoso: uno de sus miembros, Jean Grey. Durante una misión de rescate en el espacio, Jean casi muere al ser alcanzada por una misteriosa fuerza cósmica. Cuando regresa a casa, esa radiación la ha hecho más poderosa, pero mucho más inestable. Mientras lucha con la entidad que habita en su interior, Jean desata sus poderes de formas que no puede controlar ni comprender. Jean cae en una espiral fuera de control haciendo daño a aquellos que más ama y empieza a destruir los lazos que mantienen unidos a los X-Men.

En un universo muy diferente a la primera trilogía de los mutantes, los X-Men son finalmente aceptados por el resto del mundo, teniendo seguidores alrededor del mundo que no solo desearían ser como ellos, pero que también siguen sus pasos, les autorizan apropiarse de islas abandonadas para mantener su comunidad allí, y representan una de las mejores armas del mundo para situaciones extraordinarias. Y la verdad es que los mutantes son los mejores personajes que Marvel ha creado, con personalidades y poderes tan particulares de ellos que siempre demuestran ser la gran envidia de la humanidad. Pero, al contrario de las maravillas que ellos pueden lograr, Dark Phoenix podría ser oficialmente una de las grandes decepciones.

Jean, uno de los X-Men más poderosos, posee el dón de la telequinesis y telepatía, siendo capaz de leer mentes, controlar a las personas y lo que le rodea, mover objetos a su alrededor, y causar proyecciones astrales de magnitud mundial. Por eso representa uno de los X-Men más importantes a la hora de tener misiones para salvar al mundo. En esta ocasión, el punto X representa el espacio, donde varios astronautas han quedado atrapados después de que una energía cósmica visualmente destructiva los tuviese atrapados sin forma de regresar a la Tierra. Siendo Jean la única del grupo que podría soportar esta energía mientras el resto del grupo salva a los tripulantes, ella alcanza la misteriosa energía que se adentra en ella. Lo que parecía un servicio funebre se convirtió en una fiesta, cuando Jean sobrevive a la fuerza cósmica y regresa sin ningún rasguño.

Raven advierte que lo que sucedió en el espacio no es normal, pues ella no debería estar viva después de esto, y cuando Jean se da cuenta de las destrucciones que causa su nuevo poder, decide huir de casa. En su escape no solo se entera de su verdadero pasado y cómo su padre decidió abandonarla después de un accidente automobilístico, también es atraída por Vuk, la líder de una raza alienígena que caza el poder que ella tiene dentro, solo con intenciones de destruir la raza humana para poder utilizar el planeta Tierra como su nuevo planeta.

El problema de esta película es la lógica ausente. No solo rompe continuidad con la segunda trilogía de X-Men, sino que rompe con la línea cronológica de los hechos. Por el tema de mantener los mismos actores de la Primera Generación, Professor X y Magneto parecen nunca envejecer, cuando se supone que a estas alturas ya deberían estar en sus 60 años. Mientras tanto, Jean solo tendrá un nuevo nivel de poder, pero no es un poder que no hayamos visto antes (es algo que claramente vimos en Apocalipsis -2016- y que entra entre las tantas abilidades del personaje desde los comics). También está el final, el cambio del nombre de la escuela, el retiro de Xavier de la escuela debido a la muerte de Jean (quien se supone no está muerta, pues la aparición del fenix en el cielo quiere decir que ella anda por ahí, además de que en  X-Men: Days of Future Past -2014- enseñan que ella sigue viva en el futuro...).

A pesar que es una estructura completa, la película tiene muchos huecos e historias incompletas; nunca se sabe lo que les pasa a los mutantes del grupo de Magneto, ni si todos los mutantes sobreviven a la pelea final, o si profesor X piensa regresar a la escuela. El final es mucho más abierto e incompleto de lo que ellos querían provocar, y no resulta agradable. Y por supuesto, no se puede dejar de mencionar los clichés de diálogos que incluso personajes tan icónicos como Mystique y Profesor X tienen. Esto hace la historia aún más débil. Las decisiones son muy pobres, la confrontación hasta el último momento es muy repetitiva, y Jean confunde mucho, nunca se sabe cuando es buena o mala; parece tener las mismas reacciones para todo.

Comparado con las resoluciones de otras franquicias importantes de este año, esta parece claramente una liga menor. Los hombres que han anclado la mayoría de las salidas de X-Men están girando sus ruedas aquí, y si bien el dilema central de Jean es ciertamente bastante dramático, y está más estrechamente vinculado con las acciones de otras dos mujeres, lo que debería haberse registrado como genuinamente poderoso, juega en una forma bastante discreta. De ninguna manera esto se siente como un destino insatisfactorio para un viaje que comenzó hace dos décadas y registró aproximadamente 30 horas de anticipación, pero que resultó un fracaso decepcionante.

Red Sparrow

Después de retirarse del mundo de la danza y ser reclutada contra su voluntad para ser un “gorrión”, una seductora adiestrada del servicio de seguridad ruso, Dominika aprende a utilizar su cuerpo como arma, teniendo como primer objetivo a Nate Nash (Joel Edgerton), un funcionario de la CIA que dirige la infiltración más confidencial de la agencia en la inteligencia rusa.

Dominika era bailarina de ballet. Sus días iniciaban y terminaban con la danza, hasta que un día tuvo un accidente en escenario. Pero cuando su tío Egorov le dice que su accidente fue provocado, las consecuencias de sus emociones la arrastrarán a tomar las decisiones equivocadas y ser facilmente convencida por su tío a servir de cebo contra una persona, de ahí a ser testigo de un asesinato y luego a ser parte de los "Red Sparrows", quienes son entrenados como arma de seducción contra sus víctimas. 

Su primer objetivo es Nate, quien es un agente de la CIA que es constantemente vigilado por el grupo de inteligencia ruso, y quien tiene un "soplón" en el gobierno ruso, que delata sus planes a  los Estados Unidos. Dominika se enamora de Nate y entra en el conflicto interno de a quién debe ayudar: ¿a un hombre que recién conoce? o ¿a una persona que solo le ayuda para su beneficio? 

La historia inicia con una secuencia que engancha con facilidad a toda su audiencia: te presenta a una mujer que no tiene nada que ver con el universo del espionaje y que dedica su vida al ballet, pero sufre un trágico accidente; y te va delatando como este agente encubierto en la CIA se comunica con su soplón en una Rusia extremadamente vigilada. Y gracias a esa premisa, muchas personas decidirán a quedarse hasta el final porque te promete un posible romance, un casi necesario giro entre los objetivos de cada uno y un final inesperado. Todo esto ocurre, pero el punto medio de la historia se va desarrollando en un estilo poco tradicional que alarga la película de manera innecesaria y tiene cambios que generan muchas pregunas sobre la verdadera actitud de los personajes.

El más claro objetivo de Dominika al final del primer acto es que ella entrará a la "Escuela de entrenamiento" para convertirse en un Red Sparrow, el cual, en vez de ser un entrenamiento de pelea y  supervivencia, fue una clase intensa de cómo provocar a una persona de manera sexual; en pocas palabras, caer en la prostitución. No obstante, es asignada en un caso en particular y debe averiguar quien es la persona con la que Nate se reune. Después pasa al lado de Nate para ayudar al gobierno estadounidense a conseguir una información que maneja el gobierno ruso. Más tarde es torturada y regresa a ser parte del Estado Ruso y convertirse en la amante de Nate, solo para conseguir información de él. Luego regresa a trabajar con los americanos... Y así transcurren las casi tres horas de la película.

Es difícil entender un personaje cuando le dan tantos cambios de personalidad y de decisiones, pues no es el desarrollo tradicional de historia, y debido a no ser la fórmula antes vista, es difícil crear empatía con el protagonista si no entiende con claridad cuál es su objetivo en la historia y si es lo suficientemente creíble para querer acompañarlo en la travesía. Sí, Dominika se arriesga y va evolucionando en comparación a sus inicios, pero al final no se sabe si logró algún objetivo porque eso era lo que ella quería, porque era el plan de alguien más o porque el director quería dar un cambio inesperado que dejara a la audiencia boquiabierta.

Por otro lado, la fotografía utilizada es muy visual en torno a los temas más cercanos de la trama: si se enfocaba por la seducción de lo visual, el cinematógrafo logra esto con las genialidades de tomas de los distintos escenarios en Rusia; si es conflicto de familia, sabe retratar con suficiente precisión los detalles de las emociones de cada uno de sus personajes; si en realidad se trata de cómo una persona encuentra su verdadero rol en la vida (y crecer), sabe mantener una misma línea que permite ver una continuidad y constancia tanto en las tomas del inicio comparadas al final, como en las que serán dedicadas a la protagonista que irá resaltando su evolución. La cinematografía es completa y diversa que mantiene la tonalidad y que establece el estilo de su artista.

No obstante a las potentes actuaciones y los aspectos técnicos a su favor, el guion le resta oportunidad de ser una buena película de espionaje. Es una historia que necesita revisión en el punto medio y mayor consistencia en los caminos que sus personajes deberán tomar. Es una película ambiciosa, que se deja caer por su historia.

Mother!

A una mujer (Jennifer Lawrence) le pilla por sorpresa que su marido (Javier Bardem) deje entrar en casa a unas personas a las que no había invitado (Ed Harris, Michelle Pfeiffer). Poco a poco el comportamiento de su marido va siendo más extraño y ella empieza a estresarse y a intentar echar a todo el mundo. (FILMAFFINITY)

El cine es un arte con distintas perspectivas. Mientras que algunas son muy líneales y se explican desde el primer momento que las ves, otras retan la mente y su nivel de atención, y te generan preguntas para responderse solo al final, cuando todo ha terminado. Si piensan ir a ver Mother! porque les gustan los actores, porque el trailer se ve "curioso" o porque el título les llamó (que el título solo se entiende al final, también), les diré algo que deben entender antes: esta película les dejará con inquietudes, dolores de cabeza y razonamientos que solo ustedes mismos podrán entender.

Aronofsky (director de Black Swan, Requiem for a Dream) vuelve a hacer un thriller extremadamente psicológico y nos presenta una pareja, que por alguna razón extraña, viven en una casa alejada de la sociedad. Mientras ella (Jennifer Lawrence) reconstruye la casa, él (Javier Bardem) trata de escribir su nueva novela, y de repente aparece un extraño, que dice ser doctor, pero que también es un fanático del escritor. Después llega su esposa, sin avisar, y comienzan a hacerle la vida imposible al personaje de Lawrence. 

Mientras más personas llegan a la casa, la realidad se va complicando y haciéndose inexplicable. La situación se vuelve una especie de Guerra Civil (similar a escenas de Men of Children) y sucede algo muy poco común en las películas actuales: el principio es el mismo que el final, y da uno de los tantos mensajes que tiene la historia, "cuando la corrupción y los desastres de la humanidad destruyen lo que el hogar ha formado, la madre tiene la tarea de volver a empezar y salvar los daños" (eso fue lo que yo entendí).

Esta historia es muy cambiante. Cuando crees que Mother ya ha resuelto un conflicto, la situación se complica más y más, sin poder darle alternativas lógicas a los personajes. A su vez, tiene giros que provocan cambios en el ritmo de la trama y en el carácter de sus personajes. Las interpretaciones de Lawrence, Bardem y Pfeiffer son simplemente emblemáticas e inesperadas. Cada uno tiene una psicología muy característica de sí mismo y que te señala exactamente cómo van a responder a cada momento.

Los detalles de la trama son claves importantes para poder entenderla y si no se percatan a tiempo, pues saldrán pensando que han visto una película sin sentido, cuando en realidad todo se ha dicho de esa manera por razones que el director quiere que uno descubra.

La película es una recreación al primer capítulo de la biblia (Genesis 1). El personaje de Jennifer Lawrence representa a Madre Tierra; el personaje de Javier Bardem representa a Dios; Ed Harris y Michelle Pfeiffer representan a Adam y Eva, y sus hijos a Cain y Abel. Todo el caos ocurrido en la casa representa la sociedad, lo dañada que está y lo confusa que es, segmentada por grupos y clases sociales que se atacan y se matan entre sí. Al final Madre Tierra ataca en respuesta al daño que le ha hecho la humanidad.

Otro detalle importante es la fotografía, pues muestra las diferentes perspectivas en las que el ser humano ve la vida. Cada quien sacará su propio análisis de la trama de acuerdo a lo que entendió de este aspecto, que por igual no mantiene un ritmo líneal, sino que se va haciendo cada vez más confuso y variante en su estilo. Mientras comienza con unos movimientos de cámara suaves que muestran la atmósfera del escenario donde viven los personajes principales, luego se agita como cámara en mano en medio de la acción.

Un aspecto que me parece muy interesante de la trama es el sonido: la musicalización, los efectos de sonido y la mezcla de sonido dejan en claro cuando sucede un cambio dentro de la historia. El momento que haya una variación de ritmo en alguno de estos detalles es cuando habrá una variación en el ritmo de la trama.

A pesar de que el cine de Aronofsky siempre se ha caracterizado por dejar al público con la pregunta de "¿qué es lo que acabo de ver?", este también hace una referencia importante a cómo la sociedad es responsable de las actitudes de una persona, y cómo la sociedad misma provoca el caos que obliga a que una persona responda de una manera violenta y molesta.

Mother! es "algo" para sentarse a analizarlo por varios días, y para poder hablar de esta película es cuestión de interpretación personal.

Actores inseparables

En el cine, la química es importante, y no hablo de química entre personaje y actor, sino entre actor y actor. Algunos directores, o por lo menos los más observadores, ya saben que "si va uno, el otro también".

¿Alguna vez se han encontrado a dos actores actuando en [literal] todas las películas juntos? Aquí el top 5 de los forever inseparables.

Para esta lista, se ha tomado en cuenta la química de los actores en escena, la popularidad de las películas y la cantidad de filmes realizados juntos.

#5: Jennifer Lawrence y Bradley Cooper

A pesar de que el mismo Bradley Cooper insiste en sentir un cariño de hermano por Jennifer Lawrence, la química y la diversidad de roles que han tenido (aún en su escasa lista filmográfica juntos) los posicionan como la pareja preferida del director David O. Russell. Ya veremos si otros directores se motivan con este dúo.

Películas juntos: El lado bueno de las cosas, La Gran Estafa Americana, Serena y Joy.

#4: Al Pacino y Robert De Niro

Considerados por muchos fanáticos del cine como los mejores actores de su generación, ambos saben cómo llamar la atención. Su apariencia y caracterización los hace perfectos para algunos roles. Pero no se dejen engañar, se adaptan a cualquier género.

Películas juntos: El Padrino (parte II), Fuego Contra Fuego, Asesino Justo y El Irlandés. 

#3: Ben Stiller y Owen Wilson

Esta pareja de actores ha sido el foco de muchos espectadores; no solo por el hecho de que siempre (o la mayoría de las veces) son frenemies, sino también por la cómica química que tienen en escena. Desde el año 2000 los hemos visto juntos, y por lo visto seguirán actuando unidos "hasta que la muerte en Hollywood los separe".

Películas juntos: El Doctor Cable, Los Tenenbaums, Los padres de mi novia, Zoolander, Starsky & Hutch, La familia de mi esposo, Noche en el Museo, Noche en el Museo 2 y Zoolander 2.

#2: Johnny Depp y Helena Bonham Carter

Escena de Sweeney Todd, el barbero diabólico (2007)

Otra pareja de actores que parece ser inseparable. Algo interesante de estos dos es que todas sus películas fueron y son dirigidas por Tim Burton (Ahhh!! Si... por eso es que es el mismo estilo cinematográfico). No obstante, Shantaram será la última película de Depp y Bonham juntos, debido a la separación amorosa de la actriz y Burton. Ojalá que otros directores restablezcan la relación actoral de este dúo.

Películas juntos: El Cadáver de la Novia, Charlie y la Fabrica de Chocolate, Sweeney Todd, Alicia en el País de las Maravillas, Sombras tenebrosas, El llanero solitario, Alicia en el País de las Maravillas 2 y Shantaram.

#1: Adam Sandler y Rob Schneider

Estos dos se ganan el premio a la pareja inseparable de actores. Con un total de 11 películas, desde el 1998 Adam y Rob se convirtieron en marido y mujer del cine de comedia americano. Aunque mi preferida de Sandler es Click, cada filme que protagonizan han dejado una marca en su audiencia, debido a los roles que les son asignados y la regularidad con la que aparecen en estrenos uno al lado del otro.

¡¡Y los declaramos Adam y Rob!!

Películas juntos: El Aguador, Un papá genial, Estoy hecho un animal, Ocho noches locas, Como si fuera la primera vez, El clan de los rompehuesos, Yo los declaro marido y... Larry, Zohan: Licencia para peinar, Más allá de los sueños, Niños grandes y Niños grandes 2.

Los Juegos del Hambre: Sinsajo Parte 2

Hay finales que es mejor no contar o cambiar.

Katniss siempre será mi favorita. 

Aunque hayan mil películas con nombres y Katniss diferentes, siempre será mi #1; porque desde su primera presentación, ella ha sido un personaje fuerte, memorable y sobretodo rebelde (todos los demás son solo una copia de su carácter).

Es importante resaltar que al principio de esta quinta entrega sí perdió su fuerza, que parecía un personaje más dentro de la historia e incluso que todo lo que había construido en cuatro películas lo había olvidado, pero no bastó un poco de impulso en el inicio del nudo y la muerte de un par de personajes para que su sinsajo interno resurgiera.

Admito que las nuevas técnicas de Snow para matar me dejaron bastante sorprendidas, no solo con el lodo destructor, sino también con los caníbales de las alcantarillas y con las bombas en cantimploras de medicamentos.

En fin, en términos narrativos y creativos, el desarrollo fue una buena historia, una trama intensa y un desenlace que me recordó esa vieja moraleja de "los tiempos se repiten"... hasta que Katniss mató a Coin. Para mí, la película terminó en ese preciso minuto. Y si hubiese terminado ahí, el final fuese perfecto.

Y como dije al principio, Katniss siempre será mi favorita, siempre será el superhéroe que muchas otras historias no han podido darme, pero insisto que si no me la hubiesen mandado al distrito 12 al final de la historia, para mi el final hubiese sido el indicado para una historia como los Juegos del Hambre. Katniss como madre: ¡No me lo esperaba!