Crítica Cinéfila: One Life

Un joven corredor de bolsa británico, Nicholas "Nicky" Winton (Anthony Hopkins), ayudó a rescatar a cientos de niños de los nazis en vísperas de la Segunda Guerra Mundial, con la ayuda de su madre (Helena Bonham Carter). Un acto de compasión casi olvidado durante 50 años, y del que Nicky vive atormentado por los fantasmas de los niños a los que no pudo rescatar, culpándose por no haber hecho más.

Parece extraño que un actor del prestigio y aclamación de Sir Anthony Hopkins necesite un regreso tan avanzado en su carrera; pero durante algunos años, el ganador del Oscar estuvo atrapado en un ciclo de secuelas ingratas y thrillers de una sola palabra donde el brillo actoral que alguna vez lo convirtió en un rostro muy solicitado fue ahogándose. En un año, fue nominado al Oscar por Los dos papas y ganó por El padre (su primera nominación en la Academia desde 1998) y, si bien esto no frenó por completo su predilección por las películas de serie B, lo llevó de regreso a la sustancia, con un giro sutil pero devorador de escenas en Armageddon Time de James Gray y ahora, otra actuación espectacular en el drama de la segunda guerra mundial "One Life".

La película, a veces, puede parecer más un drama televisivo de la BBC con algunos toques cinematográficos, pero avanza hacia un último acto con una emoción imponente, y pocos ojos secos. Es la historia de valentía radical de Nicholas Winton, un corredor de bolsa atrapado por la necesidad de hacer algo mientras Europa se acercaba al inicio de la Segunda Guerra Mundial. Se dirigió a Praga en 1938, a pesar de las advertencias de su bien intencionada madre, y de inmediato se horrorizó por la situación en la que se encontraban tantos jóvenes refugiados, la mayoría de los cuales tenían pocas probabilidades de sobrevivir al invierno. Su plan para salvarlos fue descartado como ingenuo por aquellos más endurecidos por lo que habían visto y lo que habían descubierto que no era posible, pero regresó a Londres decidido a ayudar y, con la ayuda de su igualmente obstinada madre, comenzó a reunir visas y encontrar hogares.

La historia desarrolla su trabajo a través de flashbacks mientras el Winton mayor clasifica archivos y papeles que ha estado acumulando durante mucho tiempo, para disgusto de su esposa. Interpretado por Johnny Flynn cuando era joven, es un hombre impulsado por una necesidad imparable de ayudar y, en su versión mayor, interpretado por Hopkins, es un hombre atormentado con el sentimiento de que no ayudó lo suficiente. Avergonzado por la idea de recibir atención por lo que había hecho, aprendió a enterrarla en su oficina, dentro del mismo maletín que usó en aquel entonces, diciéndose a sí mismo que cualquiera habría actuado de la misma manera y que pensar demasiado en ello le haría centrarse en los que quedaron atrás.

Es un ir y venir a través del tiempo, pero en las escenas de finales de los años 30, el director James Hawes a menudo lucha por distinguir visualmente su película de tantos dramas anteriores de la Segunda Guerra Mundial, volviendo a la seguridad de sus raíces en la televisión. Flynn es un solucionador de problemas convincentemente obsesivo, con la ayuda de una férrea Romola Garai en Praga y una tenaz Helena Bonham-Carter como su madre en Londres, y hay un innegable desgarro de lo familiar que es cuando vemos esas imágenes conmovedoras de manitas despidiéndose de sus padres a quienes nunca volverán a ver. Pero es en las escenas de finales de los 80, que poco a poco empiezan a tomar protagonismo, donde la película encuentra una base más original, explorando con matices las realidades de vivir con el peso de hacer tanto pero pensando en ello como que fue tan poco.

El monumental logro de Winton se mantuvo oculto durante años, enterrado en un maletín de cuero en su casa, mientras poco a poco intenta encontrar una manera de compartir los documentos que detallan lo que hizo (con fines históricos y educativos más que para cualquier cosa que involucre su ego), su vida y su autopercepción comienzan a cambiar. Es en estas últimas escenas, cuando Winton confronta su bondad innata y se da cuenta del peso de lo que ha hecho, que la película realmente se dispara. Los momentos clave tienen lugar en las grabaciones de That's Life de la BBC, un programa que su esposa considera de mal gusto, pero hay algo en su sentimentalismo descarado que comienza a tener un efecto, golpeándonos de repente como lo hace Hopkins, cuya demostración de emoción desenterrada es bastante demoledora, un hombre que nunca se consideró lo suficientemente bueno y finalmente se da cuenta de que es mejor que muchos. Es ese último acto lo que derribará cualquier pared de sentimientos retenidos hasta ese momento, pues es esa sensación de tristeza y redención las que se necesitan lograr para que la película cumpla con su cometido.

Crítica Cinéfila: The House

A lo largo de varias épocas, una familia pobre, un promotor inmobiliario y una casera hastiada están conectados a la misma casa misteriosa.

En algún lugar del reino de Tim Burton y Wes Anderson se esconde la nueva antología cinematográfica de stop-motion, The House. Producida por Nexus Studios, la serie para adultos cuenta tres historias independientes de 30 minutos sobre los humanos y los animales que viven en la aparentemente inocua vivienda del mismo nombre.

Los episodios individuales están dirigidos por cuatro animadores independientes: el dúo belga Emma de Swaef y Marc James Roels, la directora sueca Niki Lindroth von Bahr y la directora/actriz británica Paloma Baeza. La premisa se siente como un mensaje de escritura creativa de la mejor manera, y cada director usa el motivo de la casa como una plataforma de lanzamiento hacia sus propios mundos extraños. Las historias resultantes tienen lugar en diferentes períodos de tiempo con diferentes especies vivientes, pero hay una cohesión entre los temas de los episodios y un humor poco convencional. Comercializada como una comedia negra, The House está menos preocupada por las bromas de carcajadas que por las peculiares ironías mientras reflexiona sobre lo que significa renovarse.

El "Capítulo 1" de Swaef y Roels, que tiene lugar en la década de 1800, sigue a Raymond (Matthew Goode), un hombre empobrecido que sufre de inseguridad sobre la posición de su familia. Cuando un extraño arquitecto se ofrece a construirle una nueva casa gratis, aprovecha la oportunidad. La más sencilla de las tres historias, la trama se basa en una configuración de casa embrujada. De Swaef y Roels bloquean efectivamente el espacio para crear el ambiente. Con la falta de muebles, hay un frío palpable en el vacío de la casa que contrasta con la calidez abarrotada de la cabaña de la familia. Los pasillos oscuros y las escaleras de caracol hacen que su lógica espacial sea difícil de seguir, lo que aumenta la inquietud.

Los propios títeres humanos tienen una extensión de espacio que rodea sus rasgos faciales estrechamente agrupados. Las frentes carnosas y las mejillas sonrosadas oscurecen las emociones, dando a los títeres una vacante predeterminada. Mia Goth impresiona como la hija de Raymond, Mabel, permeando patetismo en la forma de marioneta a pesar de las expresiones limitadas. También hay una novedad en basar la historia en el punto de vista de Mabel, en lugar de centrarse únicamente en Raymond. Sin embargo, la historia es más predecible que sus sucesores, y las estrictas restricciones de ritmo limitan lo que podría haber sido un avance lento más efectivo.

Von Bahr aborda el surrealista "Capítulo 2", que tiene lugar en los tiempos modernos, solo que esta vez, nuestro protagonista es una rata antropomórfica. Con la voz de Jarvis Cocker, el protagonista anónimo es un desarrollador que invirtió todos sus ahorros en remodelar la casa. Acosado por el banco y los errores invasores, el desarrollador apuesta su autoestima por el proyecto, y su desesperación se manifiesta en una energía frenética. Una toma larga memorable se enfoca en el desarrollador desde atrás mientras explica las características de la cocina a los visitantes que han sido enviados por bienes raíces. Nada de lo que dice el desarrollador es particularmente desagradable, pero hay algo físicamente incómodo en ver a los espectadores despegarse uno por uno mientras agita los brazos.

El "Capítulo 2" es el más destacado del trío, gracias a sus elevados absurdos y su naturaleza caótica. Si bien las cosas no se convierten en horror en toda regla, la historia se deleita con una animación grotesca cuando se trata de bichos espeluznantes. Los errores también brindan una buena antítesis a la necesidad de control del desarrollador mientras Von Bahr explora la angustia existencial que subyace a sus omnipresentes auriculares y trajes ajustados.

Finalmente, Baeza considera un escenario aparentemente posapocalíptico poblado de gatos en el "Capítulo 3". Las inundaciones han devastado la tierra que rodea la casa y ha quedado a la deriva, habitada por una gatuna llamada Rosa (Susan Wokoma) y sus inquilinos de espíritu libre, Jen (Helena Bonham Carter) y Elias (Will Sharpe). Rosa creció en la casa y sueña con restaurarla a su antigua gloria, pero primero necesita recaudar fondos encontrando nuevos inquilinos. El “Capítulo 3” adopta un tono más onírico con imágenes como un letrero de vacante de neón parpadeando en una niebla blanca lechosa. Este enfoque es paralelo a cómo Rosa actúa como si estuviera en una realidad diferente donde las inundaciones nunca ocurrieron. Está atrapada en el pasado, albergando delirios profundos de que el papel tapiz brillante de alguna manera atraerá a los inquilinos. Hay algunas ideas interesantes aquí sobre la fijación inútil de Rosa en la propiedad privada en un mundo profundamente transformado que, lamentablemente, el final no sigue. Aún así, la toma final se siente perfectamente alineada con las sensibilidades descentradas de la casa.

A pesar de la naturaleza independiente de las tres historias, The House se desarrolla más como un largometraje que como episodios discretos. Los capítulos siguen una progresión cronológica y una narrativa general de estados de ánimo. El "Capítulo 1" funciona como una pieza atmosférica que te introduce en un mundo donde todo está un poco fuera de lugar. El "Capítulo 2" empuja esa inquietud aún más, hasta que el "Capítulo 3" perfora la tensión acumulada con un repunte esperanzador.

Como motivo central, la casa en sí es un edificio de marfil de tres pisos relativamente anodino, un espacio de escaleras interminables coronado por una pequeña linterna revestida de vidrio. Sin embargo, esto se adapta a las necesidades de la narración; los personajes de cada uno de los capítulos ven la casa como una oportunidad para restaurarse, pero también confían y se aferran demasiado a ella. Despojada de sus contenidos y oscilando a través de los períodos de tiempo, la casa disfruta de un cierto anonimato que la convierte en un recipiente lleno de proyección.

Tal vez intrínseco a los cortos tiempos de ejecución de los episodios, es difícil conectarse emocionalmente con los personajes. Sin embargo, lo que le falta a The House en complejidad emocional, lo compensa con una animación magnífica y un arte artesanal. Unirse al equipo creativo es una verdadera reunión de artistas que trabajaron en el incondicional The Fantastic Mr. Fox, incluidos Tobias Fouracre y Chris Tichborne como directores de animación, Alexandra Walker para el diseño de producción y Felicie Haymoz para el diseño de personajes. Sus detalles en miniatura expertos, como una estatua dorada completa con una pequeña cola de rata y un tablero de visión meticulosamente dispuesto, agregan riqueza al mundo. En un capítulo, casi todos los objetos están hechos de tela, hasta una botella de vino acolchada.

El stop motion es una forma de arte tediosa y meticulosa que no es adecuada para la producción comercial rápida, por lo que hay algo emocionante en que Netflix arroje su peso detrás de un proyecto de nicho como este. No es para todos, pero con un tiempo de ejecución corto y una dirección idiosincrásica, The House cuenta una serie de fábulas transportadoras para los fanáticos del camino menos transitado.

Crítica Cinéfila: Harry Potter 20th Anniversary - Return to Hogwarts

Daniel Radcliffe, Rupert Grint y Emma Watson se unen al cineasta Chris Columbus y a otros queridos miembros del reparto de las ocho películas de Harry Potter en su viaje de regreso a Hogwarts por primera vez para celebrar el aniversario de la primera película de la franquicia, Harry Potter y la piedra filosofal, que se estrenó hace 20 años.

20 años: para los que no son tan fanáticos dirán que ya ha pasado mucho tiempo, pero para los que todavía escuchamos el tema de Hedwig y se nos encoge la piel de nostalgia se siente como que fue ayer. Es tan solo una reiteración nostálgica de la aventura increíble que comenzó con el logo de Warner Bros en un cielo nublado y la curiosidad de un niño huérfano que sobrevivió lo imposible y creció para convertirse en un héroe inigualable. ¿Cómo es posible que ya ha pasado 20 años del nacimiento de una de las sagas más populares del mundo del cine, la cual recaudó 1,405 millones de dólares en taquillas y ocupa el 3er lugar de series cinematográficas con las mayores recaudaciones del mundo? Pero dejando a un lado la parte mercadológica, ¿cómo es cierto que ya ha pasado todo ese tiempo desde la primera vez que escuchamos por primera vez el nombre Harry Potter en la pantalla grande?

La reunión del cast de Harry Potter por Vigésimo aniversario desde el estreno de La Piedra Filosofal, titulado "Harry Potter 20th Anniversary - Return to Hogwarts" es esto mismo: un retorno a estar en contacto con la magia, desde la mirada de aquellos que la hicieron posible para los que seguimos esta franquicia con tanta devoción. 

La reunión inicia con una pequeña secuencia donde los actores y actrices que le dieron vida a los personajes de J.K. Rowling se encuentran en el Britain's Leavesden Studios, ahora convertido en un museo donde los fanáticos visitan los sets originales donde se grabaron las películas de Harry Potter. Y aunque supuestamente no existe la magia, ver a estas estrellas reunirse otra vez después de tantos años sin verlos juntos frente a una cámara, se acerca bastante a ser un momento mágico. En un espíritu navideño, se observan estos rostros conocidos abrazarse con regocijo mientras una secuencia de baile inspirada en el ball de El Caliz de Fuego ocurre a su alrededor.

De ahí, la reunión se convirtió en puro llanto, provocadas por entrevistas individuales a todos los actores, conversaciones entre los directores y las estrellas, encuentros "íntimos" entre nuestros mejores amigos favoritos y más momentos que solo reiteran que tan especial es esta saga.

Obviamente, no puede llamarse una reunión de Harry Potter sin la presencia de Emma Watson (Hermione Granger), Rupert Grint (Ron Weasley) y Daniel Radcliffe (Harry Potter), el trío principal de esta saga, y quienes relatan cómo fue su primera lectura de química, cómo fue su crecimiento entre cada película, interactuar con actores considerados ya de alto calibre, como Alan Rickman (Severus Snape), Maggie Smith (Minerva McGonagall), Ralph Fiennes (Lord Voldemort), Helena Bonham Carter (Bellatrix Lestrange) y Gary Oldman (Sirius Black), y cómo, a pesar de que sabían que eso venía, el cierre estuvo cargado de lágrimas por ser la despedida a 10 años de familia en un set.

Warner Bros y la productora ejecutiva Casey Patterson realizan este documental dividiendo el camino a través de las ocho películas de la saga por capítulos, dónde de una manera inteligente relacionan las producciones a las particularidades emocionales que fueron viviendo los actores y actrices mientras crecían junto a la franquicia. Uno de los detalles más enriquecedores de la reunión fueron las entrevistas a cada director que formó parte de esta aventura, y cómo fueron seleccionados para cada determinada película de acuerdo al estilo tan específico que cada uno ya había llevado al set en proyectos anteriores. Otro aún más enriquecedor fue escuchar los secretos detrás de escena, como el hecho de que Richard Harris (quien interpretó a Dumbledore en las dos primeras películas) creyó que el ave Fénix de su oficina era un ave real entrenada, que en realidad sí se utilizaron velas reales en la secuencia de entrada de los estudiantes de nuevo ingreso en el Gran Comedor (La Piedra Filosofal) o que el beso de Hermione y Ron fue una de las escenas más complicadas de grabar.

Todos los involucrados en Harry Potter se interesaron en ser parte de la misma manera: ese primer acercamiento con los libros; y aunque J.K. Rowling (por razones obvias) solo tuvo participación con imágenes de archivo de una entrevista realizada para el tour de Warner Bros Inglaterra, es importante recalcar que ella es la responsable de que todos hayan podido experimentar un poco de magia en las cuatro paredes de nuestro hogar, gracias al universo tan complejo y completo que creó a través de sus libros de Harry Potter. Y así como ella, algunos otros queridos actores no estuvieron presentes, mientras que a otros que fallecieron hace poco se les hizo un homenaje, entre ellos destacándose Alan Rickman, quien falleció de cancer de pancreas en el 2016. "Se sintió como haber perdido a un familiar", dijo Emma Watson en un momento, y es que la saga de Harry Potter se siente tal cual: cómo esa familia de seres especiales donde todos aquellos que socialmente hablando parecen no tener un lugar, aquí son recibidos.

Volver a revisar los detalles cinematográficos de esta franquicia y acercarse otra vez al final de las Reliquias de la Muerte parte 2 se sintió cómo abrir nuevamente aquella herida que cerramos hace años. Fue cerrar una vez más una etapa que marcó la vida de tantas personas de una generación, y sin duda, una despedida en llanto para aquellos que iniciaron sus carreras profesionales bajo nombres que se han convertido en parte de su esencia como personas. 

Todos los amantes del cine tienen una película que es la que los marca de por vida y le da introducción a esa gran pasión que llamamos cinefilia. En mi caso, mi obsesión por el cine, tanto por verlo como por ser parte de este, inició con Harry Potter y la Piedra Filosofal. Tenía apenas 7 años cuando ya había reconocido a lo que me quería dedicar toda mi vida. Y a partir de ese momento, Harry Potter fue una compañía inigualable, desde los libros y las películas hasta las mercancías coleccionables, y en la cual todavía puedo confiar que al proyectar una de sus películas, sus personajes y su universo me podrán seguir dando ese toque de magia, como lo logró en aquel entonces cuando tuve mi primera cita en el cine con mi mago favorito. El documental solo fue un dulce recordatorio, repleto de lágrimas, confirmaciones de datos curiosos y reencuentros nostálgicos que reiteran mi devoción a la saga.

Crítica Cinéfila: The Crown, 4ta temporada

Se acerca el final de la década de 1970 y la Reina Elizabeth II y su familia se encuentran preocupados por salvaguardar la línea de sucesión, encontrando una pareja apropiada para el Príncipe Carlos, que sigue soltero a los 30 años.

The Crown de Netflix continúa su reinado triunfal en la temporada 4 con otro lote de 10 episodios creados por el genio Peter Morgan que exploran las complejas relaciones de la familia real entre sí. Los nuevos miembros del elenco Emma Corrin como la princesa Diana y Gillian Anderson como Margaret Thatcher ayudan a reforzar lo que ya es un conjunto de primera categoría con actuaciones propias igualmente cautivadoras. Pero la temporada 4 también es agridulce, sabiendo que esta es la última vez que veremos a este elenco en particular encarnar a sus respectivos personajes. Afortunadamente, las últimas dos temporadas han demostrado que Morgan y su equipo saben cómo manejar una refundición para representar adecuadamente el paso del tiempo para los residentes del Palacio de Buckingham.

Lo primero y más importante (como siempre) es la interpretación dinámica de la reina Isabel II, con la ganadora del Oscar, Olivia Colman, como la inmortal. Hablaremos de todas las cosas jugosas de Charles (Josh O'Connor) y Diana en un momento, pero Morgan continúa anclando cada temporada en torno a la Reina y los eventos notables que afectan al Reino Unido y su imperio global. En la temporada 4, que tiene lugar desde finales de la década de 1970 hasta finales de la de 1980, se enfoca en la complicada relación de la reina con la recién elegida Primera Ministra Thatcher. 

Si bien las dos mujeres formidables no lanzan golpes reales, tienen algunos enfrentamientos memorables en el palacio con sus discursos. Anderson encapsula efectivamente los atributos más conocidos de Thatcher, como su espalda arqueada y su forma de hablar distinta y deliberada. Thatcher parece frágil, pero cuando habla hay una presencia poderosa detrás de cada palabra paciente. En una de sus reuniones programadas regularmente con la Reina, la Primera Ministra llama la atención sobre el hecho de que ella y Elizabeth tienen solo seis meses de diferencia. Cuando la Reina pregunta quién es el mayor, Thatcher (con una leve sonrisa) dice: "yo lo soy". Es un momento sutil de dejar en el aire la idea de que la diferencia de edad intrascendente se usa para socavar la autoridad de su oponente, y la expresión facial perturbada de Colman muestra cuán irritada está por la revelación. 

A medida que la década de 1970 llega a su fin, la reina Isabel (Olivia Colman) y su familia se preocupan por salvaguardar la línea de sucesión asegurando una novia adecuada para el príncipe Carlos (Josh O'Connor), que todavía no está casado a los 30 años. A medida que la nación comienza a sentir el impacto de las políticas divisivas introducidas por la primera primera ministra británica, Margaret Thatcher (Gillian Anderson), surgen tensiones entre ella y la reina que solo empeoran a medida que Thatcher lidera el país, como en la Guerra de las Malvinas, generando conflictos dentro del Commonwealth.  Mientras que el romance de Charles con una joven Lady Diana Spencer (Emma Corrin) proporciona un cuento de hadas muy necesario para unir al pueblo británico, mientras que a puerta cerrada la familia real se divide cada vez más.

Cuando Thatcher y Elizabeth no están peleando en la arena política, The Crown hace un trabajo admirable al comparar y contrastar sus vidas personales. En "Favourites", Morgan examina hábilmente cómo las dos madres tienen un hijo favorito, ya sea que lo sepan o no. No estropearemos los resultados aquí, pero el episodio es especialmente divertido para Elizabeth, quien hace todo lo posible para determinar qué hijo prefiere sobre el otro al pasar un tiempo de calidad con cada uno de ellos. Para un personaje que nunca ha mostrado mucho afecto por ninguno de sus hijos a lo largo de la serie, es incómodamente divertido verla intentar conectarse emocionalmente con sus hijos.

En términos de la historia de Charles y Diana, la temporada 4 cubre más de 10 años en solo 10 episodios; la totalidad de su compromiso se cubre en un episodio. Y aunque eso puede parecer mucha historia que digerir en poco tiempo, Morgan dedica suficiente tiempo de pantalla a la pareja para que podamos conocerlos adecuadamente, y al mismo tiempo que se extiende al resto del conjunto para evitar que la temporada 4 se convierta en "Charles y Diana".

Uno de mis episodios favoritos de Charles y Diana es el tercero, llamado "Fairytale", donde el guión de Morgan posee alguno de los arquetipos románticos de cuentos de hadas, como una joven encantadora que se enamora del apuesto príncipe y elige qué piedra ridículamente enorme llevar en el dedo. Pero también juega con las expectativas, mostrando que hay un lado más oscuro en su compromiso, incluyendo el hacerse la vista gorda ante el afecto continuo de Charles por su amante de toda la vida, Camilla Parker-Bowles (Emerald Fennell), y los sentimientos de aislamiento de Diana mientras se adapta a las intrincadas y a veces extrañas costumbres de la vida real. Ella es un pez fuera del agua y eso le pasa factura. Sin embargo, incluso cuando la pareja está en desacuerdo, la química en pantalla de O'Connor y Corrin es excelente. Corrin clava la exuberancia juvenil, adorable y juguetona de Diana, rasgos que a menudo chocan con la conducta menos afectuosa de Charles. O'Connor, por su parte, parece sentirse como en casa en la piel de Charles después de haber interpretado al personaje durante una temporada completa antes de entrar por completo en el centro de atención de la historia.

Asumí que Charles y Camilla serían pintados como los villanos en este conocido cuento, pero el recuento de The Crown no es blanco y negro, y crea simpatía alrededor de su historia. En una versión inesperada pero también bienvenida de su fatídico romance, Morgan destaca tanto los aspectos buenos como los malos de Diana y Charles como individuos. Cuando aparecieron los créditos en el final de la temporada 4, entendí de dónde venían ambos lados y los vi como humanos defectuosos en lugar de antagonistas.

No hay nada negativo que criticar sobre la cuarta temporada de The Crown, aunque hubiera sido bueno que la princesa Margaret de Helena Bonham Carter tuviera un papel más significativo. Carter fue muy bueno en la temporada 3, especialmente en "Margaretology" y "Cri de Coeur". En la cuarta temporada, Margaret sigue siendo tan atrevida como siempre, y Carter parece haber nacido para interpretar su actitud despreocupada y su ingenioso encanto. En esta ocasión, sin embargo, Margaret recibe un solo episodio, "The Hereditary Principle", en el que brilla mientras asume el papel de detective y descubre un oscuro secreto en el pasado de su familia. Si bien es lo suficientemente entretenido, si tuviera que elegir un episodio como el menos significativo de la temporada, este sería el indicado. Eso no es un desprecio hacia el desempeño de Carter, pero cuando tienes personajes dinámicos como Thatcher, Diana y la misma reina, el episodio se siente más como un desahogo el drama político y social, y más una oportunidad ligera de rescatar a Margaret de la crisis emocional que vivía en ese episodio de su vida.

Pero incluso cuando The Crown no está en su mejor momento desde la perspectiva de la historia, la serie sigue siendo uno de los programas más atractivos que existen, desde un punto de vista técnico. Morgan utiliza un equipo de directores y directores de fotografía para trabajar en varios episodios, pero hay muy poca diferenciación entre cada capítulo en lo que respecta a la alta fidelidad del rodaje, los diseños de escenarios y el vestuario. El equipo que dio vida a la Thatcher de Anderson y la Diana de Corrin definitivamente deberían ser nominados por hacerlas lucir tan convincentes sin exagerar. Los decorados en el lugar, desde las pintorescas Tierras Altas de Escocia hasta las bulliciosas calles de Londres, parecen genuinos, lo que da una sensación de autenticidad a todo en el marco.

The Crown de Netflix continúa demostrando por qué es uno de los mejores programas de televisión más destacados aún en la temporada 4, con increíbles actuaciones de su conjunto de personajes y excelente escritura del showrunner Peter Morgan y su equipo. Estos 10 episodios mantienen con éxito un enfoque equilibrado tanto en la complicada relación de la reina Isabel con Margaret Thatcher como en la exploración de lo que hace que la relación entre Carlos y Diana siempre ande en desbalance. La temporada 4 es otro logro culminante de la serie, aunque es agridulce decir adiós a un grupo tan talentoso, ya que Netflix reformulará sus roles con actores mayores durante las últimas dos temporadas.

Crítica Cinéfila: Enola Holmes

Cuando Enola, la hermana adolescente de Sherlock Holmes, descubre que su madre ha desaparecido, no duda en emprender su búsqueda. Tendrá que emplear todas sus dotes detectivescas para que su famoso hermano no dé con ella. Y para desentrañar la conspiración en torno a un misterioso y joven lord.

Hace más de un siglo desde que los autores comenzaron a escribir sus propias historias protagonizadas por el personaje característico de Arthur Conan Doyle, Sherlock Holmes; este ha sido revivido de entre los muertos en el futuro, luchó contra los horrores de Lovecraft y fue transportado a la Holocubierta de Star Trek: la próxima generación. De vez en cuando, estos fan-fictions profesionales tienen un objetivo subversivo, y el que se ofrece de libros de Enola Holmes se encuentra entre los más atractivos para el público actual: ¿y si Sherlock, quien desconfiaba de las mujeres, realmente heredara sus asombrosas cualidades de una madre protofeminista? ¿Y si tuviera una hermana descartada desde hace mucho tiempo que mostrara dotes de deducción similares?

Adaptando el primero de los libros de Springer como la historia de origen de lo que seguramente será una serie de películas de Netflix, Enola Holmes de Harry Bradbeer es un excelente escaparate para la  estrella de Stranger Things, Millie Bobby Brown, quien logra soltar las capas de ansiedad y trauma que hacen Eleven un personaje tan convincente. Si bien nadie acusará nunca a la imagen de sobreestimar la inteligencia de sus espectadores, imagina con éxito un lugar para su heroína en el mundo de Holmes. Luego convence a los espectadores jóvenes de que Enola no necesita estar limitada por las fronteras de ese mundo.

Bradbeer dirigió ambas temporadas (menos el primer episodio) de Fleabag de Phoebe Waller-Bridge , y parece haberse enamorado de la dirección que rompe la cuarta pared: Enola comienza la película hablando con nosotros y se aparta de la cámara con frecuencia a través de la película. No es un dispositivo tan valioso aquí como lo fue en Fleabag, en gran parte porque Enola no necesita explicarse tanto como el brillante personaje  que creó Waller-Bridge. Sus motivaciones y emociones son perfectamente legibles desde el principio, y esas pequeñas tomas de reacción directas a la cámara, generalmente hechas para un efecto cómico leve, llegan a sentirse empalagosas. Para ser justos, el dispositivo probablemente parecerá mucho más natural para los espectadores adolescentes, pero no habría costado mucho hacer que esta película fuera igualmente agradable para los mayores.

Enola nació cuando Sherlock y Mycroft Holmes (Henry Cavill y Sam Claflin) eran casi adultos. Su padre murió y los hermanos se mudaron casi al mismo tiempo, dejando a Enola para que se criara como su madre lo considerara conveniente. Eudoria Holmes (Helena Bonham Carter) fue una educadora en casa extraordinaria que produjo una niña culta que es una maestra en esgrima, ajedrez y química. Pero ella no le dio ningún conocimiento de primera mano del mundo más allá de su finca campestre cada vez más cubierta de vegetación. Luego, en la mañana del decimosexto cumpleaños de Enola, Eudoria desapareció, dejando solo un hermoso pero críptico regalo de cumpleaños.

Obligados a regresar a casa después de muchos años de ausencia, los hermanos parecen bastante molestos. Sherlock inicia una investigación sin prisas, y parece saber en algún nivel que su madre tiene agendas que tal vez no quiera descubrir, mientras que Mycroft tiene una misión más urgente: llevar a Enola a una escuela cuya directora (muy bien interpretada por Fiona Shaw) convierte a las niñas en "esposas aceptables y madres responsables".

Pero Enola no necesita marido, ni siquiera amigos. Entonces, habiendo encontrado algunas pistas de juegos de palabras entre las cosas de su madre, se escapa de sus mayores y se dirige hacia Londres disfrazada de niño. No es el centro del intelecto y el comportamiento civilizado que espera; pero en algún lugar allí, descubrirá el proyecto secreto que Eudoria ha estado planeando durante años.

En el camino, conoce a otro adolescente fugitivo (Louis Partridge), el ridículamente llamado Vizconde de Tewkesbury, Marqués de Basilweather. Tewkesbury, encerrado durante mucho tiempo y de rasgos delicados, podía pasar por una niña tan fácilmente como Enola por un niño. La película promueve la inversión tradicional de roles de género al convertirlo en un experto en flores y al hacer que Enola monte un rescate físicamente atrevido cuando un misterioso villano con sombrero hongo (Burn Gorman) ataca a Tewkesbury.

Este es un primer amor en ciernes, sin duda. Pero primero, los dos deben separarse para que Enola pueda meterse en problemas por su cuenta. Brown muestra una habilidad especial para mezclar determinación con toques de humor (Enola es propensa a pensar demasiado y a meterse en la cabeza), aunque la película no pretende convertirse en una comedia de acción. 

A lo largo de la película se habla del sufragio femenino y la reforma social, enfrentando a los privilegiados por las viejas jerarquías con los héroes y espectadores de la película. Entre los intercambios a veces demasiado obvios del guión en este sentido, uno va directo: una mujer (Susan Wokoma) cuya casa de té es la fachada de una academia de artes marciales femenina le dice a Sherlock que su indiferencia por los asuntos políticos no es prueba de su capacidad intelectual, sino muestra que no tiene necesidad de cambiar el mundo.

Sherlock comparte muchas características con su hermana menor y su madre, pero esa no es una de ellas. Y más que cualquier recopilación de pistas oscuras y deducciones elementales, esa diferencia es motivo suficiente para que Enola Holmes abra la mitología de Baker Street e invite a una audiencia de recién llegados a salirse con la suya.

Aunque no estuvieron lo suficiente en pantalla, Henry Cavill está exquisito como Sherlock Holmes, y Helena Bonham Carter siempre se roba las escenas más interesantes. Aunque sus papeles eran claramente secundarios, la historia hubiese sido mucho más interesante involucrándolos más en el desenlace de la misma.

Por lo poco, es un buen entretenimiento de fin de semana, aunque por momentos perfecta para un público específico. Enola es carismática y particular, un papel que le hace contraste a lo que hemos visto de Millie Bobby Brown. Pero a diferencia de que hemmos tenido muchos Sherlocks en pantalla, quizás este papel sea difícil de pasar a otro talento.

Actores inseparables

En el cine, la química es importante, y no hablo de química entre personaje y actor, sino entre actor y actor. Algunos directores, o por lo menos los más observadores, ya saben que "si va uno, el otro también".

¿Alguna vez se han encontrado a dos actores actuando en [literal] todas las películas juntos? Aquí el top 5 de los forever inseparables.

Para esta lista, se ha tomado en cuenta la química de los actores en escena, la popularidad de las películas y la cantidad de filmes realizados juntos.

#5: Jennifer Lawrence y Bradley Cooper

A pesar de que el mismo Bradley Cooper insiste en sentir un cariño de hermano por Jennifer Lawrence, la química y la diversidad de roles que han tenido (aún en su escasa lista filmográfica juntos) los posicionan como la pareja preferida del director David O. Russell. Ya veremos si otros directores se motivan con este dúo.

Películas juntos: El lado bueno de las cosas, La Gran Estafa Americana, Serena y Joy.

#4: Al Pacino y Robert De Niro

Considerados por muchos fanáticos del cine como los mejores actores de su generación, ambos saben cómo llamar la atención. Su apariencia y caracterización los hace perfectos para algunos roles. Pero no se dejen engañar, se adaptan a cualquier género.

Películas juntos: El Padrino (parte II), Fuego Contra Fuego, Asesino Justo y El Irlandés. 

#3: Ben Stiller y Owen Wilson

Esta pareja de actores ha sido el foco de muchos espectadores; no solo por el hecho de que siempre (o la mayoría de las veces) son frenemies, sino también por la cómica química que tienen en escena. Desde el año 2000 los hemos visto juntos, y por lo visto seguirán actuando unidos "hasta que la muerte en Hollywood los separe".

Películas juntos: El Doctor Cable, Los Tenenbaums, Los padres de mi novia, Zoolander, Starsky & Hutch, La familia de mi esposo, Noche en el Museo, Noche en el Museo 2 y Zoolander 2.

#2: Johnny Depp y Helena Bonham Carter

Escena de Sweeney Todd, el barbero diabólico (2007)

Otra pareja de actores que parece ser inseparable. Algo interesante de estos dos es que todas sus películas fueron y son dirigidas por Tim Burton (Ahhh!! Si... por eso es que es el mismo estilo cinematográfico). No obstante, Shantaram será la última película de Depp y Bonham juntos, debido a la separación amorosa de la actriz y Burton. Ojalá que otros directores restablezcan la relación actoral de este dúo.

Películas juntos: El Cadáver de la Novia, Charlie y la Fabrica de Chocolate, Sweeney Todd, Alicia en el País de las Maravillas, Sombras tenebrosas, El llanero solitario, Alicia en el País de las Maravillas 2 y Shantaram.

#1: Adam Sandler y Rob Schneider

Estos dos se ganan el premio a la pareja inseparable de actores. Con un total de 11 películas, desde el 1998 Adam y Rob se convirtieron en marido y mujer del cine de comedia americano. Aunque mi preferida de Sandler es Click, cada filme que protagonizan han dejado una marca en su audiencia, debido a los roles que les son asignados y la regularidad con la que aparecen en estrenos uno al lado del otro.

¡¡Y los declaramos Adam y Rob!!

Películas juntos: El Aguador, Un papá genial, Estoy hecho un animal, Ocho noches locas, Como si fuera la primera vez, El clan de los rompehuesos, Yo los declaro marido y... Larry, Zohan: Licencia para peinar, Más allá de los sueños, Niños grandes y Niños grandes 2.