Crítica Cinéfila: The Handmaid's Tale, 4ta temporada

June contraataca a Gilead como una feroz líder rebelde, pero los riesgos que corre le traen nuevos desafíos inesperados y peligrosos. Su búsqueda de justicia y venganza amenaza con consumirla y destruir sus relaciones más queridas.

ESTA CRÍTICA ESTÁ REPLETA DE SPOILERS

La cuarta temporada de The Handmaid's Tale comenzó a emitirse en Hulu en abril de veintiuno, y alteró drásticamente el curso del verano. 

Desde el principio, el drama de Hulu The Handmaid's Tale ha sido galardonado y aclamado por la crítica, pero nunca ha sido inmune a las críticas. Esto es especialmente cierto en el aspecto que resulta más alienante para muchos: la incesante brutalidad puesta en pantalla para dejar en claro que el mundo distópico de Gilead no está jugando. En esta realidad alternativa en la que Estados Unidos ha caído bajo el control de extremistas religiosos, no ha habido muchas esperanzas disponibles para quienes intentan escapar de la nueva sociedad. Pero si bien la cuarta temporada no pretende que el mundo sea de repente un lugar mejor, de alguna manera crea la sensación de que tal vez los sueños de un futuro mejor no sean totalmente imposibles.

The Handmaid's Tale comenzó como una adaptación relativamente sencilla, centrándose en June (Elisabeth Moss), una mujer valorada solo por su habilidad cada vez más rara y valiosa para gestar niños que luchan por sobrevivir al régimen de pesadilla en el poder. Sin embargo, durante cada temporada posterior, el mundo de la serie se ha expandido mucho más allá del marco del texto original de Atwood, mientras que June también ha evolucionado del papel de superviviente a luchadora, encontrando formas cada vez más fuertes de rebelarse contra las fuerzas que la han convertido en una prisionero del estado.

La familia de Gilead ha sido aún más afectada que en cualquier otra temporada. Esta entrega de The Handmaid's Tale establece la temática de cómo avanzamos en tiempos de intenso trauma, cómo buscamos la justicia y qué significa sanar. Y en eso se enfoca el episodio final sobretodo. 

Tras luchar por derribar a Gilead desde dentro y después de sobrevivir por poco a una herida de bala al principio de la cuarta temporada, June consigue llegar a Chicago y es llevada a Canadá, donde se reúne con Moira, Luke y su hija Nichole. Sin embargo, la reincorporación a la vida ordinaria resulta increíblemente difícil para June, lo que hace que sus seres queridos y los espectadores se pregunten cómo podría ser la curación y la superación de Gilead para ella. June sigue preocupada por rescatar a su hija mayor, Hannah, de las garras de Gilead y anhela vengarse de quienes la oprimieron directamente durante su época de sierva, especialmente los ahora encarcelados Fred y Serena Waterford. Aunque los Waterford empezaron la temporada enfrentados, se ven obligados a volver a unirse para idear su liberación de las autoridades canadienses después de que Serena descubra que está embarazada de alguna manera. Pero su libertad es precaria y, por lo tanto, la ven como un ideal, y este se convierte en el tema de muchos personajes que luchan por esa sensación de liberación.

A medida que la temporada explora el viaje y las experiencias de June, Gilead vive dentro de sus víctimas. Incluso después de escapar de sus fronteras, June se ve consumida por el deseo de venganza, desprendiéndose emocionalmente de sus seres queridos para planear el derribo de los Waterford como una forma de vengarse de Gilead en su conjunto. Al final, cuando June se entera de que Fred y Serena probablemente serán liberados por haber entregado al gobierno canadiense secretos de inteligencia de Gilead, toma el asunto en sus manos y organiza la captura de Fred y su traslado a "no man's land" entre Canadá y Gilead. Recreando el salvamento, June y otras antiguas siervas matan brutalmente a Fred en el bosque y dejan su cuerpo colgado en la pared. Sin embargo, June podría enfrentarse a consecuencias personales desgarradoras por su plan de venganza e incluso le dice a Luke que se irá cuando se da cuenta de lo que ha hecho. Tiene poderosos contactos dentro de Gilead, como el comandante Lawrence y su amante Nick Blane, que podrían llevarla a Hannah. Pero su trauma autodestructivo no medicado podría impedirle provocar un cambio real. La necesidad de venganza de June es comprensible, pero podría conducir a horribles ramificaciones en el camino. 

Aunque Serena y Fred se ven obligados a mantener un frente unido a lo largo de la cuarta temporada con la esperanza de escapar de la custodia canadiense y vivir libremente con su hijo no nacido, su relación se vuelve aún más tensa a medida que avanza la serie. Fred tiene un renovado interés en Serena ahora que está embarazada de su hijo, mientras que Serena se siente conmovida por los manifestantes pro Gilead que la aplauden de camino al testimonio de June. 

Los conflictos personales de los Waterford siempre han mostrado cómo las personas que trabajan directamente para mantener las estructuras patriarcales suelen verse perjudicadas por las mismas leyes y expectativas que ayudaron a crear. Esto cierra el círculo en la cuarta temporada cuando Serena se enfrenta a la posibilidad de ser separada de su hijo al nacer y de ser convertida en una sierva en caso de volver con Gilead, como un oscuro espejo de la violación a June por parte de Serena y su intento de robar a Nichole como propia. Fred, que se esconde detrás de la caballerosidad y la bondad teológica para encubrir su misoginia sin sentido, es finalmente derribado por su propia ceguera ante las capacidades y complejidades de las mujeres. Se deja engatusar fácilmente por June para que crea que aún le importa y es asesinado mediante un ritual Gilead que él mismo ayudó a crear. En la próxima temporada, Serena se encontrará por primera vez verdaderamente sola, mientras se enfrenta al mundo que eligió para sí misma y a cómo subyugó a otras mujeres en el proceso. 

La cuarta temporada de The Handmaid's Tale pasa menos tiempo en Gilead que cualquier otra. Pero las escenas que hay refuerzan lo precario que es el rígido sistema del país y cómo esta incertidumbre afecta a la siguiente generación. Un nuevo personaje recurrente es Esther, una esposa de 14 años que espera vengarse de los comandantes que la han agredido brutalmente. Es castigada y convertida en sierva junto a la amiga de June, Janine. Pero la tía Lydia pierde rápidamente el control sobre las siervas, que se resisten a ella con una huelga de comida. La quinta temporada podría marcar una revolución artesanal total si las cosas van bien en Gilead. Los hombres que quedan en Gilead también se debaten entre permanecer con su nuevo y rocoso país o aceptar la creciente revolución. El comandante Lawrence, que es el arquitecto original de Gilead, pide inicialmente 10 refugiados de Gilead a cambio de Hannah. Más tarde, va a contracorriente y la ayuda a destruir a Fred. Y Nick sigue trabajando para Gilead durante toda la temporada, pero aparentemente deserta tras reunirse con June y su hija. 

El arco del personaje de June muestra cómo el trauma no procesado puede consumirte y cambiar tu percepción del mundo de forma importante para los seres queridos en Canadá, pasa la temporada intentando encontrar nuevas formas de avanzar. Ella ha notado cómo sus personas más cercanas han seguido adelante: Luke, Moira y Emily siguen trabajando para ayudar a los refugiados de Gilead a entrar en Canadá y comenzar una nueva vida fuera de la teocracia. También ayudan a criar a la siguiente generación, ya que Luke y Moira son los principales cuidadores de Nichole y Emily sigue reconectando con su hijo Oliver. Moira también tiene una segunda oportunidad en el amor a través de su floreciente relación con su testarudo compañero de trabajo. Mientras tanto, una Rita recién liberada lucha por desaprender todos los comportamientos que Gilead le ha enseñado, como su tendencia automática a servir a la gente a través de la cocina y las tareas domésticas. Los amigos y la familia de June luchan por la posibilidad de un mundo post Gilead, pero los personajes más adaptados siguen luchando por aceptar que ese mundo quizá nunca exista realmente, un viaje que seguramente continuará en la próxima temporada cuando los personajes se enfrenten a la nueva sociedad que han trabajado para construir juntos.

La gente me mira raro cuando cuando me identifico como fan de The Handmaid's Tale. Pero aún así nunca dudo en describirla como una de mis series favoritas, pues además de que he visto todos los episodios de la serie varias veces, he leído el libro en el que se basa, y el sentimiento de revolución que inspira es una obsesión de toda la vida. Ahora, con este cierre agresivo, solo queda más sed por otra entrega (quizás igual de violenta que esta). La quinta temporada está destinada a llevar a los personajes de The Handmaid's Tale al borde del desafío. Cómo podría ser exactamente la libertad en un mundo de violencia patriarcal. Si es así, bienvenida sea.

"Blessed be the vengeance".

Crítica Cinéfila: Run

Hay algo extraño, incluso siniestro en la relación de Chloe (Kiera Allen) y su madre, Diane (Sarah Paulson). Diane ha criado a su hija completamente aislada, controlando cada uno de sus movimientos, pero Chloe pronto empezará a descubrir los oscuros secretos que guarda su madre.

Un delicioso thriller sobre los peligros de la codependencia materna, el segundo largometraje de Aneesh Chaganty demuestra que puede ir más allá que el "truco visual" creado por su Opera prima, Searching. El duelo de excelentes actuaciones de una trastornada Sarah Paulson y la valiente recién llegada Kiera Allen hace que sea difícil apartar la mirada de la pantalla; y es que el ritmo del guión de Chaganty y Sev Ohanian no permite muchas oportunidades para la distracción.

Paulson interpreta a Diane, quien ha pasado los últimos diecisiete años como única cuidadora de una niña con una variedad de necesidades especiales: Chloe (Allen) está paralizada de cintura para abajo, es diabética y asmática, tiene problemas graves de corazón y alergias en la piel. Sin embargo, es una chica extraordinaria: brillante, ingeniosa y ansiosa por comenzar su propia vida tan pronto como la Universidad de Washington le envíe una carta de aceptación.

Las escenas de apertura que muestran la rutina de la escuela desde casa de la pareja (un puñado de píldoras durante el día, un plan de clases riguroso, una sorprendente falta de resentimiento adolescente) también nos informan casualmente que esta niña, a diferencia de casi todos los demás, no siempre tiene esa necesidad constante sobre las conexiones con el mundo exterior. Sin teléfono y aparentemente sin computadora en su habitación, aunque uno se pregunta cómo usa la impresora 3D que está reparando sin una. La cuestión es que no sería fácil hacer ese análisis si de repente uno se diera cuenta de que mamá pudiera estar tramando algo turbio.

Bueno, Chloe sí tiene esa vena de detective. Cuando se percata que su madre le está dando unas píldoras que no le fueron recetadas, ese deseo de investigación despiera. Las primeras escenas después de que surgen las sospechas de Chloe observan lo rápido que improvisan las dos mujeres, cada una sacando mentiras plausibles del aire con una sonrisa cuando la otra hace una pregunta peligrosa. Ninguna compra las respuestas, pero tampoco lo admitirá. Chloe encuentra formas ingeniosas de buscar respuestas sobre la prescripción, y el guión las frustra perfectamente, hasta una secuencia de morderse las uñas en la que se entera de lo que le están haciendo. Diane se da cuenta de su descubrimiento a mitad de camino y la película entra en modo Misery completo, con la niña en silla de ruedas prisionera en su propia habitación.

¿Qué haces cuando no puedes caminar, la puerta de tu habitación tiene barrotes y estás en el segundo piso? Chaganty presenta una respuesta que combina el ingenio de MacGyver, la tensión del reloj y el peligro físico palpable. Una vez terminada la escena, puede sospechar que había una solución más sencilla. Trate de no dejar que eso arruine la emoción pues la secuencia es demasiado ingeniosa y paralizante.

La fotografía es demasiado ingeniosa (me recordó bastante algunos momentos chocantes de Hereditary), donde Hillary Fyffe Spera juega con las sombras creando no solo la suficiente tensión para erizarnos la piel sino que también anticipar bastante de lo que parece que no ocurrirá. Mientras que el compositor Torin Borrowdale proporciona un telón de fondo orquestal de sensación clásica, la película nos mantiene adivinando sin parecer demasiado sedientos para impresionarnos con giros. Aprovechan al máximo las metáforas de la trama sobre el lado oscuro de la procreación y la necesidad existencial de una niña de crear su propia identidad.

Habiéndonos dado un padre rescatado en Searching y una hija que debe hacer su propio rescate aquí, quizás Chaganty construya un thriller en torno al arquetipo más familiar, la madre que superará cualquier obstáculo para proteger a su hijo. Si es así, no cuente con que saldrá de la manera esperada, pues este director sabe salirse con la suya.

Crónica Cinéfila: ¿por qué dejé de ver trailers?

Hace unos años, un amigo comentó que a él no le gustaba ver trailers de películas. Me lo encontré muy extraño porque uno de los mejores elementos de mercadeo de una película es el mismísimo trailer, pero él explicaba que simplemente ya no le llamaba la atención verlos porque siempre delataban la película.

De repente me encontré en una situación similar, donde yo saqué un twist muy específico del final debido a lo que el trailer mostró. Para sorpresa de muchos tenía razón: el personaje estaba muerto y la chica alucinaba con él (no diré el título por si hay personas que no la han visto). Tres de mis amigas no entendían cómo llegué ahí con solo mirar el trailer, hasta que les hice un breakdown de este y se dieron cuenta también. Quizás es porque lo vi tanto que me di cuenta o simplemente estaba ahí mismo y no había que deducir mucho. Pero simplemente llegué a la misma conclusión que mi amigo: dejé de ver trailers. 

Mis razones son más puntuales, aunque creo que todo cinéfilo que llega a esta decisión lo hace casi por lo mismo. 

Lo primero es el hecho de que un trailer ahora le quita el elemento sorpresa de la temática o el conflicto de la historia. Antes las películas de terror se abstenían de mostrar aspectos del antagonista que atacará en pantalla, por el mismo hecho de que al revelarlo ya están avisándole a la audiencia que eso es lo que deben encontrar. Pero no solo ocurre con este género; hasta los dramas más indies en los que su temática es su elemento más fuerte son víctimas de la exposición en un trailer mal estructurado.

Después está el tema de contar la historia completa en 2 minutos. Se supone que un trailer es la recopilación de un límite de escenas con el fin de venderle visualmente el producto a una audiencia meta. Pero vender el trailer no debe ser vender la película en 2 minutos (o más... porque ahora también está la popularidad de tener trailers larguísimos lo cual NO debería ser así). Hay algunos que una vez los ves no solo sabes lo que ocurrirá al final, sino que también sabes todo lo que ocurrirá en el centro. Uno de los mejores trailers que he visto es el de la película Roma por la sencilla razón de que nunca se llega a tocar el enfoque de la película. Pero eso se debe a que Alfonso Cuarón es un genio y cuida mucho su material.

Con esto no digo que los trailers deben ser completamente abstractos, pero la prudencia de elegir escenas específicas y que con esto no se sienta que se delata los momentos más esenciales es muy importante. Recordemos que también se quieren vender taquillas del cine o que se subscriban a la página de streaming a verlo.

Mi última razón es muy crítica y personal. Se trata de vender la idea erronea a la audiencia. No se imaginan la cantidad de veces que veía un trailer y decía "esta película de terror estará buenísima", y resultaba que no era terror, o que me indicaba que la historia se enfocaría más en un personaje o un tipo de historia, y al final no era así. La decepción era tan grande que en más de una ocasión sentí la necesidad de salir de la sala de cine. Quiero creer que los publicistas utilizan esta técnica para llamar a más personas de otro tipo de público a ver la película; pero y ¿qué nos dejan a quienes somos de ese público, que somos engañados y después acribillamos la película con palabras crueles por la gran decepción que nos han dejado? No piensen que seré bondadosa porque ustedes inocentemente quisieron vendérmela con lo que a mi me gusta ver para luego no ser así. No lo seré.

Ver trailers es uno de los trabajos más importantes de todo cinéfilo. Se hace para poder predecir qué tan interesante o desastrosa será una película o serie. Pero definitivamente se ha salido de mi sistema de trabajo. Con la simple lectura de una sinopsis o el poster, ya es suficiente para mí. Y con esto no les digo que no vean trailers, pero tengan cuidado con ellos. No vaya a ser que un día por una simple mala estructura, les digan el twist del final.

Pero si ya los dejaste de ver, ¿por qué lo hiciste?

Crítica Cinéfila: Palm Springs

Cuando el desenfadado Nyles y su reticente dama de honor Sarah tienen la oportunidad de encontrarse en una boda de Palm Springs, las cosas se complican al verse incapaces de escapar del lugar y el uno del otro. 

Nyles de Andy Samberg, está atrapado en una rutina sinfín en la comedia romántica Palm Springs de Max Barbakow. La película no usa simplemente su fantasía como un camino hacia la redención; en cambio, considera seriamente la cuestión de cómo uno podría vivir con su propio daño, si está atrapado en la éxtasis eterna y se le niega la salida de la muerte. La inutilidad, el aislamiento y la garantía de que nadie entenderá su situación pueden no parecer las creaciones de un corazón lleno de risas, pero en las manos de Barbakow y el guionista Andy Siara, lo es.

Nyles está atrapado reviviendo algo mucho peor que una pesadilla: la boda de un desconocido. Cuando lo conocemos, él ya ha vivido cientos o miles de iteraciones del día (ya ni se recuerda hace cuanto está atrapado en el loop), lo que explica lo poco que le importa impresionar a otros huéspedes en el evento en medio del desierto de Palm Springs. Se viste para el evento con pantalones cortos y camisa de playa, abre latas de cerveza durante la ceremonia y se acerca casualmente para brindar por los recién casados ​​cuando la dama de honor Sarah (Cristin Milioti) está demasiado borracha para hacerlo. Luego hace algunos movimientos sutiles en la pista de baile, se abalanza sobre Sarah y la convence de escabullirse a las colinas con él. Tal vez ha tenido mucha práctica en esto.

A la mañana siguiente, cuando Nyles se despierta con la misma vista que ha tenido innumerables veces, Sarah está teniendo la misma experiencia en otra habitación. Ahora también está atrapada en este día y tiene muchas más razones para temer el día de la boda que él. Está furiosa con Nyles, quien finalmente calma las cosas lo suficiente como para explicar que él ya ha intentado todas las formas posibles para terminar con este fenómeno. "No tenemos otra opción más que aprender a sufrir en el loop". Gracias a Dios, cada lata de cerveza que consuma estará llena de un nuevo mañana y de repente nuevas aventuras.

Poner a dos personas atractivas juntas en esta situación resuelve un dilema moral inherente al género del bucle de tiempo: si el hombre puede probar un número infinito de cosas para hacer que la mujer se enamore de él, ¿ella es realmente una participante en la relación? Los ajustes al formato no se detienen allí: un flashback de una de las noches más salvajes de Nyles, con un invitado a la boda interpretado por JK Simmons, explica que hay complicaciones en su plan de existencia, pero eso solo justificaría otra película más empleando esta premisa familiar.

Una pregunta arde en la mente de cualquiera que haya visto más de un par de estas películas de bucle de tiempo: ¿que tan inteligente es esta trama en función a su montaje? Está entre las mejores. El guión ofrece algunos trucos realmente novedosos incluso antes de imaginar las innumerables formas en que uno podría arruinar el día perfecto y especial de una pareja durante su boda.

Incluso aquí, sin embargo, la película está siendo pensada mientras te hace reír: en un momento problemático, mientras Sarah está frustrando a los demás, Nyles la insta a reconsiderar: no importa que tus víctimas no recuerden tu maldad cuando el día se restablezca. Lo recordarás, y no hará que la existencia sea más fácil.

Ese intercambio llega en medio de la mayor decisión que enfrentarán estos dos. Ya que están atrapados despertando en la misma casa todos los días por la eternidad, ¿es una locura o ideal comenzar a dormir juntos? Piensa dos veces antes de responder; romper no será divertido. La lógica del cine dice una cosa: esta es una comedia comercial que agrada a la multitud, pero Nyles ha estado en la cuadra tal vez miles de veces. Él sabe una o dos cosas. El hecho de que todavía sea más tonto que Sarah hace de Palm Springs un lugar muy divertido para quedarse atrapado.

Crítica Cinéfila: The Great, 1ra Temporada

Serie que relata el ascenso al poder de Catherine the Great (Elle Fanning), que fue emperatriz de Rusia durante 34 años, desde el 1762 hasta su muerte a los 67 años.

Antes de convertirse en la emperatriz, Catherine (Elle Fanning) venía de una familia alemana noble muy pobre, y soñaba que su matrimonio con Peter (Nicholas Hoult) le iba a traer no solo riqueza material, sino un romance de ensueño y un acceso a los mayores conocimientos intelectuales de la época. Sin embargo, al llegar al palacio de Saint Petersburg, se dio cuenta de que sus anhelos románticos se quedarían en la ilusión, y que si quería llegar a ellos debía deshacerse del rey. Esa es la premisa de la nueva serie de Hulu "The Great", la cual no solo narra la lucha de Catherine por ser más que la procreadora de los futuros herederos de la Dinastía Románov, sino también los altibajos del reinado y cómo ella planea un golpe de estado al rey para poder lograrlo.

La serie sigue tanto el plan de Catherine acompañada por su criada Marial (Phoebe Fox) y Orlo (Sacha Dhawan), el romance entre Catherine y su primer amante oficial Leo (Sebastián de Souza), y su tóxica relación con Peter, quién no solo había planeado con matar a Catherine en algún momento de la historia, pero que con el tiempo y el continuo rechazo de Catherine a sus ideas, él se fue enamorando de ella. Así mismo sigue la vida de Peter, sus supuestas inmadureces dentro del palacio, el romance público que tenía con la esposa de su mejor amigo, y las decisiones aceleradas que tomaba que siempre llevaban a un desastre que Catherine debía arreglar.

Aunque muchos aspectos de la historia, sobretodo el mismísimo diálogo de la serie, son ficticias, estos son inspirados en la realidad del reinado de Peter III y su matrimonio apresurado con Catherine, quien sí llegó al palacio con esas mismas ambiciones y conocimientos que la serie lo plantea, pero que logró destacarse de manera más gradual y creíble. Sin embargo, hay que destacarle a la trama que, aún siendo una serie satirizada y que ridiculiza de manera interesante a Peter, la serie se torna constantemente a un tono más serio y dramático cuando resalta la realidad de la época en función a temas como el control y la participación de la Iglesia en las decisiones políticas y militares, el trato distintivo entre la plebe y los nobles, y las consecuencias de los actos sulfurantes de su rey. 

El mayor fuerte de esta serie es la actuación delicada de Elle Fanning reencarnando a Catherine the Great, un personaje igual de real como se ve en la serie. Fanning tiene una transformación no verbal resaltante al encarar las frustraciones y metas que se plantea Catherine a lo largo de la trama, mientras confronta los mayores obstáculos, el más importante: su propio esposo. Frustrada con el gobierno de su marido inepto, Catherine, de hecho, dirigió una conspiración para derrocar a Peter, anhelando el primer instituto de educación superior para mujeres, y traer a Rusia a un mundo más moderno junto con el resto de Europa.

Hay tramas narrativas que le dan mucha vida a la historia. Una de ellas es la de Catherine y su amante designado Leo Voronsky. Si bien el propio Leo no era una persona real, se basa libremente en la historia real de la vida de Catherine. Incluso al principio de su matrimonio con Peter, Catherine tuvo amantes (al igual que Peter). Su primer amante fue Sergei Saltykov, un joven oficial popular que parece ser la inspiración más cercana para el personaje de Leo. Aquí Leo es un personaje leído y simpático, proveniente de una familia de amantes con un talento inigualable para hacer sentir complacidas a sus parejas. Es la química mejor establecida de toda la serie, inclusive mayor que la de Fanning y Fox como la emperatriz y criada unidas en contra de los hombres. La verdad es que la sirvienta de Catherine y su mejor amiga, Marial, es un invento completo, al igual que los cortesanos que las rodean. La corte estaba llena de nobleza rusa, todos luchando por ser favorecidos por los gobernantes, y es probable que haya tanta intriga como The Great describe. El conde Orlo es uno de los pocos personajes que se basa explícitamente en una figura de la vida real. La verdadera Catherine confiaba en gran medida en el conde Grigory Orlov, así como la ficticia Catherine confía en Orlo entre sus confidentes y amigos más cercanos mientras planifica su golpe. 

Sin embargo, hay otros personajes que, aunque son creados para darle un valor dramático de peso, se desligan de la realidad, o peor, la estiran. Tal es el caso de Elizabeth. En el programa, ella es la "tía de fiesta" promiscua y envejecida, pero en realidad, ella era una emperatriz por derecho propio y, lo que es más importante, no estaba viva durante el reinado de Peter III porque él la sucedió al trono (no como dice la serie, que quiere poner a la ex reina como la madre de Peter). Elizabeth era una hija de Peter the Great, que tomó el trono en un golpe de estado en gran medida sin sangre en 1741, derrocando a su primo infante Ivan VI y a su madre, la Reina Anna. Ella dejó el trono a su sobrino Peter III, y murió en 1762. Pero no se puede desvalorar la actuación de Belinda Bromilow (Doctor Doctor), quien se entrega en voz y corazón a reencarnar a Elizabeth, tanto en su pacificidad como en su carácter hacia lo que se puede cambiar con una mujer al mando.

Otro personaje es el de Peter III, el antagonista principal. Era el nieto del popular Peter el Grande, pero había sido criado en gran parte por su familia alemana y era fuertemente pro-alemán en sus políticas. Peter era impopular, pero The Great exagera algunos detalles históricos para convertirlo en un antagonista deliciosamente monstruoso, lo cual Hoult logra de una manera increíble, aunque por momentos innecesaria.

Hay que resaltar que el valor de producción de The Great está a una altura comparable con otras series de época exitosas, resaltando la belleza monárquica en el diseño de producción, los vestuarios tan característicos y haciendo referencia al cambio cultural que Catherine enfrenta, tanto en los detalles de los uniformes como en la de las estatuas, decoraciones de época y exclusividades naturales.

The Great promete más subtramas y conflictos para sus siguientes temporadas, y como ya sabemos que no está totalmente basada en la realidad, seguirá con el mismo tono tragicómico que estableció en esta primera temporada. La escritura es creativa y el establecimiento de sus personajes es conciso por lo que se espera más de lo mismo, sin dejar atrás la meta principal: quitar del trono a Peter. Esa es la única verdad que queremos ver cumplida.

Crítica Cinéfila: Delivered

Una mujer embarazada ve cómo su vida cambia drásticamente a causa de 'algo' que amenaza con robar a su bebé.

La octava película para TV de la segunda temporada de Into the Dark: Delivered (producida por Hulu y dedicada para el día de Madres) parece inspirarse de una temática que vimos hace mucho tiempo y que a los fanáticos del terror nos encantó ver. ¿Recuerdan en Misery cuando Annie cambia de una fanática fiel a una fanática loca/violenta solo porque Paul no continúa la novela tal como ella quería? Aunque enfocándose en otro tipo de meta que nuestra protagonista debe obtener para lograr su "libertad", la nueva película de Emma Tammi nos da esa misma tensión que la famosa novela de Stephen King logró generar en sus fanáticos.

Valerie (Natalie Paul) es una mujer que se prepara para la llegada de su primogénito, junto a su esposo Tom (Michael Cassidy). Aunque Tom se muestra entusiasmado por la llegada del bebé, Valerie no concilia el sueño con pesadillas extrañas y durante el día vive atemorizada de confrontar a un tal Riley de su pasado (Micah Joe Parker). Lo único que logra sacarle un poco de estrés es su clase de Namaste prenatal donde conoce a Jenny (Tina Majorino) una madre soltera a la que Valerie le toma rápido cariño. Cuando ella invita a la pareja a su rancho, no pierde tiempo antes de ejecutar su plan: eliminar a Tom y apresar a Valerie hasta que tenga el bebé que ella terminará adoptando. Si creen que les he dicho algún spoiler, les aviso que solo he confesado lo que podrán ver en el trailer, pues Delivered es mucho más que eso. Ahora Valerie debe tratar de encontrar la manera de salvar su vida y la de su bebé antes de que la locura de Jenny aumente y haga peores cosas que aparentemente ya ha hecho.

Esta nueva película de Into The Dark llega justo a tiempo por varias razones: a la serie no le ha ido muy bien con sus filmes episódicos anteriores, y ya muchos fanáticos del terror no reestudian clásicos de Stephen King a menos que estén muy curiosos. Delivered presenta características claramente inspiradas en el famoso escritor, pero evitando caer en la readaptación, enfocando el conflicto a un tema aún más sensitivo: la devotada maternidad y lo intensa que se convierte cuando existen situaciones de crisis. Claramente, Dirk Blackman estudió el famoso guión de los William Goldman, y mantuvo una estructura muy similar al filme de los 90, pero manteniendo la esencial principal de los twists y las explicaciones necesarias para justificar las acciones del antagonista.

Pero, más importante que el conflicto interno de la antagonista, es la relación entre los personajes principales, y cómo dos mujeres con objetivos muy diferentes en la vida deben luchar mano a mano (o cuchillo a chapa de madera) para reconocer quien finalmente se quedará con el bebé que una de las dos concederá. La química de gato vs. ratón les cae muy bien a Paul y Majorino, llevando esa tensión al máximo en cada momento, sin necesidad de mostrar el gore tan a la clara. El verdadero terror lo causa las batallas internas de cada una y cómo lo plasman en sus peleas una contra la otra.

La tensión es aumentada gracias a la cinematografía de Lyn Moncrief y complementada con la musicalización clásica de esta serie que nunca deja de parar los pelos de punta. Pero en esta ocasión es distinta. Aquí hubo un mayor cuidado a cómo todos estos elementos técnicos se conjugaban con la narrativa y otorgaban lo que fue la mayor inclinación que se tenía desde su origen: una serie que convirtiese cada época festiva en una escena de completo terror.

Into the Dark: Delivered se estrecha en ese instinto maternal, tanto de la futura madre como de la villana que se extruyen la maternidad como un medio para justificar sus acciones; uno hace cualquier cosa para sobrevivir mientras que la otra hace cualquier cosa en su poder para tener un bebé para sí misma. La serie Hulu ha villanizado la melancolía por un lado, mientras que desarrolla la cálida naturaleza de ser expectante por el otro. Es una combinación que funciona maravillosamente, con ambas protagonistas femeninas afinando su número opuesto, ambas tan intrigantes como la otra.

En cuanto a los horrores, el elemento de "horror" se basa en cuán aterradora es la situación para la futura madre. Into the Dark: Delivered muestra varias escenas en las que la futura madre le promete que lo sacará de este "desastre". El horror se intensifica a medida que avanza la película, jugando con la desesperación de ambos personajes. Con un tiempo de ejecución de 80 minutos, cabe en todo lo que puede. Y lo más emotivo es que es fácil crear empatía por ambos personajes de maneras únicas y diferentes.