Crítica Cinéfila: The Menu

Una joven pareja viaja a uno de los destinos más exclusivos del mundo para cenar en un restaurante que ofrece una experiencia culinaria única. Sin embargo, el chef ha preparado un ingrediente secreto que tendrá un resultado sorprendente en los dos enamorados.

Un restaurante de cinco estrellas llamado Hawthorne, ubicado en una isla alejada de toda civilización, está creando un menú especial para algunos invitados de alto perfil: una famosa crítica gastronómica, una estrella de "cine", algunos amigos de las finanzas, parejas acomodadas y fanáticos de su chef Slowik (interpretado por Ralph Fiennes). Recibieron invitaciones y se presentan con sus egos, arrogancia y dinero. La atípica, Margot Mills (Taylor-Joy), es la cita de Tyler (Nicolas Hoult) que no estaba en la lista de invitados. La fachada no impresiona a Mills. Ella sabe que algo está mal en la atmósfera tan pronto cuando llega a la isla. Elsa (Hong Chau) es la segunda al mando de Slowik y ayuda a que el lugar funcione sin problemas, pero rápidamente nota la extrañeza (o impertinencia) de Margot, y no deja de fijarse en ella.

La cocina de Hawthorne está dirigida como los militares. Llevan la comida a los asientos de sus invitados, responden a las órdenes al unísono y solo hablan cuando se les habla. Nadie piensa que esto es raro excepto Margot. El chef mira a su invitado con desdén. ¿Quizás un indicio de lo que vendrá? Elabora sus platos basándose en su vida y en la vida de sus invitados. Parece conocer información secreta sobre todos ellos y revela estos hechos aprendidos a través de varias comidas. Estas personas están destinadas a estar en Hawthorne, y todos menos Margot se merecen lo que les espera.

"The Menu" proporciona comentarios satíricos desconcertantes sobre la división de clases y cómo los ricos son un pozo sin fondo de necesidad que nunca será satisfecho. Slowik se da cuenta de que Margot no viene de dinero; que en realidad es una trabajadora sexual. Interactuar con los ricos es una experiencia sin alma que elimina toda la diversión y el amor de cualquier arte. En un momento, Margot habla de disfrutar de su línea de trabajo hasta interactuar con hombres ricos arrogantes. Esencialmente, Hawthorne es el pobre levantándose y usando la comida como presagio de la muerte. Los trabajadores del servicio de alimentos y del sexo se destacan aquí porque la sociedad menosprecia las profesiones. Es un recordatorio de que merecen respeto. 

El elenco estelar de "The Menu" está al unísono. Judith Light, John Leguizamo, Chau, Fiennes, Taylor-Joy, Hoult, Janet McTeer y muchos otros creyeron lo suficiente en el guión inteligentemente escrito de Reiss y Tracy como para ser parte de él. Hay química por todas partes, con los actores jugando entre sí y apoyándose en las acciones de los demás a medida que avanza la película. Importante destacar a Chau, que la viene arrasando últimamente. Ella se compromete completamente con cada papel y se puede estimar alguna nominación o incluso reconocimiento en esta próxima temporada de premios.

El diseño de sonido y la partitura de Collin Stetson es una orquesta degustante que hace rejuego con la cinematografía casi publicitaria, en el buen sentido. La película no sería tan agradable sin ella. El sonido atraviesa tu cuerpo como un cuchillo de cortar carnes. Cada chillido, aplauso y ruido metálico del cristal es limpio y preciso. Mylod entreteje estos elementos en su estilo cinematográfico deliberadamente incómodo con destellos de la estética de Ari Aster. El director guía a la audiencia por un camino sinuoso que los desorientará, por lo que nunca verán lo que se avecina.

Una de las escenas más discutidas de 2021 se lee como una precuela no planificada en este thriller cómico negro y sangriento. En Pig, de Michael Sarnoski, el chef convertido en un recluso del bosque, Rob, destripa suavemente al chef de un lujoso restaurante de alta cocina, que también es uno de los ex empleados de Rob. Desde el punto de vista de Rob, el otro chef se traicionó a sí mismo cuando abandonó su sueño de ser dueño de un pub íntimo y cómodo, a favor de servir comida elaboradamente deconstruida a snobs que en su mayoría se preocupan por cuánto cuestan. “Todos los días, te despiertas y eres menos”, le dice Rob al chef, quien se ve devastado, pero no como si estuviera en desacuerdo. “Vives tu vida por ellos, y ni siquiera te ven. Ni siquiera te ves a ti mismo”.

"The Menu" se siente como el siguiente paso en esa historia, si el desafortunado chef de alto nivel hubiera decidido convertir la revelación de Rob en contra de su clientela en lugar de hacerlo hacia adentro. La película burla el tipo de gente que comería en ese restaurante que el chef Rob desprecia, con sus “vieiras emulsionadas” y “espuma de arándano forrajera, bañada en el humo de las piñas de abeto de Douglas”. Pero también encuentra un poco de humanidad en ellos. Una de las cosas más intrigantes de la película es la forma en que los cineastas encuentran espacio para ensartar cada objetivo a la vista.

Anya Taylor-Joy interpreta a Margot, una cita de última hora para Tyler (Nicholas Hoult), un obsesivo amante de la alta cocina, que se aseguró un asiento en un restaurante exclusivo en una isla privada, encabezado por el renombrado Chef Slowik (Ralph Fiennes). A Margot no le importa el tipo de comida que sirve el chef Slowik, como unas pocas manchas de salsa ingeniosamente espaciadas en un plato, anunciadas como un descarado "plato de pan sin pan". Pero Tyler está obsesionado con el trabajo del chef Slowik y la posibilidad de ganarse su atención e interés. Son una pareja extraña desde el principio, con una extraña tensión entre ellos que sugiere secretos que esperan ser revelados.

No son los únicos que tienen secretos. Los otros comensales en esta noche en particular incluyen a una crítica gastronómica petulante (Janet McTeer) y su editor adulador (Paul Adelstein), una estrella de cine tipo B (John Leguizamo) y su asistente (Aimee Carrero), un trío de ruidosos tacaños tecnológicos que inician la noche alardeando de gastar su cena de manera fraudulenta, y una pareja mayor que siente que podría reconocer a Margot. Luego está el chef Slowik, que ha planeado un "menú" peligroso para la noche diseñado para sacar a la luz los secretos de sus clientes.

Hasta dónde está dispuesto a llegar el chef Slowik y lo que está pasando con Margot, constituyen la mayoría de las complicaciones en esta trama. De lo contrario, podría convertirse en un thriller de venganza bastante sombrío y familiar dirigido a algunos objetivos fáciles: personas ricas, con derecho, groseras y engreídas. Si no hubiera más cosas debajo de la superficie, "The Menu" correría el riesgo de parecer una versión elegante de uno de esos slashers adolescentes que se trata más de ver a jóvenes simbólicamente odiosos y superficiales siendo asesinados por un asesino.

En cambio, el guión de Seth Reiss y Will Tracy reparte las revelaciones con un cuidadoso sentido de ritmo y escalada, manteniendo un equilibrio de simpatías entre las víctimas y el autor intelectual. Claramente, no esperan que la audiencia se sume por completo a la gente que paga $1,250 cada uno por una cena minimalista, principalmente por presumir de la experiencia. Tampoco dejan a sus víctimas como cifras. Margot, naturalmente, ocupa el centro del escenario, y Taylor-Joy le da una energía feroz y quebradiza que la convierte en una protagonista convincente. Hoult ofrece una actuación igualmente fuerte como un hombre que se ve obligado a aceptar sus propias pretensiones de una manera particularmente dolorosa. Pero cada personaje a su vez tiene un poco de tiempo en el escenario, incluida la dedicada asistente del chef Slowik, Elsa.

Y el mismo Fiennes es un activo considerable, como de costumbre. Dirige la acción en su restaurante como un líder de culto, pone una cara cálida y benévola cuando se adapta a la historia, y luego trae una forma despiadada de psicopatía fría a la mesa para otras escenas. Tratar de adivinar qué hay debajo de su superficie es uno de los mayores desafíos de la película y una de sus mayores alegrías, principalmente porque está escrito e interpretado como un villano con algunas arrugas simpáticas, un hombre que corteja la empatía y evoca horror al mismo tiempo.

"The Menu" a menudo se lee como una versión expansiva de una obra de teatro de un solo set, donde un grupo de personas obligadas a estar muy cerca se quiebra gradualmente bajo la presión y revela cosas nuevas sobre sí mismos. Mucho de lo que lo mantiene en marcha no es esa energía escénica, sino la puesta en escena en sí misma. El diseñador de producción Ethan Tobman se inspiró en todo, desde en referencias gastronómicas del cine de autor, hasta en la arquitectura expresionista alemana. Él y el director de fotografía Peter Deming le dan a la película una frialdad áspera y punitiva que enfatiza tanto la falta de comodidad o calidez en la alta cocina como el estado de ánimo del chef Slowik. Es una película apropiadamente suntuosa e impulsada por los sentidos, con algo sorprendente para mirar en cada encuadre.

Hay una extraña falta de voluntad para comprometerse con el potencial de Grand Guignol de la película, probablemente por el deseo de mantener al elenco para el acto final. Hay una desconexión entre el odio del Chef Slowik hacia sus invitados que cuando llega se siente un poco tardío y el nivel de sus crímenes comparativos, algunos de los cuales son mucho más personales y significativos que otros. El desprecio de la película por la arrogancia y los derechos es sencillo y satisfactorio, pero cuando otros motivos comienzan a impulsar la historia, como los celos de Elsa por Margot o la ira del chef Slowik hacia un cliente recurrente por no recordar cada uno de sus platos, la historia de venganza se cuaja un poco.

Aún así, la voluntad de Reiss y Tracy de implicar al chef Slowik junto con su plan vanidoso y obsesionado con la superficie le da a esta película una intriga sorprendente. Slowik diseñó su propia caída y su propio tormento, y "The Menu" no lo deja libre al jugar como un cuento moral de cómo contraatacar a los ricos. El humor en esta película es mayormente sutil (particularmente en los títulos de los platos hilarantemente irónicos que aparecen en la pantalla), pero en última instancia es también un híbrido de thriller y terror. Hay cierta tensión mientras los espectadores esperan para ver cómo se desarrollará todo, pero Mylod y los escritores también sugieren que vale la pena reírse un poco de todos los involucrados, ya sea que estén ofreciendo versiones elegantes del caos o simplemente pagando por su propia aniquilación.

Crítica Cinéfila: Don't Look Up

Kate Dibiasky (Jennifer Lawrence), estudiante de posgrado de Astronomía, y su profesor, el doctor Randall Mindy (Leonardo DiCaprio) hacen un descubrimiento tan asombros como terrorífico: un enorme cometa lleva un rumbo de colisión directa con la Tierra. El otro problema es... que a nadie le importa.

Las películas de Adam McKay suelen ser difíciles de digerir. “The Big Short” nos dio una bofetada cuando utilizó a una Margot Robbie desnuda para explicar qué era la crisis de las hipotecas de alto riesgo, y el sobrevalorado “Vice” contó la historia de la vida de Dick Cheney con impresiones de “Saturday Night Live”. Sin embargo, el estilo informativo del director y el oscuro sentido del humor contrastan en "Don't Look Up", una divertida sátira sobre un cometa que está a punto de chocar con el planeta Tierra. La película no es explosiva, pero la trama sí lo es.

Leonardo DiCaprio y Jennifer Lawrence interpretan a Randall y Kate, dos astrónomos que ven una roca espacial de 10 kilómetros de ancho que se precipita hacia el mundo y determinan que tendrá un impacto en seis meses, 14 días, un evento a nivel de extinción. 

El dúo alarmado lleva sus hallazgos a la presuntuosa presidenta de los Estados Unidos (Meryl Streep), y se sorprenden al descubrir que ella se ríe de la situación. Luego, un periódico de Nueva York publica la historia, pero nadie hace clic en ella. Entonces, van a un programa de noticias parecido a “Scarborough Country” llamado “The Daily Rip”, donde un productor les dice que los presentadores (Cate Blanchett y Tyler Perry) aman los segmentos de ciencia. Pero cuando el cometa se vuelve visible a simple vista, la población finalmente cree la historia, y se forman dos hashtags en competencia: #Justlookup y #Dontlookup. Sí, el mundo ha logrado politizar su propia destrucción inminente.

Obvio, estos eventos en cascada son probablemente una metáfora de la pandemia. Pero es entretenido y divertido. 

Si hubiera categoría en los Oscars para casting, Francine Maisler sería una apuesta segura para el 2022. Porque ha reunido indiscutiblemente, el elenco más envidiable del año para Don't Look Up. Actores identificables solo por el nombre de pila: Leo, Meryl, Cate, Jonah, Timothée. El poder de atracción es tanto el director Adam McKay (The Big Short y Vice) como la premisa. Don't Look Up es esencialmente Deep Impact conoce a Armageddon. Puede que muerda más de lo que puede masticar, pero con frecuencia es un alimento para el cerebro divertido y muy ambicioso. 

Hay muchas risas y a lo largo de su viaje hay un grupo de celebridades, las mejores de las cuales se acercan de puntillas a “Dr. Strangelove”. Mark Rylance interpreta a un titán tecnológico y orador motivacional llamado Peter Isherwell con una sonrisa enyesada y la voz inquietantemente tranquila de alguien que está a punto de sufrir un colapso mental. Ariana Grande es una estrella del pop que es un riff de sí misma. Y Timothée Chalamet es un gamer evangélico de Illinois que se besa con Kate.

Si McKay elaboró ​​las partes más divertidas de su sátira con un bisturí, alguien debería haberle entregado un machete para cortar un poco el guión. La película dura casi dos horas y diez minutos, y nos agotamos cuando las sorpresas se detienen y el final se vuelve inevitable. No obstante, DiCaprio y Lawrence tienen una buena química natural.

Lawrence y DiCaprio son guías agradables y especialmente complejas a través del caos: la primera con todo el corte de pelo y la actitud de Lisbeth Salander, el segundo una bola de nervios y dolencias. La dirección de McKay a veces se mueve al ritmo de una película de desastre y en otras ocasiones se detiene para realizar montajes que representan la vida en marcha frente a la destrucción inminente (un estilo muy bien establecido por el director en sus presentaciones anteriores). Es una película sobre malestares muy modernos: cómo no asumimos la responsabilidad personal, ya sea en las relaciones o en el escenario político; cómo se socava constantemente la experiencia; y cómo muere la verdad en las noticias. Quizás están sucediendo demasiadas cosas y no todo funciona. Aún así, McKay pega el final maravillosamente, agregando una picadura asesina que ojalá no muchos esquiven gracias a los créditos cortados de la plataforma de Netflix.

Crítica Cinéfila: Dead to Me

Recogiendo las consecuencias de la sangrienta revelación del patio trasero, la incontrolable pareja luchará de nuevo por mantener sus secretos enterrados. Con la llegada a la ciudad de un sorprendente visitante y el Detective Pérez pisándoles los talones, Jen y Judy tomarán medidas drásticas para proteger a sus seres queridos y la una a la otra. No importa a qué precio.

El año pasado, la actriz cómica Christina Applegate nos mostró su lado serio con la primera temporada de Dead to Me de Netflix, una comedia negra sobre una amistad amenazada por un terrible secreto. Era una trama emocionante con una persona divertida que exploraba facetas sombrías de sí misma mientras aún manejaba su ingenio lacerante habitual.

Ahora, Applegate está volviendo a ese pozo de malos sentimientos para la segunda temporada de Dead to Me (8 de mayo). Es un placer tenerla de vuelta. Pero las cosas se han desmoronado considerablemente desde que conocimos a la agente de bienes raíces del sur de California, aunque ya no estaban muy enloquecidas: el episodio piloto se abrió a raíz de la muerte del esposo de Jen, asesinado en un "hit and run" sin resolver. Dead to Me comenzó como un espectáculo sobre el envenenado pensamiento mágico de la pérdida, y luego rápidamente se convirtió en un pequeño thriller tenso, un género en el que la segunda temporada se apoya con más vigor. 

Dead to Me, de la escritora Liz Feldman, presenta una de las amistades más desafiadas rutinariamente en la televisión. La temporada pasada, supimos que Judy (Cardellini) fue responsable de la muerte del esposo de Jen. En el final, (spoiler aquí) Jen esencialmente respondió matando al cruel prometido de Judy, Steve (James Marsden), mientras estaba en un ataque de rabia. La segunda temporada del programa trata sobre el encubrimiento de ese crimen, poniendo un vínculo ya tenso y peculiar entre dos mujeres desesperadas con lo que uno tendría que imaginar que es la prueba definitiva.

Esto debería ser irritante, una frustración de "no hay forma posible de que sean amigas" con una presunción televisiva que es, bueno, eso: un dispositivo narrativo ante las fuerzas de la realidad. Applegate y Cardellini (y Feldman y sus escritores) continúan vendiendo su extraña unión. El espectáculo es bueno de una manera sombreada y delicada; la segunda temporada encuentra un balance excéntrico, un orden donde no debería haber ninguno. Según todos los relatos, Jen y Judy deberían ser enemigas mortales que se transportan al recinto. Pero al compartir una aventura mórbida, han forjado un sistema de apoyo, un tipo de destrucción amorosa asegurada mutuamente, que tal vez les ha faltado en sus experiencias con los hombres.

¿Dead to Me es una alegoría lésbica? Bueno, la alegoría implicaría la ausencia de rareza en el texto real del programa. Eso definitivamente no es cierto para la serie, especialmente en la segunda temporada. Sin embargo, no es exactamente entre Jen y Judy, aunque esa tensión siempre está ahí, generalmente en momentos de risa rápida, sino en un nuevo personaje cuya relación con el retorcimiento central de la historia es mejor dejar intacta. Como es el caso de otro enredo romántico que representa el espectáculo en su forma más tensa, aunque Applegate lo trata de controlar.

La diversión de la segunda temporada de Dead to Me está en esos giros demasiado fáciles de estropear. Cada episodio termina con un botón perturbador, exigiendo la observación inmediata del siguiente hasta que ya no nos quede más. La serie se mueve con prontitud, haciendo una pausa para un tirón emocional o dos en cada episodio antes de pasar a la siguiente locura. Pero no es difícil seguir moviéndose con Jen y Judy, porque mantienen el ritmo muy bien. Si en esta nueva serie de episodios se pierde parte del mapeo de personajes más paciente de la primera temporada, y su representación satírica del rico malestar de SoCal, eso se compensa con una avalancha de encanto propulsor. 

Con ese fin, Applegate y Cardellini podrían estar haciendo dos de los trabajos más difíciles en la transmisión, interpretando personajes que son a la vez tristes y ventosos, sardónicos y sinceros sin aliento. Lo que ofrecen son dos retratos convincentes de ansiedad, del tipo que disminuye los momentos raros y tenues de quietud antes de volver corriendo. Puede ser agotador ver a estas mujeres, especialmente a Jen, mantener esa tristeza por el resto de su vida. Pero también es una maravilla moverse en los rieles de la montaña rusa del programa, sabiendo que las damas saben lo que están haciendo.

Dead to Me es a menudo un espectáculo muy divertido, en estallidos de escritura picantes. Ya sea que la serie sea realmente improvisada o no, Applegate a menudo le da lecturas de línea que brillan libremente, como si estallara repentinamente con furia o cayera en una comprensión horrible junto a Jen. Su brio cómico hace las cosas más duras que pronto siguen a ese desarme mucho más.

Hacia el final de la segunda temporada, Jen tiene una crisis cargada de culpa que resulta uno de los momentos más catárticos que se puede haber visto en televisión durante esta primavera aterradora. Se siente bien ver a alguien perderlo, verla elegir el colapso porque el peso de mantener la compostura se ha vuelto insoportable. Applegate realmente se suelta, y es como si la fiebre se hubiera esparcido, o, para una comparación menos tensa, como si una tormenta finalmente hubiese estallado, haciendo que el aire sea refrescante.

La segunda temporada de Dead to Me se consume fácilmente para pasar muy bien una tarde. Este es el tipo de refrigerio gourmet que Netflix debería hacer más: felizmente adictivo y bien organizado por profesionales talentosos, específicamente por actores de jugadores de apoyo como Applegate. Ella claramente disfruta de la oportunidad holística de interpretar a una mujer al borde de tantas cosas a la vez. Applegate una vez más se encuentra con el material y luego le da un atractivo extra, ahora exclusivo. Las cosas pueden desmoronarse, pero es una alegría ver a Jen intentar y fracasar, mantener todo junto.

Crítica Cinefila: Vice

Explora la historia real sobre cómo Dick Cheney (Christian Bale), un callado burócrata de Washington, acabó convirtiéndose en el hombre más poderoso del mundo como vicepresidente de los Estados Unidos durante el mandato de George W. Bush, con consecuencias en su país y el resto del mundo que aún se dejan sentir hoy en día. 

Cuando Adam McKay hizo la película The Big Shot en el año 2015, lo hizo con una táctica que solo pocos estaríamos reconociendo: marcando un estilo de contar una historia. Con una efectiva narración en off y la marcada línea de tiempo que narraba cómicamente un hecho real, McKay llamaba la atención de una audiencia con hambre de conocimiento y verdad. Hoy regresa a los cines con el mismo estilo y una historia que deja aún más preguntas de las que ya habían. Esto es Vice.

En el año 2001, George W. Bush ganó las elecciones de los Estados Unidos y se convirtió en el presidente #43. Uno de los rostros que trajo a la Casa Blanca fue Dick Cheney, pero este no era nuevo en estas oficinas. Cheney había pasado por un sinnúmero de roles en la Casa Blanca: desde pasante de Donald Rumsfeld, hasta auxiliar de Gabinete presidencial, Jefe de Gabinete, Miembro de la Cámara de Representantes y Secretario de Defensa. Cada una de estas posiciones le habían enseñado a Cheney lo importante que era estar en el poder, pero sobretodo cuáles eran las verdaderas posiciones de poder. Y cuando Bush se le acercó con la propuesta de que fuese su VP, Cheney le presentó sus condiciones, las cuales incluían un sinnúmero de libertades y accesos que ningún Vicepresidente había tenido previamente.

Adam McKay se hace cargo del guion de esta película, presentando una historia que en ningún momento pretende humanizar el personaje de Dick Cheney. Muy por el contrario, enseña las pocas verdades que han podido conocerse de este político, incluyendo su participación en la guerra de Iraq. McKay escribe un guion lleno de sátiras y referencias shakesperiana con el fin de suavizar una historia que es imposible de digerir sin pensar en todas las muertes que ese gobierno provocó. Además, lo presenta con mucha inteligencia, dejando a un lado el orden cronológico exacto, y dando los primeros minutos de la película con algunas de las decisiones emblemáticas de Cheney, así como un retrato comparativo del gran cambio que dio Dick Cheney desde el hombre que era en los años 60 al político que fue naciendo y se convirtió en principios del 2001.

Christian Bale es un actor ambicioso, que cuando se entra en la piel de un personaje, lo hace con mucha dedicación. Lo ha demostrado en ocasiones anteriores, y aquí lo vuelve a hacer. Era difícil imaginar a este actor en la piel de Dick Cheney, por las obvias razones de 1) la diferencia de edad y 2) ¡es Christian Bale! Sin embargo, McKay ya había trabajado anteriormente con este actor, y sabía la profesionalidad con la que entregaba sus roles, por lo que él sabía que Christian asumiría el cambio físico de aproximadamente 60 libras más el maquillaje constante para ir presentando el cambio del personaje a lo largo de los años. Así mismo, Bale presenta una de sus mejores actuaciones, con una encarnación de gestos, miradas e incluso pausas que solo el mismo Dick Cheney podría reconocer.

La relación más importante de esta película es de Cheney con su esposa Lynne, encarnada por Amy Adams, quien no solo fue responsable de abrirle los ojos a Dick y empujarlo a ser el hombre en que se convirtió, sino también era su consejera personal y la única persona que estuvo al lado de él en cada una de las decisiones que fue tomando a lo largo de su trayectoria política. Amy Adams y Christian Bale presentan una química potente, opacando otros personajes, pero no cegando sus acciones por hambre de poder.

Del mismo modo, hay que resaltar las actuaciones de Steve Carell (como Donald Rumsfeld) y Sam Rockwell (como George W. Bush), quienes no solo tuvieron una transformación física increíble para encarnar a sus personajes, sino también por la actitud enn la entrega de sus acciones y líneas, donde mostraban la personalidad que suponía cada uno tener, y cómo estos fueron testigos y, hasta en cierto sentido, víctimas de Dick Cheney.

Otros detalles que regresaron de Adam McKay fue el estilo cinematográfico documental, dándole un aspecto realista, y a la vez satirisado, de cada una de las escenas, incluyendo los momentos frizados de las tomas, slow motion y el uso de captions para identificar/explicar lo que sucedía en cada secuencia. 

Un aspecto importante es la voz en off, que complementaba las secuencias para ayudar a la audiencia a entender los sucesos históricos, a cargo de Jesse Plemons, quien como narrador había anunciado inteligentemente ser alguien muy cercano a Dick, y mientras muchos esperábamos que dijera ser un nieto o sobrino, al final terminó siendo la persona que le donó el corazón que recibió el político en el año 2012. Esto hizo aún más gracia porque durante toda la película Dick se caracterizó por siempre anunciar cuando necesitaba ir al médico porque estuviese teniendo un ataque al corazón o problemas de salud a nivel general.

Al principio de Vice, el director deja dicho que hizo lo mejor que pudo para averiguar toda la verdad sobre Dick Cheney, pero independientemente que lo sea o no, la película resulta ser lo suficientemente entretenida para que hasta los no muy fanáticos de la película se acerquen al cine y se dejen llevar por esta historia. Es transparente y a la vez tiene muchas agallas para gritar todas las verdades que saca a la luz, sobretodo para destacar que Dick Cheney fue uno de los personajes más poderosos de la historia estadounidense. Todos se enfrentaron a sus desafíos individuales en todos los ámbitos, ninguno de ellos fácil, para lograr colectivamente una sátira política que provoca grandes risas y golpea con algunas verdades trágicas.

Vice

Ficha técnica

Dirección: Adam McKay

Producción: Brad Pitt, Dede Gardner, Jeremy Kleiner, Megan Ellison, Kevin J. Messick, Will Ferrell

Adam McKay

Guion: Adam McKay

Música: Nicholas Britell

Fotografía: Greig Fraser

Montaje: Hank Corwin

Reparto: Christian Bale, Amy Adams, Steve Carell, Sam Rockwell, Tyler Perry, Lily Rabe, Alison Pill, Jesse Plemons