Crítica Cinéfila: MaXXXine

Maxine, superviviente de los sangrientos incidentes de X, continúa su viaje hacia la fama para ser actriz en el Los Ángeles de la década de 1980.

MaXXXine, un glorioso himno a la sensualidad escabrosa y el exceso sangriento del "sexploitation" y el terror de los años 80, completa la trilogía de Ti West de exhibiciones estelares para su intrépida musa Mia Goth con una nota deliciosa. Al igual que sus predecesoras, "X" y "Pearl", se trata de una alegre inmersión en los tropos del cine retro con una vívida evocación de la época, esta vez con un reparto secundario de lujo. Como dice la cineasta británica fría como Elizabeth Debicki que le da a Maxine Minx la oportunidad de saltar del estrellato del porno a una carrera más legítima sobre su proyecto de largometraje: "Es una película B con ideas A". Esto se aplica igualmente a la última película psicosexual de West. Si bien nunca descuida el derramamiento de sangre y las vísceras derramadas del terror slasher de manual, cada una de las tres películas distintivas pero cohesivas (el guionista y director no ha descartado una cuarta) funciona como un homenaje cariñoso a la estética cinematográfica de una era en particular.

"X", ambientada en el país de La Masacre de Texas con un aire oscuro y sucio a grindhouse, cuenta la historia de un equipo de filmación amateur que filma una película porno en una casa rural a fines de los años 70, hasta que sus marchitos anfitriones de Holy Roller se enteran de lo que está sucediendo en el granero. "Pearl" retrocedió en el tiempo hasta 1918 para conocer la historia de fondo de la esposa del granjero, cuando la juventud y la belleza estaban de su lado y sus sueños de estrellato aún estaban intactos, mezclando el estilo exuberante de un melodrama de mediados de siglo con el de los musicales en Technicolor.

Goth cumplió una doble función en "X", interpretando a Maxine, la novia y estrella del director de películas para adultos, y a la bruja homicida Pearl. En la siguiente película, se metió en la piel de la joven Pearl, que se irritaba bajo las restricciones de su madre opresiva mientras anhelaba la fama y descubría su voraz libido. En un momento memorable, se sube a un espantapájaros para divertirse sexualmente, una escena típica de la inclinación de West por los guiños, dado que la obra porno de "X" se titulaba "The Farmer's Daughter".

La nueva entrega, ambientada en 1985, retoma la historia de Maxine, una mujer de unos 30 años que está en la cima como una auténtica estrella del floreciente mercado del porno en vídeo y que se pasea por Hollywood en un descapotable con matrícula de vanidad “MaXXXine”, aunque todavía tiene que complementar su trabajo en el cine para adultos con un espectáculo erótico. Tomó como base el caso de un asesino en serie apodado "the Night Stalker" que aterrorizaba Los Ángeles, atacando a mujeres jóvenes. Pero Maxine insiste en que puede cuidar de sí misma, lo que demuestra dándole una dolorosa lección a los testículos de un asaltante que le apunta con un cuchillo vestido de Buster Keaton (Zachary Mooren). 

Los asesinatos de Night Stalker han avivado las llamas de los cruzados de los valores familiares que protestan contra la violencia y la obscenidad que inundan el mercado del entretenimiento, y West (que también editó) enfatiza ese clima de histeria moral al incluir un clip rápido del líder de Twisted Sister, Dee Snider, llegando a testificar ante un comité del Senado en oposición a la censura de la industria musical.

El atractivo de la celebridad y la intersección pegajosa entre lo carnal y lo espiritual han sido una corriente subyacente que recorre la trilogía. Es lógico que la película casera en blanco y negro que sirve de prólogo a MaXXXine (en la que una niña baila mientras su padre predicador, fuera de cámara, le asegura que será la estrella de su iglesia) tenga ecos espantosos de la actualidad. “No aceptaré una vida que no merezco”, dice la niña, repitiendo obedientemente el credo de su padre. 

La película propiamente dicha comienza mientras observamos desde el interior de un estudio de sonido a oscuras cómo Maxine abre las puertas y entra con confianza bajo una cascada voluminosa de cabello, en un top de mezclilla con escote halter y jeans a juego con botas de tacón de aguja. Lee para el papel principal en "The Puritan 2", un thriller de posesión demoníaca que la ambiciosa directora Liz Bender (Debicki) pretende que sea su trampolín desde los videos desagradables a los proyectos convencionales. Maxine también lo ve como su vehículo de transición. Naturalmente, clava la audición, burlándose alegremente de la fila de rubias afuera diciéndoles que están perdiendo el tiempo. Liz exige el compromiso total de Maxine, pero eso resulta un desafío cuando siguen apareciendo distracciones no deseadas, y entre ellas, los destellos de recuerdos traumáticos del pasado.

Dos de sus amigas del mundo del porno, Amber (Chloe Farnworth) y Tabby (Halsey), son vistas por última vez cuando se dirigen a una fiesta en Hollywood Hills, organizada por un misterioso productor. Maxine recibe una grabación anónima en video de una violencia perturbadora, y dos detectives, Williams (Michelle Monaghan) y Torres (Bobby Cannavale), comienzan a presionarla para que comparta información mientras las víctimas relacionadas con ella comienzan a multiplicarse.

Peor aún, el sórdido investigador privado de Louisiana John Labat (Kevin Bacon) se convierte en una molestia, actuando como mediador para un cliente misterioso que inicialmente solo se ve como un par de manos apretadas con guantes de cuero negro. El abogado de Maxine, Teddy (Giancarlo Esposito), demuestra ser útil para lidiar con las plagas, lo que resulta en una de las muertes más espectaculares de la trilogía. Pero la valentía de Maxine finalmente la lleva a una situación donde se enfrenta cara a cara con su pasado.

La sensibilidad de West para el tiempo y el lugar es impecable, desde la sordidez vulgar y llamativa del Hollywood Boulevard de aquella época, con su variedad de punks, fenómenos e imitadores de famosos, hasta el “pánico satánico” de fuego y azufre del demente clímax. Hay humor en el uso de lugares famosos, desde una acción estratégica que se desarrolla alrededor del cartel de Hollywood hasta un estreno llamativo en el Chinese Theater; desde la casa de Psicosis que todavía se encuentra en el backlot hasta una toma de la bota de Maxine apagando un cigarrillo en una estrella del Paseo de la Fama.

Cuando dos víctimas de asesinato aparecen en el cementerio Hollywood Forever, un policía informa a Williams y Torres: “Un par de homosexuales que rondaban la tumba de Judy Garland encontraron los cuerpos”. Ese es uno de los muchos diálogos que recuerdan a la época (aunque es históricamente incorrecto dado que los restos de Garland recién fueron trasladados allí en 2017). Las habilidades de West en el género se combinan con su preferencia por el aspecto y la sensación de las películas B de los años 80, una referencia inequívoca que, no obstante, trasciende el pastiche.

Cuenta con la inestimable ayuda del director de fotografía de la trilogía, Eliot Rockett, que consigue algunas secuencias fascinantes, sobre todo al principio, cuando Maxine sale de su coche y entra en un estudio pornográfico, sacando una dosis de cocaína de un tarro de galletas de gran capacidad mientras se prepara para rodar una escena de enfermera traviesa. Otra gran secuencia muestra a Liz y Maxine dando vueltas por el estudio en un carrito de golf, ofreciendo comentarios casuales sobre las líneas borrosas entre la realidad y la ilusión en Hollywood. La película cambia atmosféricamente entre la abrasadora luz del día y los sombríos paisajes nocturnos, marcados aquí y allá con luces de neón.

El hábil uso de cortinillas, pantalla dividida y cambios de relación de aspecto también evocan el estilo cinematográfico de la época, al igual que la sabrosa escenografía y el diseño de vestuario de Jason Kisvarday y Mari-An Ceo, respectivamente. Los nostálgicos devorarán los éxitos de la banda sonora, entre ellos los temas de ZZ Top, New Order, Judas Priest y Kim Carnes, junto con el indispensable ritmo synth-pop de “Obsession” de Animotion. Y la escalofriante banda sonora de Tyler Bates ayuda a aumentar el suspenso.

La película saca mucho partido de su reparto. Debicki es una mujer decidida, determinada a dejar su huella en un mundo que sigue siendo de hombres; Esposito, un agente sospechoso que protege paternalmente a su cliente; Monaghan y Cannavale establecen una dinámica vivaz entre los socios de la ley, con Williams como la inteligente y sensata, y el actor fracasado Torres como el más impetuoso; y Bacon le da un mordisco al sucio y sudoroso Labat con gusto y un gran acento N'Awlins, mientras bebe un Bloody Mary o un trago de una botella de Pepto Bismol.

Halsey es una buena Debi Mazar en su breve papel, mientras que Lily Collins es divertida como una trasplantada de un barrio residencial de North Yorkshire que tuvo su oportunidad en la primera película puritana, el músico y actor Moses Sumney tiene un atractivo relajado como el amigo de Maxine de la tienda de videos de abajo, y Simon Prast se destaca con un papel clave que es mejor mantener como una sorpresa.

En definitiva, por supuesto, este es el show de Mia Goth y los fans no lo cambiarían por nada. Es una presencia magnética que fortalece su autoridad como una nueva raza de reina del grito, lo suficientemente dura para repartir castigos y también para recibirlos.

En el espacio de tan solo dos años, la actriz y su director han preparado una trilogía de películas de terror sumamente entretenida que hace guiños al pasado mientras avanza hacia el metafuturo, ensartando deliciosamente la búsqueda de la fama y el atractivo del deseo con una visión subversiva de la cosificación femenina y una efusión de amor por el arte de hacer películas. Mientras Maxine se corta una raya de cocaína con su tarjeta de SAG, es posible que desees que no hayamos visto lo último de ella.

Crítica Cinéfila: The Crown, 6ta temporada - 1ra parte

La última temporada de la serie de Netflix se divide en dos mitades, y la primera se centra en la muerte y el legado de la princesa Diana. La primera parte, que tiene lugar en 1997, sigue las últimas ocho semanas de la vida de Diana. 

El segundo episodio de la nueva temporada de The Crown comienza con un hombre que nunca antes habíamos visto. Es el verano de 1997 y el fotógrafo italiano Mario Brenna se prepara en su estudio para otro día de trabajo como paparazzo. "Todo el mundo quiere fotos de celebridades", explica Brenna (Enzo Cilenti). “Es difícil conseguir el tiro correcto. Tienes que ser como cazadores. Asesinos”. En unos días, alquilará un barco y utilizará un teleobjetivo para tomar fotografías de la princesa Diana (Elizabeth Debicki) y Dodi Fayed (Khalid Abdalla) en un yate que pensaban estaba alejado de los lentes curiosos.

A unas 1,600 millas al norte, un caballero bigotudo llamado Duncan Muir (Forbes Masson), fotógrafo profesional y “orgulloso isabelino”, espera pacientemente en una fila de prensa en la campiña escocesa, tomando tranquilamente fotografías de la Reina (Imelda Staunton) mientras se desvela una placa en un majestuoso edificio de ladrillo. 

Estos dos mundos (el caos claustrofóbico de la vida de Diana como presa de los paparazzi y la burbuja cómoda y controlada de la vida de la reina Isabel) chocan violentamente en la sexta y última temporada de The Crown de Netflix. El drama histórico de Peter Morgan, que narra el breve romance de Diana y Dodi y su impactante muerte en una persecución en automóvil en París, adopta un enfoque melancólico, cuidadoso y comedido de una de las tragedias más trascendentales de la familia real moderna.

Casi un año después de que finalizara su divorcio del príncipe Carlos (Dominic West), Diana sigue siendo una de las mujeres más famosas del mundo, quizás superada sólo por su ex suegra. A pesar de su éxito recaudando dinero y creando conciencia para varias organizaciones benéficas, la Princesa de Gales admite ante el Primer Ministro Tony Blair (Bertie Carvel) que se siente a la deriva sin un papel oficial. La reina Isabel no se conmueve. “Como mujer divorciada, Diana ahora está aprendiendo la diferencia entre estar oficialmente en la familia real y fuera de ella”, señala. Aún así, todo lo que hace la princesa afecta a la familia real. En una reunión familiar, se informa a la realeza que la “amistad” de Diana con Dodi podría ayudar a su padre, Mohamed Al-Fayed (Salim Daw), a conseguir su tan deseada ciudadanía británica, aunque la Reina no tiene ningún interés en darle al llamativo empresario egipcio el imprimatur social que tan claramente anhela. 

En cuanto al príncipe Carlos, a su ofensiva de encanto destinada a lograr que el público acepte a Camilla Parker Bowles (Olivia Williams) le falta un apoyo clave: su mamá. Después de que la princesa Margaret (Leslie Williams) regaña a Isabel por negarse a asistir a la fiesta del 50 cumpleaños de Camilla, la reina se pone inquieta. "No quiero que me consideren desagradable", le dice enfadada al príncipe Felipe (Jonathan Pryce). "Porque no soy." Es un claro presagio de las críticas públicas que enfrentará nuevamente, en una escala mucho mayor, después de la muerte de Diana y Dodi.  

Morgan y su equipo han trabajado mucho antes de esta nueva temporada para asegurar a los espectadores que The Crown manejarán los últimos días de Diana (y el accidente dentro del túnel Pont de l'Alma de París que la mató a ella y a Dodi) con sensibilidad y dignidad. No lo discutiré aquí. El accidente en sí ocurre fuera de cámara, y aunque en la vida real algunos paparazzi macabros tomaron fotos de Diana mientras agonizaba, aquí el cuerpo de la princesa nunca aparece en la pantalla. Morgan deja caer el audio de la breve escena de la madrugada en la que Carlos informa a sus hijos pequeños, los príncipes William (Rufus Kampa) y Harry (Fflyn Edwards), que su madre ha muerto; lo menos que podía hacer por respeto a sus familiares que aún viven, para claramente no asumir lo que realmente se dijo en ese momento. 

Quizás la forma más notable en que The Crown honra a Diana en estos episodios es evitando la tentación de convertirla en una santa. La princesa es retratada como perseguida e inquieta, una mujer impulsada por los impulsos y una “adicción al drama”, como lo afirmó sin rodeos su terapeuta, Susie Orbach (Kate Cook), durante una de sus llamadas telefónicas en el barco a la costa. Diana y Dodi se sienten atraídos el uno por el otro como compañeros complacientes que han pasado toda su vida buscando la aprobación de sus padres desconfiados. Dicho esto, es un poco angustiante con qué naturalidad The Crown presenta a Mohamed como un villano manipulador y egoísta al que no le importa nada la felicidad de su hijo hasta que es demasiado tarde. (El verdadero Mohamed Al-Fayed murió en agosto a la edad de 94 años). 

Morgan describe la relación de Diana y Dodi menos como un gran romance y más como una amistad amorosa y llena de risas: un refugio para dos personas solitarias acosadas por presiones externas extraordinarias. Abdalla y Debicki inspiran el vínculo entre Dodi y Diana con su química cálida y afectuosa, que también impregna sus muchos momentos de tierna vulnerabilidad. 

El mayor paso en falso de The Crown se produce en el episodio 4, "Aftermath", que abarca los seis días posteriores al accidente. Mientras el país se recupera de la noticia de la muerte de Diana, los británicos inundan las calles alrededor del Palacio de Buckingham para llorar y colocar miles de flores en su memoria. Sin embargo, para la familia real, la Princesa del Pueblo aún no se ha ido. Diana - su memoria, su espíritu, su fantasma – se le aparece a Carlos y más tarde a Isabel para mantener conversaciones breves y sinceras, ofreciéndoles consuelo y orientación, aunque no del todo absolución. 

Es un extraño vuelo de fantasía para una serie que maneja la mayoría de los eventos en la vida de la familia real con un realismo fundamentado, aunque ficticio. Pero supongamos que no importa cuántas veces digamos adiós a la princesa Diana, nunca es más fácil, y tal vez Morgan esperaba que estas visitas espirituales brindaran a los espectadores algún tipo de cierre. En cambio, el clímax emocional llega un episodio antes, durante la última cena juntos de Diana y Dodi en el Ritz de París. Solos en una suite sin cámaras a la vista, los amigos cuentan sus verdades más incómodas, desafiándose mutuamente a enfrentar sus debilidades y realizar cambios muy necesarios en sus vidas. Es un momento de paz serena y curativa en medio de una vorágine mediática implacable, y el final feliz que merecía la princesa Diana. 

A ley de días de ver el cierre total de esta serie, también significa el cierre de emociones hacia la familia real, una que en la vida real se ha enfrentado a grandes cambios posterior a la muerte de la Reina Isabel II y la coronación del Rey Carlos III. De una manera u otra, también permite un cierre a su audiencia para alejarse de un drama familiar que merece finalmente una tranquilidad alejada de los imaginarios de sus fanáticos. Lo único que me consuela es la idea de volver a visitar una y otra vez una serie que enseña historia con lágrimas y risas de nostalgia añadidas. Es lo más cerca que siempre estaremos de la realeza.

Crítica Cinéfila: The Crown, 5ta temporada

Basada en la exitosa obra de teatro de Peter Morgan, "The Audience", cuenta la historia de la última reina de Inglaterra, Elizabeth II, y de la relación entre dos de las direcciones más famosas del mundo: el Palacio de Buckingham y el número 10 de Downing Street, con las intrigas, amores y maquinaciones detrás de los eventos que forjaron la segunda mitad del siglo XX.

La quinta y penúltima temporada de The Crown, la nueva temporada publicada desde la muerte de la reina Elizabeth II y el príncipe Phillip, ve una conflictiva Casa de Windsor en la encrucijada entre un pasado tradicionalista o un futuro progresista, algo que se está viendo bien presente en la situación actual de esta familia real. La monarquía está en su punto más bajo desde la abdicación de Eduardo VIII. Los padres no entienden cómo sus hijos resultaron como lo hicieron, los cónyuges se han distanciado y el público está cada vez más frustrado por los costos exorbitantes de mantener una familia real plagada de escándalos ampliamente vista como fuera de lugar. La supervivencia de la monarquía parece estar en juego en cada epiosodio de esta temporada. Los arrepentimientos y las represalias ocupan un lugar central. Con un compendio de varios momentos históricos importantes y la introducción de un elenco principal completamente nuevo, la quinta temporada parecería tener mucho que equilibrar, algo que su showrunner Peter Morgan y su equipo lo logran todo con la gracia, la consideración y la gravedad que siempre se espera de esta serie.

Hay un sombrío reparto narrativo durante toda la temporada: la finalidad y el cambio siempre están presentes, desde el colapso del matrimonio de Charles y Diana hasta el desmantelamiento del Royal Yacht Britannia, el final del dominio colonial de Hong Kong, hasta el incendio en el castillo de Windsor. La generación más joven siente que ha llegado su momento de brillar mientras los ancianos ven a sus sucesores como imprudentes y poco preparados. Esta división generacional se desarrolla no solo dentro de la familia real, sino también en otros ámbitos cercanos, como la familia Al-Fayed y la BBC. El simbolismo en torno a este tema se torna redundante por momentos, pero insisto que lo hace más acorde al tiempo que actualmente se vive. 

El tema del pasado frente al futuro se desarrolla de manera más dramática entre Charles y Elizabeth en múltiples frentes, desde que busca el divorcio de Diana hasta su impulso cada vez más agresivo para que la monarquía se modernice y refleje mejor la Gran Bretaña de la década de 1990. Por su parte, la Reina sigue siendo firme, de hecho, inamovible, en su deber de toda la vida de defender las tradiciones y el papel de la monarquía en la sociedad británica. Ninguna de las partes parece estar dispuesta a ceder. Por desgracia, los acontecimientos están fuera incluso del control de Elizabeth, ya que finalmente aprueba el divorcio de Charles y Diana, un movimiento a regañadientes contrario a sus creencias como esposa, madre, monarca y soberana de la Iglesia de Inglaterra. Ella está en un mundo que ya no reconoce y siente una mayor presión para poder controlar la prensa, los políticos, el público e incluso al Príncipe de Gales. Como se muestra aquí, Charles es sin duda ambicioso, pero también está frustrado por el purgatorio dorado que se ha convertido en su vida de mediana edad. Está inquieto y quiere vivir una vida con propósito y amor, y su madre se interpone en el camino.

Imelda Staunton y Dominic West ofrecen actuaciones matizadas y conmovedoras como Elizabeth y Charles. La simpatía de los espectadores sin duda estará con Elizabeth, ya que ahora es una dulce señora abuela y Charles es un marido frustrado y fracasado, pero él no es un monstruo. Aunque West no se parece en nada al verdadero Charles, su actuación y la escritura lo hacen de carne y hueso y comprensible. El Charles de la temporada 5 es en varias ocasiones un pésimo marido de su primera esposa, un compañero devoto de su futura segunda esposa Camilla Parker-Bowles (Olivia Williams) y un defensor genuinamente apasionado de los problemas sociales. 

Charles de la temporada 5 cree que la monarquía debe reflejar lo que saben sus súbditos modernos, que es el divorcio y la disfunción. Del mismo modo, la temporada 5 tampoco está del todo en la esquina de la princesa Diana, ya que sus propios errores de juicio entran en juego; sin embargo, en todo momento es una figura comprensiva y vulnerable que solo quiere desesperadamente el amor y la compañía que Charles nunca iba a proporcionar, ya que Camilla siempre fue la mujer que él amaba y con la que quería casarse. Casarse por amor en lugar de por deber es una línea importante esta temporada, desde Charles, la princesa Ana, hasta la princesa Margaret con su amado Peter Townsend).

Entre un elenco tan formidable, Elizabeth Debicki se encuentra por encima del resto, su Diana se cierne literal y figurativamente sobre la familia real que siente que nunca la respetó. Debicki clava la voz y las expresiones faciales de Diana, con más parecido con la verdadera Princesa de Gales que muchos otros actores que la han interpretado. Su Diana es, al igual que Charles de West, un ser humano complicado y defectuoso capaz de una serie de reacciones dadas las circunstancias. Puede ser coqueta e ingeniosa para romper el hielo o angustiada y despreciada cuando se le hace daño. Es una madre devota y una figura pública que muestra una verdadera y profunda compasión. La breve relación de Diana con el cirujano cardíaco Dr. Hasnat Khan está representado aquí, pero Debicki y su compañero de escena Humayun Saeed no comparten mucha química, y tal vez eso sea intencional. Diana está tan desesperada por una pareja amorosa que abruma a este hombre consumado pero ordinario, que se queda preguntándose en qué se ha metido una vez que se emite la notoria entrevista de Diana en la BBC. 

Mohamed Al-Fayed (Salim Daw) y su hijo Dodi (Khalid Abdalla) se presentan en el episodio 3, titulado "Mou Mou", uno de los más fuertes de los 10 episodios de esta temporada. El ascenso de Mohamed al poder y la riqueza se establece rápidamente; este es un hombre que quiere que el mundo, específicamente, el mundo británico blanco de los ocupantes de su Egipto natal, lo respete. Él tratará y gastará lo que sea necesario para conseguir un asiento en la mesa (o, en este caso, The Royal Windsor Horse Show). Por su parte, Dodi quiere el respeto de su padre y que cumpla sus propias ambiciones, que gana brevemente al producir "Chariots of Fire" a Mejor Película en los Oscars del 1982. Mientras que el trágico romance de Dodi y Diana debe esperar hasta la temporada 6, esta quinta entrega explora cuidadosamente quiénes son los Al-Fayeds, qué quieren y cómo llegaron a su posición.

El colonialismo, el racismo institucionalizado y el clasismo son evidentes en este tercer episodio, pero su punto culminante es la tierna amistad entre Mohamed y su criado Sydney Johnson (Jude Akuwudike), que anteriormente había servido durante mucho tiempo como valet personal de Eduardo VIII después de su abdicación. El prejuicio inicial de Mohamed contra Sydney, que es negro, disminuye una vez que se entera de su trabajo anterior. Con Sydney como su mentor y valet, Mohamed aprende a convertirse en "un caballero británico" para obtener acceso y respeto del establecimiento blanco. El fascinante Sydney Johnson, que apareció brevemente en la temporada 3, finalmente se lo consigue aquí.

Otros destacados de la temporada 5 incluyen al discreto primer ministro del Reino Unido de Jonny Lee Miller (John Major) y Natascha McElhone como la confidente del príncipe Phillip, Penny Knatchbull, quienes congenian rápidamente con giros comprensivos mientras las personas se sienten atraídas a los asuntos más personales de la familia real. Asumiendo el papel de la princesa Margaret, Lesley Manville hace un trabajo absoluto de su confrontación embriagada y atrasada con su hermana Elizabeth por negarle a casarse con el amor de su vida, Peter Townsend (Timothy Dalton). La relación entre Margaret y Elizabeth es posiblemente la piedra angular de toda la serie, una que permite ver a menudo tanto a la Princesa como a la Reina en su forma más humana y juguetona, especialmente aquí durante una llamada telefónica nocturna para arreglar las cosas después del arrebato de Margaret.

Jonathan Pryce impregna a la envejecida encarnación del príncipe Phillip con medidas iguales de arrogancia y feroz curiosidad. Ha hecho las paces con su estación y está totalmente dedicado a su esposa y a la monarquía, incluso si ahora quiere andar en carruajes con la hermosa esposa de su ahijado, Penny. Un episodio muestra sus lazos con la familia real romana de Rusia asesinada y cómo el ADN de Phillip puso en el cierre al misterio de décadas, un giro de los acontecimientos que renace los resentimientos enterrados que tiene hacia su amada esposa. Cada uno de los personajes principales de esta temporada tiene su propio episodio dedicado para brillar y este mostró la complicada relación del Duque de Edimburgo con "el sistema".

La mayor bomba histórica cubierta en la temporada 5 es la infame entrevista de Diana con Martin Bashir (Prasanna Puwanarajah) de la BBC, en la que no solo confirmó la larga aventura de Charles con Camilla, sino que también parecía poner en duda la capacidad de Charles para servir algún día como rey. En los últimos años se ha expuesto lo retorcido que Bashir y, por extensión, la BBC estaban engañando a Diana para que hiciera la entrevista. Bashir forjó documentos y teorías de conspiración, basado en las ansiedades de Diana para anotar la entrevista de su vida. No es solo la BBC la que se ve en el infierno; los medios británicos en general se describen como desfavorables y depredadores durante toda la temporada.

Ambientada en un telón de fondo de transición, tensión, romance y remordimiento, la quinta temporada de The Crown explora con simpatía los corazones rotos, el deber contra el deseo y la búsqueda del amor por encima de todo, con la introspección y la elegancia que los fanáticos esperan del showrunner Peter Morgan, incluso si las metáforas se establecen bastante gruesas aquí. El elenco permanente final de la serie lo entrega con mucha altura, siendo los grandes destacados Elizabeth Debicki como la princesa Diana, Salim Daw como Mohamed Al-Fayed, Lesley Manville como la princesa Margaret y Jonny Lee Miller como John Major.

Crítica Cinéfila: Tenet

Armado con tan solo una palabra –Tenet– el protagonista de esta historia deberá pelear por la supervivencia del mundo entero en una misión que le lleva a viajar a través del oscuro mundo del espionaje internacional, y cuya experiencia se desdoblará más allá del tiempo lineal.

Algunas películas están siendo enviadas a plataformas de streaming y otras se están reteniendo hasta el invierno y más allá, pero Warner Bros. ha mantenido su plan de que "Tenet" debería ser un éxito del año sin importar la temmporada donde esto ocurra. Esta es una estrategia arriesgada, dado lo nerviosas que pueden estar las personas por sentarse en una sala con un grupo de extraños durante dos horas y media, pero la extravagancia de ciencia ficción de Christopher Nolan tiene el espectáculo y la grandiosidad apocalíptica de la "película de eventos" para tentar a la gente a ir a los cines. Sin embargo, simplemente no ha ocurrido y Tenet ha salido en digital, claramente demostrando que era mejor esperar a ir una sala de cine.

Hay una razón sólida por la que “Tenet” podría generar ganancias: aunque no muchas personas paguen por verlo, algunas de esas personas pagarán por verlo una y otra y otra vez con la esperanza de que, eventualmente serán capaces de averiguar qué está pasando. Creanme... ya la he visto 3 veces.

"Tenet" provoca mucha confusión, dibujos en el cuaderno para conectar hilos sueltos y hasta análisis de discusión más profundos que Inception, pero en el fondo está la idea simple, aunque extravagante, de que algunos objetos misteriosos se mueven hacia atrás en el tiempo a la misma velocidad que todo lo demás avanza. Un agente de la CIA no identificado al que le llaman el protagonista (John David Washington) recibe información sobre estos objetos por parte de una científica (Clémence Poésy) que sabiamente le aconseja: “No intentes entenderlo". Más allá de la historia, también es un consejo para la audiencia.

Si intentara entenderlo, probablemente se reiría en su cara, pero Nolan se sale con la suya con su ilógico concepto central, como lo hizo en “Inception”, al hacer que todos sus personajes lo acepten sin dudarlo. En cuanto la científica le muestra al protagonista una bala que entra en el cañón de un arma en lugar de salir de él, hablan de “material invertido” y “municiones invertidas” con la cara seria, y en el caso de Poésy, un aire irritable de aburrimiento como que esto es muy obvio.

La búsqueda de la fuente de estos dispositivos para rebobinar el tiempo lo lleva a un traficante de armas ruso (Kenneth Branagh) con una esposa miserable (Elizabeth Debicki). Pero antes de que alguien pueda abordar el tema de las "municiones invertidas", el Protagonista tiene que embarcarse en varias otras misiones con sus fondos aparentemente ilimitados y su increíblemente capaz compañero británico (Robert Pattinson).

“Tenet” es una de esas ingeniosas fantasías de cumplimiento de deseos en las que alguien dirá que necesita cuatro camiones, 10 hombres y una maleta llena de explosivos para llevar a cabo un atraco, y en la siguiente escena, todo lo que ha pedido será listo y esperando. Ningún equipo no está disponible; no hay secuaces detenidos en la aduana. El diálogo se reduce a una exposición superficial, y los personajes saltan de India a Italia, de Noruega a Ucrania tan fácilmente que bien podrían tener un teletransportador escondido junto a sus municiones invertidas.

En otras palabras, "Tenet" es un brillante thriller de espionaje internacional que, como "Inception", rinde un elaborado homenaje a la serie de James Bond. Nolan ofrece casi todo lo que podrías esperar del género, desde lugares magníficamente pintorescos hasta frenéticas persecuciones de autos, desde brutales peleas en restaurantes y cocinas hasta, lo mejor de todo, un salto en bungee hacia arriba en lugar de hacia abajo en un rascacielos de Mumbai.

También ayuda que el arrogante Washington y el sonriente Pattinson hagan un doble acto agradable. Pero todo sucede tan rápido, con explicaciones tan breves y tan poco espacio para respirar, que la historia es difícil de seguir y, por lo tanto, difícil de cuidar. Los espectadores descubrirán de repente que no están interesados ​​en la acción porque todavía están confundidos acerca de por qué todos estaban discutiendo sobre plutonio y algoritmos en la escena anterior, y quiénes eran todos en el enfrentamiento de apertura de la ópera. Y eso es antes de que lleguen al viaje en el tiempo. Lo siento, yo sigo igual de confundida.

Nolan, quien escribió y dirigió "Tenet", mantiene el "material invertido" como un diálogo tan vago durante casi dos horas, concentrándose en cambio en la batalla de ingenio entre el Protagonista y el oligarca ruso. Es solo en la última media hora que finalmente se enfoca en esos momentos temblorosos y tambaleantes. El resultado es, de nuevo, tan apresurado que resulta incomprensible. En el camino se puede disfrutar de una divertida y desconcertante diversión. Como lo hizo en "Memento", Nolan dobla la narración para que tengas que pensar de nuevo en escenas anteriores, y emplea una de las técnicas cinematográficas más antiguas y fascinantes: ejecutar el metraje al revés.

Pero, para citar a la científica, "No intentes pensar en eso". Las reglas del viaje en el tiempo parecen reescribirse con cada escena, y la pieza culminante involucra a multitudes de comandos idénticos, sus rostros ocultos por cascos, lanzándose por un polvoriento campo de batalla donde el tiempo retrocede, avanza y posiblemente ande de lado simultáneamente. Es emocionante ver cómo los edificios se derrumban y luego se vuelven a ensamblar inmediatamente después, pero si los tres períodos de tiempo simultáneos en "Dunkirk" o la estructura mezclada de "Memento" te desconcertaron, entonces "Tenet" te hará suplicar.

No hay muchos directores a los que se les confíe una producción tan masiva. Debe celebrarse la ambición de Nolan. Pero es difícil deshacerse de la sospecha de que "Tenet" equivale, en última instancia, a una imitación de Bond con un truco de ciencia ficción.

Puede que se haga eco de la astucia de "Looper" de Rian Johnson en su vertiginoso desprecio por la cronología lineal, pero la trama es más confusa que compleja, con menos que decir sobre el flujo del tiempo como lo lograron "Interstellar" o "Memento". Al final, "Tenet" no es una de las películas más satisfactorias de Nolan, y no lo digo porque no la haya visto en una sala de cine, como debió haber sido, sino porque la narrativa parece estar en contra de la comprensión humana. Pero después de haberlo visto cuatro o cinco veces más, tal vez cambie de opinión.