Crítica Cinéfila: Bugonia

Dos jóvenes conspiranoicos secuestran a la poderosa presidenta de una gran compañía, convencidos de que se trata en realidad de una extraterrestre decidida a destruir el planeta Tierra. 

Emma Stone y Yorgos Lanthimos ya tienen una relación de trabajo: han rodado cuatro largometrajes y un cortometraje, lo que demuestra que ambos comparten un mismo nivel creativo. Lo que hace tan interesante su colaboración constante es el esfuerzo por definir cuál es ese nivel. El último fruto de esta dupla, que nos trajo "The Favourite", "Kinds of Kindness" y "Poor Things", es "Bugonia", una sátira magistralmente macabra sobre el síndrome de las supersticiones en el internet, que narra la historia de una joven y ambiciosa directora ejecutiva de una farmacéutica (Stone) que es secuestrada por uno de sus empleados de menor rango.

Este pobre y atormentado personaje, interpretado por Jesse Plemons, compañero de reparto de Stone en "Kinds of Kindness", es Teddy, un repartidor y apicultor a tiempo parcial. Está convencido, tanto por conversaciones en línea como por sus propias deducciones en el sótano, de que su jefa es en realidad una emperatriz alienígena disfrazada. Su plan es secuestrarla y mantenerla prisionera en su sótano hasta que esta amenaza extraterrestre salve la vida de su madre (Alicia Silverstone), quien se encuentra en un hospicio con una enfermedad terminal que Teddy cree que forma parte de un gran experimento interplanetario. Después de eso, va a acompañarla de vuelta a la nave nodriza y negociar la retirada de su raza de la Tierra. En esencia, es una historia un tanto descabellada (además de ser una adaptación de una película coreana, algo que no es común en el cine de Yorgos), pero el director y su elenco la han expandido hasta convertirla en una alocada epopeya canina de proporciones épicas, digna de los Baskerville.

El único compañero de Teddy en su causa es su primo Don, fácilmente influenciable, interpretado magistralmente por Aidan Delbis. Tras adoptar una existencia monástica moderna —«nada de videojuegos, nada de vapear, nada de masturbarse», advierte Plemons con severidad—, los dos secuestran a Stone frente a su mansión modernista en una secuencia hilarantemente seca que Lanthimos dirige como Jacques Tati al estilo de John Wick. (Aquí y en otras escenas, la fotografía de Robbie Ryan es una delicia: por momentos sensual y severa, con un brillo decadente y lujoso propio del Hollywood de los 70).

Los lectores atentos se habrán dado cuenta de que aquí hay dos posibilidades, y "Bugonia" los mantiene en vela. O bien Plemons es un lunático peligroso, radicalizado por sus incursiones en laberintos de teorías conspirativas en internet (hay una viñeta recurrente muy divertida de la Tierra en la que el planeta se vuelve progresivamente más plano), o bien… no lo es. Ambas opciones son sombrías, aunque por razones totalmente distintas; y a medida que la situación se torna cada vez más frenética y macabra, Lanthimos exprime con maestría la máxima tensión cómica de los fantasmas de ambas. En esto, Stone y Plemons demuestran ser los cómplices ideales, con interpretaciones cuidadosamente equilibradas que les permiten alternar entre héroe y villano sin llegar a aniquilar por completo nuestra simpatía ni ganárnosla del todo.

A la película le encanta contrastar la elegancia del entorno de trabajo de Michelle con el desorden rústico de la cabaña de Teddy; es alternativamente elegante y grunge, lo que permite al compositor Jerskin Fendrix (nominado al Oscar por "Poor Things") pasar de su característico minimalismo peculiar a una grandilocuencia orquestal a gran escala para acompañar los diversos ataques de pánico de todos los involucrados. Y no se equivoquen, los ataques de pánico se vuelven cada vez más espeluznantes y descabellados, con un secuestro educado que deriva en tortura (mala, pero ni de lejos tan perturbadora como en la película original coreana), disparos de escopeta y vestidos de fiesta empapados de sangre, como corresponde a una extravagancia de terror de ciencia ficción a gran escala. Mientras tanto, cada vez que una explicación lógica (o incluso ilógica) parece inminente, Lanthimos desmiente las expectativas de su público.

En cierto modo, da igual qué desenlace elija finalmente la película: la esencia de "Bugonia" reside en los retorcidos y agónicos giros de la narración. Pero tiene que terminar en algún sitio, y quizá algunos espectadores encuentren el desenlace exasperante, mientras que otros simplemente se desharán en elogios ante la pura virtuosismo y malicia que se despliega. En cualquier caso, ¡que relajo de película!

Crítica Cinéfila: Valley Girl

Julie (Jessica Rothe) y Randy (Joshua Whitehouse) son muy diferentes pero deciden desafiar a sus padres y amigos haciendo todo lo posible por permanecer unidos. 

Como muchas ciudades, Los Angeles tiene sus clases sociales y culturas divididas. Downtown Los Angeles es una mezcla de factorías y arte moderna, Hollywood es el escenario de los artistas que innovan en el momento, mientras que el Valle es donde viven se encuentran los suburbios. Esta mirada de la ciudad angelina lo trabaja muy bien la directora Rachel Lee Goldenberg (Looking for Alaska) en su debut en la pantalla grande con el remake Valley Girl. 

Si no conocen los ritmos de la "Valley Girl" original , una joya retro del cine de los años 80 que debe recordarse con un suspiro apasionado; no obstante, se ha mantenido extrañamente difícil de encontrar en las casi cuatro décadas desde su lanzamiento. Como la mayoría de las grandes historias de amor ambientadas en la escuela secundaria, es una historia de Romeo y Julieta, esta vez configurada en torno a un par de amantes decididamente apropiados para el período: una chica del Valle de cola alta y un punk tatuado de Hollywood. La película original de Martha Coolidge, protagonizada por Deborah Foreman y un joven Nicolas Cage, puede no parecer una opción obvia para una nueva versión, pero el inteligente homenaje de Rachel Lee Goldenberg encuentra una nueva forma en el material, al convertirlo en una máquina de discos animada musical.

La película de Goldenberg logra evocar el espíritu para "todas las edades" durante un momento cultural singular. Junto a la guionista Amy Talkington, ha ideado una forma inteligente de telegrafiar ese concepto desde el principio, imaginando a esta Valley Girl como una especie de cuento de hadas narrada desde un punto de vista contemporáneo.

Como parte de un concepto de historia envolvente, Alicia Silverstone (Clueless) aparece como la versión adulta de la protagonista Julie (Jessica Rothe), quien comparte su historia de la escuela secundaria con su hija angustiada (Camila Morrone). Cuando la adulta Julie comienza a narrar su propia experiencia adolescente, la película se disuelve rápidamente en un musical optimista, presentando el mundo del Valle de San Fernando del 1983 a través de una canción "We Got the Beat" que se desarrolla en un centro comercial. Es la misma historia de Valley Girl, de repente representada en brillante Technicolor.

La historia continúa narrando como la joven Julie se fue dando cuenta que la vida del Valle es solo eso y que ella quería más allá que ser ama de casa con un título de la universidad local. De manera inesperada, conoce a Randy (Josh Whitehouse), un cantante punk que le ayuda a reconocer los verdaderos sabores de la vida, si cruzas más allá de donde las montañas angelinas permiten ver. Con este nuevo interés amoroso prometiendo una mirada más grande al mundo, la vida cotidiana de Julie se derrumba; sus pasiones evolucionan pero su familia y amigos están negados a aceptar su nueva mirada.

En las manos de Goldenberg, el montaje musical "Girls Just Want to Have Fun" requiere nuevas arrugas en la historia, imaginando a Julie como alguien que no solo busca romance, pero buscando una vida más plena más allá de los límites del centro comercial más cercano, mientras que otros ritmos musicales como "Under Pressure" sirven como un monólogo independiente para cada personaje gritar sus propias penas, anunciándole al mundo que hay momentos en los que uno solo quiere volar sin el grupo.  

Aunque carecen de la sensualidad oscura y la química del original (Foreman y Cage fueron una pareja formidable), Rothe y Whitehouse son un dúo lo suficientemente amable, incluso cuando la película depende de la comprensión de que el primer amor no siempre durará. También son bienvenidos otros detalles oportunos, desde ampliar el sentido latente de feminismo de Julie hasta un intercambio de género por la mejor amiga de Randy (interpretada por Mae Whitman) que insinúa diferentes tipos de rivalidades entre la élite del Valle.

Orbitando en una línea de tiempo que salta desde el presente hasta los 80 de manera constante, la película de Goldenberg ofrece mucho para atraer tanto a los fanáticos de la película de 1983 como al público ansioso por un entretenimiento alegre lleno de algunas de las mejores canciones de la época. La cronología suelta permite muchos de los éxitos musicales más apreciados de la década para hacer el corte. Arreglada con nuevas producciones de canciones clásicas, todas interpretadas por las estrellas de la película, "Valley Girl" encuentra nuevas dimensiones para su historia.

El espíritu de la nueva Valley Girl funciona dentro de los límites del homenaje. Una deliciosa combinación de todos los años 80, desde ET hasta Madonna, la princesa Diana hasta Roxy Music, la familia Jackson y Ronald Reagan, esta narración anacrónica es fiel a la película original de Coolidge, pero con sus propios toques llamativos.

Ser fanático de la original no es un requisito para disfrutar de esta nueva "Valley Girl", que encuentra un gran atractivo en una plantilla clásica de historia de amor y una letanía de éxitos de los 80 para mantener la energía. Esa energía solo se nota cuando la película de Goldenberg olvida su corazón musical y se desliza hacia un territorio menos inspirador, sumergiéndose en los arquetipos de comedias románticas más tradicionales para adolescentes. Afortunadamente, estos deslizamientos son pocos y distantes entre sí, y la película llega a una conclusión gigantesca de que los años 80 y algunos de sus mejores resultados culturales pop todavía tienen el ritmo.

Crítica Cinéfila: The Lodge

Una mujer (Riley Keough) que está apunto de convertirse en madrastra se encuentra atrapada, junto a los dos hijos de su prometido, en una casa alejada de la civilización por culpa de una fuerte nevada. Justo cuando la relación entre los tres empieza a florecer, la mujer adopta una actitud aterradora que proviene del adoctrinamiento religioso que sufrió en su dura infancia. 

Algo malvado ciertamente está llegando a The Lodge, pero lo que es aterrador es que nunca está claro desde dónde, o exactamente por qué. Construyendo maravillosamente el horror apasionante de Goodnight Mommy de 2014, los cineastas Veronika Franz y Severin Fiala nos regalan un escalofriante escenario en una cabaña en el medio de la nada que está electrificada por el complicado desempeño de Riley Keough como una mujer que es la causa o la víctima de la ansiedad nerviosa de la película. Tal vez un punto de la trama aquí o allá no tiene sentido, pero los espectadores solo podrán tomar esas determinaciones una vez que finalice la película y finalmente se calmen. 

Inevitablemente, se harán comparaciones con Hereditary, que presumía de un elegante aire de terror al examinar a una familia en desorden emocional. El reconocimiento del nombre de Keough agregará empuje comercial, pero lo más probable es que el boca a boca extático sea el punto de venta clave para los fanáticos del horror indie inteligente.

The Lodge comienza con una tragedia que (como gran parte de esta película) no debe revelarse para que los espectadores puedan entrar en la experiencia sin ninguna noción preconcebida de hacia dónde se dirige la historia. Basta decir que los niños Aiden (Jaeden Martell) y Mia (Lia McHugh) se resienten de la nueva novia de su padre, Richard (Richard Armitage), Grace (Keough), y prefieren a su problemática madre Laura (Alicia Silverstone). Pero Richard está decidido a hacer que la relación con Grace y su familia funcione, especialmente porque planea casarse con ella, por lo que decide que los cuatro deberían pasar la Navidad en su elegante cabaña de invierno en medio de un bosque nevado y remoto. Los otros tres están menos entusiasmados por pasar tiempo juntos en un lugar tan aislado, pero tendrán que aprovecharlo una vez que Richard tenga que regresar inesperadamente a la ciudad por unos días.

Con indicios de The Shining, The Lodge promete conmociones incluso antes de que este cuarteto llegue a la casa, pero Franz y Fiala nos molestan magistralmente, dejando a los espectadores preguntándose precisamente por qué se sienten tan nerviosos. No es solo el diseño de sonido magníficamente evocador o las pistas de música de Danny Bensi y Saunder Jurriaans lo que sacude: es la ubicación precisa de la cámara de los cineastas y el ritmo deliberado lo que agrega premonición a cualquier imagen, incluso si solo Alka-Seltzer se disuelve en agua.

La mayor parte de la película se refiere al tiempo que Grace pasó en la casa con Aiden y Mia mientras trata de hacer que se acerquen a ella. Parece una tarea insuperable, pero eventualmente los niños comienzan a suavizarse, justo a tiempo para que ocurran extraños sucesos alrededor de la cabaña. Se nos da una pista bastante grande sobre el pasado traumático de Grace, pero a medida que los ambiguos temores de The Lodge comienzan a acumularse, nunca estamos seguros de si lo que estamos experimentando se debe a sus antecedentes o si hay alguna otra explicación.

El desafío con una película como esta es mantener el misterio: extiéndelo demasiado tiempo y el estado de ánimo se vuelve rancio o la respuesta se vuelve obvia. Wizardly, Franz y Fiala (a quienes se les atribuye el guión junto a Sergio Casci) lanzan suficientes giros y pistas falsas para que permanezcamos en el estrangulamiento de la película.

La clave para el control tonal de The Lodge son las tres actuaciones centrales, que nunca nos permiten sentirnos seguros de dónde deben estar nuestras condolencias. Como hermana menor, McHugh evita los tópicos cursis / demoníacos que a menudo vemos de los niños actores en las películas de terror, mientras que Aiden de Martell revela una leve atracción sexual por Grace que le da a sus escenas una carga inquietante.

Pero la película pertenece a Keough, quien tiene la costumbre de interpretar personajes intensos e inescrutables. Sin embargo, Grace es otra marca alta: la actriz interpreta a este personaje como víctima y amenaza, cambiando de un lado a otro con tanta fluidez que no puede ser inmovilizada. Mientras Grace mira por la ventana al bosque helado que rodea la cabaña, es imposible saber si sus pensamientos silenciosos son benignos o atormentados, y The Lodge mantiene sus intenciones turbias hasta el final devastador.

Cuanto más avanza The Lodge, la gran habilidad de la ejecución, la manipulación precisa de los temores de la audiencia, se vuelve tan impresionante que uno se siente tentado a sucumbir a su fría y cruel eficiencia. El Lodge tiene más experiencia sin saber nada sobre la trama. Dos horas después, cuando termina la película, te sorprenderá lo poco que sabes sobre lo que has visto, solo que has quedado profundamente conmocionado.