Crítica Cinéfila: Black Rabbit

Cuando el dueño de un restaurante de moda de la ciudad de Nueva York permite que su turbulento hermano regrese a su vida, abre la puerta a peligros cada vez mayores que amenazan con derribar todo lo que ha construido.

Gran parte de "Black Rabbit" falla un poco. Casi está a la altura, pero no es del todo correcta. Las actuaciones no son del todo convincentes. La ambientación no está representada con la suficiente claridad. La trama está ligeramente descalibrada. Nada por sí solo hace que la serie sea inviable, pero todo ello se suma a algo que no es tan bueno como debería ser para el género en el que se mueve y el nivel de presupuesto y talento involucrados.

La miniserie es un thriller neoyorquino protagonizado por Jude Law y Jason Bateman como los hermanos disfuncionales Jake (Law) y Vince Friedken (Bateman). Solían ser socios en un bar y restaurante del Bajo Manhattan llamado Black Rabbit, llamado así por su banda de rock indie de la era hipster, Black Rabbits, pero las adicciones e inestabilidad de Vince lo llevaron a ser separado del proyecto. En los años transcurridos desde entonces, Jake ha llevado el restaurante al éxito y está a punto de abrir un nuevo lugar que lo llevará a la cima del mundo de la restauración neoyorquina, si es que logra reunir el dinero. Vince, mientras tanto, está en serios problemas y regresa a NY buscando a su hermano para que lo rescate. Necesita pagar deudas de juego a unos gánsters violentos liderados por Joe Mancuso (Troy Kotsur) y el tiempo avanza. Jake sabe que su hermano es una mala noticia, pero no puede negarse a ayudarlo, y cuando Vince regresa al negocio y a la vida de Jake, su vínculo tóxico amenaza con destruirlos a ambos.

“Black Rabbit” se inspira en gran medida en clásicos del crimen fraternal neoyorquino, tanto antiguos como modernos, y alcanza su máximo esplendor cuando se trata sobre la codependencia fraternal. Vince es adicto a las drogas, el alcohol y el juego, y Jake es adicto a Vince. La forma en que Jake está dispuesto a arriesgarlo todo para ayudar a su hermano es totalmente creíble y auténtica. Desafortunadamente, todo lo demás no lo es, incluyendo el acento de Brooklyn de Law.

El mayor problema es Bateman, quien es coprotagonista, productor ejecutivo y director de los dos primeros episodios. Bateman, uno de los hombres más hollywoodenses de Hollywood, no es la elección correcta para interpretar a un delincuente de Coney Island que es lo suficientemente duro como para no inmutarse por el hecho de que unos matones le corten un dedo. Su personalidad mordaz funcionó bien en su anterior thriller policial de Netflix, "Ozark", porque Marty Byrde no era un tipo físicamente duro. Bateman fue muy convincente como un contador meticuloso que gradualmente aprende a ensuciarse las manos. Aquí, es poco persuasivo. Está haciendo el mismo sarcasmo y tensión que siempre hace en el contexto de un personaje cuyo carisma debería provenir de ser divertido e imprudente. Es una actuación monótona que lo hemos visto hacer variaciones durante décadas. Vince incluso llama a la gente "amigo", que es algo que muchos personajes de Bateman hacen.

Como director, Bateman no se fija en los detalles. Prefiere lo grande y amplio a lo sutil. Eso estuvo bien para la pura pulpa de "Ozark", pero "Black Rabbit" se ambienta en un entorno muy específico que Bateman y los creadores Zach Baylin y Kate Susman no dominan bien. La serie intenta aprovechar la energía sórdida del centro de la ciudad del resurgimiento del post-punk de principios de la década de 2000 a través de las interpretaciones de los Walkmen e Interpol y un cameo del guitarrista de The Strokes, Albert Hammond Jr., pero está ambientada en el presente, en el mundo de la vida nocturna y la restauración de alta gama: Jake intenta abrir un restaurante en el antiguo espacio del Four Seasons, un local de Midtown que es sinónimo de dinero y sofisticación, y ninguno de estos mundos tiene nada que ver con el mundo de clase trabajadora de los barrios periféricos del que vinieron los hermanos y con el que aún mantienen vínculos. Todos estos significantes se leen como "la cruda ciudad de Nueva York", pero en realidad son bastante dispares. "Black Rabbit" hace gala de impresionantes localizaciones de rodaje neoyorquinas —las entrañas de los Baños Rusos y Turcos, Times Square al amanecer, el vestíbulo del Hospital Bellevue— y este acceso a localizaciones de primer nivel le otorga una credibilidad visual que la narrativa no se merece.

Sin embargo, hay mucho dinero en pantalla, y la serie, sin duda, luce genial. La estética se inspira tanto en los thrillers neoyorquinos de los hermanos Safdie, "Good Time" y "Uncut Gems", que es prácticamente un homenaje, que graban la acción desde tan lejos que parece que la estás viendo a través de un telescopio. Las tomas pueden ser prestadas, pero son llamativas y técnicamente formidables. El diseño de sonido también está ejecutado a un alto nivel: lo que sea que hayan hecho para poder rodar en una azotea junto a la FDR Drive sin verse abrumados por el ruido del tráfico, es realmente impecable.

Aunque parece una película de los hermanos Safdie, se siente como "Ozark". Incluso tiene el mismo formato de créditos iniciales, mostrando elementos que entrarán en juego en el episodio. Como ese thriller ganador de un Emmy pero no tan prestigioso, la trama es implacablemente tensa, con muchos personajes y subtramas diferentes. Hay de todo, desde un hilo de Me Too que involucra a un cliente habitual bien pagado que se aprovecha del personal (un problema que Jake delega en la chef Roxie (Amaka Okafor) para que lo resuelva, lo que lleva a consecuencias imprevistas) hasta uno de los acreedores de Vince que se insinúa en la vida de la hija de Vince, Gen (Odessa Young). Siempre pasa algo, pero no siempre funciona. Todo tiene el mismo nivel de intensidad, incluso si obviamente no es tan importante o termina sin importar. Los tiempos de ejecución son inflados, y algunas escenas largas hacen que uno quiera adelantar el episodio. La realidad: la historia no empieza realmente hasta el final del segundo episodio. Le habría venido bien un poco más de tensión.

La buena noticia es que la serie mejora mientras avanza. Los dos últimos episodios están dirigidos por Justin Kurzel, el cineasta emergente responsable de proyectos fantásticos como la película policial "The Order" y la miniserie ambientada en la Segunda Guerra Mundial "The Narrow Road to the Deep North". Habiendo trabajado previamente con Law en "The Order", Kurzel sabe cómo sacar lo mejor del actor. Kurzel enfoca su cámara hacia el rostro de Law mientras la historia alcanza su clímax emocional y el dolor de Jake se desborda. Es un director de actores que también compone imágenes hermosas, como una toma melancólica, al estilo Michael Mann, de Law iluminado por los destellos de un coche de policía.

“Black Rabbit” no es mala del todo, pero nunca llega a ser tan buena como podría o debería ser. Hay un desajuste entre la seriedad con la que se presenta, con su estilo visual y temas familiares, y la imprecisión en la trama y la ambientación. Es como un turista en el Nueva York de los Safdie; tiene el aspecto adecuado y conoce los lugares, pero no lleva la ciudad en la sangre.

Crítica Cinéfila: Gone Girls - The Long Island Serial Killer

Durante más de un año aparecieron restos humanos en un tramo de Ocean Parkway, en el condado de Suffolk, Long Island. Las víctimas que pudieron ser identificadas eran mujeres jóvenes, muchas de ellas de la zona de Nueva York, que habían trabajado en la industria del sexo y desaparecido, en algunos casos más de una década antes de ser encontradas. Quedó claro que un asesino en serie tenía como objetivo deliberado a esta población especialmente vulnerable, pero durante más de trece años el caso languideció. Sin embargo, en 2023 se produjo un gran avance: se detuvo a un hombre sospechoso de ser el "asesino en serie de Long Island".

1 de mayo de 2010: Long Island, Nueva York. Se observa la maleza junto a una de las playas de Long Island, se escucha una llamada al 911 de Shannan Gilbert. La búsqueda de Gilbert fue el catalizador que llevó a las fuerzas del orden del condado de Suffolk, en Long Island, a encontrar los restos de diez mujeres diferentes, todos en la misma zona de arbustos junto a una carretera en la costa sur de la isla. Pero esa búsqueda no habría tenido lugar sin la presión constante de Mari, la madre de Gilbert.

Como Shannan Gilbert era trabajadora sexual, encontrarla parecía una prioridad menor para la policía del condado de Suffolk. La presión constante de Mari Gilbert, tanto en ruedas de prensa como en medios televisivos, finalmente los impulsó a comenzar la búsqueda. En diciembre de 2010, se encontró un conjunto completo de restos óseos, y poco después se desenterraron otros tres conjuntos de restos óseos. Sin embargo, ninguna de ellas era Gilbert. 

Mediante análisis de ADN, las autoridades pudieron identificar a las "Cuatro de Gilgo" como Maureen Brainard-Barnes, Melissa Barthelemy, Megan Waterman y Amber Lynn Costello, todas trabajadoras sexuales desaparecidas entre 2007 y 2010. Durante la conferencia de prensa donde fueron identificadas, el comisionado de policía del condado de Suffolk quiso disipar los temores diciendo que las mujeres participaban en "actividades de riesgo", pero eso solo ofendió a las familias que lamentaron sus muertes.

Nos acercamos a "Gone Girls: The Long Island Serial Killer" con algo de cautela; los que son residentes del área metropolitana de Nueva York seguro leían y escuchaban la extensa cobertura de los asesinatos de Gilgo Beach y sabían bien cuánto se demoraron las fuerzas del orden en el caso porque las víctimas (así como Gilbert, cuyo cuerpo fue encontrado a millas de distancia y no es una víctima directa del asesino) eran trabajadoras sexuales.

La directora de esta serie documental, Liz Garbus, quería asegurarse de que las víctimas, especialmente Gilbert y los “Cuatro Gilgo”, recibieran el reconocimiento que se merecen, por lo que en el primer episodio los amigos y familiares de las cinco mujeres hablan de sus vidas y de quiénes eran como personas. Este enfoque le da a la docuserie un enfoque diferente al que se suele ver en el género de asesinos en serie basados ​​en crímenes reales. 

Con demasiada frecuencia, el asesino es quien recibe el tratamiento biográfico, y las víctimas reciben una mención fugaz y poco más. Es alarmante, pero no sorprendente, que las fuerzas del orden minimizaran a las víctimas debido a su trabajo, y la constante presencia mediática de Mari Gilbert, presionando a las fuerzas del orden del condado de Suffolk para que actuaran, fue un factor clave en este caso. Sin los esfuerzos de Mari, esos restos podrían seguir ahí fuera, y diez familias de mujeres desaparecidas podrían no haber tenido el cierre que merecían.

Los siguientes dos episodios de la serie se centrarán en la búsqueda de Gilbert, así como en cómo las fuerzas del orden necesitaron más de una década para atribuir la mayoría de estos asesinatos a Heuermann; este era un arquitecto que se escondía a plena vista, trabajaba en Manhattan y vivía en Massapequa Park. Sin embargo, Garbus sigue teniendo a las víctimas presentes en la mente de los espectadores, porque es ahí donde deben estar para comprender a cuántas personas afectaron las acciones del asesino.

Gracias a que Liz Garbus incorpora historias de las víctimas en la narrativa de Gilgo Beach, "Gone Girls: The Long Island Serial Killer" ofrece a los espectadores una visión mucho más completa de los horrores que causó el asesino.

Crítica Cinéfila: Adolescence

El mundo de una familia se pone patas arriba cuando Jamie Miller, de 13 años, es arrestado y acusado de asesinar a una compañera de clase. Los cargos contra su hijo les obliga a enfrentarse a la peor pesadilla de cualquier padre.

La misoginia es parte del tejido central de nuestra cultura. Creada por Jack Thorne y Stephen Graham, la última miniserie de Netflix , "Adolescence", es un análisis escalofriante del asesinato y la masculinidad tóxica. Aunque el tema es completamente diferente, esta serie sin duda será comparada con "Baby Reindeer" de Netflix, que debutó con gran éxito el año pasado y arrasó en los Emmy y otros premios. Desgarradora, cruda y con actuaciones asombrosas, "Adolescence" destaca cómo nos hemos fallado a nosotros mismos y cómo seguiremos fallando a las generaciones que vienen después, si no hacemos un cambio ya. 

Dirigida por Philip Barantini, quien utiliza su característico estilo de toma secuencia a lo largo de los cuatro episodios, la serie comienza en un pueblo anónimo del norte de Inglaterra a primera hora de la mañana. El inspector detective Luke Bascombe (Ashley Walters) y su compañera, la detective sargento Misha Frank (Faye Marsay), charlan en el coche parqueado en una comunidad suburbana. Aunque la conversación del es ligera y aireada, el tono cambia cuando de repente les autorizan a dirigirse a toda velocidad a una casa anodina. Con un equipo SWAT flanqueándolos, el dúo y sus camaradas irrumpen en la casa, tomando al hijo menor de la familia Miller, quienes están empezando el día con la guardia baja. 

Mientras el padre, Eddie Miller (un increíble Graham), se queda parado sobresaltado en las escaleras, con las manos en alto, los oficiales preguntan por su hijo, Jamie (Owen Cooper), de 13 años. La esposa de Eddie, Manda (Christine Tremarco), vestida solo con una bata, comienza a gritar desesperada. En el segundo piso, la policía le pide a la hija adolescente de la pareja, Lisa (Amelie Pease), que sale del baño, que se tumbe en el suelo. Entonces, Bascombe y su equipo entran a toda velocidad en otra habitación, despiertan a Jamie y le informan que está siendo arrestado bajo sospecha de asesinato. A partir de ahí, "Adolescence" se dispara. 

Además de la tensa pero efectiva narratividad de esta trama, el equipo de cinematografía, encabezado por un genio Matthew Lewis, fue uno de los grandes destacados, por su amplio uso de la filmación en una sola toma , ya que cada episodio se graba en una sola toma. El rodaje se planificó mediante múltiples ensayos previos a los ensayos técnicos completos, durante los cuales el director de fotografía planificaba los movimientos de cámara. Cada episodio de una hora se filmó unas diez veces, con dos tomas al día. Los episodios se mostraron como si se hubieran completado en una sola toma, sin cortes ni mezclas de tomas con CGI, algo que aparentemente era imposible de lograr debido a las facilidades de los avances tecnológicos en la industria.

Tras el arresto de Jamie (aunque nunca lo esposan), llora en la furgoneta policial por su padre y lo llevan a la comisaría, donde lo fichan y lo encierran solo en una celda. Los Miller llegan poco después que su hijo, sumidos en la confusión y la incredulidad. La pareja está convencida de que todo ha sido un grave error. A lo largo del sombrío e implacable primer episodio, el público recorre toda la mañana, que comienza justo antes de las 6:00 a. m. y termina alrededor de las 7:12 a. m., cuando concluye la entrevista de Jamie con Bascombe, Frank, su abogado asignado, Paul Bellow (Mark Stanley), y Eddie, quien actúa como el adulto responsable de su hijo. 

El episodio 2 transcurre al día siguiente y se centra en los detectives Bascombe y Frank, quienes se dirigen a la escuela a la que asistieron Jamie y la víctima. Recorriendo el campus, deteniéndose en las clases y entrevistando a estudiantes y personal administrativo; queda claro cómo este horrendo crimen ha afectado a todos. La escuela rebosa de una tensión desconcertante que los profesores y la administración parecen incapaces de moderar. Además, los propios adolescentes son frustrantes. Su incapacidad y renuencia a hablar abiertamente con los adultos demuestra la fragilidad de las mentes jóvenes y lo poco que sabemos sobre cómo comunicarnos eficazmente con ellos. 

Si bien toda la serie es profunda, el episodio 3, que transcurre siete meses después del primero, es excepcional. Ahora, encerrado en un centro de detención juvenil mientras espera su día en la corte, Jamie parece haberse adaptado a sus nuevas circunstancias. Ese día, está encantado con la llegada de Briony Ariston (Erin Doherty), una psicóloga infantil que evalúa su estado mental y presenta sus hallazgos ante un juez. Los espectadores ven a Briony entrar en las instalaciones y servirle un chocolate caliente a Jamie antes de sentarse frente a él en lo que parece ser un aula grande. Por su parte, Jamie luce igual que cuando apareció por primera vez en pantalla: tranquilo y modesto, un chico que no parece muy consciente de las circunstancias que se ha creado. Sin embargo, el ambiente cambia cuando Briony empieza a hacerle preguntas incisivas sobre la masculinidad, las amistades y sus relaciones sexuales. A medida que el adolescente se agita cada vez más ante las preguntas de Briony, desesperado por tomar las riendas de la conversación, la cámara los encuadra, dando al público una sensación de estar atrapados en una jaula. La actuación es impresionante. Mientras Jamie se enfurece, dejando aflorar lo más monstruoso de sí mismo, Briony intenta moderar sus miedos y emociones. Es una intensidad casi insoportable que revela mucho sobre cómo Jamie ve a las mujeres y por qué su compañera de clase fue brutalmente asesinada.  

Oscuro y brillantemente escrito, esta serie explora las complejidades de la humanidad y la masculinidad, y cómo el auge de la manósfera se ha infiltrado de forma tan inquietante y rápida en la vida de los jóvenes a través de las redes sociales. Si bien la negligencia de los Miller con Jamie no es evidente, sí es evidente que los adolescentes necesitan verdaderas barreras de seguridad, ya que, si se les deja solos, las cosas pueden convertirse rápidamente en una pesadilla. 

Crítica Cinéfila: Monsters - The Lyle and Erik Menendez Story

En agosto de 1989, los hermanos Lyle y Erik Menéndez, asesinaron a tiros a sus padres, José y Mary Louise 'Kitty' Menéndez. Mientras que la acusación alegó que buscaban heredar la fortuna familiar, los hermanos afirmaron -y siguen afirmándolo hoy en día, mientras cumplen cadena perpetua sin posibilidad de libertad condicional- que sus actos se debieron al miedo que sentían tras toda una vida de abusos físicos, emocionales y sexuales a manos de sus padres.

Estamos en 1989. Los hermanos se dirigen al funeral de sus padres, José y Kitty Menéndez. La policía sigue investigando sus asesinatos y la prensa especula que podrían ser un asesinato de la mafia. Erik empieza a desmoronarse en la parte trasera de la limusina, pero su hermano mayor, Lyle, habla de abrir una cadena de restaurantes de alitas de pollo y quiere que el conductor de la limusina apague el jazz suave. Atraviesan la puerta a pesar de la multitud de periodistas, porque Lyle quiere reiterar la teoría de la mafia. Luego, durante el funeral, Lyle hace sonar una canción de Milli Vanilli sobre una presentación de diapositivas de sus padres.

Dos meses después, la policía sigue investigando los asesinatos y Erik no puede escapar de las pesadillas que sigue teniendo sobre la noche en que asesinaron a sus padres. Entra en el estudio, donde estaban sus cuerpos ensangrentados, y comienzan las visiones. Al final de todas las pesadillas, Erik se pone una escopeta en la barbilla y aprieta el gatillo. Está tan atormentado que llama a su psicólogo, el Dr. Jerome Oziel (Dallas Roberts), y quiere su última cita del día. 

Aunque Oziel le asegura que no lo está grabando, Erik le pide que salga a caminar. Fue allí donde Erik admite que él y Lyle mataron a sus padres. Oziel regresa a la oficina a toda prisa y le dice a Erik que repase todo el proceso de los acontecimientos, empezando por el momento en que se le ocurrió la idea mientras veía la película "Billionaire Boys Club". Cuando Oziel pregunta por qué se le ocurrió la idea de matar a sus padres, Erik habla de lo "dominante" que era su padre y de lo permisiva que era su madre. Como ella era "adicta" a su padre, sentían que su vida estaba vacía y decidieron que ella también necesitaba morir. Oziel se pone en contacto con Lyle y le dice que vaya a la oficina; también llama a su ex amante, Judalon Smyth (Leslie Grossman), para que vaya como "testigo" en caso de que ellos intenten matarlo. Lyle está furioso cuando llega y niega que lo que Erik dijo sea cierto.

El primer episodio muestra el momento en que los hermanos cometiendo el crimen, incluso cuando Lyle volvió a entrar para acabar con su madre después de recargar su arma. Luego intentan construir una coartada. Pero cuando regresan a la casa, se sorprenden al no ver a nadie allí; pensaron que los disparos de escopeta harían que alguien llamara al 911. Esta escena de muerte es quizás una de las más sangrientas que se han hecho en mucho tiempo.

Es interesante que Murphy y Brennan hayan decidido dramatizar el caso de Menéndez, dado que ya se había dramatizado de forma tan destacada hace siete años y se han hecho numerosos documentales y docuseries sobre el caso. En otras palabras, ¿hay algo más que decir sobre el caso? Aparentemente sí, porque la pareja, junto con Carl Franklin, el director del primer episodio, consiguen que un caso conocido vuelva a resultar fascinante.

Aunque el primer episodio no lo muestra, parece que el objetivo de Murphy y Brennan es centrar la narración en la vida familiar de los hermanos y en cómo José y Kitty hicieron que la vida de sus hijos fuera miserable. Cuando los chicos eran mayores, la mayor parte del abuso se produjo en forma de sermones verbales por parte de José y de algún tipo de permisividad por parte de Kitty bajo el efecto de las drogas; el incidente que llevó a Erik a urdir su plan implica que Kitty le arrancó la peluca secreta de la cabeza a Lyle.

En esta saga, todos son monstruos. Cooper Koch y Nicholas Alexander Chavez interpretan los papeles de Lyle, un personaje fácilmente alterable, y su hermano angustiado Erik, mientras que Javier Bardem y Chloë Sevigny interpretan a José y Kitty, dos personajes volátiles y desequilibrados. La serie muestra a la familia Menéndez a merced de un padre controlador, al tiempo que denigra a los hermanos. Nadie sale ileso, ya que Monster coloca los infames juicios bajo el microscopio para la diversión y el análisis de la audiencia de Netflix.

Pero también hubo acusaciones de abuso sexual por parte de José cuando los hermanos eran más jóvenes, algo que no muestran a detalles en flashbacks pero en una serie de narraciones que, gracias a las actuaciones de Koch y Chavez, logran trasladar a su público a las emociones que le provocaron esos hechos. De hecho, la estructura de la serie, donde los incidentes de abuso y negligencia emocional por parte de José y Kitty surjen durante el interrogatorio y el juicio de los hermanos, hace un buen trabajo al ir desgranando las capas del caso sin saltar de una a otra indiscriminadamente, y aunque por momentos se tornan repetitivas, esto se debe a que quieren que el discurso de tatue en la mente del espectador, con la idea de que "detrás de un crimen, hay causas que lo llevaron a ocurrir".

Koch y Chavez hacen un excelente trabajo como Erik y Lyle, mostrando las dos formas muy diferentes en que reaccionaron después de matar a sus padres. Por supuesto, también se tiene al impresionante de Bardem (uno de los productores ejecutivos del programa) y Sevingy como José y Kitty. En la medida que la serie avanza, se conoce a Nathan Lane como el periodista Dominick Dunne quien había sido víctima de un juicio que favoreció al asesino de su hija y por lo tanto estaba en contra de que los hermanos salieran libres, y a Ari Graynor como Leslie Abramson, la abogada de los hermanos quien ya había sido la defensa de otros casos de asesinatos y por lo tanto se sentía capaz de lograr la libertad de Erik y Lyle. 

El año pasado, tanto Evan Peters como Niecy Nash deslumbraron en "Monster: The Jeffrey Dahmer Story", la primera entrega de la serie del asesino en serie que ganó elogios para los actores ya que ahondaba no solo en la vida del depravado Dahmer, sino en su sospechosa vecina, sus víctimas inocentes y la inepta aplicación de la ley que mantenía al maníaco en las calles. "Monsters: The Lyle and Erik Menendez Story" ofrece una mirada similar a las sombrías vidas de los hermanos, ya que la serie explora la dinámica de la familia disfuncional, así como de los amigos, asociados y sus círculos sociales. Casi cuatro décadas después de los asesinatos, la serie de Netflix explora las afirmaciones de defensa propia de los hermanos Menéndez según lo declarado por su equipo de defensa, quienes afirmaron que sus padres abusaron verbal, física y sexualmente de ellos. 

Al igual que su predecesora, Monsters trata sobre la creación de los monstruos urbanos y los estragos que causan. Pero Monsters también examina cómo estos personajes fueron moldeados no solo por sus circunstancias, sino por la era en la que vivieron. Más que una serie de época, Monsters se ve impulsada tanto por las actuaciones como por las referencias a los años 80 en la que habita, desde las canciones de Milli Vanilli hasta cada cuello levantado meticulosamente.

Pero más allá de los detalles meticulosos, la historia en sí es desigual a su predecesora. Si bien Monsters es directa con sus villanos, hay una clara falta de protagonistas, ya que la serie crea un mundo poblado por personas que carecen incluso de una pizca de empatía. En consecuencia, "Monsters: The Lyle and Erik Menendez Story" crea una dramatización fascinante gracias a las actuaciones exageradas de su elenco, pero no logra alcanzar el nivel establecido por Dahmer. 

Crítica Cinéfila: You, 4ta Temporada

Joe logró escapar de la muerte a manos de Love tras idear un plan arriesgado. Su astucia y frialdad lo llevaron a renunciar por completo a cualquier atisbo de vida familiar, pues también dejó atrás a su hijo. Ahora, se encuentra en un nuevo continente, a donde llegó en busca de Marienne. La aventura por suelo británico lo llevará a convivir con la élite y un montón de personalidades excéntricas, incluido alguien anónimo que podría arruinarle todo el “teatro” y revelar su verdadera identidad.

En este punto, probablemente sepas si el drama de acosadores de Netflix You es para ti. Si eres fanático/a de su premisa perturbadora, la narración de historias por una voz seductora y los giros de alta tensión, la Temporada 4 se mantiene erguida en ese sentido, y hay mucho para deleitar a los espectadores que aman ver al acosador/asesino/persona generalmente terrible Joe Goldberg (Penn Badgley) obsesionado con las mujeres, escapando por poco de la justicia y literalmente saliendo impune del asesinato. Sin embargo, aunque sigue siendo un viaje entretenido, divertido y tremendamente propulsor en su cuarta temporada, y You, en general, sigue siendo uno de los mejores argumentos para el modelo de atracones completos de Netflix que te anima a verlo todo en una sola noche, cuatro temporadas después de You puede indicar que. ya es hora de que incluso aquellos de nosotros que disfrutamos de la serie por lo que es, nos preguntemos si su premisa todavía tiene algo significativo que decir. 

Después de cuestionar los peligros que a menudo pueden acechar detrás de la apariencia pública de supuestos "buenos chicos", criticar las formas insidiosas en que las redes sociales pueden usarse para causar daño en el mundo real, ensartar la vida en los suburbios amigables con Instagram y emparejar a Joe románticamente con un mujer cuyo recuento de cuerpos era considerablemente más alto que el suyo, ¿dónde podría ir la serie en subsecuentes temporadas? Después de todo, ya conocemos los ritmos básicos de una temporada típica: voces en off egoístas, múltiples muertes espeluznantes y escapes muy convenientes por poco de todo, desde vecinos entrometidos hasta agentes de la ley. ¿Cuántas veces podemos ver cómo se desarrolla esta historia?

Para su crédito, You es particularmente hábil para sacar a Joe de situaciones particularmente difíciles, o simplemente ignorar el hecho inconveniente de que la gran cantidad de vidas nuevas que ha construido y casi descubrimientos que ha logrado evitar es bastante ridículo. Pero a medida que la temporada 4 intenta reiniciar la historia de Joe, parece que vale la pena preguntarse: ¿Cuál es el punto de todo esto? Y, quizás lo más importante, ¿cuán cómplices somos como espectadores cuando inevitablemente nos encontramos realmente apoyando a un hombre como Joe Goldberg para que tenga éxito?

You 4 intenta reformular la historia de Joe, esta vez a través de un cambio de ubicación (fingió su propia muerte y se mudó a Europa al final de la temporada pasada) y la introducción de un conjunto completamente nuevo de antagonistas para que él combata en el centro de un escuadrón de aristócratas británicos súper ricos. Con la reciente popularidad de series como The White Lotus y películas como Glass Onion, You 4 llega por casualidad en un momento en que las audiencias están especialmente preparadas para abrazar historias sobre apegarse a los súper ricos. Y así, aunque puede que no tenga mucho sentido, Joe (ahora con el nombre de Jonathan Moore y de alguna manera ha convertido su amor por la lectura en un trabajo enseñando literatura a nivel universitario sin credenciales identificables o currículum para hablar) de repente se ve involucrado como invitado habitual en clubes solo para miembros, cenas exclusivas y fines de semana de caza en las fincas estilo Downton Abbey.

Su nuevo círculo abarca toda la gama de estereotipos variados de personas ricas, incluido el profesor incompleto Malcolm (Stephan Hagan), la conservadora de la galería de arte Kate (Charlotte Ritchie), la heredera ingenua Lady Phoebe (Tilly Keeper), el playboy estadounidense Adam (Lukas Gage), el artista misterioso Simon (Aidan Cheng), su hermana influencer y patrocinadora Sophie (Niddy Lin) y Rhys (Ed Speelers), un luchador de origen pobre con grandes ambiciones políticas. Naturalmente, Joe los odia a todos y a sus diversos parásitos asociados, por lo que inmediatamente se ve obligado a convertirse en una parte íntima de su círculo después de que una noche de borrachera con el grupo da un giro oscuro.

La temporada 4 sacude la dinámica estándar de You al darle la vuelta a Joe, dándole un acosador anónimo que no solo le envía mensajes de texto opacos a través de una aplicación encriptada, sino que parece saber todo sobre él y sigue matando a varias personas en su órbita. Ver a Joe luchando y completamente en la oscuridad es un buen cambio de ritmo después de tres temporadas de verlo dirigir las vidas (y muertes) de tantas personas. Pero también lo coloca incómodamente en el papel de una víctima de una manera que la serie no parece particularmente ansioso o capaz de mirar demasiado de cerca. Sí, su comentario sarcástico sobre por qué su nuevo círculo social rico es terrible es muy divertido de ver, pero también plantea la pregunta de si You ha perdido un poco su camino cuando se trata de su personaje principal. ¿Es realmente Joe alguien a quien alguna vez deberíamos apoyar en esta historia? Por más enfermizamente atractivo que sea, no debería ser apoyado, pues al final del día está recibiendo un golpe de karma merecido.

La serie ciertamente hace todo lo posible para asegurarse de que todas las demás personas en su órbita parezcan tan malas y/o moralmente desagradables como él, y aunque los nobles elegantes, los multimillonarios decadentes y los aspirantes a genios de la tecnología probablemente no sean asesinos en serie: aunque algunos se sienten mucho más cómodos cazando seres humanos de lo que cabría esperar. Sin embargo, de alguna manera, ninguno de los personajes secundarios de la temporada 4 tiene nada parecido a las capas matizadas que hicieron de Love Quinn de Victoria Pedretti un contraste tan convincente para Joe. Todos ellos simplemente son terribles seres humanos y ya.

Estas son todas las personas que parecen no enfrentar consecuencias por nada, que explotan abiertamente a aquellos que consideran inferiores a ellos y que no aportan nada de valor a la sociedad. Son ladrones y mentirosos, chantajistas y adúlteros, y entre ellos, sus familias controlan muchas de las palancas de poder más altas del país. Es dudoso que cualquiera que esté viendo en casa se sienta particularmente triste cuando uno de este grupo muere y la serie en sí parece más interesado en la idea de un "Eat the rich killer" que en la gente que muere.

Por primera vez, Netflix está dividiendo su última temporada de You en dos mitades, dejando a los espectadores con un final que se siente menos como un punto de parada que una pausa, y con muchas cuestiones pendientes sin resolver. El verdadero antagonista principal de Joe se revela al final de esta media temporada, pero los objetivos narrativos más amplios de la historia siguen siendo bastante turbios, por lo que parecería difícil predecir a dónde irán las cosas. 

En fin, la primera mitad fue un poco contraria al drama popular, aunque ocasionalmente controvertido, de Netflix, que eligió al asesino/acosador/persona generalmente terrible Joe como protagonista en un misterio al estilo de Agatha Christie, encargado de descubrir la identidad de "Eat the rich killer" que intenta incriminarlo por una serie de crímenes que no cometió. Su kilometraje puede variar en función de qué tan bien funcionó realmente esta reorganización narrativa en particular, y si posicionar incómodamente al personaje de Joe en el papel de héroe/víctima sin molestarse realmente en interrogar si animar a su audiencia a alentarlo y simpatizar con él es en realidad un buena idea. Y, para ser sincera, la segunda mitad de la temporada no es mucho mejor para responder a este tipo de preguntas. 

La segunda mitad de You Season 4 es ciertamente más entretenida que la primera. Esta serie de episodios es, con un par de excepciones a las que llegaremos en un momento, compulsivamente observable y llena del tipo de giros salvajes y locos que esperamos de esta serie. Pero a medida que los espectadores inevitablemente se dan cuenta de que la mayoría de los eventos que vimos en los primeros cinco episodios de la temporada no se desarrollaron exactamente de la forma en que lo vimos en pantalla, la decisión de Netflix de dividir la temporada a la mitad parece cada vez más extraña. ¿Cuánto más impactantes y/o impactantes habrían sido muchas de estas revelaciones en un mundo donde no había pasado un mes entre ellas? ¿Cuándo los espectadores no tuvieron que esforzarse para recordar los detalles de esas escenas repentinamente clave y desechables? (Supongo que gracias a Dios por los flashbacks narrados, pero... ¿por qué?).

Los últimos cinco episodios de la temporada 4 hacen muchas cosas bien. Afortunadamente, hemos terminado con la mayoría de las tramas secundarias que involucran al nuevo grupo de ricos amigos aristocráticos de Joe. Parte de esto se debe a que varios de ellos están muertos ahora, pero también se debe a que la serie pierde rápidamente interés en sus esfuerzos anteriores de criticar incluso vagamente las vidas de los ricos ociosos. Hay una trama secundaria que mata el impulso por completo que involucra la relación entre la heredera influyente Lady Phoebe (Tilly Keeper) y su novio playboy estadounidense Adam (Lukas Gage), con problemas financieros, que puede o no estar engañándola para obtener acceso a su fortuna, y presenta Greg Kinnear como el padre multimillonario de Kate (Charlotte Ritchie) que intenta controlar la vida de su hija separada desde lejos, pero, afortunadamente, eso es todo. En su lugar, hay más atención en la valiente estudiante universitaria Nadia (Amy-Leigh Hickman), una amante de las novelas policíacas. 

Más importante aún, la serie afortunadamente descarta el extraño encuadre que implica que Joe es una especie de víctima en esta temporada, o que en realidad ha tomado medidas reales para convertirse en una mejor persona, o incluso en una persona terriblemente diferente. Ha vuelto a sus peores formas, y aunque tanto él como la serie pasan una cantidad prodigiosa de tiempo tratando de explicar qué monstruo es, la evidencia visual habla por sí sola. Y en este punto, es difícil argumentar que You sea un "todo podría no estar mejor" si dejara de tratar de darle excusas a Joe de por qué es terrible y simplemente se apoyara completamente en el hecho de que lo es. 

Cuatro temporadas después de esta serie, ¿hay alguien todavía mirando que espera un arco de redención para este personaje, o incluso una explicación coherente para su peor comportamiento? Probablemente no. Sin embargo, por alguna razón, siguen tratando de darnos uno, desde la triste historia de fondo de la infancia que presentaron durante la Temporada 3 hasta las formas en que esta salida actual a menudo parece contentarse con fingir que Joe de alguna manera está siendo impulsado a cometer actos terribles por personas y fuerzas más allá de su control, la serie es extrañamente reacia a reconocer el hecho de que su protagonista no es alguien con quien la audiencia debería simpatizar. Joe Goldberg no debería ser el héroe de nadie. O incluso antihéroe para el caso. 

La temporada se siente más fresca cuando intenta navegar por la nueva relación entre Joe y el querido político Rhys Monrose (Ed Speelers), un hombre que es a la vez su enamoramiento extrañamente cuasi inspirador y su nuevo peor enemigo. La revelación de que Rhys fue en secreto "Eat the Rich Killer" todo el tiempo fue el giro más interesante en la primera mitad de la temporada, y sus últimos cinco episodios son mejores cuando Badgley y Speelers están juntos en la pantalla. La villanía deliciosamente seca y completamente sin disculpas de Rhys, a menudo directamente desquiciada, ofrece la chispa de energía que hemos estado perdiendo del personaje principal de la serie tan a menudo esta temporada y su relación tensa vibra tanto con la amenaza constante de violencia como con un tipo intrigante de tensión sexual que refleja muchas de las formas en que hemos visto a Joe obsesionarse con las mujeres durante el transcurso de la serie.

Su extraña relación es ciertamente más interesante de ver que el romance de Joe con Kate, que se vuelve más aburrido y pedestre con cada escena que comparten la pareja. You parece querer que veamos a Kate como una joven diferente para Joe, alguien que, a diferencia de la ahora difunta esposa Love, quiere alentarlo a ser lo mejor de sí mismo en lugar de permitir sus peores impulsos. Una mujer marcada por las terribles decisiones que su riqueza y privilegios le han permitido salirse con la suya, que en secreto solo quiere la oportunidad de usar esas ventajas para cambiar el mundo para mejor como una especie de penitencia, debería ser un personaje convincente en sí misma. Pero a Kate no le molestan extrañamente las banderas rojas que ensucian la vida de Joe, y aunque la serie ocasionalmente insinúa que ella también tiene el tipo de secretos oscuros que la posicionan de manera única para comprender su deseo de dejar atrás a su antiguo yo, hay poco que su dinero y posición no ha sido capaz de suavizar para ella, por lo que su insistencia en que ella es realmente mala, no es suficiente.

Hay muchas sorpresas entretenidas dentro de la conclusión de la Temporada 4, y más de un momento en el que Joe casi se siente listo para admitir que no es el héroe romántico desinteresado que pretende ser, y que su idea de un código moral es tan retorcida como todo lo demás sobre él. Pero al final, la temporada termina casi exactamente donde siempre lo hace. Eso es técnicamente un spoiler leve, pero no lo es, no realmente, porque esta serie no puede existir si atrapan a Joe, o si se ve obligado a asumir realmente alguna responsabilidad o enfrentar consecuencias duraderas por sus acciones, así que no. Cierto, la temporada 4 presenta un momento tentador, con un par de cameos de estrellas invitadas realmente fantásticas que se siente como si finalmente estuviera listo para ver a Joe responder por su oscura misoginia, pero finalmente regresa al terreno narrativo seguro, lo que significa que es casi ciertamente se renovará para la temporada 5. Y, mira, no estoy diciendo que no la miraré cuando llegue. Pero tal vez sea hora de comenzar a preguntarse: ¿cuánto tiempo puede durar esto?

Crítica Cinéfila: Modelo 77

Barcelona, 1977. Manuel (Miguel Herrán), un joven contable, encarcelado y pendiente de juicio por cometer un desfalco, se enfrenta a una posible pena de entre 10 y 20 años, un castigo desproporcionado para la cuantía de su delito. Pronto, junto a su compañero de celda, Pino (Javier Gutiérrez), se une a un grupo de presos comunes que se está organizando para exigir una amnistía. Se inicia una guerra por la libertad que hará tambalearse al sistema penitenciario español. Si las cosas están cambiando fuera, dentro también tendrán que hacerlo.

Modelo 77 es un duro drama penitenciario español que se convierte en una desahogo de rabia en el pasado, proyectado por Alberto Rodríguez, el director y coguionista. El nativo de Sevilla también hizo el inquietante policía Marshland (2014) y hay similitudes aquí en la captura de un país que intenta dar pasos vacilantes hacia la democracia después de la muerte de Francisco Franco a finales de 1975. La historia de reclusos brutalmente abusados que se unieron a la amnistía al final de un régimen que encarceló a las personas que no le gustaban, desde comunistas hasta homosexuales, y tiraron las llaves de las celdas para nunca ser liberados, tiene un sentimiento de hambre en su representación de una horrible injusticia, aún siendo una película de cárcel convencional en otros aspectos.

Modelo 77 seguro tuvo una fuerte resonancia en España al momento de estrenarse, ya que el país continúa enfrentándose directamente a su pasado reciente. Las escenas de brutalidad y abortos espontáneos en un sistema que ha sido amañado por la élite gobernante en un miserable estado policial proporcionan tanto drama como emoción. De la mano del Director de fotografía, Alex Catalan, Rodríguez logra la hazaña inesperada de hacer que este drama enjaulado sea visualmente impresionante: la prisión Modelo de Barcelona, cerrada en 2017 y ahora un hito histórico, es un obsequio al departamento de localización que la producción está feliz de seguir utilizando.

Es un hecho que un drama de prisión eventualmente se adicionara en un par de compañeros de celda, pero Rodríguez se toma su tiempo para presentar primero a su personaje principal. El orgulloso joven contador Manuel (Miguel Herrán) ha sido encarcelado después de una acusación de fraude por parte de su jefe y no hay esperanza de un juicio inmediato. Desde el principio, Manuel se niega a inclinarse ante los "blisters", los guardias de la prisión que la dirigen como les plazca. Se aferra a su elegante traje de solapa ancha, a pesar de que le cuesta un colchón durante sus primeras dos semanas de aislamiento obligatorio de "desinhabilitación", donde es devastado por insectos, desarrolla un absceso y hace su primera queja formal, lo que lo marca para un castigo aún más brutal.

Es solo una pequeña señal de lo que está por venir, y las condiciones empeorarán a medida que los guardias intenten romper su espíritu. Con una espera de cuatro años incluso para un juicio, el único visitante de Manuel, y la única mujer de la película, es Lucía (Catalina Sopelana), la hermana de su exnovia. Es su única oferta de amistad en el mundo, pero él la rechaza con orgullo. Tampoco va a ceder a los guardias, aunque su continuo desafío será similar al autosabotaje. Manuel es finalmente entregado a su celda, a través del desafortunado El Negro (Jesús Carroza) y el cerrado gruñón  Pino (Javier Gutiérrez).

Manuel decide unirse a la naciente Asociación de Derechos de los Prisioneros, mientras que Pino mira con escepticismo desde sus libros de ciencia ficción y su posición de seguridad. Unas palizas de muerte y castigo llevadas a cabo con impunidad eventualmente llevarán a Pino a apoyar a su compañero de celda, a medida que los disturbios de las prisiones y la estructura de poder se tuercen y se encien.

Inspirado en eventos de la vida real, como ilustran los créditos posteriores a la película, Modelo 77 comienza en 1976, algunos meses después de la muerte de Franco, y termina en 1978, con la esperanza de que es difícil de llegar. El llamativo trabajo de cámara de Catalán se enriquece con todas las recreaciones de esas reclamaciones por la amnistía, como la protesta en el techo que es un punto culminante tanto narrativo como visual, y el fantástico vestuario mantiene una atención en la lucha física por la que pasan los protagonistas de esta historia, reflejando las constantes palizas en la esperanza de los prisioneros que se aplastan despiadadamente. 

Pero quienes verdaderamente se la lucen en esta historia son sus talentos, rostros experimentados en historias de reclamos por justicia, y aquí el experto parece ser Miguel Herrán. Por primera vez, después de años viéndolo como el niñato de Río (La Casa de Papel) y el chulo de Christian en Élite, Herrán interpreta a un personaje mucho más sombrío y maduro, y el clima de la cárcel le da un espacio para explotarse como un actor serio de alto calibre para una visión distinta de los personajes que ya había interpretado.

Los últimos 20 minutos de un tiempo de ejecución de casi dos horas cumplen la larga promesa de suspenso de que sí hay luz al final del túnel. La película vive anunciando que hay un futuro, pero literalmente tienen que taladrarlo por sí mismos. Sin ánimos de dar spoiler, la lucha vale la pena, el twist final es bastante inesperado, y el mensaje es dolorosamente necesario. Una imagen recurrente, vista desde la ventana de la celda, es un signo de neón brillante que insta a "saltar al color"; puede parecer un simple detalle, pero encapsula la visión de Rodríguez de una España que intenta avanzar, hacia la luz.

Crítica Cinéfila: Monster - The Jeffrey Dahmer Story

La historia del monstruo de Milwaukee contada desde la perspectiva de las víctimas y la incompetencia policial que permitió al nativo de Wisconsin emprender una matanza de varios años. 

Uno de los reyes de la televisión del drama criminal se ha enfrentado a una verdadera historia de terror estadounidense con Dahmer/Monster: The Jeffrey Dahmer Story. Creada por Ryan Murphy e Ian Brennan, esta miniserie de Netflix de 10 episodios intenta volver a contar los asesinatos de Dahmer desde el punto de vista de las víctimas, lo cual se convierte en una perspectiva que puede resolver un gran problema con los programas de crímenes reales.

La serie limitada del creador de American Horror Story y American Crime Story , Ryan Murphy, está protagonizada por Evan Peters en el papel principal y sigue los infames asesinatos del Monstruo de Milwaukee, cuyos crímenes abarcaron 13 años, entre 1978 y 1991. Esta no es la primera vez que el público ha visto a Jeffrey Dahmer dramatizado en la pantalla, con el notorio asesino en serie interpretado previamente por Jeremy Renner en Dahmer de 2002 y por Ross Lynch en My Friend Dahmer de 2017. Sin embargo, una técnica de narración diferenciará a Monster: The Jeffrey Dahmer Story de otros espectáculos de crímenes reales.

El primer tráiler de Monster: The Jeffrey Dahmer Story presenta a los espectadores su primer vistazo a la siniestra representación de Evan Peters de Jeffrey Dahmer en la serie, así como a la alumna de Scream Queens, Niecy Nash, al actor de Dear White People, Shaun J. Brown, y al coprotagonista de The Shape of Water, Richard Jenkins. Este también incluye algunas imágenes desgarradoras que sugieren un tono muy oscuro para la serie, incluida una escena en la que el asesino en serie titular acuna un cadáver y otra en la que sirve un sándwich de carne humana, con una versión de fondo distorsionada del éxito de 1982 de Yazoo, "Don't Go". "Monster: La historia de Jeffrey Dahmer", una serie limitada de 10 partes, pondrá a las víctimas y vecinos de Dahmer al frente y al centro, demostrando que Murphy ha tomado medidas para evitar un problema mayor con el género y el estilo de contar estas historias.

El primer episodio es el final de las atrocidades de Jeffrey, cuando su última víctima logra escapar y atrae a la policía hacia el lugar de los hechos. A partir de ahí, cada episodio es un recuento de como Jeffrey y sus víctimas llegaron a ese punto. De una manera morbosa, la audiencia va a crear una leve empatía con el Jeff de Peters, un joven que desde muy chiquito sufrió el abandono de las personas que debían protegerlo, y por eso surgió un apego obsesivo hacia lo que le llamaba la atención. En un momento de la serie él expresa la razón de que exparciera los restos de un cuerpo calcinado, con el propósito de que él lo sintiera presente con él. Ya a partir del 5to episodio, el enfoque toma un giro, y se van distinguiendo que atrae a Jeffrey: lo prohibido o "exótico" (no se da a entender que él eligiera sus "presas" porque eran de razas sociales aún más marginadas en ese momento de Estados Unidos, aunque más tarde si lo acusan de que lo hizo porque sabía que no lo iba a capturar tan fácil por esas desapariciones). 

Cada episodio recorre a Jeffrey desde la perspectiva de víctimas, vecinos, personas allegadas y personas afectadas. La historia en particular que seguro va a conmover aún más a la audiencia va a ser la de Tony Hughes en el episodio Silenced, donde se ve la historia casi completa desde los ojos de este modelo sordomudo que cruzó camino con Jeffrey, y cómo trató de mantener las relaciones con más calma y desarrollo, cambiando el modus operandi y hasta manera de pensar de Jeff. Es un episodio sumamente doloroso, incluso si se ve desde el punto de vista de Tony. Así mismo, la actuación de Nash como Glenda es ese grito de despertar de la serie completa donde demuestra la homofobia y racismo existentes en la comunidad policial, no solo de aquel entonces sino aún en el presente.

Pero a quien verdaderamente hay que reconocerle el trabajo actoral limpio y efectuoso es a Evan Peters, quien ya había trabajado con Ryan Murphy durante todas las temporadas de American Horror Story. Aquí, se adentra tanto en la piel, actitud y ritmo de Jeffrey, que es demasiado creíble. En el último episodio, que sigue el momento de conversión cristiana de Jeffrey, también permite observar que tanto ha reflexionado el personaje sobre sus hechos, y cómo lo que él ha hecho también ha afectado a toda su familia.

Los dramas y documentales sobre crímenes reales, especialmente aquellos centrados en asesinos en serie, a menudo han sido objeto de escrutinio por prestar demasiada atención al asesino y no centrarse lo suficiente en las historias detrás de aquellos a los que le arrebataron la vida. El estilo de narración desde el punto de vista de Monster: The Jeffrey Dahmer Story puede evitar activamente este problema, contando la historia desde la perspectiva de las víctimas, lo que brindará a los espectadores una mirada profunda a la vida de estas personas antes de su prematura muerte y así también la historia de fondo de Dahmer que lo llevó a estas afecciones y atractivos. Esta técnica demuestra que, aunque sigue centrándose en los terribles asesinatos, la nueva serie de Ryan Murphy muestra cierta sensibilidad por las personas afectadas por los crímenes de Dahmer. Monster: The Jeffrey Dahmer Story será potencialmente un pionero para los dramas de crímenes reales en el futuro.

Crítica Cinéfila: Keep Sweet - Pray and Obey

Analiza el ascenso de Warren Jeffs dentro de la Iglesia Fundamentalista de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días y el proceso penal contra él.

Mientras que a las personas les aterran los demonios y criaturas místicas, a mi me aterran los cultos de religiosos radicales, pues muestran un rostro de realidades que coexisten con todas las sociedades, mientras mantienen unas reglas tan extremas que parecen convertirse en barreras morales divisoras; no solo impiden a cualquier persona externa de este religión conocer de ellas, sino también se destacan por una serie de principios que pudiesen hasta violar la integridad, libertad e individualidad de sus integrantes. Keep Sweet: Pray and Obey, una reciente y escalofriante docuserie de Netflix, que explora un culto polígamo secreto en los Estados Unidos, es sin duda un gran ejemplo de este tipo de religiones que todavía se mantiene presente y fuerte entre las sociedades.

Dirigido por la cineasta ganadora de los premios Emmy y Peabody, Rachel Dretzin, esta serie documental de cuatro episodios ofrece a los espectadores una visión en profundidad del culto radical liderado por uno de los líderes más peligrosos de los tiempos modernos, Warren Jeffs. En 2008, en el estado de Texas, los agentes federales encargados allanaron el Rancho de Zion descubriendo relatos repugnantes, impactantes y reveladores que resultaron en que más de 400 niños fueran rescatados del rancho, lo que lo convierte en el caso de custodia de los hijos más grande de la historia de los Estados Unidos.

Con el uso de imágenes y audio nunca antes vistos, nos emprenden el viaje del ascenso y la eventual caída de Warren Jeffs, escuchando relatos detallados y verdaderos de las víctimas, tanto de los buenos como de los malos, del culto, relatos de niñas menores de edad obligadas a casarse con hombres mayores en el estado de Nevada, e historias de mujeres que se vieron obligadas a casarse con familiares a los 14 años. La cantidad de imágenes de bodas presentadas se asemejaban por la presencia de una joven de veinte años casándose con el hombre mayor de 80 años. 

También retrata cómo Warren, después de la muerte de su padre, asumió el control y el poder de religión, y manipuló a sus propios miembros, especialmente a las mujeres en el culto, prohibiéndoles usar vestimentas que no fuesen vestidos y solo permitiéndoles tener el pelo trenzado. Este poder claramente se le subió a la cabeza y todos estaban tan manipulados que incluso tenía el poder desde la cárcel.

Unas de las cosas más horrible es que a estas mujeres, incluso a la edad de 20 años, no se les enseñó qué era el sexo, y no se les enseñó lo que se necesita para procrear, y luego están casadas con hombres que esencialmente las están violando. Este culto estaba llevando a cabo y tolerando el abuso infantil, el tráfico de personas, la poligamia ilegal, en nombre de la religión. Este documental es otra larga lista que demuestra cómo los hombres hacen todo lo posible para usar y abusar de las personas, y de la mayoría de las mujeres. Se puede maquillar con la religión y las ideologías, pero se trata de hombres que controlan a las mujeres y su sexualidad, así como de su educación desde una edad temprana.

Profundizar en la religión es fascinante en este documental. Los mormones fundamentalistas todavía creen que tener varias esposas les garantiza el paraíso, y en esta serie, se da a entender que hay muchas iglesias de ellas en todo el mundo, pero ninguna fue tan extrema como el FLDS. Jeffs utilizó sus creencias mormonas para tener múltiples relaciones con varias mujeres, lo que le llevó a tener un gran número de hijos. A través del control y la manipulación, Jeffs tenía 78 esposas, 24 de las cuales eran menores de edad de consentimiento. 

Aunque la poligamia es ilegal, el gobierno de los Estados Unidos la ve más como una vergüenza que como un delito, por no querer "destrozar familias". En esta serie, no es la poligamia la que se hace responsable, sino la agresión sexual de menores/matrimonios de menores de edad. Se trataba de los periodistas que forzaron por sacar a la luz esta historia y concienciar a la gente, obligando a la policía a involucrarse. Es importante saber que lograron encontrar registros y grabaciones de Warren violando a niñas de 12 años, y ahora está cumpliendo cadena perpetua por agredir sexualmente a dos menores que había tomado como novias polígamas. Es al menos algo sabiendo que vivirá el resto de su vida en prisión, después de todo el dolor y el trauma que ha causado. Pero da miedo pensar que hay gente que todavía cree en Warren y lo sigue, desde la cárcel.

En general, esta es una obra serial destacable. Es apasionante, intensa y profundamente triste. El episodio final posee un contenido intenso que nadie debería perderse. Documentales como este son importantes, ya que educan e informan a las masas y, lo que es más importante, dan voz a las víctimas, con la espera de que pueda darle algún cierre al contar sus historias y liberarse de los traumas que una religión les dio.

Crítica Cinéfila: Clark

Clark Olofsson es un traficante de drogas y ladrón de bancos declarado culpable que reflexiona sobre sus pasadas correrías criminales.

El que ha escuchado del Síndrome de Estocolmo, no imaginará nunca su origen. Tampoco se imaginarán que su origen se debe a uno de los criminales más famosos de Suecia, quien pasó más de la mitad de su vida en la cárcel y aún así siguió hasta que no tenía más energía de hacerlo. Es cierto que no hacen falta series biográficas sobre criminales famosos. Recientemente este año estrenó Inventing Anna, que abrió un mundo de historias sensacionales. Sin embargo, la serie limitada de Netflix Clark apenas ha sido susurrada (no ha recibido la promoción que otras series de menor consideración reciben). Esta serie de tan solo seis episodios es una riqueza cinematográfica y narrativa de alta calidad que no debe ignorarse en absoluto.

En respuesta a la primera referencia de esta crítica, el término "Síndrome de Estocolmo" se acuñó a cómo un atracador logró crear un vínculo afectivo con sus rehénes en un famoso banco, haciendo que estos hasta lo defendieran, un famoso atraco ocurrido en agosto de 1973 y protagonizado por Clark Olofsson, también conocido como el "gángster famoso"; sus víctimas sentían empatía y apego por este hombre, y en la serie se explica muy bien el por qué. La serie en sueco detalla su vida, articulando sus muchas caídas y ascensos, y un punto de vista que también muestra como Clark veía el mundo que lo rodeaba.

No cabe duda que este es un intento serio y exitoso de dar vida al criminal. Si en la vida real era un personaje muy interesante a analizar, en una serie se convierte en un centro de atención dotado y cargado. En cada episodio, se analiza una etapa en la vida de Clark: su familia disfuncional (en gran parte culpable de sus decisiones criminales), el amor hacia su madre y cómo esto influye en su actitud hacia las mujeres, el tacto de cómo manejaba sus crímenes y cómo siempre se salía "con la suya", las relaciones que tuvo y lo que cada una le dejó (él era un hombre enamoradizo, que se acostaba con todo el que le animaba), y las amistades relacionadas a sus delitos, los que eran delincuentes como él y los que fueron motivados a la delincuencia por él.

El primer crimen que cometió Clark Olofsson podría ser descrito como inofensivo. Después de crecer en una familia marcada por el abandono de su padre y las enfermedades mentales de su madre, Clark y sus dos hermanas menores fueron llevadas a un hogar adoptivo. Agobiado por la situación, el joven sueco falsificó la firma de su madre y se liberó de la custodia para inscribirse en una escuela de marineros.

Con tan solo 14 años, Olofsson había engañado al sistema de justicia de su país y se había salido con la suya. Clark Olofsson tenía solo 19 años cuando participó en un robo en el que su amigo mató a tiros a un policía. Robo de bancos, intento de asesinato, toma de rehenes y tráfico de drogas son solo algunos de los delitos en los que se ha visto envuelto Clark Olofsson. Eso fue la constante en su vida, incluyendo el secuestro que inspiró una de las reacciones psicológicas más extrañas: el Síndrome de Estocolmo. Ha pasado gran parte de su vida en prisión, de la que también ha escapado en varias ocasiones (en la serie enfatizan que se escapó 17 veces de prisión). Ha sido la persona más buscada y perseguida de Suecia y la policía lo ha descrito como el criminal más peligroso del país. Ya desde un punto de vista, es un personaje que amerita más que una serie limitada por la complejidad y trasfondo de su historia, lo cual sería de mucho uso narrativo para una serie de streaming.

Aún así, los seis episodios que sí nos dieron están ricos en producción, cultura y tono, trayendo una historia que quiere llegar a la raíz del criminal. Es transparente desde el primer episodio, donde recopila la personalidad del gángster y convencerá a la audiencia de su aura, incluso hará que algunos se pongan de su lado y simpaticen con sus decisiones. Bill Skarsgård interpreta a Clark Olofsson, estafando a una figura tipo muchacho, listo para hacer del mundo un circo. Sus referencias a It están muy presentes, pero es también gran responsable que Clark sea tan complejo. Lo hace sentir real.

La riqueza de la historia es también evidente en la duración de los episodios, la mayoría de los cuales superan los 60 minutos. Clark no intenta atajos en su formato de serie limitada de 6 capítulos y da vida al hombre en su totalidad. La serie ofrece una vista de círculo completo, que muestra por qué era un interés público... sin embargo, es casi como si le faltara. El último episodio crea la sensación de la posibilidad de una segunda temporada, pues a pesar de la carga narrativa que sostiene la serie en su totalidad, el cierre es tan transparente que dejan ese sabor de querer más.

No se puede argumentar que Clark es una experiencia tranquila. Ciertamente no es una de esas series que te puedes ver en un solo día, pero vale la pena la inversión. Definitivamente es el modelo de series limitadas que Netflix debería seguir haciendo, porque saben cómo elegirlas y realizarlas.

Crítica Cinéfila: House of Gucci

Drama criminal en torno al asesinato en 1995 de Maurizio Gucci, nieto del fundador del imperio de la moda Gucci, que apareció asesinado por orden de su exmujer Patrizia Reggiani, conocida como la "viuda negra de Italia".

La película de Ridley Scott es un filme defectuoso que aún así no me habría perdido por nada con toda la anticipación que generó. Lamentablemente, no logra establecerse en un tono constante: demasiado largo e narrativamente indisciplinado mientras se desplaza entre el gran drama y la ópera bufona. Los intercambios ágiles de diálogos recuerdan algunas historias de los 80, cuando las emociones eran tan grandes como las hombreras y el cabello, y los sucesos de mal gusto detrás de la riqueza y la ambición de un imperio empresarial familiar proporcionaban una escandalosa capa para historias de primera plana. La diferencia aquí es que la sórdida saga del amor, la traición y el asesinato se basa en hechos se pierde en una ejecución descuidada. Scott regresa a un territorio similar de riqueza dinástica, crimen y un entorno italiano solo cuatro años después de All the Money in the World, que fue impasible pero al menos competente. Esta vez parece estar dirigiendo episodios de una miniserie con múltiples géneros.

Scott parece extrañamente inseguro de sí mismo aquí, no ayudado por el torpe diálogo del guión peatonal de Becky Johnston y Roberto Bentivegna. Pero no se puede justificar que sea por los desafíos de filmar un drama de conjunto trotamundos que abarca décadas durante una pandemia, y menos aún para un elenco de un calibre impresionante sin escasez de escenografías. Junto con el inevitable y fabuloso diseño de vestuario y producción de época, el punto culminante es la actuación de Gaga.

En una actuación que la mayoría de las veces se marca hasta 110, Gaga ofrece un espectáculo fascinante, que aporta un carisma y un impulso feroz a Patrizia, una contadora de la compañía de camiones de su familia que se casó con Maurizio Gucci en 1972 y ordenó su asesinato en 1995. Incluso cuando está encendiendo un cigarrillo o revolviendo un espresso, Gaga se lanza al personaje con un entusiasmo salvaje. Siempre que está en la pantalla, la película está llena de electricidad. Por el contrario, Driver, en su segundo proyecto consecutivo para Scott después de The Last Duel, está bastante moderado, creando un personaje complejo por medios más matizados. Eso coloca a los dos protagonistas prácticamente en películas diferentes.

Luego están los actores secundarios, liderados por Jeremy Irons como el padre narcisista de Maurizio, el ex actor Rodolfo, con un acento que se desplaza entre el italiano y británico. En otro nivel está el enfrentamiento cómico entre Al Pacino y Jared Leto como el exuberante tío Aldo de Maurizio y su hijo sonso Paolo, respectivamente. Leto gana ese concurso por una milla con una actuación ridiculizada con traje de gordo y prótesis que es simplemente asombrosa, y no en el buen sentido de la palabra. 

Supongo que Gaga y Pacino pueden jugar la carta italoamericana, pero en realidad, House of Gucci no tienen ningún italiano involucrado en la actuación de esta película. Es un infierno de acentos tambaleantes.

Dicho esto, nunca es más divertido que cuando Patrizia de Gaga está tramando con su amiga Pina (Salma Hayek), una psíquica de televisión de bajo costo y una dama de los gatos, para recuperar su cada vez menor influencia dentro de la familia Gucci y, eventualmente, para congelar a Maurizio. Desde su primera aparición, está claro que la película pertenece a Gaga cuando Patrizia atraviesa el depósito de camiones de su padre hacia la oficina, vistiendo un vestido ajustado y tacones, empapándose de los silbidos de lobo y los comentarios lascivos de los conductores con evidente placer. Conoce a Maurizio en una fiesta lujosa en la era disco de Milán y tiene estrellas en sus ojos en el momento en que escucha su apellido.

Ella se interpone en su camino con tanta frecuencia que se ve obligado a invitarla a salir; en poco tiempo le presentará a papá, Rodolfo, hijo del fundador de la casa de moda Guccio Gucci. Ella no puede distinguir un Klimt de un Picasso, pero Rodolfo encuentra a Patrizia encantadora hasta que Maurizio comienza a hablar de matrimonio, momento en el que lo repudia de inmediato. Rodolfo encuentra a Patrizia aceptable como un juguete para su hijo, pero inmediatamente la juzga como una cazafortunas cuando Maurizio la introduce en la familia. Eso sucede en un descarado corte de los dos jorobando locamente en el escritorio de la oficina de Patrizia hasta que ella camina por el pasillo con un elaborado vestido de novia.

En la actuación moderada de Driver, ya sea elegantemente reservada o cautelosa, dependiendo de cómo lo vean, obtenemos un acceso psicológico íntimo a Maurizio a medida que la pasión de los primeros años disminuye y la vulgaridad de Patrizia comienza a irritarse. Esto es notable en la escena de una estación de esquí en St. Moritz con sus amigos ricos, incluida la mujer que reemplazaría a Patrizia, Paola Franchi (Camille Cottin). La bofetada definitiva llega cuando le da a Patrizia una tarjeta de regalo de Bloomingdale's para Navidad. Más de ese tipo de humor astuto podría haberle dado a la película un toque satírico.

Mucho antes de que las fisuras en su matrimonio se vuelvan irreparables, Patrizia empuja a Maurizio a superar su ambivalencia sobre unirse a la empresa familiar, reparando la brecha con su padre justo a tiempo para apoderarse de la participación mayoritaria del anciano en la empresa, aunque con algunos movimientos furtivos. Al principio, encuentra un aliado en el presidente de la compañía, el tío Aldo, mientras van y vienen entre Milán y Nueva York; y se las arregla para trabajar con Paolo, quien tiene la ilusión de ser un diseñador visionario.

No se puede dejar de mencionar al abogado de la familia Domenico De Sole, un papel asegurado en el que Jack Huston apenas se registra, excepto en la medida en que se parece a Tom Ford mucho más que Reeve Carney, quien se convierte brevemente en ese papel.

En la escena de St. Moritz antes mencionada, Patrizia responde a una pregunta sobre los macarrones de merengue que ha traído con un monólogo incoherente sobre un viaje a París con Maurizio. "Estás llenando la historia de detalles innecesarios", le dice en una despectiva cortante. "Solo quieren saber de dónde sacaste los macarrones, cariño". En cierto sentido, eso es lo que hace el guión de Johnson y Bentivegna. Dado que esta es una película y no una miniserie de los 80, está demasiado abarrotada de tramas tan ocupadas que nos siguen alejando del macarrón de la relación que se desmorona de Patrizia y Maurizio. O tal vez es solo que la energía de la película se desploma cada vez que Gaga está fuera de cámara.

Claro, es moderadamente interesante conocer las tribulaciones de Aldo por evasión de impuestos y las artimañas corporativas que lo empujan a él y a Paolo a salir de la compañía cuando Maurizio se asocia con el grupo financiero de Bahrein Investcorp. Pero Scott no puede sacarle mucho jugo a estos desarrollos. Lo mismo ocurre con el cambio de imagen después de que Gucci se haya asociado al prodigio de Texas, Ford (Carney), traído para revolucionar el estilo de la casa, con una aparición misericordiosamente breve de una mala imitadora de Anna Wintour.

A pesar de los fragmentos frenéticos de la trama lanzados entre las pistas musicales de los 80 por Eurythmics, David Bowie, Donna Summer, Blondie, y otros, el ritmo de la película se cuela de una manera increíblemente lenta, incluso cuando debería generar suspenso como el filme anticipado y anticlimático que prometieron. Scott, que se incorporó al proyecto por primera vez en 2006, parece convencido de que está haciendo algo parecido a The Godfather. Pero, en cambio, la acción sigue deslizándose hacia un carácter inadvertido.

El director de fotografía Dariusz Wolski mezcla el brillo con una apariencia de época descolorida para lograr un efecto decepcionante de los 80, pero el diseño de producción de Arthur Max y el vestuario de Janty Yates le agregan muchos de esos detalles lujosos que se esperan cuando uno escucha "Gucci". Al igual que Gaga, que llama la atención en un vehículo que depende mucho más exclusivamente de ella que A Star Is Born, donde el centro de atención se comparte por igual con Bradley Cooper. Su trabajo aquí puede ser masticable, pero está fascinantemente viva en el papel, lo que calienta el hambre de Patrizia y aumenta la desesperación en una película confusa que rara vez se enciende.