Crítica Cinéfila: One Life

Un joven corredor de bolsa británico, Nicholas "Nicky" Winton (Anthony Hopkins), ayudó a rescatar a cientos de niños de los nazis en vísperas de la Segunda Guerra Mundial, con la ayuda de su madre (Helena Bonham Carter). Un acto de compasión casi olvidado durante 50 años, y del que Nicky vive atormentado por los fantasmas de los niños a los que no pudo rescatar, culpándose por no haber hecho más.

Parece extraño que un actor del prestigio y aclamación de Sir Anthony Hopkins necesite un regreso tan avanzado en su carrera; pero durante algunos años, el ganador del Oscar estuvo atrapado en un ciclo de secuelas ingratas y thrillers de una sola palabra donde el brillo actoral que alguna vez lo convirtió en un rostro muy solicitado fue ahogándose. En un año, fue nominado al Oscar por Los dos papas y ganó por El padre (su primera nominación en la Academia desde 1998) y, si bien esto no frenó por completo su predilección por las películas de serie B, lo llevó de regreso a la sustancia, con un giro sutil pero devorador de escenas en Armageddon Time de James Gray y ahora, otra actuación espectacular en el drama de la segunda guerra mundial "One Life".

La película, a veces, puede parecer más un drama televisivo de la BBC con algunos toques cinematográficos, pero avanza hacia un último acto con una emoción imponente, y pocos ojos secos. Es la historia de valentía radical de Nicholas Winton, un corredor de bolsa atrapado por la necesidad de hacer algo mientras Europa se acercaba al inicio de la Segunda Guerra Mundial. Se dirigió a Praga en 1938, a pesar de las advertencias de su bien intencionada madre, y de inmediato se horrorizó por la situación en la que se encontraban tantos jóvenes refugiados, la mayoría de los cuales tenían pocas probabilidades de sobrevivir al invierno. Su plan para salvarlos fue descartado como ingenuo por aquellos más endurecidos por lo que habían visto y lo que habían descubierto que no era posible, pero regresó a Londres decidido a ayudar y, con la ayuda de su igualmente obstinada madre, comenzó a reunir visas y encontrar hogares.

La historia desarrolla su trabajo a través de flashbacks mientras el Winton mayor clasifica archivos y papeles que ha estado acumulando durante mucho tiempo, para disgusto de su esposa. Interpretado por Johnny Flynn cuando era joven, es un hombre impulsado por una necesidad imparable de ayudar y, en su versión mayor, interpretado por Hopkins, es un hombre atormentado con el sentimiento de que no ayudó lo suficiente. Avergonzado por la idea de recibir atención por lo que había hecho, aprendió a enterrarla en su oficina, dentro del mismo maletín que usó en aquel entonces, diciéndose a sí mismo que cualquiera habría actuado de la misma manera y que pensar demasiado en ello le haría centrarse en los que quedaron atrás.

Es un ir y venir a través del tiempo, pero en las escenas de finales de los años 30, el director James Hawes a menudo lucha por distinguir visualmente su película de tantos dramas anteriores de la Segunda Guerra Mundial, volviendo a la seguridad de sus raíces en la televisión. Flynn es un solucionador de problemas convincentemente obsesivo, con la ayuda de una férrea Romola Garai en Praga y una tenaz Helena Bonham-Carter como su madre en Londres, y hay un innegable desgarro de lo familiar que es cuando vemos esas imágenes conmovedoras de manitas despidiéndose de sus padres a quienes nunca volverán a ver. Pero es en las escenas de finales de los 80, que poco a poco empiezan a tomar protagonismo, donde la película encuentra una base más original, explorando con matices las realidades de vivir con el peso de hacer tanto pero pensando en ello como que fue tan poco.

El monumental logro de Winton se mantuvo oculto durante años, enterrado en un maletín de cuero en su casa, mientras poco a poco intenta encontrar una manera de compartir los documentos que detallan lo que hizo (con fines históricos y educativos más que para cualquier cosa que involucre su ego), su vida y su autopercepción comienzan a cambiar. Es en estas últimas escenas, cuando Winton confronta su bondad innata y se da cuenta del peso de lo que ha hecho, que la película realmente se dispara. Los momentos clave tienen lugar en las grabaciones de That's Life de la BBC, un programa que su esposa considera de mal gusto, pero hay algo en su sentimentalismo descarado que comienza a tener un efecto, golpeándonos de repente como lo hace Hopkins, cuya demostración de emoción desenterrada es bastante demoledora, un hombre que nunca se consideró lo suficientemente bueno y finalmente se da cuenta de que es mejor que muchos. Es ese último acto lo que derribará cualquier pared de sentimientos retenidos hasta ese momento, pues es esa sensación de tristeza y redención las que se necesitan lograr para que la película cumpla con su cometido.

Crítica Cinéfila: The Outfit

Chicago. 1956. Leonard (Rylance), es un sastre inglés que confeccionaba trajes en la mundialmente famosa Savile Row de Londres. Después de una tragedia personal termina en Chicago, trabajando en una pequeña sastrería en una zona difícil de la ciudad donde hace ropa elegante para las únicas personas a su alrededor que pueden pagarla: una familia de gángsters. Esta familia de mafiosos intentará aprovecharse de la naturaleza gentil y complaciente de Leonard, que junto a su asistenta Mable (Zoey Deutch) se verá implicado con la mafia de una manera cada vez más grave.

Es difícil imaginar a alguien más adecuado que Mark Rylance para el papel principal de "The Outfit" de Graham Moore: la historia de un sastre de Savile Row (técnicamente un "cortador", pero volveremos a eso) que presta su establecimiento a un mafioso irlandés en 1956 Chicago. El personaje de Rylance, Leonard Burling, conoce las reglas: mantienes la cabeza baja y la boca cerrada y, a cambio, el clan Boyle te trata casi como a una familia. Y si no lo hace, bueno, todos hemos visto suficientes películas de gángsters como para conocer las consecuencias.

Leonard casi nunca sale de su taller, y nosotros tampoco, en “The Outfit”, una película negra contenida, casi como una obra de teatro. Hoy, por supuesto, este es otro ejemplo más de la tendencia de la era COVID de atraer a un puñado de personajes a un solo lugar donde tiene lugar algún tipo de crimen. Pero Moore, quien ganó un Oscar por su guión de "The Imitation Game", es mejor escritor que muchos otros que quisieron lanzarse a principios de la pandemia, por lo que ensamblar "The Outfit" como un juego de adivinanzas estratégicas, al estilo de "Deathtrap" o " Sleuth”, cuando el espacio de trabajo de Leonard se convierte en una especie de sala de calderas después de un tiroteo nocturno parece haber sido un movimiento limpio y fácil. Hay una rata entre los hombres de Boyle, y la identidad de esa persona se descubrirá en la tienda de Leonard.

Moore ha creado un pequeño thriller inteligente y un lienzo decente las cuales perfeccionan sus habilidades como director. Lo más original de “The Outfit” es la decisión de Moore de centrarse en un ex “cortador” de Savile Row. Esa palabra es más expansiva que “sastre”, aprenderemos, describiendo a alguien que crea guardarropas completos, en lugar de especializarse en una sola prenda. "Cutter" también suena más peligroso, y aunque Leonard parece increíblemente afable al principio, una mirada a su confiable par de tijeras hará que la mayoría de las personas traten de adivinar a quién y cómo se utilizarán en la película.

Lo más probable es que Leonard tenga otros clientes además de Roy Boyle (Simon Russell Beale) y su pandilla, aunque no vemos muchos, aparte de un primer montaje de medición en el que aprendemos cómo un traje a la medida se adapta a diferentes tipos de personalidad. La diseñadora de "Kingsman: The Golden Circle" Sophie O'Neill y el diseñador de moda Zac Posen proporcionan las piezas, que no son tan llamativos como lo fueron los conjuntos de "Untouchables" vestidos de Armani de Brian De Palma, pero reflejan el cuidado de la artesanía, incluso en fragmentos, ya que Moore muestra a Rylance ensamblarlos desde cero.

La tienda de Leonard también sirve como punto de entrega para los tratos de Boyle. Hombres con pistolas anchos, mandíbulas cuadradas y abrigos grandes desfilan, dejando gruesos sobres en una caja en la pared, y rara vez se quedan el tiempo suficiente para quitarse los sombreros. Leonard actúa como si todo fuera perfectamente normal, un guardián silencioso de secretos que parece interesado única y exclusivamente en su oficio. La narración de Leonard puede ser deliberadamente engañosa a veces, ocultando astutamente aspectos de su personalidad incluso cuando revela otros. 

No mucho después de que Richie (Dylan O'Brien), el hijo de Roy, y Francis (Johnny Flynn), el jefe de armas, entraran a trompicones en la tienda, el primero con un tiro en el estómago, el segundo agitando su pieza como si tuviera la intención de usarla, Leonard toma una decisión calculada pero riesgosa. Primero cose a Richie, y luego le dice al vástago de Boyle, que no es demasiado brillante, “Yo soy la rata. He estado vendiendo información a tus enemigos, y dejé que los federales plantaran su micro". Leonard parece un hombre honorable, pero tiene esa cualidad británica seca que puede ser difícil de leer. Moore aprovecha la ambigüedad por todo lo que vale, ya que el rango de Rylance es tal que en realidad no podría ser más que un tipo de mayordomo con presión arterial baja y, sin embargo, también podemos imaginarlo rociando la habitación con gasolina.

Moore ha dicho que la idea de "The Outfit" surgió al leer un informe de que la primera evidencia grabada recopilada por los federales en un gran caso de crimen organizado fue tomada de micrófonos ocultos colocados en una sastrería de Chicago. Esta no es una recreación de ese episodio, aunque el detalle disparó la imaginación de Moore (él coescribió este guión con Johnathan McClain) y envió a la pareja por un sinuoso camino de manipulación y juegos mentales. También les proporcionó el doble sentido del título de la película: aquí, un fabricante de trajes se encuentra atrapado en medio de una lucha de poder masiva, mientras los antiguos aliados de Boyle comienzan a sospechar unos de otros y estalla una guerra de pandillas fuera de la pantalla ordenado por una oscura organización del inframundo conocida como "el equipo".

A pesar de ser una historia mayormente masculina, el conjunto incluye a dos mujeres: la asistente de Leonard, Mable (Zoey Deutch), y una jefa criminal rival (Nikki Amuka-Bird) del clan LaFontaine, que llega antes de que acabe la noche. Luciendo en forma con su sombrero fedora, Flynn se adapta bien al escenario de época, al igual que Beale, lo que no debería sorprender a nadie, dadas sus habilidades en la Royal Shakespeare Company. Pero esta es claramente la película de Rylance para dar forma, lo que hace aparentemente disminuyéndose en la presencia de los demás. Es un viejo truco de actuación de Lee Strasberg: dejar que los otros personajes hagan truenos, luego robarles la película a través de las reacciones de uno. Rylance puede llegar a lo grande, como lo hace en "Don't Look Up" y "The Trial of the Chicago 7", pero un papel como este le queda mejor.

Crítica Cinéfila: The Dig

Crónica de la relación entre la terrateniente Edith Pretty y Basil Brown, el arqueólogo que impulsó la excavación de Sutton Hoo en 1938, cuando el mundo se preparaba para la guerra. 

La idea melancólica que se expresa de manera poética en la adaptación de The Dig del director Simon Stone sufre de un conflicto congestionado. Los temas de este drama de época son tesoros enterrados y anhelos reprimidos, cosas efímeras que se desmoronan cuando se exponen al aire libre.

La película está basada en la novela de 2007 de John Preston, que dramatizó la excavación en 1939 de un entierro de un barco anglosajón del siglo VI cerca del enclave rural inglés de Woodbridge. Como cabría esperar de esa rápida sucesión de fechas, el tiempo y la naturaleza fugaz de la existencia humana son temas importantes. Y, francamente, con una metáfora evocadora allí mismo en el centro de la historia, una estructura que alguna vez fue imponente comprimida por siglos bajo tierra, sería un tonto no correr con él. De hecho, cada personaje de la película, que conserva un alcance novelístico, lleva su propio memento personal en su cetrino cofre británico. Pero si el tiempo vuela y la vida es corta, ¿por qué gastar tanto tiempo simplemente dando vueltas?

Inertia define The Dig, que tiene un estilo visual seguro y un enfoque frustrantemente vacilante de la narración. Al principio, parece que nos espera una historia de amor. La imagen de la fragilidad femenina, la Sra. Pretty (Carey Mulligan) sufre de una dolencia cardíaca que hace de su estilo de vida relajado una necesidad médica, así como un lujo aristocrático. La terrateniente viuda pasa sus tardes vistiéndose para la cena con la esperanza de que Basil Brown (Ralph Fiennes), el arqueólogo rudo y de clase trabajadora que ha contratado para excavar un misterioso montículo en su propiedad, se una a ella. Él nunca lo hace, aunque la esposa de Basil, May (Monica Dolan), advierte conscientemente el cariño de Basil por la dueña inválida de la mansión y su hijo precoz, Robert (Archie Barnes).

El trasfondo sutil, casi imperceptible del erotismo en la dinámica de Pretty and Brown finalmente se desvanece, lo cual es igualmente bueno dado que la química de Mulligan y Fiennes realmente solo funciona en los escasos momentos de crisis de la película. Aún así, Mulligan se sienta al margen, su paleta emocional diluida en expresiones dibujadas en elegantes abrigos de lana. Cualquier asertividad que su personaje pueda reunir, nace de su estatus de clase alta, y el espectador debe decidir por sí mismo si afirmar el privilegio de una mujer como terrateniente puede también contar como empoderamiento femenino. Pero el derecho de Pretty se vuelve invaluable cuando The Dig cambia a una versión gentil de una película de fraternidad de los años 80, mientras una banda condescendiente de doctores en Filosofía del Museo Británico amenaza con separar a Brown de su amada afición.

Por desgracia, por mucho que el Museo Británico merezca ser derribado, ese conflicto tampoco va a ninguna parte. Pero introduce un puñado de nuevos personajes que se convertirán en parte integral de la trama. La principal de ellas es Lily James como Peggy Piggott, la esposa abandonada del arqueólogo Stuart Piggott (Ben Chaplin). Al igual que la Sra. Pretty, Peggy está consumida por un dolor emocional que no puede articular del todo. A medida que se desarrolla la excavación, los nuevos descubrimientos en el sitio dan a todos una oportunidad intelectual en el brazo y, de hecho, estas son algunas de las escenas más estimulantes de la película. En el medio, todo el mundo espera: que cese la lluvia, que se emita un veredicto sobre quién es el propietario de estos tesoros recién desenterrados, que el distante trueno de la guerra estalle sobre sus cabezas, lo que finalmente sucederá, con pocas consecuencias duraderas.

A medida que estos modestos marcadores narrativos avanzan lentamente, Stone y el director de fotografía Mike Eley pasan el tiempo con elegantes composiciones y técnicas de filmación estilizadas que crean contraste con la configuración del período. El esquema de color envejecido y polvoriento transmite elocuentemente lo primero, dándole a The Dig esa calidad de fotografía anticuada. Mientras tanto, el dispositivo de mano de gran ángulo en las primeras escenas parece prometer un revisionismo visual agresivo al estilo de The Favourite o Jackie. Pero este también es un tren que nunca llega. Y así, para cuando las historias se entrelazan en una declaración sobre la humanidad como hojas flotando en la corriente de la historia, el efecto es menos arrebatador y más un satisfacción de que llegamos al final. A pesar de todas las ideas románticas y arrolladoras de la película, la experiencia real de ver The Dig es muy incompleta en todos sus aspectos, hasta en la idea de comprender el verdadero significado de la historia.

Crítica Cinéfila: Emma.

Guapa, inteligente y rica, la joven Emma Woodhouse es una reina sin rival en su pequeño pueblo.

Jane Austen ha sido revivida en la gran pantalla desde hace varios años. Desde ver detalles de su propia vida contorsionados en un marco de comedia romántica en "Becoming Jane",  como ver su obra maestra más duradera invadida por los muertos vivientes en "Pride and Prejudice and Zombies", u observar la industria de comercialización y turismo artesanal que ha surgido en "Austenland", uno anhela imaginarse la frase seca que podría haber usado para describir la fragmentación y mercantilización de su propio legado. Pero salvo eso, hay algo bastante reconfortante al ver que su trabajo regresa a un hábitat más natural: sus libros ser adaptados a películas hermosas, inteligentes y poco ambiciosas como "Emma" de Autumn de Wilde.

En manos de la fotógrafa convertida en cineasta Autumn de Wilde, la guionista Eleanor Catton y un elenco estelar dirigido por la estrella en ascenso Anya Taylor-Joy, "Emma." es, una vez más, una mezcla profundamente satisfactoria de modales con propósitos cruzados y mala gestión romántica.

La última novela que Austen publicó antes de su muerte ha sido adaptada en numerosas ocasiones antes, tal vez más memorablemente cuando fue interpretada por la primera protagonista Gwyneth Paltrow en 1996, más recientemente por Romola Garai en la miniserie de la BBC de 2009, y esta siendo la más nueva.

Curiosamente, considerando la frecuencia con la que los cineastas han regresado a esta trama en particular, "Emma." siempre ha sido una novela lo suficientemente fácil de abordar, pero una bestia más difícil de capturar por completo. Es una de las obras más divertidas de Austen, y muchos de sus placeres provienen de los sutiles juegos de manos tonales que juega con el lector en todo momento. Emma Woodhouse es una presumida, a menudo cómicamente engañada, a veces casualmente cruel a pesar de sus buenas intenciones, pero la narración aparentemente objetiva en tercera persona de la novela permanece tan cuidadosamente en su rincón durante la mayor parte del libro, al punto que el lector solo reconoce el alcance total de su esnobismo como el personaje lo hace ella misma. Hacer que esto funcione en la pantalla es más complicado de lo que parece.

Por esta razón, la propia Emma no puede evitar parecer un poco cifrada a través de las etapas iniciales de esta película, interpretada por Anya Taylor-Joy con un glamuroso equilibrio y un ligero brillo. Al igual que el libro, la película se abre cuando nuestra protagonista de 20 años se está preparando para la boda de su institutriz, una pareja que ella atribuye a sus propias habilidades de "matchmaking". Contenta por pasar por su lujosa casa de campo mientras un par de criados sufrientes atienden las absurdas demandas de su padre hipocondríaco (interpretado por Bill Nighy), Emma no tiene prisa por encontrar una pareja para ella, aunque sigue las noticias con discreto interés de un soltero especialmente elegible, el siempre esquivo Frank Churchill (Callum Turner).

Mientras tanto, se ha encargado de asesorar a la adolescente Harriet Smith (Mia Goth), una estudiante de bajo perfil en un internado local cuya afición por un honorable granjero que Emma desaprueba; persiguiendo una rivalidad a fuego lento con la consumada Jane Fairfax (Amber Anderson); y manteniendo un discurso coqueto con su vecino sardónico, el Sr. Knightley (Johnny Flynn).

A pesar de todos sus antecedentes en fotografía y videos musicales, la primera vez que la directora De Wilde rara vez se desborda con ornamentación o estilo, ni ensucia los alrededores a la manera del "Orgullo y prejuicio" de Joe Wright, que buscaba recordarnos que los elegantes señores y señoras del campo de Austen probablemente estaban pisoteando pilas de estiércol y esquivando bandadas de animales de granja mientras daban una vuelta por los jardines. Aquí, los salones y los jardines están ordenados en casas de muñecas, aunque nunca excesivamente grandiosos, y con saludos ocasionales hacia el estilo precioso de Wes Anderson en el diseño; las tarjetas de título decorativas que marcan el cambio de las estaciones, y las chicas del internado con chales rojos que recorren a través de la ciudad como patitos en una sola fila, rara vez se exageran. 

La guionista Eleanor Catton hace un trabajo hábil adaptando la novela, no solo conservando todos los puntos de la trama que importan, sino también manteniendo muchos de los que no lo hacen, ya que esta es una historia que siempre debería ser capaz de acomodar tangentes dispersas, diversiones y destellos de anarquía abotonada. En cuanto a esto último, varias de las tormentas de granizo de la señora Bates sobreviven intactas, entregadas por Miranda Hart con la mezcla justa de ridiculez y dramatismo.

Las fortalezas de Taylor-Joy están en ser la anti-Gwyneth aquí: su Emma es más arrogante, inteligente y testaruda, más cercana a la heroína que Austen siempre creyó que le gustaría más que a los lectores. Por supuesto, esto hace reabrir las grietas cuando Taylor-Joy las revela ingeniosamente, sean mucho más atractivas como madurez catártica.

Mientras tanto, Flynn, su aspecto como un líder de rock incómodo mientras transmite partes iguales de diversión, atención plena y vulnerabilidad, es una revelación tan divertida como siempre ha sido ver las palabras de un esperanzador ansioso decir una cosa mientras los ojos y las acciones comunican otra cosa. Él y Taylor-Joy son maravillosamente ayudados por un elenco de apoyo que sabe cuándo la nota más alta debe ser la excentricidad y cuándo se debe vivir la tarea en cuestión, ya sea la cálida locura de Nighy o la sensibilidad de Goth o la desesperación cómica de Hart. Rupert Graves y Gemma Whelan completan el panorama general como los recién casados Sr. y Sra. Weston, Amber Anderson como la rival menos acomodada de Emma, ​​Jane Fairfax, y, como una mujer recién presentada de gracias sociales incómodas, una Tanya Reynolds perfecta. 

La cuestión de cuánto contemporizar una adaptación de Austen es siempre abierta. Por más que existan muchos planos, la interpretación de la autora probablemente se volverá cada vez más difícil a medida que la cultura Regency que ella describió se hace cada vez más pequeña en el espejo retrovisor, sus costumbres comienzan a parecerse más a fenómenos antropológicos curiosos que simples precursores formales de nuestra propia historia. Como Virginia Woolf observó una vez, Austen era la rara satírica de corte que, en el fondo, no deseaba que las cosas fueran diferentes de lo que son, por lo que para apreciar realmente una historia de Austen hay que poder reír, como lo hizo ella en la mezquindad de las disputas de sus personajes, la pequeñez de sus escándalos y las innecesarias curvas indirectas de sus romances, al tiempo que se invierte profunda y sinceramente en sus resultados.

Con los trajes intrincados y delicados de Alexandra Byrne que agregan su propia vivacidad al esplendor visual, y una partitura musical que combina hábilmente folk tradicional, fragmentos clásicos y motivos de personajes originales de Isobel Waller-Bridge (sí, la hermana de Phoebe) y David Schweitzer, los logros técnicos en exhibición son tan considerables como el manejo inteligente de De Wilde de este material tan popular y transitado. La hija del Sr. Woodhouse puede ser un caso de estudio en los peligros de jugar a ser Dios con los corazones de los demás, pero "Emma" es una prueba de que reunir un libro atemporal y un nuevo talento sigue siendo una buena forma de emparejamiento artístico.